Chicago Symphony Orchestra Brass. Чикагский симфонический центр, 16 декабря 2025 года

16 декабря, 7.30 pm. Традиционный новогодний концерт ансамбля Chicago Symphony Orchestra Brass. В программе: аранжировки симфонических произведений для медных духовых инструментов. Среди композиторов - Г.Берлиоз (Венгерский марш из оперы “Осуждение Фауста”), Ф.Пуленк (Соната для валторны, трубы и тромбона), и М.Равель (Вальс). В финале прозвучат Литургические фанфары для медного оркестра французского композитора Анри Томази (1901-1971). Сочинение было частью оперы “Дон Жуан де Маньяра”, впервые прозвучало в концертном исполнении в 1947 году в Монте-Карло, где Томази был музыкальным руководителем Оперного театра. Премьеры оперы пришлось ждать девять лет, ее поставили в 1956 году в Мюнхене. Дирижер - тромбонист Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО) Майкл Мулкахи.

Сегодня оркестры все больше и больше унифицируются, и отличить один хороший оркестр от другого гораздо сложнее, чем это было полвека назад. На протяжении десятилетий главной отличительной особенностью ЧСО были медные духовые инструменты, именно они составляли славу чикагского оркестра. Чикагская “медь” ценилась величием звука, абсолютной, даже какой-то демонической силой. “Архитекторами” чикагского звука были концертмейстер группы туб с 1944 до 1988 года Арнольд Джейкобс и концертмейстер группы труб с 1948 до 2001 года Адольф (“Бад”) Херсет. Оба музыканта преодолели физические особенности, чтобы стать лучшими. Объем легких у Джейкобса резко сократился из-за различных заболеваний, и он разработал специальные дыхательные техники, которые потом передавал новым поколениям музыкантов. “Мы хотим, чтобы в теле было как можно меньше напряжения, поэтому торс становится резонирующей камерой”, - говорит недавно ушедший на пенсию первый тромбон оркестра на протяжении шестидесяти трех сезонов Джей Фридман, объясняя технику Джейкобса. Виртуоз-трубач Адольф Херсет, фактически руководивший группой духовых инструментов в течение более чем полувека, в 1952 году попал в автомобильную аварию, сломал зубы и повредил губу. Это могло стать катастрофой для музыканта. Херсет не знал, будет ли он когда-нибудь снова играть, но сумел восстановиться.

От концертов Рафаэля Кубелика и Фрица Райнера, через модернизацию оркестра эпохи Георга Шолти до тонких изменений Даниэля Баренбойма и Риккардо Мути, “медь” долгое время была центральной частью в звучании оркестра. Шутники говорили, что когда в ЧСО в полную силу играют медные духовые, на Мичиган-авеню дрожат мосты. “Поначалу Георг Шолти не мог заставить медную секцию играть достаточно громко, - вспоминает Фридман. - Даже симфонии Шуберта.” Альтист оркестра Макс Рейми шутил, что некоторые записи Шолти “сводят струнную секцию к шипению ленты”. После волны критики Шолти перестал требовать громкий звук, сосредоточившись на том, что Фридман назвал “великим diminuendo”. Однажды на исполнении хоров Верди запись была остановлена, и инженер звукозаписи пожаловался, что не слышит духовые инструменты.

Музыкальный руководитель ЧСО с 1991 до 2006 года Даниэль Баренбойм говорит: “Чикагская “медь” всегда была частью оркестра и его уникального способа игры”. Музыкальный руководитель ЧСО с 2010 до 2023 года, дирижер-лауреат Риккардо Мути вспоминает: “Чикагская “медь” была отличительной особенностью ЧСО еще в те годы, когда я был студентом Миланской консерватории”. На одной из первых репетиций в должности руководителя маэстро Мути сказал музыкантам: “То, что вы умеете играть громче всех, знает весь мир. Теперь давайте покажем, что вы умеете играть тоньше всех”. Спустя десять лет руководства ЧСО Риккардо Мути говорил уже по-другому: “На мой взгляд, медные духовые по-прежнему являются номером один в мире, но сейчас они лучше способны объединяться с другими группами оркестра. Не доминировать, а звучать в ансамбле, добиваясь идеального баланса”.

Старый звук все еще жив в оркестре, и не только в символическом смысле. По-прежнему в блестящей форме концертмейстер группы туб с 1989 года Джин Покорны. Концертмейстер группы труб Эстебан Баталлан играет на трубе Херсета, Покорны - на тубе Джейкобса, музыканты группы валторн (концертмейстер - Марк Олмонд) - на инструментах чикагского мастера Льюиса, созданных специально для Симфонического центра, звук которого сам Льюис называет “мертвым”.

Херсета и Джейкобса я не застал, а вот концертмейстера группы валторн с 1966 до 2013 года замечательного Дейла Клевенджера слышал часто. После него обязанности концертмейстера группы валторн перешли к Даниэлю Гингричу. В 2019 году решением Риккардо Мути Гингричу присвоено почетное звание Пожизненного концертмейстера секции валторн. Имена Клевенджера и Гингрича я бы тоже включил в список тех, без кого невозможно представить себе звук чикагской “меди”.

С сентября 2025 года концертмейстером группы тромбонов ЧСО является Тимоти Хиггинс. Он родился в Хьюстоне. Выпускник Северо-Западного университета, где его преподавателем был Майкл Мулкахи. С 2008 года служил концертмейстером группы тромбонов Сан-Францисского симфонического оркестра, перед этим был вторым тромбонистом Национального симфонического оркестра в Вашингтоне. Хиггинс сочиняет музыку. Его Концерт для тромбона с оркестром был впервые исполнен Сан-Францисским симфоническим оркестром в 2021 году. Хиггинс - второй музыкант, пришедший в ЧСО по приглашению Клауса Мякели. Первой была скрипачка Габриэла Лара.

Nota bene! Абонементы и одиночные билеты на концерты Чикагского симфонического центра - на сайте cso.org, по телефону 312-294-3000 или в кассе по адресу: 220 South Michigan Avenue, Chicago, Il 60604.

Фотографии к статье:

Фото 1. Джин Покорны. Фото - Тодд Розенберг

Фото 2. Тимоти Хиггинс. Фото - Тодд Розенберг

Фото 3. Марк Олмонд. Фото - Тодд Розенберг

Фото 4. Эстебан Баталлан. Фото - Тодд Розенберг

Том Стоппард. Попытка некролога. Памяти драматурга

29 ноября умер британский драматург сэр Том Стоппард (1937-2025) - последний из великих классиков литературы XX века. Он умер в окружении своей семьи в своем доме в Дорсете (графство на юго-западе Англии). Стоппарду было восемьдесят восемь лет. Я никогда не встречался с сэром Томом, но у меня всегда было впечатление, что я хорошо знаю его. Может быть, из-за его помощи Белорусскому Свободному театру; может, из-за его выступлений в защиту политзаключенных. Он всегда был рядом, всегда был готов придти на помощь и всегда находил способы для помощи.

Том Стоппард - высокий, элегантный, уверенный в себе. Настоящий джентльмен, с виду - ну прямо сэр в пятом поколении. Но биография его совсем не такая благополучная, как может показаться на первый взгляд...

Сын врача, автора научных статей и брошюр на исторические темы, общественного деятеля Евжена Штраусслера и медсестры Марты Бек Томаш Штраусслер родился в чешском городе Злин. Чешского языка он не знает. Мальчику было два года, его старшему брату - четыре, когда семья покинула родину. В 1939 году, после оккупации нацистами Чехии, руководство фабрики направило Евжена в свой сингапурский филиал. Этим решением они спасли семью Штраусслеров от неминуемой гибели. Оставшиеся в Чехии еврейские родственники погибли в концлагерях. В 1941 году мать с Томашем бегут еще дальше, в Индию. Отец остался в Сингапуре и погиб при штурме города японскими войсками. В 1946 году Марта Бек вышла замуж за майора британской армии Кеннета Стоппарда и переехала вместе с ним и двумя сыновьями в Англию. Девятилетний Том взялся за учебу. Надо сказать, что Кеннет Стоппард сделал все возможное, чтобы Том получил настоящее образование. Том учился в частных школах-интернатах в Ноттингемшире и Йоркшире, демонстрируя яркие гуманитарные способности. Правда, вопреки желанию отчима, от университета он отказался. Вместо этого стал заниматься журналистикой, писал театральные рецензии, готовил тексты для радио и телевидения, опубликовал несколько рассказов, но настоящий успех пришел к нему вместе с теми пьесами, которые он скромно называл театральными историями.

Мировое признание Стоппард получил после премьеры спектакля по его блестящей интеллектуальной комедии 1966 года “Розенкранц и Гильденстерн мертвы” (“Rosencrantz and Guildenstern are Dead”). События шекспировского “Гамлета” осмысливаются глазами двух придворных датского короля, двух второстепенных персонажей Шекспира, которые ставят фундаментальные вопросы идентичности, судьбы, дружбы и абсурдности существования. На пути к своей неминуемой гибели Розенкранц и Гильденстерн раскрывают, что значит быть по-настоящему живыми...

“Травести” (“Travesties”, 1974), “Ночь и день” (“Night and Day”, 1978), “Изобретение любви” (“The Invention of Love”, 1997) - каждая новая пьеса Стоппарда получает всевозможные премии, моментально становится известной и популярной. Стоппард - “везунчик”! Какому еще писателю удалось, экранизировав впервые в жизни свою пьесу (“Розенкранц и Гольденстерн мертвы”), сразу получить главный приз “Золотой лев святого Марка” на кинофестивале в Венеции?! А Стоппард это сделал в 1990 году. Ироничный, парадоксальный, театральный до мозга костей, он озадачивает, возмущает, сбивает с толку, ставит в тупик. Обращаясь к серьезным темам, он делает это настолько увлекательно и интересно, что зрители, как завороженные, внимают его героям и, заинтригованные, идут за ними. В 2002 году он умудрился даже сделать популярными Бакунина, Герцена и Белинского. Обратившись к русской истории, Стоппард написал трилогию “Берег Утопии” (“The Coast of Utopia”). Тридцать пять лет истории философской мысли России XIX века уложены в три спектакля. Они связаны общей сюжетной линией, каждый длится более двух часов. В трилогии участвуют сорок четыре актера. Такую глыбу поставить - подвигу подобно! В Москве “Берег Утопии” шел в Российском академическом молодежном театре в постановке Алексея Бородина, в Нью-Йорке спектакль ставили в Линкольн-центре. К сожалению, в Чикаго не нашелся театр, который взялся бы за постановку этой трилогии.

Мое открытие Тома Стоппарда произошло с пьесы “Розенкранц и Гильденстерн мертвы”. Заинтересовало, почему именно эту пьесу неизвестного нам тогда английского автора взялся переводить Иосиф Бродский. Его перевод был опубликован в журнале “Иностранная литература” в 1990 году. Так, через Бродского я познакомился со Стоппардом. Спустя восемь лет, в 1998 году, появился фильм “Влюбленный Шекспир” по сценарию Стоппарда. Как и в случае с дебютом в роли кинорежиссера, он легко обошел своих именитых конкурентов и в 1999 году получил “Оскар” за лучший сценарий. В 2005 году имя английского драматурга всплыло в связи с созданием в Минске Белорусского Свободного театра. Стоппард, наряду с Вацлавом Гавелом и американским драматургом Артуром Копитом, стал одним из попечителей театра.

Стоппард всегда интересовался политикой. В феврале 1977 года в составе неправительственной правозащитной организации “Международная амнистия” драматург впервые побывал в Москве. Позднее он написал: “В Москве мне было страшно. Тут было серо, холодно, за мной следили, фотографировали на улицах”. Результатом этой поездки стало создание трилогии о Свободе. Первая из этих пьес “До-ре-ми-фа-соль-ля-си-Ты-свободы-попроси” (“Every Good Boy Deserves Favour”, 1977) посвящена советским правозащитникам Виктору Файнбергу и Владимиру Буковскому. Действие пьесы происходит в советской психушке в брежневские времена. Стоппард стоял у окон психушки, когда там принудительно “лечили” Файнберга и Буковского. Буковский вспоминал: “Когда я выглянул в окно и мне сказали, что это Стоппард, я подумал, что на самом деле сошел с ума”. Стоппард перевел некоторые работы Вацлава Гавела на английский язык, работал в правозащитном журнале “Index on Censorship” и в комиссии против карательной психиатрии. Житель благополучной Великобритании, Стоппард никогда не боялся перестать играть в театр и выйти на площадь. Без пафоса, а с иронией и улыбкой умного тонкого художника, гражданина, человека.

Пьеса 1982 года “Отражения, или Истинное” (“The Real Thing”) ознаменовала собой начало нового периода в творчестве Стоппарда. От театра абсурда - к театру психологическому, от ерничества и насмешки - к проговариванию важных слов, мыслей, понятий, от Беккета и Ионеско - по направлению к Чехову. “Аркадия” (“Arcadia”) - пьеса 1993 года - еще один шаг в том же направлении. Премьера спектакля в постановке Тревора Нанна состоялась в Королевском Национальном театре в Лондоне 13 апреля 1993 года. “Аркадия” была удостоена премии имени Лоуренса Оливье и газеты Evening Standard Award за лучшую новую пьесу года. Тот же Тревор Нанн в марте 1995 года поставил “Аркадию” на Бродвее. Спектакль был удостоен New York Drama Critics' Circle Award и был номинирован на премию “Тони”. В 2006 году Королевский институт Великобритании назвал “Аркадию” одним из лучших произведений, связанных с наукой. В Чикаго “Аркадия” в сезоне 2015-16 годов стала первым спектаклем, поставленным в новом здании Writers Theatre режиссером Михаэлем Халберстамом.

В Чикаго хорошо знают творчество Стоппарда. В Writers Theatre в постановке Халберстама шли еще спектакли “Rough Crossing” (сезон 2006-07 годов), “Розенкранц и Гильденстерн мертвы” (сезон 2009-10 годов), “Отражения, или Истинное” (сезон 2011-12 годов).

В середине семидесятых в Чикаго в спектакле “Розенкранц и Гильденстерн мертвы” на сцене впервые встретились друзья-основатели Steppenwolf Theatre Терри Кинни, Джеф Перри и Гэри Синиз (режиссер - Р.Аргош).

Друг и соратник Стоппарда, многолетний художественный руководитель Court Theatre Чарльз Ньюэлл обращался к его творчеству пять раз. В Court Theatre шли спектакли “Травести” (сезоны 1995-96 и 2004-05 годов), “Изобретение любви” (сезон 2000--01 годов), “Аркадия” (сезон 2006-07 годов), “Трудная задача” (“The Hard Problem”, сезон 2016-17 годов), “Розенкранц и Гильденстерн мертвы” (сезон 2023-24 годов), в Goodman Theatre он поставил “Рок-н-ролл” (“Rock ‘n’ Roll”, сезон 2008--09 годов).

Все пьесы Стоппарда полны аллюзий, иронии, подтекста, и все самое важное почти всегда остается между строк. Почти, потому что есть вещи, к которым Стоппард относился очень серьезно. Среди них - Литература. Цитаты о ней, великой, разбросаны по многим пьесам Стоппарда. Например, Генри из его пьесы “Отражения, или Истинное” говорит: “Из слов, если обращаться с ними бережно, можно, будто из кирпичиков, выстроить мост через бездну непонимания и хаоса... Я не считаю писателя святым, но слова для меня святы. Они заслуживают уважения. Отберите нужные, расставьте в нужном порядке и в мире что-то изменится”. А вот еще цитата - про любовь: “Любить человека - значит, любить его и в худшие минуты... Не думать, жить без забот - все равно что не любить”. Вам эти слова ничего не напоминают? Да это ведь чеховское “в человеке все должно быть прекрасно” и “мы увидим небо в алмазах”!..

Мировая премьера последней пьесы Стоппарда “Леопольдштадт” (“Leopoldstadt”, 2019) об истории еврейской семьи в Вене состоялась в 2020 году в Wyndham's Theatre (Лондон), американская - в сентябре 2022 года на Бродвее, в Longacre Theatre. В Чикаго читка пьесы состоялась осенью 2020 года в Court Theatre (режиссер - Ч.Ньюэлл), а полноценная чикагская премьера намечена на лето 2026 года в Writers Theatre. В основе пьесы - воспоминания автора, пьеса названа в честь старого еврейского квартала Вены. В начале XX века Леопольдштадт был процветающим районом для многих еврейских семей, которые пытались спастись от погромов. Здесь евреям предоставили полные гражданские права. При нацистах в Леопольдштадте возникло гетто. Из оставшихся в городе пятидесяти семи тысяч евреев войну пережили только двести человек. В пьесе Стоппарда действие разворачивается на протяжении пяти десятилетий: от Австрии в 1899 году до Великобритании в 1955. За новую постановку в Writers Theatre берется постоянный соавтор Стоппарда Кэри Перлофф. В ее активе - мировая премьера пьесы “Электра” Эзры Паунда и американская премьера пьесы “Горский язык” Гарольда Пинтера. Оба спектакля вышли в бытность ее художественным руководителем офф-бродвейской Classic Stage Company в период с 1987 до 1992 года.

Я очень надеялся, что на премьеру в Writers Theatre приедет автор. Увы, этого уже не случится... Вечная память великому драматургу и замечательному человеку Тому Стоппарду.

Фотографии к статье:

Фото 1. Том Стоппард. Фото - ramt.ru/

Фото 2. Том Стоппард. Фотосессия для Radio Times, 70-е годы. Фото - Clive Bards / Radio Times.

Фото 3. Том Стоппард. Фото - Jooney Woodward / The Times

Приключения “молодого Сержа” в Чикаго. Чикагский симфонический центр, 9 - 15 декабря 2025 года

9 декабря, 7.30 pm. Концерт знаменитого американского мужского хора “Шантеклер” (Chanticleer) с традиционной праздничной рождественской программой “A Chanticleer Christmas”. Музыкальный руководитель хора - Уильям Фред Скотт. “Шантеклер” часто называют “оркестром голосов”. Хор состоит из двух басов, одного баритона, трех теноров и шести контртеноров (три альта и три сопрано). Хор был создан в 1978 году усилиями тенора Луиса Ботто. В 2000 году был удостоен премии “Грэмми” за лучший камерный ансамбль, в 2008 году журналом Musical America был назван Ансамблем года. Хор исполняет не только рождественские песни, но в Чикаго приезжает всегда с ними.

11 и 13 декабря, 7.30 pm; 12 декабря, 1.30 pm. В программе Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО): прелюдия “Послеполуденный отдых фавна” К.Дебюсси, Скрипичный концерт Б.Бриттена (солист - Джеймс Энес), Четвертая симфония С.Прокофьева (версия 1947 года). Дирижер - Джанандреа Нозеда.

Выпускник Джульярдской школы канадский скрипач Джеймс Энес играет на скрипке с пяти лет. Дебютировал с симфоническим оркестром в тринадцать. Лауреат двух премий “Грэмми”, первую он получил в 2008 году за концертный альбом, записанный с Ванкуверским симфоническим оркестром (дирижер - Брамуэлл Тови). Лауреат трех премий журнала Gramophone. С лета 2024 года - профессор скрипичного отделения Школы музыки Индианского университета. На Музыкальном фестивале Равиния Энес дебютировал летом 2023 года. С оркестром “Music of the Baroque” он солировал в Третьем скрипичном концерте В.А.Моцарта (дирижер - Джейн Гловер). Играет на скрипке 1715 года работы Страдивари. Скрипка называется “Марсик” - это фамилия бельгийского скрипача-виртуоза XIX века Мартена Марсика, который на ней играл. А потом скрипку купил и какое-то время на ней играл Давид Ойстрах.

Сотрудничество Энеса с Нозеда продолжается уже больше двадцати лет. Они прекрасно понимают друг друга.

Шестидесятиоднолетний маэстро Джанандреа Нозеда родился в итальянском городе Сесто-Сан-Джованни. Выпускник Миланской консерватории, он учился в одном классе с музыкальным руководителем Лирик-оперы Чикаго Энрике Маццолой. Дирижерская карьера Нозеды началась в возрасте двадцати семи лет. В разные годы был главным приглашенным дирижером Роттердамского  и Израильского филармонических оркестров, руководителем Stresa Festival в Италии. С 2001 по 2011 год - главный дирижер оркестра BBC Philharmonic, сейчас - дирижер-лауреат. С 2007 по 2018 год - музыкальный руководитель Туринской оперы (Teatro Regio Torino). В декабре 2014 года именно при руководстве Нозеды впервые в истории итальянский оперный театр в полном составе (солисты, оркестр, хор) отправился на гастроли в Северную Америку. Среди четырех городов был и Чикаго, мы услышали концертное исполнение оперы “Вильгельм Телль” Дж.Россини. Нозеда - лучший дирижер 2015 года по версии журнала Musical America, лучший дирижер 2016 года (The International Opera Awards), лучший дирижер 2023 года (Oper! Awards). В настоящее время - музыкальный руководитель Национального симфонического оркестра (Вашингтон, контракт продлен до 2031 года), музыкальный руководитель Цюрихской оперы (контракт продлен до окончания сезона 2027-28 годов), главный приглашенный дирижер Лондонского симфонического оркестра и музыкальный руководитель фестиваля Цинандали в Грузии.

С ЧСО Нозеда будет работать четвертый раз, в Чикаго он впервые с 2014 года. Дирижер доволен: “Мне нравится город и нравится ЧСО. Оркестр прекрасен”.

“Прокофьев близок мне”, - говорит Нозеда. Музыка русского композитора  сопровождает маэстро всю жизнь. Профессиональный дирижерский дебют состоялся у него в 1994 году с Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi. В программе была Пятая симфония Прокофьева. В Метрополитен-опере он дебютировал с “Войной и миром”, а с Лондонским симфоническим оркестром записал все Симфонии Прокофьева. Нозеда говорит: “В Чикаго я решил исполнить Четвертую симфонию, потому что это впечатляющее произведение, требующее виртуозного оркестра, а ЧСО - супервиртуозный оркестр”. Нозеда заметил, что в Симфонии присутствуют музыкальные фрагменты из балета “Блудный сын” 1929 года: “Это особенная Симфония, которая мне очень нравится”.

В Чикаго Нозеда прилетает из Цюриха, где в Оперном театре дирижировал оперой “Сила судьбы” Дж.Верди с Анной Нетребко в главной партии. Режиссера спектакля Валентину Карраско забукали на премьере, а хор и дирижер получили аплодисменты от зрителей и доброжелательные рецензии от критиков.

...Летом 1917 года во время деловой поездки в Россию магнат сельскохозяйственной техники, чикагский бизнесмен Сайрус Маккормик-младший познакомился с Сергеем Прокофьевым, которому тогда было двадцать шесть лет. Композитор узнал имя американца, поскольку в поместье, которым управлял его отец, находилось несколько комбайнов International Harvester. Маккормик проявил интерес к музыке Прокофьева и оплатил издание его “Скифской сюиты” (сочинение 1915 года). Именно он уговорил Прокофьева приехать в США, именно он попросил его прислать несколько своих партитур тогдашнему музыкальному руководителю ЧСО Фредерику Стоку.

Маккормик написал Стоку, что Прокофьев “был бы рад приехать в Чикаго и привезти несколько своих симфоний, если бы ему оплатили расходы, но, не зная сам ценности его музыки, я не счел себя вправе рисковать”. Получив партитуры Прокофьева, Сток ответил Маккормику: “У меня нет никаких сомнений в таланте молодого Сержа”.

Хотя Сток поначалу сомневался в возможности немедленного приезда русского композитора в США, Prokofieff (так в то время писала его имя американская пресса) смог это сделать в следующем сезоне. В декабре 1918 года он дебютировал с ЧСО в качестве солиста с Первым фортепианным концертом (дирижировал Эрик Деламартер) и в качестве дирижера - со “Скифской сюитой”. Оба сочинения были впервые исполнены в США.

“Появление молодого Сергея Прокофьева на концерте ЧСО стало самым поразительным и в каком-то смысле важным музыкальным событием, происходившим в городе за долгое время, - написала Генриетта Вебер в газете Chicago Herald-Examiner. - Он - среднего роста, светловолосый, с несколько нескладными руками и плечами и с совершенно деловой манерой поведения. Его дело - музыка. Похоже, его возмущает даже время, которое тратится на поклон.”

Музыка Прокофьева произвела в Чикаго фурор. “Русский гений демонстрирует странные гармонии”, - гласил заголовок в газете Chicago American. “Музыка была такой дикой, такой брутально-варварской, - писала Генриетта Вебер, - что казалось почти гротескным видеть, как цивилизованные мужчины в современной одежде и с современными инструментами исполняют ее. В то же время она была мощной, искренней, настоящей”. Публике музыка очень понравилась. Вебер продолжала: “Прокофьеву устроили бурную овацию, которая хотя бы отчасти отражала бурные эмоции, которые он вызывал”.

В Чикаго молодым русским музыкантом заинтересовался Кампанини - дирижер местной оперной компании, получившей в 1922 году название Чикагская опера. Прокофьев предложил сочинить для труппы оперу “Три апельсина” по сказке Карло Гоцци - эту идею когда-то подсказал ему Мейерхольд. В 1914-15 годах Мейерхольд издавал журнал “Любовь к трем апельсинам”, название которого было заимствовано из все той же сказки Гоцци. В первом номере этого журнала К.Вогак, Вс.Мейерхольд и В.Соловьев опубликовали вольную сценическую обработку сказки. Прокофьева привлекла поэтичность вымысла, жизнелюбие персонажей, редкое сочетание сказки, шутки и сатиры. “Гоцци! Наш милый Гоцци! Это чудесно!” - воскликнул (или мог воскликнуть) темпераментный итальянец и тотчас подписал контракт с иностранным композитором - случай редчайший в американских театрах тех лет. Тридцатилетний композитор с увлечением принялся за работу. Разработка либретто и партитура оперы были закончены точно в срок, к октябрю 1919 года, но неожиданная смерть Кампанини вынудила труппу отложить постановку. Прокофьев продолжил свое американское турне и даже успел сочинить для Дягилевских сезонов в Париже балет “Шут”, имевший оглушительный успех.

Прокофьев возвращался в Чикаго еще четыре раза. 16 декабря 1921 года в Симфоническом центре он дирижировал мировой премьерой Третьего фортепианного концерта. В те же дни ЧСО также впервые исполнил Классическую симфонию композитора, а 30 декабря 1921 года в Auditorium Theatre состоялась мировая премьера оперы “Любовь к трем апельсинам”. Этот день навсегда связал имя композитора с Чикаго. Маэстро стоял за дирижерским пультом. “Чикагцы были и горды, и смущены тем, что они слушают “модернистскую оперу”, - скажет потом композитор. По прошествии многих лет смущение чикагцев, как мне кажется, прошло, а чувство гордости осталось. После Чикаго опера ставилась в других американских городах. Рассказывают, что в одном из них один из владельцев апельсиновых плантаций явился в театр и предложил дирекции большую сумму за своеобразную рекламу своей продукции: он хотел, чтобы в фойе были вывешены плакаты с изображением огромных апельсинов. Надпись на плакате должна была гласить: “Именно эти апельсины вдохновили маэстро Прокофьева написать эту оперу!!! Маэстро Прокофьев употребляет фрукты только нашей фирмы!!!” Впрочем, может быть, это была просто шутка. Но как бы то ни было, опера получила широкую известность и была поставлена на Западе задолго до ее премьеры на Родине - большевикам было не до музыки. Лишь 18 февраля 1926 года постановку оперы осуществил Ленинградский Академический театр оперы и балета, а в 1927 году опера “Любовь к трем апельсинам” была поставлена в Большом театре. В Лирик-опере ее ставили в сезоне 1979-80 годов, на сцене Чикагского культурного центра - летом 2005 года (режиссер - создатель и артистический директор несуществующего сегодня театра “The Hypocrites” Шон Грэни).

В свой последний визит в Чикаго в 1937 году Прокофьев представил музыку к балету “Ромео и Джульетта”.

За 75 минут перед началом концертов в зале Симфонического центра состоятся тридцатиминутные беседы музыковеда Лароба Рафаэля об исполняемых произведениях.

12 декабря, 7.30 pm; 13 декабря, 1.30 pm; 14 декабря, 3.00 pm. Новый концерт серии “CSO at the Movies”. На огромном, почти десятиметровом экране - комедия Криса Коламбуса “Один дома” (“Home Alone”, США, 1990, 102 мин.), на сцене - музыканты ЧСО под управлением Николаса Бака с музыкой пятикратного лауреата премии “Оскар” и 25-кратного (!) лауреата премии “Грэмми”, американского композитора и дирижера Джона Уильямса. В концерте участвует группа The Deerfield Singers, хормейстер - Анастасия Кэмерон Балмер.

Милую рождественскую комедию о том, как семья улетела на каникулы в Париж и забыла дома восьмилетнего Кевина (Маколей Калкин), конечно, все смотрели, так что пересказывать сюжет смысла нет. Напомню только, что забывают мальчика в пригороде Чикаго. Вот несколько интересных фактов о фильме.

Постер к картине с фотографией кричащего Кевина с руками на лице - прямая отсылка к картине Эдварда Мунка “Крик”.

В Польше показ ленты стал рождественской традицией. Начиная с 1991 года, фильм со слоганом “Wesołych Świąt!” показывают по общенациональному телевидению.

Искусственный снег, созданный для фильма, продюсеры подарили Лирик-опере, и он использовался в некоторых постановках.

Согласно чикагской легенде, в фильме снимался Элвис Пресли (неважно, что он умер в 1977 году). Фанаты Короля рок-н-ролла уверяют, что он преобразился в бородатого мужчину в эпизоде, когда миссис Маккалистер кричит на клерка перед тем, как встретить Джона Кенди.

Фильм стал самым кассовым в 1990 году и держался в группе лидеров до июня 1991 года. Он попал в Книгу рекордов Гиннесса как самая кассовая комедия, когда-либо выпущенная в какой-либо стране.

15 декабря, 7.00 pm. Традиционный ежегодный концерт Civic Orchestra of Chicago с музыкой И.С.Баха (Civic Bach Marathon Finale). В программе: Пятый, Третий, Четвертый, Шестой (именно в таком порядке) Бранденбургские концерты, хоральная прелюдия “O Mensch, bewein dein Sünde groß” для струнного оркестра (аранжировка М.Реджера), фрагменты из Первой и Второй оркестровых сюит (аранжировка Э.Натана). За дирижерским пультом - главный дирижер оркестра Кен-Давид Мазур. Цена одного билета начинается с пяти долларов. Если вы хотите поддержать оркестр, любые суммы приветствуются.

Обратите внимание! Концерт состоится в помещении Fourth Presbyterian Church (126 East Chestnut Street, Chicago, IL 60611).

 Наступает сезон праздников, а это значит, что нас ждут традиционные праздничные концерты. 16 декабря пройдет концерт медных духовых инструментов Chicago Symphony Orchestra Brass. В программе: аранжировки симфонических произведений для медных духовых инструментов.

Одним из главных событий декабря станут концерты ЧСО под управлением будущего музыкального руководителя Клауса Мякели. В программе: пьеса “subito con forza” (все слова с маленькой буквы) немецкого композитора корейского происхождения Ынсука Чина (первое исполнение), Фортепианный концерт Р.Шумана (солист - самый молодой победитель Международного фортепианного конкурса имени Клиберна, корейский пианист Юнчан Лим), концертная увертюра “Con brio” немецкого композитора Йорга Видмана (первое исполнение), Седьмая симфония Л.ван Бетховена. Концерты пройдут 18-20 декабря.

19-23 декабря нас ждет традиционная новогодняя программа “Merry, Merry Chicago!”

Об этих и других концертах я расскажу в ближайших выпусках Музыкального обозрения.

Nota bene! Абонементы и одиночные билеты на концерты Чикагского симфонического центра - на сайте cso.org, по телефону 312-294-3000 или в кассе по адресу: 220 South Michigan Avenue, Chicago, Il 60604.

Фотографии к статье:

Фото 1. Хор “Шантеклер”. Фото - Лиза Колер

Фото 2. Джанандреа Нозеда. Фото - courtesy of the Teatro Regio Torino Foundation

Фото 3. Сергей Прокофьев. Фото - cso.org

Фото 4. Постер фильма “Один дома”. Фото - www.iceposter.com/

Баварский оркестр покоряет Париж. О концерте 14 ноября 2025 года

14 ноября в Парижской филармонии выступил Симфонический оркестр Баварского радио (Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks) под управлением сэра Саймона Рэттла. В Чикаго я слышал этот оркестр дважды: в 2016 году с Седьмой (“Ленинградской”) симфонией Д.Шостаковича (оркестром дирижировал Марис Янсонс) и в апреле прошлого года с Шестой (“Трагической”) симфонией Г.Малера (дирижировал сэр Саймон Рэттл). Пропустить новую встречу с этим замечательным коллективом я не мог. В программе парижского концерта были Вторая симфония Р.Шумана и музыка к балету “Жар-птица” И.Стравинского (полная версия).

“В последние дни во мне что-то барабанит и трубит”, - говорил Роберт Шуман в сентябре 1845 года. Это были первые, еще неясные контуры Второй симфонии. Первую композитор сочинил за несколько дней, со Второй времени понадобилось гораздо больше. Шуман не находил себе места, был нервозен, раздражался на себя и других, сочинял, но потом, впадая в депрессию, зачеркивал и переделывал написанное. Музыка стала для него, по его собственным словам, “сопротивлением духа” - так он боролся с болезнью. Отсюда музыка Симфонии - нервная, местами импульсивная. Немецкий музыковед Герман Кречмар отмечал, что в ней “перемешаны жемчуг и песок”. Замечу, что “жемчуга” в музыке все же гораздо больше.

В дневнике (Haushaltbuch) Шумана читаем “симфонические мысли” от 12 и 13 декабря, слова “симфониака” от 14 и 15 декабря и, наконец, запись от 26 декабря 1845 года: “Музыкальное счастье. Последняя часть почти закончена”. Последнюю точку во Второй симфонии Шуман поставил осенью 1846 года, а уже 5 ноября в Лейпциге состоялась премьера. Оркестром Гевандхауз дирижировал Феликс Мендельсон-Бартольди. А потом началась долгая, счастливая жизнь Симфонии, продолжающаяся и сегодня. Это сочинение не так часто включают в свой репертуар симфонические оркестры, но почти каждое исполнение становится событием. Так было и в Париже.

Баварский оркестр звучал вдохновенно. Отмечу особое, мерцающее звучание скрипок (концертмейстер - Антон Бараховский) и мягкость медных духовых в первой части (Sostenuto assai - Allegro ma non troppo), кода валторны (концертмейстер -  Карстен Кери Даффин) и трубы (концертмейстер - Мартин Ангерер) во второй (Scherzo - Allegro vivace), дуэт гобоя (концертмейстер - Хенрик Визе) и, как говорил Шуман, “меланхоличного фагота” (концертмейстер - Марко Постингель) в третьей (Adagio espressivo), tutti оркестра в победном марше в финале - четвертой части (Allegro molto vivace). Перечислять можно буквально всех музыкантов, все они играли на высочайшем уровне.

От романтической музыки XIX века - к бешеным ритмам века XX, от Шумана - последователя Бетховена - к отрицателю всего и вся, модернисту Стравинскому. Состав оркестра композитор назвал “расточительно большим”, но если платит Дягилев, почему бы и нет?! (Об этом - ниже.)

Оркестр преобразился не только по составу инструментов. Мы услышали совсем другую музыку - сказочную, танцевальную. “Жар-птица” - балетная сказка, действие которой происходит в царстве Кащея. В сюжете Стравинский использовал сказки об Иване-царевиче, Жар-птице и сером волке, о Кащее Бессмертном и Царевне Ненаглядной Красе. Все музыкальные роли прописаны очень точно. Вот Иван-царевич гонится за волшебной птицей, вот выходит Кащей бессмертный и произносит свое заклинание, а вот и кикиморы разные, да витязи знатные, да колдуны и всадники... Не получил Кащей Ивана-царевича, сгинуло его царство, а Иван обручился с Ненаглядной Красой. Теперь он станет царем, она - царицей, и воцарится в их царстве-государстве мир и покой на вечные времена...

В версии Саймона Рэттла “Жар-птица” получилась не прикладной, балетной музыкой, а настоящим симфоническим Концертом для оркестра, в котором есть, по словам Бориса Асафьева, “три сказочных мира. Мрачное, давящее царство Кащея - царство гнета и приглушенный жизни... Другой мир - сама Жар-птица: ослепительный свет и красочный вихрь - с одной стороны, завораживающая лирика - с другой... Третья сказочная сфера - пленные царевны и освобождающий их Витязь...”.

Отмечу прелестный музыкальный диалог деревянных духовых инструментов, валторны и контрабасов (концертмейстер - Филипп Штубенраух). И снова меня поразил безупречный ансамбль, точность даже в самых сложных местах партитуры, нежнейшее пианиссимо, а потом громогласный финал. Это было по-настоящему великолепное, технически безупречное исполнение!

История создания “Жар-птицы” началась 6 февраля 1909 года. В тот день в Большом зале Петербургской филармонии “давали” концерт. Один из сидящих в первом ряду был хорошо известен публике: Сергей Павлович Дягилев - один из основателей нашумевшего объединения “Мир искусства”, прославленный организатор “Русских сезонов”. Дягилев обладал великолепным даром находить для своих постановок нужных танцовщиков, певцов, хореографов, композиторов, художников. Рядом с Дягилевым сидел любимец петербургских балетоманов, солист балета Мариинского театра Михаил Фокин. Дягилев и Фокин пришли в филармонию неспроста. Они вынашивали идею балета о Жар-птице, который хотели показать парижской публике. Уже было либретто, наброски костюмов и декораций, сделанные художниками Головиным, Бенуа и Бакстом. Не было только музыки. Им хотелось, чтобы это была музыка русская, но звучавшая по-новому, в унисон недавно начавшемуся двадцатому веку. “Исполняются два произведения молодого композитора Игоря Стравинского: “Фантастическое скерцо” и “Фейерверк”, - объявил ведущий. При первых же звуках оркестра Дягилев и Фокин переглянулись, а к концу исполнения были уверены: они нашли того, кого искали. “Каков сынок нашего Федора Стравинского!” - воскликнул Фокин.

Премьера “Жар-птицы” состоялась 25 июня 1910 года на сцене Парижской оперы. В главных партиях были Тамара Карсавина и Михаил Фокин. В зале - весь парижский бомонд: Марсель Пруст, Жан Жироду, Пьер Клодель, Морис Равель, Клод Дебюсси, Флоран Шмитт, Мануэль де Фалья. За один вечер Стравинский стал мировой знаменитостью... Композитору нравилось быть частью “Русского балета”. Писалось ему легко. “Петрушка”, “Весна священная” - балетная музыка следовала одна за другой. Впрочем, к концерту в Париже это уже не относится...

Две балетные сцены “Жар-птицы” прошли без паузы, и в финале Баварский оркестр ждала нескончаемая овация. На бис (что бывает редко на симфонических концертах) оркестр исполнил очаровательный (по-другому не скажешь) фрагмент Сюиты Габриэля Форе из музыки к драме М.Метерлинка “Пеллеас и Мелизанда”.

Симфонический оркестр Баварского радио был создан в 1949 году на базе существовавшего ранее оркестра Мюнхенского радио. Первый главный дирижер оркестра - выдающийся немецкий музыкант Ойген Йохум. Он возглавлял коллектив на протяжении одиннадцати лет, превратив его в один из лучших оркестров Европы.

За семидесятишестилетнюю историю оркестром руководили шесть дирижеров. Они приходили в мюнхенский коллектив всерьез и надолго, руководствуясь в своих взаимоотношениях принципом “оркестр-дом”: Рафаэль Кубелик - 1961-79 годы (с 1950 до 1953 года он руководил Чикагским симфоническим оркестром, с 1971 до 1974 года - Метрополитен-оперой), сэр Колин Дэвис (не путайте с сэром Эндрю Дэвисом - это разные дирижеры) - 1983- 92 годы, Лорин Маазель - 1993-2002 годы.

В 1981 году главным дирижером оркестра согласился стать Кирилл Кондрашин, однако вскоре скоропостижно скончался.

В 2003 году главным дирижером оркестра стал Марис Янсонс. Его международная карьера была оглушительной: возглавив в 1979 году симфонический оркестр Осло, казавшийся на фоне столичных оркестров других европейских стран провинциальным, он сумел за несколько лет превратить его в один из интереснейших творческих коллективов. С 1997 по 2004 год он руководил Питтсбургским симфоническим оркестром, приняв его из рук маэстро Лорина Маазеля. В 2003 году Янсонс продолжил, по его словам, “принимать оркестры из рук Маазеля”. Когда Маазель в семьдесят два года оставил оркестр Баварского радио (по словам Янсонса - “коллектив высочайшего класса”) и переехал в Нью-Йорк, новым главным дирижером Баварского оркестра стал Янсонс. В Питтсбургском оркестре был шок, когда Янсонс объявил им, что не будет оставаться на третий срок. Они делали все, чтобы дирижер остался, даже хор специальный написали и спели ему, чтобы он не уходил. C 2004 года Янсонс стал делить свое время между Мюнхеном и Амстердамом, выступая с баварским оркестром десять недель, с оркестром Консертгебау - двенадцать. Сначала в Мюнхене огорчились решением Янсонса совмещать руководство двумя оркестрами. Баварские музыканты опасались, что станут для Янсонса пасынками, а любимым сыном будет Консертгебау. Однако дирижер их успокоил, убедив оркестр в том, что всегда все делает по максимуму: “Это вопрос моей совести и порядочности”. Маэстро Янсонс не обманул коллектив. В 2015 году дирижер закончил свой контракт с Консертгебау, оставшись дирижером-лауреатом, а с баварским коллективом продолжал работать вплоть до своей смерти 1 декабря 2019 года.

Годы с маэстро Янсонсом были годами расцвета Баварского оркестра. В 2006 году оркестр стал лауреатом премии “Грэмми” в категории “Лучшая оркестровая запись года”. Победа досталась оркестру за запись Тринадцатой симфонии Д.Шостаковича. (Дирижер - Марис Янсонс. Солист - Сергей Алексашкин. Запись фирмы “EMI Classics”.) Символично, что это произошло в год столетия великого композитора! В 2008 году оркестр получил премию “ECHO Klassik” за лучшую запись года (произведения Б.Бартока и М.Равеля), в 2010 году - звание лучшего оркестра года (“ECHO Klassik” за запись Седьмой симфонии А.Брукнера). В 2013 году за запись Девятой симфонии Г.Малера (дирижер - Б.Хайтинк) оркестр снова был награжден премией “ECHO Klassik”, за запись Девятой симфонии А.Дворжака (дирижер - А.Нельсонс) - премией German Record’s Review.

В сентябре 2009 года оркестр основал свою собственную студию звукозаписи “BR-KLASSIK”, на которой выпускает CD и DVD.

Симфонический оркестр Баварского радио неизменно входит в десятку лучших симфонических оркестров мира. В 2005 году оркестр провел триумфальное турне по городам Китая и Японии, в 2006 и 2009 годах выступил в Карнеги-холл, в 2007 году вместе с хором дал концерт в честь Папы Римского Бенедикта XVI. Оркестр ежегодно проводил концерты на Пасхальном фестивале в Люцерне, являясь оркестром-резидентом этого фестиваля. В 1982 году Баварский оркестр впервые в мире исполнил “Страсти по Иоанну” эстонского классика Арво Пярта. С 2009 года концертмейстером оркестра является один из лучших скрипачей мира Антон Барановский.

Баварский оркестр находится в Мюнхене. У него нет своего постоянного зала. Он выступает в культурном центре “Гаштайг” и в зале “Геркулес” Мюнхенского королевского дворца.

С сезона 2023-24 годов оркестр возглавляет сэр Саймон Рэттл. Его сотрудничество с оркестром началось в 2010 году. Объявление о том, что он станет главным дирижером оркестра, состоялось в январе 2021 года. Дирижер подписал с оркестром контракт на пять лет. В программе первого, инаугурационного концерта в качестве руководителя 21 сентября 2023 года прозвучала оратория Й.Гайдна “Сотворение мира”.

Лауреат трех премий “Грэмми” (и двадцати одной номинации) сэр Саймон Рэттл - еще одно громкое имя в современной академической музыке. Он родился в Ливерпуле 19 января 1955 года. Учился игре на фортепиано, скрипке, выступал как перкуссионист. Выпускник Лондонской Королевской академии музыки. Дирижерскую карьеру начал в качестве второго дирижера Борнмутского симфонического оркестра (1974-1976 годы). С 1992 года работает с лондонским Оркестром эпохи Просвещения. Главными в жизни сэра Рэттла остаются три оркестра: Бирмингемский симфонический (главный дирижер и музыкальный руководитель с 1980 до 1998 года), Берлинский филармонический (главный дирижер с 2002 до 2018 года), Лондонский симфонический (музыкальный руководитель с 2017 до 2023 года, ныне - дирижер-лауреат). Сэр Рэттл выступал с лучшими симфоническими и оперными оркестрами мира. Он - желанный гость на музыкальных фестивалях в Зальцбурге и в Экс-ан-Провансе, где с Лондонским симфоническим оркестром участвовал в новой постановке оперы А.Берга “Воццек”. С разными оркестрами сэр Рэттл записал все симфонии Л.ван Бетховена, И.Брамса, Г.Малера, Я.Сибелиуса. Среди записей Берлинского филармонического оркестра под управлением С.Рэттла - саундтрек к фильму “Парфюмер. История одного убийцы” (лейбл EMI)

Концерт Баварского оркестра прошел в рамках европейского тура (10-22 ноября). До Парижа оркестр выступил в Ливерпуле, Бирмингеме, Лондоне, после Парижа сделал остановки во Франкфурте, Кельне, Люксембурге, Мадриде, Барселоне, Валенсии.

До конца года Баварским оркестром продирижируют Андрис Нельсонс (4-5 декабря) и Эса-Пекка Салонен (18-19 декабря). Среди январских концертов 2026 года отмечу Тридцать восьмую (“Пражскую”) симфонию В.А.Моцарта и Четвертую (“Романтическую”) симфонию А.Брукнера (дирижер - Пааво Ярви, 15-16 января), оркестровую симфонию “Erlkönig” Ханса Вернера Хенце, Сорок девятую (“Страсть”) симфонию Й.Гайдна и симфоническую поэму “Дон Кихот” Р.Штрауса (дирижер - Даниэль Хардинг, 29-30 января).

Сэр Саймон Рэттл станет за дирижерский пульт оркестра 6-7 февраля. В программе: мировая премьера пьесы “Zones of Blue” для кларнета с оркестром австрийского композитора Ольги Нойвирт и оратория “Плот медузы” Х.В.Хенце (второй раз за два месяца баварский оркестр исполнит музыку этого немецкого композитора, абсолютно незнакомого широкому американскому слушателю).

12-13 февраля Александр Канторов солирует в Пятом (“Египетском”) фортепианном концерте К.Сен-Санса (дирижер - Туган Сохиев, в этом концерте прозвучит полная версия сюиты “Пеллеас и Мелизанда” Г.Форе). 12-13 марта Баварский оркестр и хор исполнят произведения Ф.Шуберта и “Фауст-симфонию” Ф.Листа (дирижер - Франц Вельзер-Мест). 20-21 марта Баварский оркестр под управлением сэра С.Рэттла исполнит Вторую (“Воскресение”) симфонию Г.Малера.

Закрытие сезона Баварского оркестра пройдет 11 июля на Odeonsplatz в Мюнхене. В программе - произведения Дж.Гершвина, в том числе - Фортепианный концерт (солист - Кирилл Герштейн). Дирижер - сэр С.Рэттл.

Каждая программа оркестра повторяется, в основном, два, иногда - три раза (в отличие от трех-четырех концертов в Чикаго).

В январе 2026 года оркестр отправится на Канарские острова (дирижер - Пааво Ярви), в мае - выступит в Нюрнберге, Вене и на Пражском музыкальном весеннем фестивале (дирижер - сэр Саймон Рэттл).

Nota bene! Билеты на концерты Симфонического оркестра Баварского радио (Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks) - на сайте www.brso.de/en/ или по телефону +49 89 5900 10880. Там же вы найдете информацию об истории создания и сегодняшнем дне оркестра.

Фотографии к статье:

Фото 1-3. На концерте Симфонического оркестра Баварского радио (Париж, 14 ноября 2025 года). Все фотографии - Астрид Акерман

“Много шума из ничего” и еще много разного. Премьеры в Чикагском шекспировском театре

До 21 декабря в Чикагском шекспировском театре (Chicago Shakespeare Theater) идет спектакль “Много шума из ничего” (“Much Ado About Nothing”) по пьесе У.Шекспира. Режиссер - Селина Каделл. В ролях: Дебора Хэй, Крейг Бирко, Дебо Балогун, Марк Бедард, Джои Челиус, Шон Фортунато, Кевин Гудал, Сюзанна Ханнау, Колин Уэрта, Сэмюэл Б. Джексон, Ми Канг, Джейлон Мучисон, Фелиция Одух. Спектакль идет на старой сцене театра (The Jentes Family Courtyard Theater).

Беатриче - независимая женщина, Бенедикт - закоренелый холостяк. Что может быть лучше для начала истории о встрече двух упрямых одиночек под знойным сицилийским солнцем?.. Романтическая комедия Шекспира вышла аккурат к сезону праздников и обещает стать хитом. В Чикаго снова работает режиссер Селина Каделл, которая поставила моноспектакль Эдди Иззарда “Гамлет”, прошедший с аншлагом в Шекспировском театре в 2024 году. После премьеры в Чикаго спектакль был показан в Нью-Йорке и Лондоне. Каделл - одна из самых востребованных режиссеров в Великобритании, среди ее работ - “Большие надежды” (“Great Expectations”, Нью-Йорк и Лондон), “Любовь за любовь” (“Love for Love”, RSC) и “Жизнь, которую я веду” (“The Life I Lead”, Вест-Энд). Каделл уверена: “Много шума из ничего” - пьеса для нашего времени, отражающая хитросплетения могущественного патриархата и ложные обвинения, выдвигаемые тогда, когда власть и репутация берут верх над правдой”.

В роли Беатриче - Дебора Хэй. Она играла на сцене Шекспировского театра в спектаклях “Как вам это понравится” (“As You Like It”) и “Школа лжи” (“The School for Lies”), в течение девяти сезонов была занята в спектаклях Shaw Festival, в течение семи сезонов - в спектаклях Stratford Festival. В роли Бенедикта в театре дебютирует Крейг Бирко. Он играл на Бродвее в спектаклях “The Music Man” (номинация на премию “Тони”), “Guys and Dolls”, “Matilda the Musical”, “Girl from the North Country”.

Художественный руководитель Шекспировского театра Эдвард Холл говорит: “Много шума из ничего“ - удивительно многогранная, зрелая, романтическая история, охватывающая все нелепые взлеты и падения нашего поведения. Спектакль предлагает зрителям блистательный язык Шекспира. Нас ждет поистине теплое и уютное зрелище в праздничный сезон”.

А теперь о репертуаре Шекспировского театра на зиму-весну 2026 года.

27 января - 28 февраля 2026 года. В серии “Short Shakespeare!” - 75-минутная версия “Гамлета” (“Hamlet”) У.Шекспира. Режиссер - Эдвард Холл. Спектакль идет в помещении The Jentes Family Courtyard Theater. Первая в истории Шекспировского театра сокращенная постановка бессмертной пьесы. Ожидается, что спектакль посетят около двадцати тысяч учащихся средних и старших классов школ Чикаго и пригородов.

10 февраля - 8 марта 2026 года. Премьера в США - “Хамнет” (“Hamnet”) по пьесе лауреата премии Оливье Лолиты Чакрабарти, основанной на романе Мэгги О'Фаррелл. Спектакль Королевской шекспировской компании (Royal Shakespeare Company). Режиссер - Эрика Уайман. Спектакль идет в помещении The Yard. В аннотации к спектаклю читаем: “Чума похищает одиннадцатилетнего Хамнета у любящих родителей Анны и Уильяма Шекспиров. Из величайших страданий рождается необыкновенное чудо...”. Премьера спектакля состоялась в театре Swan в Стратфорде-на-Эйвоне в 2023 году, позже спектакль был перенесен в театр Garrick в лондонском Вест-Энде. После Чикаго труппа отправится в турне по городам США.

Напомню, после тридцатилетнего отсутствия в прошлом сезоне Королевская шекспировская компания показала на сцене Шекспировского театра спектакль “Перикл” (“Pericles”) по пьесе У.Шекспира в постановке художественного руководителя театра Тамары Харви (она делит эти обязанности с Дэниелом Эвансом). Тогда же руководители театра объявили, что начинается новый - партнерский - этап во взаимоотношениях двух театров. Автор пьесы Лолита Чакрабарти говорит: “Я так рада представить “Хамнет” в театре, пропитанном Шекспиром и его работами. “Хамнет” оживляет семью великого Барда - его самого, его сестру, их родителей, жену Анну, их троих детей. Вы увидите, почему Уильям отправился в Лондон и открыл для себя театр, как его семья жила без него и как тяжелая утрата ребенка подарила нам одну из самых важных пьес в западном мире”.

Романом О'Фаррелл заинтересовалась и оскароносная (за “Землю кочевников”, “Nomadland”, 2020) Хлоя Чжао. В ее фильме “Хамнет” роль Шекспира исполняет Пол Мескал, его жену Анну - Джесси Бакли. Релиз картины ожидается 26 ноября.

2 апреля - 3 мая 2026 года. “Виндзорские насмешницы” (“The Merry Wives of Windsor”) по пьесе У.Шекспира. Режиссер - Филипп Брин. Спектакль идет в помещении The Jentes Family Courtyard Theater. Еще одна комедия великого Барда на сцене театра, носящего его имя. Приведу слова Эдварда Холла: “Я хочу привезти в Чикаго самых опытных постановщиков шекспировских произведений”. Один из них - дебютирующий в Чикаго авторитет в области шекспировской драматургии Филипп Брин, написавший книгу о “...насмешницах”. Его курс в Shakespeare Institute называется “Прогулки по Виндзорской стране чудес: некоторые разрозненные размышления о режиссуре величайшей комедии Шекспира”. Филипп Брин - член труппы Королевской шекспировской компании. Его интересы выходят за рамки театра, охватывая оперу, мюзикл, кабаре. Он является постоянным соавтором Вивьен Вествуд на Неделе моды в Лондоне. Брин говорит: “Я в восторге от того, что дебютирую в Чикагском шекспировском театре - одном из величайших театров Шекспира в мире. Эдвард Холл - режиссер, чьими работами я восхищаюсь уже очень давно. С нетерпением жду возможности поработать с ним и всей командой театра. “Виндзорские насмешницы” - безусловно, самая смешная пьеса Шекспира и самая вопиюще и ошибочно недооцененная. Она полна ереси в виде коробки из-под шоколада, как поздний елизаветинский экземпляр самиздата. В ней есть все то, о чем не следует говорить публично: секс, деньги, политика. Разве можно было придумать лучшее время для изучения... богатой буржуазии?”

Nota bene! Билеты на спектакли Чикагского шекспировского театра - на сайте www.chicagoshakes.com, по телефону 312-595-5600 или в кассе театра (800 East Grand Avenue, Chicago, IL 60611).

Фотографии к статье:

Фото 1-3. Сцены из спектакля “Много шума из ничего”. Все фотографии - Кайл Флубакер