“Дездемона” на большом экранею Спектакль Каунасского музыкального театра

В марте компания The Art Seen Films (директор - Эдди Аронофф) представляет в большом Чикаго видеоверсии двух спектаклей: 2 марта в 2.00 pm в серии “World Ballet on Screen” - “Дездемона” (“Desdemona”) Каунасского музыкального театра (Литва), 23 марта в 2.00 pm в серии “Theatre on Screen” - “Все тут” (“Everyone Is Here”) в постановке Дмитрия Крымова. О спектакле и режиссере - в следующий раз. Сегодня - о невербальном театре и его ярких представителях. 

“Дездемона” Каунасского музыкального театра. Балет в двух актах на музыку Анатолия Шендерова. Режиссер и хореограф - Анжелика Холина. Музыкальный руководитель и главный дирижер - Рикардас Сумила. Художник - Мариуш Ясовскис. Симфонический оркестр Каунасского музыкального театра. Дирижер - Юлиус Генюшас. В ролях: Дездемона - Нора Страукайте, Отелло - Йонас Лаусиюш, Яго - Валериус Осадченко, Кассио - Ауримас Тискевичюс, Бианка - Сандра Лавреновайте, Эмилия - Стефания Носовайте, Брабанцио - Роман Завгородний. Ударник - Аркадиюш Готесманас. Соло на скрипке - Повилас Григас. Соло на виолончели - Томас Сатас. Соло на виолончели в эпилоге - Давид Герингас. Продолжительность спектакля - 1 час 35 минут.

В основе либретто спектакля - трагедия Шекспира “Отелло”, история о ревности и двуличности людей. Благодаря вечно актуальным темам шекспировский текст сохраняет свою актуальность и сегодня, получая на драматических сценах множество различных интерпретаций. Между тем в хореографии эта тема получила гораздо меньшее распространение. В этом контексте интересен взгляд Анжелики Холиной. В центре сюжета - женский персонаж: самоотверженная, дерзкая и свободная Дездемона. Под стать главной героине и хореография спектакля - яркая, необычная, живая. Спектакль смотрится на одном дыхании. Мы становимся свидетелями конфликта двух совершенно разных персонажей: Отелло и Яго. Мавританский полководец Отелло женат на Дездемоне. Яго - знаменосец армии Отелло - движимый желанием мести, злонамеренно разжигает ревность полководца, утверждая, что Дездемона изменяет ему с другом Кассио. Воспламененное ревностью воображение Отелло рисует картину измены жены, и, охваченный слепой яростью, он убивает несчастную Дездемону.

“Дездемона” - одна из недавних работ литовского режиссера и хореографа Анжелики Холиной. Она давно работает в жанре пластического театра. Доцент Литовской академии музыки и театра в Вильнюсе. В 2000 году основала Театр танца, который с мюзиклом “Легенда о любви Барбары Радвилайте и Сигизмунда Августа” в 2018 году гастролировал в Чикаго. Холина знакома нам по спектаклям в Московском театре имени Вахтангова и совместным работам с Римасом Туминасом. Какое-то время в репертуаре Вахтанговского спектакля шли четыре спектакля Холиной: “Берег женщин” (2008), “Анна Каренина” (2012), “Отелло” (2013) и “Мужчины и женщины, или Сценарии, по которым живут люди” (2015). Как режиссер-хореограф принимала участие в создании вахтанговских спектаклей Туминаса “Евгений Онегин“ (2013), “Минетти“ (2015), “Царь Эдип“ (2016), работала с Туминасом над спектаклем “Катерина Измайлова“ (2016) в Большом театре.

Видеоверсия “Анны Карениной” демонстрировалась во втором сезоне (2016-17 годов) проекта Stage Russia. Перед американской премьерой видеоверсии мне удалось пообщаться с Анжеликой Холиной. Вот фрагмент нашей беседы.

- Как рождается хореография? Приходя на сцену, у вас в голове уже есть какие-то движения или вы идете методом проб и ошибок, работая на сцене с исполнителями?

- По-разному. Я никогда не готовлюсь к репетициям, но знаю, о чем хочу поговорить в сцене, которую мы должны репетировать. Когда я беру конкретный материал, я стараюсь раскрыть автора, а не себя, пытаюсь донести его взгляды и идеи.

- От замысла до воплощения - дистанция какого размера? Первые наброски сильно отличаются от окончательного варианта?

- Я все делаю сразу, без экспериментов. Актерам нужно очень точно и хорошо показать. Если буду менять, искать, то они растеряются и вообще не зафиксируют комбинации. Я знаю эту специфику и поэтому ставлю сразу. И сама я не люблю долгих поисков. Ты должен очень хорошо знать, чего хочешь. Я всегда это знаю.

- Хореография имеет границы? Все ли произведения можно поставить этим языком?

- Нет, мне кажется, все поставить этим языком нельзя. Не все произведения поддаются именно этому жанру. Сложно прыгать через время. История должна быть рассказана, как сказка: “жили-были“, “произошло это“, “случилось то“...

К теме шекспировской трагедии Холина обращалась в 2013 году. О своей идее “Отелло” она говорила так: “В театре мне хочется говорить о любви и судьбах людей, поэтому я выбрала “Отелло” - великое произведение Шекспира, где он изобразил страшную, поистине потрясающую трагедию человека, который убил самое дорогое ему существо и лишил свою жизнь всякого смысла”.

Каунасская “Дездемона” во многом отличается от первой постановки Литовского национального театра оперы и балета 2005 года. Иная версия партитуры, по словам хореографа, теснее связана с сюжетом трагедии Шекспира. Артисты балетной труппы танцуют несколько ролей, создавая тем самым не только эффект массовости, но и придавая смысл драматизму преображения персонажей.

В спектакле звучит музыка одного из самых известных композиторов Литвы Анатолия Шендерова (1945-2019). В его активе - вокальные и симфонические произведения, балеты и камерная музыка. Одна из последних работ композитора - музыка к спектаклю “Гетто” Гинтараса Варнаса, созданного по пьесе Дж.Соболя. Постановка была приурочена к столетию государственности Литвы и семидесятилетию годовщины ликвидации Вильнюсского гетто. Сочинения Шендерова звучали на фестивалях современной музыки в Литве, Чехии, Дании, Великобритании, Израиле, Японии, США, Польше, Люксембурге, Венгрии, Германии. Шендеров - лауреат Литовской Национальной премии в области культуры и искусства, кавалер Почетного ордена Гедиминаса. Балет “Дездемона” был признан в Литве лучшим музыкальным произведением 2005 года. Из размышлений Анатолия Шендерова о балете: “Музыка “Дездемоны” вдохновлена, с одной стороны, страстями шекспировской драмы, необыкновенной любовью и самопожертвованием, с другой - неоправданным упором на свои амбиции. Сочиняя музыку для балета, я всегда придерживаюсь точки зрения, что балет - это не действие, а впечатление, вызванное действием. Этим все сказано. В моей балетной музыке есть любовь, страсть, ревность, обман... Я не следовал сюжетной линии, а писал симфоническую музыку. Она навеяна теми или иными чувствами, связанными с событиями на сцене, характерами персонажей, существующими в моем воображении. Я давно “построил”, “станцевал”, создал “сценографию” для своего воображаемого балета... Нет балетной музыки - есть хорошая и плохая музыка. В своей работе я не ставлю перед собой цели создать то, чего еще не существовало. Кто-то сказал: “Не ищите нового, ищите вечное”.

В спектакле занята ударная группа, в которую входит известный джазовый ударник Аркадиюш Готесманас, который участвовал в первой постановке балета.

Каунасский музыкальный театр был построен в 1892 году. Нынешний вид театр приобрел в независимой Литве, получив статус государственного. В репертуаре театра - оперы, балеты, мюзиклы, спектакли для детей. Подробности и билеты - на сайте www.muzikinisteatras.lt/.

Nota bene! В большом Чикаго спектакль “Дездемона” Каунасского музыкального театра демонстрируется 2 марта в 2.00 pm в Wilmette Theatre (1122 Central Ave, Wilmette, IL 60091). Билеты - на сайте

ticketing.useast.veezi.com/purchase/20498?siteToken=eym1b8zj89qyb17se01zmgtfww.

Фотографии к статье:

Фото 1-4. Сцены из спектакля “Дездемона”. Фото - Дмитрий Матвеев

Страх и отчаяние в мире. Пьеса Брехта в театре “Одеон”

Одним из главных театральных событий января стал для меня спектакль “Страх и отчаяние в Третьей империи” (“Furcht und Elend des III Reiches”) по одноименной пьесе Бертольта Брехта (1898-1956) в парижском театре “Одеон” - Театре Европы (The Odéon-Théâtre de l'Europe). Режиссер - Жюли Дюкло. В ролях: Роза-Виктуар Бутерен, Даниэль Делабесс, Филипп Дюкло, Полин Урюген, Йохан Лопес, Стефани Марк, Мексиану Медену, Бартелеми Мериджен, Этьен Токе, Мирта Вермелен.

“Страх и отчаяние в Третьей империи” - пьеса из двадцати четырех сцен, написанная Брехтом в 1934-1938 годах. В 1932 году имя писателя появилось в списке “немцев с подмоченной репутацией” - так в нацистской Германии называли тех, кого в сегодняшней России назовут “иноагентами”. Писатель уехал из Германии 28 февраля 1933 года, на следующий день после поджога Рейхстага. Уехал с женой, актрисой Еленой Вайгель, в Вену, позднее они перебрались в Данию.

Теоретик эпического театра, Брехт в то же время является одним из его главных рассказчиков. Среди сцен пьесы - истории, которые он читал или слышал в пересказе других эмигрантов. В своей пьесе Брехт показал, как ложь политического режима развращает людей, как ими манипулирует власть, как разрушаются семейные ценности, как унижено и побеждено страхом человеческое достоинство, как люди теряют способность и возможность противостоять насилию. В рабочих заметках к пьесе Брехт писал: “Германия, наша родина, стала народом, состоящим из двух миллионов шпионов и восьмидесяти миллионов подвергаемых шпионской слежке... То, что отец говорит сыну, он говорит, чтобы не быть арестованным. Священник листает Библию, ища слова, которые он может произнести, не будучи арестованным. Учитель подыскивает для какого-то деяния Карла Великого такую причину, которую он может преподать ученикам без того, чтобы его за это арестовали. Подписывая свидетельство о смерти, врач выбирает такую причину, чтобы она не привела к его аресту. Поэт ломает голову над рифмой, за которую его нельзя было бы арестовать. Крестьянин решает не давать корма свинье, чтобы избежать ареста...”.

Жюли Дюкло и актеры театра “Одеон” говорят не о Германии тридцатых годов XX века. Нет, они показывают, как актуально сегодня звучат эти сцены для Европы, Америки и всего мира. Сценический дизайн минималистичен и холоден - огромный стол посреди большой сцены, несколько стульев. В этом пространстве женщины кутаются в шали, мужчины ходят быстро и резко. В этом пространстве неуютно, все пропитано злобой, недоверием, ненавистью.

Впервые пьеса “Страх и отчаяние в Третьей империи” была издана в 1938 году в  Праге, но весь тираж издания пропал во время немецко-фашистской оккупации Чехословакии. Первое представление состоялось в Париже 21 мая 1938 года на немецком языке. Среди актеров были Елена Вайгель и Эрнст Буш. Спектакль назывался “99  процентов”, в него входило восемь сцен: “Меловой  крест”, “Зимняя  помощь”, “Шпион”, “Жена еврейка”, “Два  булочника”, “Правосудие”, “Крестьянин кормит свинью”, “Работодатели”. Постановка была организована парижской секцией Союза немецких писателей. Весь сбор поступил в пользу Немецкого комитета помощи республиканской Испании. Спектакль имел большое политическое значение. Одна из газет антифашистской эмиграции писала: “Спектакль, на который собрались представители всех кругов эмиграции, стал антифашистской демонстрацией в духе Народного фронта. В этом, мы считаем, заключается настоящее и истинное значение постановки сцен Брехта. Собравшиеся - мы уже давно не видели в Париже такого сплочения сил самых различных группировок - были едины в своей позиции против национал-социализма” (газета “Deutsche Volkszeitung”, 29 мая 1938 года). Накануне и во время войны отдельные сцены исполнялись в странах антифашистской коалиции и в нейтральных  государствах. 12 мая 1939 года состоялась премьера нескольких сцен в Лондоне, 29 апреля 1944 года сцена “Правосудие” была поставлена в Стокгольме, в роли следователя выступил бывший актер театра в Дюссельдорфе Герман Грайд.

Из постановок недавнего времени отмечу спектакль Льва Додина “Страх Любовь Отчаяние” в Малом драматическом театре - Театре Европы (2017 год). 2 сентября 2022 года труппа “Театр переходного периода” в постановке Всеволода Лисовского дала в Москве уличный спектакль, который был прерван полицией. Режиссер, участники спектакля и зрители были арестованы. 25 августа 2023 года в Русском театре Эстонии Тимофей Кулябин поставил спектакль “Страх и отчаяние” по своей композиции, созданной на основе сцен брехтовской пьесы.

Театральный критик Сергей Николаевич недавно заметил, что “для русского театра Брехта заново открыл Юрий Бутусов. Что-то он с этим немцем такое сделал, что теперь невозможно забыть. Он вернул ему секс, провокацию, сарказм. Брехт у него зазвучал по-немецки. И этот живой звук немецкой речи (зонги исполнялись на языке оригинала), и музыка Пауля Дессау, которая была когда-то написала специально для “Доброго человека из Сезуана”, и актерское бесстрашие Александры Урсуляк, и грандиозная сценография Александра Шишкина - все это и сложилось в один из самых сильных спектаклей минувшего десятилетия. “Добрый человек из Сезуана” был поставлен в 2013 году. Сегодня, спустя двенадцать лет, этот спектакль смотрится совсем иначе, а Брехт воспринимается как насмешливый и мудрый пророк”. Об этом речь шла на вечере-встрече с Юрием Бутусовым 1 февраля в Таллинне в рамках BUTUSOV FEST.

Но вернемся в Париж. Реакция французской прессы на спектакль театра “Одеон” была положительной. Приведу три цитаты. Les Echos: “Мощная ретрофутуристическая фреска, опасно перекликающаяся с излишествами сегодняшнего мира”. Sceneweb: “Жюли Дюкло наполняет сцены Брехта чувственной энергией, усиливающей их политическое значение”. La Terrasse: “Брехт изображает довоенное немецкое общество, а Жюли Дюкло величественно адаптирует его в спектакле, который выглядит как предупреждение”.

Актриса и режиссер Жюли Дюкло окончила Парижскую консерваторию. Среди ее спектаклей - “Маскулин/Феминин” (2012 год), “Nos Serments” по пьесе Жана Эсташа “Мама и путэн” в Национальном театре де ла Коллин (2014 год), “MayDay” по пьесе Доротеи Зумштайн (2015 год) и “Пеллеас и Мелизанда” Мориса Метерлинка (2019 год) на Авиньонском фестивале. Дюкло - артистка Национального театра Бретани в Ренне.

Парижский спектакль длится 2 часа 15 минут без антракта. Закручивание гаек, превращение когда-то свободной страны в фашистскую диктатуру происходит на наших глазах так зримо, что в какой-то момент становится физически тяжело. Страх и отчаяние не только в Третьей империи - страх и отчаяние охватывает нас, видя то, что происходит вокруг. На фоне непрекращающейся агрессии России против Украины, резкого возвышения ультраправых партий и их лидеров по всему миру французский театр устами немецкого писателя-антифашиста недвусмысленно предупреждает нас: будьте бдительны! Не дайте фашизму снова расправить крылья! Не повторяйте ошибок прошлого!

Театр “Одеон” расположен в квартале Сен-Жермен-де-Пре в шестом округе Парижа. Мы жили в нескольких кварталах от театра и часто прогуливались по площади, любуясь неоклассической архитектурой и величественным фасадом здания. История театра началась в 1782 году, когда королева Мария-Антуанетта решила построить новый театр для постановки французских трагедий. Театр был построен по проекту архитекторов Шарля де Вайин и Мари-Жозефа Пейре. Дата открытия театра - 9 апреля 1782 года. Театр стал первым парижским зданием, полностью посвященным театральным представлениям. В 1784 году в театре состоялась премьера пьесы “Безумный день, или Женитьба Фигаро” П.Бомарше. Первоначально зрительный зал театра на 1913 зрителей был самым большим в Париже. Сегодня зал театра рассчитан на восемьсот зрителей. 

27 апреля 1791 года, во время Великой Французской революции, театральная труппа распалась. Симпатизирующие королю актеры остались в театре в Сен-Жерменском предместье. Они были арестованы и заключены в тюрьму в ночь на 3 сентября 1793 года, но через год им разрешили вернуться на сцену. В 1797 году театр был реконструирован архитектором Жаном-Франсуа Леклерком, но 18 марта 1799 года уничтожен пожаром. Новый театр был спроектирован архитектором Триумфальной арки Жаном Шальгрином. И снова - разрушительный пожар 1818 года. Третье, нынешнее здание, спроектированное Пьером Тома Бараге, было открыто в сентябре 1819 года.

Историческое место, на котором находится театр, стало идеальным фоном для создания культурного центра, синонимом театрального совершенства. Улицы, ведущие к площади, носят имена известных драматургов: Корнеля, Расина, Делавиня, Крейона, Реньяра, Ретроу.

С 7 октября 1947 года театр внесен в список исторических памятников. В 1925 году на Всемирной выставке в Париже театр удостоен Золотой медали. С 1990 года театр носит гордый подзаголовок - “Театр Европы”.

В разные годы театр возглавляли крупнейшие мастера французского театра - Оливье Пи (2007-2011 годы), Люк Бонди (2012-2015 годы), Стефан Брауншвейг (2016-2024). С 15 июля 2024 года директором театра является режиссер Жюльен Гослен.

В театре проходят гастроли зарубежных трупп. “Одеон” часто выступает партнером и сопродюсером ряда международных театральных проектов. Так, Белорусский Свободный театр показывал на сцене театра спектакль Владимира Щербаня “Король Лир” с Олегом Сидорчиком в главной роли. На сцене “Одеона” в роли Федры блистала Изабель Юппер. За последние несколько лет в театре прошли спектакли “Братство, фантастическая сказка” (“Fraternité, conte fantastique”) Кэролайн Гуелы Нгуен, “Молчание” (“Tystnaden”) по пьесе И.Бергмана компании Dead Centre Göteborgs Stadsteater, “Imagine” Кристианы Люпы театра Powszechny (Варшава), “The woman who stood” по пьесе Бобо Елчича Хорватского национального театра (Загреб).

Кроме основной сцены, спектакли театра играют в помещении Ateliers Berthier, расположенном на бульваре Бертье в XVII округе Парижа. Здание было построено Шарлем Гарнье в 1895 году для Парижской оперы, архитектором которой он был, и до пятидесятых годов служило складом для хранения декораций. В январе 2003 года Ateliers Berthier было превращено в общественное здание, где игрались спектакли во время реконструкции “Одеона”. В мае 2005 года Ateliers Berthier был официально признан вторым залом театра “Одеон”. Зал вмещает шестьсот зрителей.

В определенные дни (в том числе - в тот самый, когда я побывал в театре) спектакли проходят с английскими субтитрами, что свидетельствует о стремлении театра сделать искусство доступным для большей аудитории.

В ближайших планах театра - спектакли “Эстетика сопротивления” (“The Aesthetics of Resistance”) по роману Петера Вайса в постановке Силвейн Кройцевот (1-16 марта), “Любовник” (“L’Amante anglaise”) по роману Маргерит Дюрас в постановке Эмили Черриот (21 марта - 13 апреля), “Авессалом, Авессалом!” (“Absalom, Absalom!”) по роману У.Фолкнера в постановке Северин Шаврье (26 марта - 11 апреля), “Левиафан” (“Léviathan”) по пьесе Уильяма Пуа в постановке Лорейн де Сагазан (2-23 мая), “L'Hôtel du Libre-Échange” по пьесе Жоржа Фейдо в постановке Станисласа Нордея (6 мая - 13 июня). С десятичасовым спектаклем “Музей Дюрас” (“Musée Duras”) по текстам Маргерит Дюрас в постановке Жюльена Гослена театр планирует принять участие в фестивале Wiener Festwochen (21-22 июня 2025 года), со спектаклем “Дело прошлое” (“Le Passé”) по текстам Леонида Андреева в постановке Гослена театр будет участвовать в Зальцбургском фестиваля (28 июля - 2 августа).

Nota bene! Билеты на спектакли театра “Одеон” - Театра Европы - на сайте www.theatre-odeon.eu/en. Там же вы найдете подробную информацию об истории создания и сегодняшнем дне театра.

Фотографии к статье:

Фото 1-3. Сцены из спектакля “Страх и отчаяние в Третьей империи”. Фото - Саймон Гослен

Фото 4. Театр “Одеон” - Театр Европы. Фото - Тьерри Депанье

“Взлетающий жаворонок”. Симфонический центр, 20 февраля - 2 марта 2025 года

20 и 22 февраля, 7.30 pm, 21 февраля, 1.30 pm. Чикагский симфонический оркестр (далее - ЧСО) под управлением музыкального руководителя оркестра “Music of the Baroque”, дамы-командора ордена Британской империи (этот почетный титул она получила в январе 2021 года от королевы Великобритании) Джейн Гловер играет британскую (и не только) классику. В программе: Серенада для струнных Э.Элгара, пьеса “Взлетающий жаворонок” для скрипки с оркестром Р.Воана-Уильямса (солистка - Стелла Чен), Сюита на английские народные мелодии Б.Бриттена, Рапсодия для скрипки с оркестром “Цыганка” М.Равеля (солистка - Стелла Чен), Сто четвертая (“Лондонская”) симфония Й.Гайдна.

Серенаду для струнных Эдвард Элгар посвятил другу, музыканту-любителю Эдварду Уинфилду. Премьера сочинения состоялась в 1892 году.

Ральф Воан-Уильямс был большим интеллектуалом. В свободное от сочинительства время он играл на скрипке и читал стихи. Если стихи ему нравились, он загорался идеей сочинить музыкальный эквивалент поэтического текста. Так случилось со стихотворением “Взлетающий жаворонок” британского композитора Джорджа Мередита. В 1914 году Воан-Уильямс сочинил пьесу для скрипки и фортепиано, а после Первой мировой войны переработал ее в сочинение для скрипки с оркестром. Пьеса была впервые исполнена в 1921 году.

Рапсодия для скрипки с оркестром “Цыганка” посвящена французской скрипачке Джелли д’Араньи. Премьера сочинения состоялась в ноябре 1924 года. Произведение исполняется в честь стопятидесятилетия со дня рождения Мориса Равеля (1875-1937).

Американская скрипачка Стелла Чен хорошо известна в музыкальных кругах. В 2019 году она победила на Международном скрипичном конкурсе королевы Елизаветы в Брюсселе, в 2023 году журналом Gramophone была названа “Молодой артисткой года”.  

За 75 минут до начала концертов на втором этаже Симфонического центра состоятся беседы музыковеда Карла Грапентина об исполняемых произведениях.

21 февраля, 8.00 pm. Концерт трехкратного лауреата премии “Грэмми”, франко-американской джазовой певицы Сесиль Маклорин Сальван. Она родилась в Майами: отец - врач из Гаити, мать родом из Франции. Выпускница консерватории имени Дариуса Мийо в Экс-ан-Провансе (Франция). Победительница конкурса джазовых исполнителей имени Телониуса Монка в Вашингтоне. Издание radiojazzfm пишет о ней так: “Сесиль - необычайно зрелый и техничный для своих лет музыкант: она обладает очень красивым и сильным голосом с широким диапазоном, чем мастерски пользуется. В ее интонировании и умении свинговать при желании можно услышать влияние Билли Холидей, в удивительных глиссандо - эхо голоса Сары Вон, в умении преобразовать мелодию до неузнаваемости и украсить ее высокими нотами - школу Бетти Картер. Между тем Сесиль - очень оригинальная и самобытная певица, у которой еще масса удивительных открытий!”

23 февраля, 2.00 pm. Концерт квартета музыкантов ЧСО (Матуш Михал, скрипка; Дэнни Йехун Джин, скрипка; Дэнни Лай, альт; Карен Басрак, виолончель). В программе: Струм для струнного квартета Джесси Монтгомери, Второй струнный квартет ля минор Флоренс Прайс, пьеса “At The Octoroon Balls” Уинтона Марсалиса.

Обратите внимание. Концерт состоится в помещении Beverly Arts Center (Baffes Theatre at Beverly Arts Center, 2407 W 111th Street, Chicago, IL 60605).

23 февраля, 3.00 pm. Третий раз в Чикаго - ансамбль японских барабанщиков “Kodo” (в переводе с японского - “биение сердца”). Сорок семь лет назад группа из двадцати молодых музыкантов решила возродить старинную традицию японского барабанного боя “тайко”. Музыканты собрали коллекцию барабанов и стали осваивать старинные приемы игры. В японской игре на барабане требуются сила, выносливость и спортивная закалка - барабанная музыка не для слабых! Барабаны отличаются по форме, размерам, весу. Самые маленькие похожи на блюдца, самые большие - такие же массивные, как стволы деревьев. Слушать барабанную полифонию само по себе очень любопытно, но еще лучше видеть это вживую! Наслаждаться виртуозным мастерством, с которым японские музыканты “расправляются” с барабанами, - зрелище абсолютно завораживающее! Музыканты живут на острове Садо в Японском море. В Европе о них узнали после триумфального дебюта в Берлинской филармонии в 1981 году. После этого каждый год ансамбль большую часть времени проводит на гастролях, объездив за это время более сорока пяти стран на пяти континентах. Впервые мы увидели этот ансамбль в 2019 году, второй раз - в 2023 году. Новый концерт проходит в рамках мирового тура “Kodo One Earth Tour 2025”.

27-28 февраля и 1 марта, 7.30 pm, 2 марта, 3.00 pm. Концерты ЧСО. В программе: Итальянское каприччио П.Чайковского, Второй фортепианный концерт С.Прокофьева (солист - Чо Сон Чжин), Пятая симфония Я.Сибелиуса. Дирижер - дебютирующий в Чикаго главный дирижер оркестра Филармония (Лондон) тридцатидевятилетний финский маэстро Сантту-Матиас Рували.

Второй фортепианный концерт Прокофьева написан в 1912-21 годах. Во время пожара оригинальная партитура была уничтожена, и в 1923 году композитор заново сочинил Концерт. Солирует победитель XVII Международного конкурса имени Шопена (2015 год) тридцатилетний Чо Сон Чжин. Пианист из Южной Кореи знаком нам по сольному концерту в мае 2023 года. В его разнообразной программе в тот вечер были произведения в диапазоне между Сюитой Генделя и Чаконой Губайдулиной. В сезоне 2024-25 годов Чо Сон Чжин является пианистом-резидентом Берлинского филармонического оркестра. Рували и Чо Сон Чжин часто работали вместе, в жизни они - хорошие друзья. По словам дирижера, им не нужно много разговаривать перед программой. “Мы чувствуем себя счастливыми друг с другом. Хорошо иметь солиста, с которым у вас хорошая “химия” во время дебюта”.

Как всегда, особое внимание - дебютантам. В 2022 году в статье в New York Times музыкальный критик Джошуа Барон говорил о Рували как о претенденте на пост музыкального руководителя Нью-Йоркского филармонического оркестра. Этот пост в конечном итоге достался Густаво Дудамелю, но сам факт показателен. “Рували заработал репутацию живого дирижера, - писал Барон, - который упивается экспериментами, интерпретациями и обладает даром - что соответствует его опыту ударника - к внутренним ритмам и гармониям.”

Сантту-Матиас Рували родился 5 ноября 1985 года в финском городе Лахти в музыкальной семье. С детства проявлял интерес к ударным инструментам, учился в Академии Сибелиуса. С двадцати двух лет занимается дирижированием. Сезон 2024-25 годов станет последним для Рували на посту главного дирижера Симфонического оркестра Гетеборга - должность, которую он занимает с 2017 года. В этом сезоне Рували завершает многолетний проект записей произведений Сибелиуса с гетеборгским оркестром. (У Сибелиуса были тесные отношения с этим оркестром. Там до сих пор сохранились музыкальные партии, которые композитор использовал для своих выступлений.) В дальнейшем Рували сосредоточит свое внимание на работе в качестве приглашенного дирижера и руководстве Лондонским оркестром Филармония, где он является главным дирижером с сентября 2021 года. Впервые он сыграл с оркестром Филармония в январе 2013 года. “Сразу после этой недели я понял, что это именно тот оркестр, с которым я хочу работать. Я не так много говорю. Люди должны понимать меня по движениям, которые я делаю. И этот оркестр действительно отреагировал спонтанно, без каких-либо колебаний. Музыканты были гостеприимны и превосходно подготовлены. Меня удивило, насколько хорошо они выступили на первой репетиции.”

Рували также является почетным дирижером Филармонического оркестра Тампере, расположенного недалеко от его дома в Финляндии.

О чем почти не упоминается в биографии Рували, так это об опере. Дирижер признает, что сделал в ней пока очень мало - всего четыре постановки. Дело не в том, что он не любит оперу, - он просто не смог найти способ вписать ее в свой и без того напряженный график. Если он собирается взяться за оперу, он хочет быть там на протяжении всего процесса репетиций, а не просто приходить в последнюю минуту и ​​руководить генеральной репетицией и спектаклем. “У меня просто нет времени в течение месяца готовить оперу”, - говорит дирижер.

В отличие от многих дирижеров, которые переезжают в крупный музыкальный центр после начала своей карьеры, Рували решил жить в финской сельской местности на ферме площадью тридцать четыре акра. Рували рубит дрова, охотится, занимается садоводством. “Это то место, где я всегда хочу быть, когда свободен от работы. Я просто сохраняю правильный баланс. У всех нас такой беспокойный образ жизни... Мне нужна природа, рыбалка, готовка, все такие обычные вещи”, - говорит дирижер.

Рували понятия не имеет, что будет с ним дальше, но где бы он ни оказался, он должен чувствовать себя комфортно. “У меня всегда было много контрактов с оркестрами, но не было времени дирижировать в качестве гостя, а впереди еще много оркестров, с которыми нужно познакомиться. Кто знает, где может быть этот уголок мира?”

Накануне чикагского дебюта дирижер сказал: “Всегда здорово встретить новый оркестр в Америке. В начале карьеры я не так часто бывал в Америке. Отложил это на потом”. Напомню, что новым, одиннадцатым музыкальным руководителем ЧСО с сентября 2027 года станет Клаус Мякеля - еще один представитель славной когорты финских дирижеров. “Это здорово, - отметил Рували. - Я так рад за него, горжусь им. Это фантастика - познакомиться с его будущим оркестром”.

Для своих дебютных концертов Рували выбрал программу, которая начнется с пятнадцатиминутного Итальянского каприччио Чайковского. Дирижер признается: “Это небольшой “экспонат”, призванный разогреть публику. Я - поклонник русской музыки, мне очень нравятся все сочинения Чайковского”.

За 75 минут до начала концертов на втором этаже Симфонического центра состоятся беседы музыковеда Кайла Дзапо об исполняемых произведениях. После концерта 2 марта в зале Rotunda состоится автограф-сессия Чо Сон Чжина.

Обратите внимание. Концерт 28 февраля состоится в помещении Wheaton College (501 College Ave, Wheaton, IL 60187).

28 февраля, 7.30 pm. Снова в Чикаго - популярная группа из Портланда “Пинк Мартини” и ее солистка Чайна Форбс. “Пинк Мартини” - так зовут любимую собаку выпускника Гарвардского университета, пианиста Томаса Лодердейла. Поэтому когда в 1994 году Томас решил создать группу, меньше всего он думал над названием. Лодердейл собрал не просто группу, а настоящий маленький оркестр из тринадцати человек. Трудно определить жанр исполняемой ими музыки. “Пинк Мартини” играет джазовые композиции, фольклорную музыку, латиноамериканские мелодии, произведения в стиле поп- и диско-музыки. При этом музыканты группы не копируют других, а пишут свои собственные аранжировки. Как говорит Томас Лодердейл: “Мы играем музыку мира. Если бы ООН имела свою группу, мы могли бы быть неплохим кандидатом”. Группа исполняет свои композиции на более чем двадцати пяти языках. Их музыка звучит в популярном американском сериале “Клан Сопрано”. Недавно композиции группы появились и в сборнике самых популярных мелодий сети кафе “Starbucks”. Солистка группы - выпускница Гарвардского университета, актриса и вокалистка Чайна Форбс. Концерт проходит в рамках тура в честь тридцатилетия со дня образования группы.

Nota bene! Абонементы и одиночные билеты на концерты Чикагского симфонического центра - на сайте cso.org, по телефону 312-294-3000 или в кассе по адресу: 220 South Michigan Avenue, Chicago, Il 60604.

Фотографии к статье:

Фото 1. Стелла Чен. Фото - theviolinchannel.com

Фото 2. Сесиль Маклорин Сальван. Фото - pennlivearts.org

Фото 3. Сантту-Матиас Рували. Фото - Марко Борхреве

Фото 4. “Пинк Мартини”. Фото - Отум де Уайльд

Однажды в январе в Париже. “Приключения Лисички-плутовки” в Опере Бастилия

В плане музыкальных событий январь в Париже выдался насыщенным. В Опере Гарнье состоялась премьера оперы “Кастор и Поллукс” Ж.-Ф.Рамо в постановке Питера Селларса с Теодором Курентзисом за дирижерским пультом. Опера Бастилия вернулась к тетралогии “Кольцо нибелунга” Р.Вагнера в постановке Каликсто Биейто. В конце января прошли первые представления “Золота Рейна”. Музыкальный руководитель - Пабло Херас-Касадо. Наконец, 24 января в Опере Гарнье состоялся гала-концерт, посвященный 150-летию со дня открытия театра. Было много важных гостей. Трансляция вечера шла на канале France 5.

На фоне шумных премьер я выбрал в Опере Бастилия возобновление спектакля “Приключения Лисички-плутовки” (“Příhody lišky Bystroušky”) чешского композитора Леоша Яначека (1854-1928). Выбрал и не ошибся. Меня ждал настоящий пир театрального искусства - спектакль яркий, веселый, живой! Премьера состоялась в Парижской опере в 2008 году. Постановщик - Андре Энжель. За прошедшие семнадцать лет спектакль ничуть не потерял энергии, драйва, какой-то особой степени беззаботности. Все солисты не просто поют свои партии, но по-настоящему проживают свои роли. Украшением спектакля стала исполнительница главной партии, талантливая Елена Цаллагова. В 2008 году роль Лисички стала ее первой большой ролью на сцене. Спустя семнадцать лет я снова попал на ее бенефис. Весь спектакль она прыгала, скакала по ступенькам, бегала, при этом умудряясь еще брать высокие ноты. Ее чистейшее пение при таком количестве акробатических трюков, признаться, произвело на меня огромное впечатление! Во время репетиций мне удалось пообщаться с Еленой. Она призналась: “Я думала, что все забыла и будет сложно вспоминать, а оказывается, тело само помнит движения. Я мизансцены какие-то делаю и вижу: рука сама двигается. Подошла к помощнику режиссера уточнить. Да, все так... Перед началом репетиций я очень переживала. Вокально я знала, что будет лучше, чем в 2008 году, поскольку уже есть опыт, и мой чешский язык стал намного лучше. Я недавно спела Лисичку в Рудольфинум (концертный зал в Праге. - Прим. автора.) с Чешским филармоническим оркестром. Дирижировал Якуб Груша. (Я с ним пела Лисичку в Глайндборне в 2016 году.) Я была одна русскоязычная певица... Но как только я попала в ту же атмосферу, как только примерила тот же парик, тот же костюм со всеми потертостями в коленках, как все опять всплыло в памяти. У меня появилось ощущение, что я вернулась в прежнюю жизнь”.

В марте Цаллагова вернется к роли Лисички, но совсем в другой постановке Барри Коски. Спектакль возобновляется на сцене Баварской оперы. Вот что Елена говорит об этом: “Я мечтала сделать Лисичку не в оранжевых костюмах и без животных на сцене, чтобы опера не рассматривалась как детская. Мне хотелось чего-то большего, чем ползание на четырех лапах. Мне хотелось большей глубины, и я увидела ее в мюнхенской постановке Барри Коски. Все очень гуманизировано. “Магия” с волшебным лесом присутствуют в какой-то другой форме, но атмосфера осталась. Как Коски это сделал - не знаю. На постановку были очень хорошие отзывы, она возвращается уже третий раз. Я хочу показать оперу “Приключения Лисички-плутовки” как нечто большее, чем просто сказка из жизни животных. Опера Яначека глубже, и Коски дал мне это прочувствовать”.

В парижской постановке выделю еще живописные декорации Ники Риети и креативные костюмы Элизабет Ноймюллер. Достойными партнерами Цаллаговой были меццо-сопрано Пола Муррихи из Ирландии (Лис), бас-баритон из Шотландии Иен Патерсон (Лесничий), Милан Сильянов (браконьер Гарашта), сопрано Ирина Копылова (Курица). Отмечу прекрасный детский хор из Праги.

За дирижерским пультом Оркестра Парижской оперы дебютировал словацкий маэстро Юрай Валькуха. Он знает каждое слово, понимает каждую паузу в партитуре. Видно было, что у него с оркестром полное взаимопонимание. Маэстро Валькуха дебютировал с Чикагским симфоническим оркестром летом 2017 года. Последний (пока) раз выступал в Чикаго летом 2024 года. Я был на его концертах, и мне всегда нравилось, как он работает с оркестром. С июня 2022 года он является музыкальным руководителем Хьюстонского симфонического оркестра.

Возобновление спектакля было приурочено к столетию со дня премьеры оперы, состоявшейся 6 ноября 1924 года в Национальном театре Брно. Сюжет “...Лисички-плутовки” основан на графической юмористической новелле журналиста Рудольфа Тесноглидека и художника Станислава Лолека о приключениях лисы Остроушки. Семидесятилетнему Яначеку эту новеллу показала горничная, и композитор загорелся использовать этот сюжет для своей оперы. Он отнесся к делу серьезно: изучал поведение животных, искал и находил параллели с людьми. В результате, как сказал Яначек, спектакль стал “комической оперой с грустным концом”.

Сценическая судьба оперы сложилась удачно. В 1925 году оперу поставили в Праге, в 1927 году - в Майнце на немецком языке, вскоре оперу перевели на английский язык. Музыка из заключительной сцены оперы исполнялась на похоронах композитора, а на родине Яначека в Гуквальдах установили памятник лисе Остроушке.

Сегодня оперу ставят не так часто, как хотелось бы. Например, в Лирик-опере “Лисичка...” первый и пока последний раз шла в сезоне 2004-05 годов. В партии Лисички блистала Дина Кузнецова, оркестром дирижировал тогдашний музыкальный руководитель сэр Эндрю Дэвис.

Весной в Парижской опере нас ждут “Пеллеас и Мелизанда” К.Дебюсси в постановке Вайди Муавада с Сабиной Девийе и Хью Монтаг Рендаллом, “Дон Карлос” Дж.Верди в постановке Кшиштофа Варликовски с Мариной Ребекой и Екатериной Губановой, триптих “Плащ”, “Сестра Анджелики” и “Джанни Скикки” Дж.Пуччини в постановке Кристофа Лоя с Асмик Григорян, “Риголетто” Дж.Верди в постановке Клауса Гута с Георгием Гагнидзе и Славкой Замечниковой.

Nota bene! Билеты на спектакли Оперы Гарнье и Оперы Бастилия - на сайте www.operadeparis.fr/en. Там же вы найдете подробную информацию об истории создания и сегодняшнем дне театров.

Фотографии к статье:

Фото 1-4. Сцены из спектакля “Приключения Лисички-плутовки”. Все фотографии - Винсент Понте

“О переселении душ.” На концерте Лондонского филармонического оркестра

Продолжаю делиться с вами своими европейскими впечатлениями. О насыщенной культурной жизни Лондона знают все. Больше двухсот пятидесяти театров, огромное количество музеев, богатые и разнообразные музыкальные события. В Лондоне находятся несколько оркестров мирового уровня: Лондонский симфонический оркестр (The London Symphony Orchestra, главный дирижер - сэр Антонио Паппано), Королевский филармонический оркестр (The Royal Philharmonic Orchestra, музыкальный руководитель - Василий Петренко), Лондонский оркестр Филармония (The Philharmonia Orchestra, главный дирижер - Сантту-Матиас Рували), Симфонический оркестр Би-Би-Си (BBC Symphony Orchestra, главный дирижер - Сакари Орамо). Мне удалось побывать на концерте еще одного симфонического коллектива столицы Туманного Альбиона - Лондонского филармонического оркестра (London Philharmonic Orchestra, далее - ЛФО) под управлением дирижера-лауреата Владимира Юровского. Как всегда у маэстро, концерт был тематическим. Он назывался “О переселении душ” (“On the Transmigration of Souls”). Прозвучали: “Месса во время войны” (“Paukenmesse”) Й.Гайдна, пьесы “Маленькая торжественная музыка” (“Petite musique solennelle”) Д.Куртага и “О переселении душ” Дж.Адамса. Лейтмотивом концерта стали актуальные сегодня темы войны, разрушения, смерти и ее преодоления.

“Месса во время войны”, или “Месса с литаврами” - духовное произведение Йозефа Гайдна для четырех солистов, смешанного хора и оркестра с литаврами. “Месса во время войны” - одна из четырнадцати Месс композитора и одна из немногих, написанных по вполне конкретному поводу. Гайдн сочинил Мессу в 1796 году, когда в Европе бушевала война и Австрия готовилась отразить вторжение армии Наполеона. Страна жила ожиданием войны, была объявлена всеобщая мобилизация, а правительство выпустило специальный указ, согласно которому “ни один австриец не должен говорить о мире, пока враг не будет отброшен к своим обычным границам”.

Рукопись с автографом Гайдна называется “Missa in tempore belli”. Гайдн был глубоко религиозным человеком, его музыка обращается не к конкретным людям, а к высшим силам. Именно им, по мысли композитора, суждено остановить кровопролитие.

Премьера Мессы состоялась на богослужении в Вене в церкви Марии Треу 26 декабря 1796 года. 29 сентября 1797 года Месса была исполнена в Айзенштадте, в семейной церкви князя Эстерхази Бергкирхе.

Литавры в “Мессе с литаврами” дают о себе знать с самого начала, нежно аккомпанируя духовым инструментам и хору, а всего несколько мгновений спустя переходя на фортиссимо (концертмейстер секции литавр - Саймон Каррингтон). Маэстро Юровский не педалировал акценты, добиваясь абсолютной гармонии. ЛФО - коллектив молодой. Процесс омоложения начался еще два десятилетия назад, в бытность дирижера руководителем оркестра (об этом - ниже). Музыканты играют с удовольствием, с огоньком, ни на секунду не отвлекаясь от дирижерской палочки. Видно, что маэстро пользуется у них непререкаемым авторитетом. Под стать оркестру  - сильный интернациональный состав солистов: сопрано из Ирландии Анна Девин, меццо-сопрано из Польши Ханна Хипп, тенор из Великобритании Руперт Чарльсворт, бас из Канады Тревор Элиот Боус.

13-15 марта “Месса во время войны” прозвучит в Чикагском симфоническом центре. Чикагским симфоническим оркестром дирижирует Манфред Хенек. Будет очень интересно сравнить трактовку двух дирижеров и двух оркестров!

От XIX к XXI веку, к шестиминутной пьесе венгерского композитора Дьердя Куртага. Девяностовосьмилетний Куртаг - музыкальный классик XX века. Он родился в 1926 году в еврейской семье в румынском городке Банате. В девятнадцать лет переехал в Будапешт, где в 1948 году получил венгерское гражданство. После Будапештской музыкальной академии жил в Париже, учился у О.Мессиана и Д.Мийо. Его жена - пианистка Марта Куртаг (1927-2019). Они выступали вместе на протяжении почти полувека. В разные годы Куртаг работал в Будапеште, Берлине, Вене. Среди его учеников - замечательный пианист Андраш Шифф.

В Чикаго редко услышишь музыку Куртага. Последний раз это было в 2019 году на Музыкальном фестивале Равиния. В исполнении камерного оркестра “Рыцари” (“The Knights”) под управлением Эрика Джейкобсена прозвучала пьеса Куртага “Signs, Games and Messages”.

Пьесу “Маленькая торжественная музыка” Куртаг сочинил в 2015 году по заказу Люцернского фестиваля в честь девяностолетия со дня рождения французского композитора и дирижера Пьера Булеза. Произведение трогает не только торжественностью, но и грустью, ощущением неминуемой скорой утраты. Куртаг в свои восемьдесят девять поздравляет Булеза с девяностолетием и... заглядывает в вечность. Спустя год Булез умер, Куртагу сейчас девяносто восемь. Оба композитора прожили долгую, насыщенную событиями и очень продуктивную жизнь. Название “Маленькая торжественная музыка” - отсылка к “Маленькой торжественной мессе” Россини. В этой сдержанной на чувства, мощной маленькой пьесе присутствуют литургические нотки, напоминающие “Симфонии духовых инструментов” Стравинского, сочиненные в память о Дебюсси, и “Ритуал памяти Бруно Мадерны” того же Булеза. Стиль и мышление Куртага сравнивают со стилем и мышлением Сэмюэля Беккета, чья одноактная пьеса “Конец игры” легла в основу единственной оперы Куртага “Fin de partie” (2018 год). Премьера оперы состоялась в Ла Скала в 2016 году, осенью прошлого года в новой постановке Хелберта Фритша она шла в Венской опере. Пьесы Беккета описывали как беспросветно трагические, но Беккет настаивал на том, что желание творить противоречит отчаянию. В музыке Куртага, как и в текстах Беккета, есть отчаяние, но есть и надежда. “Маленькая торжественная музыка” Куртага задает вопросы и оставляет нам, слушателям, пищу для размышлений.

Война, сопротивление оккупантам, близкое дыхание смерти... - все эти темы были актуальны во времена Гайдна двести лет назад и, к сожалению, остаются актуальными сегодня. Об этом - третье произведение вечера, пьеса “О переселении душ” для оркестра, хора, детского хора и заранее записанной кассеты (так написано в партитуре) американского композитора Джона Адамса. Произведение написано по следам самого страшного теракта в истории, случившегося в Нью-Йорке 11 сентября 2001 года. В исполнении участвовал Лондонский филармонический хор (London Philharmonic Choir, художественный руководитель - Невилл Грид) и Молодежный хор Тиффин (Tiffin Youth Choir, директор - Джеймс Дей).

Пьеса Адамса начинается тихо, с мирных звуков шагов на тротуаре, грохота грузовика, далекой сирены. Музыки пока нет, мы слышим звуки кассеты. Вскоре начинают звучать имена жертв, голос снова и снова повторяет фразу “пропал без вести”. Джон Адамс говорил: “При описании произведения я хочу избегать таких слов, как “реквием” или “мемориал”. Я бы, вероятно, назвал сочинение “пространством памяти”. Это место, где можно побыть наедине со своими мыслями и эмоциями”.

Итак, мы в мемориальной часовне внутри собора, в “пространстве памяти”. Адамс собрал свой текст из маленьких фрагментов, скромных осколков, собранных на обломках трагедии. Многие из слов были взяты непосредственно из плакатов о пропавших без вести - душераздирающих самодельных листовок, расклеенных по Нижнему Манхэттену в дни после нападения, в которых члены семьи перечисляли опознавательные характеристики пропавших без вести людей: “Рост: 5 футов 11. Цвет глаз: карий. Цвет волос: коричневый. Пожалуйста, позвоните”, “Маленькая родинка на левой щеке”, “Мы любим тебя, Луи. Возвращайся домой”. Другие тексты взяты из некрологов жертв, опубликованных в The New York Times. Еще одна фраза исходит непосредственно от одной из жертв, стюардессы American Airlines на одном из угнанных самолетов: “Я вижу воду и здания...”. Адамс изобретательно использует оркестр и заранее записанный звук, чтобы сформировать захватывающий ландшафт воспоминаний, который тем не менее оставляет достаточно места для размышлений об утрате и, возможно, личных воспоминаний композитора. Торжественность музыки проистекает прежде всего из ее гармонии и слаженных оркестровых аккордов. И снова - как и в музыке Гайдна и Куртага - отчаяние уступает место надежде и вере в торжество добра. Назову выразительные соло трубы (концертмейстер - Пол Бенистон), флейты (концертмейстер - Джульетт Босор), виолончели (концертмейстер - Кристина Блаумане) и скрипки (концертмейстер - Питер Шеман).

Премьера пьесы Адамса состоялась в Нью-Йорке 19 сентября 2002 года в исполнении Нью-Йоркского филармонического оркестра. Пьеса была удостоена Пулитцеровской премии 2003 года в области музыки. В 2005 году премьерная запись (Нью-Йоркский филармонический оркестр и хор под управлением Лорина Маазеля, Бруклинский молодежный хор) получила три премии “Грэмми” за лучшие классический альбом, оркестровое исполнение и современную композицию.

По словам Адамса, “переселение означает “перемещение из одного места в другое” или “переход из одного состояния бытия в другое”. В данном случае я имел в виду перемещение души из одного состояния в другое - не только переход от живого к мертвому, но и изменение, происходящее в душах тех, кто остается, из тех, кто страдает от боли и потерь, а затем сам уходит от этого опыта”.

Пьеса оставила сильное эмоциональное ощущение еще и потому, что концерт состоялся 18 января, накануне перемирия в Газе, когда все мы замерли в ожидании возвращения на свободу оставшихся заложников ХАМАСа. В очередной раз искусство - в данном случае, музыка - оказалась провозвестницей не только ужасных, но и хороших новостей.

ЛФО был создан в 1932 году британским дирижером и импресарио сэром Томасом Бичемом (1879-1961). Уже самый первый концерт под его управлением в лондонском Квинс-холле 7 октября 1932 года прошел с огромным успехом. В ноябре 1932 года в концерте оркестра солировал шестнадцатилетний Иегуди Менухин. С первых лет своего существования оркестр активно гастролирует по Великобритании и Европе. С 1964 года оркестр является резидентом Глайндборнского оперного фестиваля. В разные годы оркестр возглавляли такие выдающиеся дирижеры, как сэр Адриан Боулт (1950-1957), Бернард Хайтинк (главный дирижер с 1967 до 1979 года, президент - с 1990 года), сэр Георг Шолти (1979-1983), Франц Вельзер-Мест (1990-1996), Курт Мазур (2000-2007). С 2007 по 2021 год главным дирижером оркестра был Владимир Юровский. С 2021 года он стал дирижером-лауреатом. В августе 2021 года, на своем последнем официальном концерте в качестве главного дирижера, маэстро получил золотую медаль Королевского филармонического общества - одну из высших международных наград в области музыки. С 2017 года Юровский - главный дирижер и музыкальный руководитель Симфонического оркестра Берлинского радио (контракт продлен до августа 2027 года), с 2021 года - музыкальный руководитель Баварской оперы. В феврале 2024 года британский король Карл III присвоил ему почетное звание кавалера Высшего ордена Британской империи (KBE).

Маэстро Юровский регулярно возвращается в родной коллектив. Так, в апреле 2024 года он дирижировал полуконцертным исполнением оперы “Гибель богов” Р.Вагнера, ставшим ярким финалом тетралогии “Кольцо нибелунга”.

В отличие от Чикагского симфонического центра в Лондоне программы исполняются всего один раз. Неудивительно, что зал был полон. В планах у маэстро Юровского на этот сезон - еще два концерта в Лондоне, выступление в Сафрон-Уолдене (город в сорока трех милях от Лондона) и гастроли с оркестром по Испании (Валенсия, Мадрид). Лондонские концерты пропустить просто невозможно. В программе 2 апреля - фрагменты из оперы “Семен Котко” С.Прокофьева, цикл “Песни и пляски смерти” М.Мусоргского (аранжировка Э.Денисова, солист - бас Мэтью Роуз), Третья симфония украинского композитора Бориса Лятошинского (1895-1968), в партитуре которой есть слова “Мир победит войну”. В программе 5 апреля - увертюра “Кориолан” Л.ван Бетховена, Скрипичный концерт Р.Шумана (солистка - Вилд Франг), Девятая (“Большая”) симфония Ф.Шуберта.

С 2021 года тринадцатым главным дирижером ЛФО является Эдвард Гарднер, главным приглашенным дирижером - Карина Канеллакис.

Домом оркестра является огромный Королевский фестивальный зал (Southbank Centre’s Royal Festival Hall) на две тысячи семьсот мест. Как и в Чикагском симфоническом центре, перед концертами в лондонском зале проходят лекции об исполняемых произведениях. Перед концертом “О переселении душ” была лекция писателя-резидента Royal Festival Hall Джереми Айхлера, а после концерта он подписывал всем желающим свою новую книгу “Time’s Echo: Music, Memory, and the Second World War” (Faber, 2023). Но нам было не до него, мы зашли за кулисы к Владимиру Юровскому, поздравили маэстро с прекрасным концертом и пригласили в Чикаго. Судя по его ответу, такая встреча не за горами.

Nota bene! Абонементы и одиночные билеты на концерты Лондонского филармонического оркестра - на сайте lpo.org.uk/. Там же вы найдете подробную информацию об истории создания и сегодняшнем дне оркестра.

Фотографии к статье:

Фото 1-2. Владимир Юровский дирижирует ЛФО. Фотографии - LPO

Фото 3-4. Владимир Юровский дирижирует ЛФО. Фотографии - Дрю Келли

Новые композиции Hubbard Street Dance Chicago. Season 47: Winter Series

Продолжается сорок седьмой сезон танцевальной компании Hubbard Street Dance Chicago (далее - HSDC). После аншлаговой Осенней серии и дебютных (в течение двух недель) выступлений в Steppenwolf Theatre труппа возвращается на привычную сцену Театра музыки и танца “Харрис” (The Harris Theater for Music and Dance). С 13 по 16 февраля 2025 года мы увидим четыре представления Зимней серии (Season 47: Winter Series). В программе: композиция “Тупик” (“Impasse”) Йохана Ингера, мировая премьера новой композиции (пока без названия) Джеймса Грегга, композиция “Into Being” Элис Клок и Флориана Лохнера (известных под аббревиатурой FLOCK), композиция “Black Milk” Охада Нахарина.

“Тупик” - композиция шведского хореографа Йохана Ингера для пятнадцати танцоров. Любители современного танца хорошо знают Ингера. Он родился в Стокгольме, учился в Шведской Королевской академии танца и Национальной балетной академии Канады. С 1985 по 1990 год танцевал в Королевском балете Швеции, с 1990 до 2002 года - солист Нидерландского театра танца, с 2003 до 2008 года - руководитель труппы Cullberg Ballet. С 2008 года работает с ведущими балетными труппами мира в качестве приглашенного хореографа. Лауреат Премии Карины Ари за развитие и популяризацию танцевального искусства Швеции (2013 год). C 2022 года - художественный руководитель Take Off Dance, базирующейся в Севилье Школы для молодых танцоров в возрасте от восемнадцати до двадцати четырех лет.

Премьера композиции “Тупик” состоялась 28 февраля 2020 года. Мы видели “Тупик” в рамках Весенней серии сорок шестого сезона HSDC в 2024 году.

Джеймс Грегг занимается балетом с девяти лет. Учился в разных балетных школах, в том числе - Ballet Oklahoma, Houston Ballet, Bolshoi Ballet Academy, The Edge Performing Arts Center (Лос-Анджелес). Лауреат Первой премии на Ballet Austin's 2014 New American Talent choreographic competition. Обладатель 2015 Princess Grace Choreography Fellowship Award. Ставил композиции для Edmonton Ballet, Ballet X Bodytraffic, Whim W'Him, Arts Umbrella, DanceworksChicago, Dark Circles Contemporary Dance, Cirque du Soleil, and Springboard Danse Project Montreal. Подробности его новой работы пока неизвестны.

“Into Being” - вторая композиция, сделанная совместно выпускниками Школы HSDC Элис Клок и Флорианом Лохнером специально для чикагской труппы. Вместе они работают с 2017 года, в балетном мире известны под аббревиатурой FLOCK (сочетание букв в их именах и фамилиях - Alice Klock и Florian Lochner). Ставили балеты и композиции для многих танцевальных трупп США. Недавно поставили два гастрольных шоу: “Familiar” и “Somewhere Between”.

Газета The New York Times называет Охада Нахарина в числе пяти лучших хореографов мира, а The Chicago Tribune - одним из наиболее оригинальных балетмейстеров нашего времени. Нахарин родился в 1952 году в израильском кибуце Мизра в семье выходцев из России. Мать - танцовщица, отец - психолог и актер. Любовь к танцу у Нахарина с раннего детства. Первые уроки он получил от матери, потом учился в молодежной группе Batsheva Dance Company и Джульярдской школе в Нью-Йорке. Один сезон танцевал в компаниях Марты Грэхэм и Мориса Бежара. В 1980 году дебютировал в качестве хореографа в студии Кадзуко Хирабаяси в Нью-Йорке. На протяжении следующих десяти лет работал в разных танцевальных труппах Нью-Йорка. По приглашению Иржи Килиана ставил балеты в Нидерландском театре танца. С 1990 года - художественный руководитель Batsheva Dance Company, с 2018 года - хореограф труппы. Его первой работой в компании стал балет “KYR”, созданный на музыку израильской рок-группы The Tractor’s Revenge по заказу иерусалимского “Israel Festival”. Балеты и композиции Нахарина находятся в репертуаре таких разных трупп, как Питтсбургский балет, The Cullberg Ballet, Балет Лионской оперы, Франкфуртский балет, Нидерландский театр танца, Женевский балет, Compania Nacional de Danzade Madrid, Opèra National de Paris. Имеет гражданства США и Израиля. Живет в Тель-Авиве с женой - танцовщицей и дизайнером Эри Накамура - и дочерью Ногой.

Композиция для четырех танцоров “Black Milk” Нахарина исполняется компанией HSDC впервые за более чем двадцать лет. Впрочем, художественный руководитель чикагской труппы Гленн Эдгертон прав: “На протяжении почти трех десятилетий произведения Охада Нахарина являются одними из самых популярных в репертуаре Hubbard Street Dance Chicago. Они прекрасно подходят нашим танцорам и не теряют своей привлекательности даже через много лет после первого исполнения”.

С 16 по 18 мая 2025 года нас ждет Весенняя серия. В программе: мировая премьера (пока без названия) композиции Мэтью Рашинга, композиция “Sweet Gwen Suite” Б.Фосса и Г.Вердон, “Blue Soup” А.Бартон (премьера HSDC).

Мэтью Рашинг - еще одно заметное имя на балетной карте Америки. Он родился в Лос-Анджелесе. Вся его творческая жизнь связана с Американским театром танца Алвина Эйли. Он был студентом Балетной школы при театре, членом труппы Ailey II. С 1992 года - в составе труппы театра. Поставил четыре балета: “Acceptance In Surrender” (2005), “Uptown” (2009), “ODETTA” (2014), “Testament” (2020). С 2010 года - директор репетиционного департамента театра; с января 2020 года - заместитель художественного руководителя; в течение юбилейного, шестьдесят пятого сезона 2023-24 годов - исполняющий обязанности художественного руководителя Театра Эйли.

Осенью 2024 года труппа HSDC открыла новую страницу в своей истории - сотрудничество с The Verdon Fosse® Legacy. Чикагская труппа стала единственной компанией в мире, получившей согласие на постановку композиции великого американского хореографа Боба Фосса (1927-1987) и его музы и первой солистки Гвен Вердон (1925-2000). Еще в начале девяностых Вердон думала адаптировать произведения Фосса для труппы современного танца и поставила номер “Percussion 4” для HSDC. Это было время, когда художественная руководительница HSDC Линда-Дениз Фишер-Харрелл была ведущей солисткой труппы. Основатель и художественный руководитель The Verdon Fosse® Legacy, дочь Вердон и Фосса Николь Фосс говорит: “Гвен обожала танцоров Хаббард-стрит за их разнообразие и способность воплощать самые разные стили. Безграничные возможности труппы под художественным руководством Линды-Дениз продолжают оставаться актуальными и сегодня”.

Танцевальная компания Hubbard Street Dance Chicago была создана в Чикаго в 1977 году усилиями хореографа Лу Конте. Он оставался художественным руководителем до 2000 года. С 2009 по 2018 год первым резидентом-хореографом был маэстро из Испании Алехандро Керрудо. Каждый сезон компания представляет четыре программы, названные по временам года: Осень, Зима, Весна, Лето. За сорок семь лет с момента основания компания гастролировала в девятнадцати странах и в сорока четырех штатах Америки. С января 2022 года у компании появился новый дом в помещении Water Tower Place на Мичиган-авеню. С января 2023 года нью-йоркский хореограф Азур Бартон является артистом-резидентом HSDC.

Nota bene! Спектакли Зимней серии пройдут в помещении Театра музыки и танца “Харрис” (The Harris Theater for Music and Dance, 205 East Randolph Street, Chicago, IL 60601). Абонементы и одиночные билеты на спектакли Hubbard Street Dance Chicago Season 47 - по телефону 312-850-9744 или на сайте hubbardstreetdance.com.

Фотографии к статье:

Фото 1. Сцена из композиции “Тупик”. Фото - Кристи Канс

Фото 2. Джеймс Грегг. Фото - Майкл Слободян

Фото 3. FLOCK. Фото - Малькольм Уэсли

Фото 4. Охад Нахарин. Фото - Илья Мельников