Сергей Борисович Коковкин. На острове “Сцена”

Опять русский Чикаго в ожидании премьеры. 22 октября 2011 года Театральная студия Вячеслава Кагановича представляет спектакль “Айдонт андерстенд” по пьесе Виктора Шендеровича “Потерпевший Гольдинер”. Режиссер-постановщик спектакля – Сергей Коковкин. В ролях: Вячеслав Каганович и Марина Карманова. В прошлом выпуске нашей газеты мы говорили с автором пьесы. Сейчас – слово режиссеру.

Краткая справка. Сергей Борисович Коковкин родился в Ленинграде. Учился в Нахимовском военно-морском училище, с отличием закончил Институт театра, музыки и кинематографии (класс профессора Б.Зона) и Мастерскую драматургов И. Дворецкого. Работал актером и режиссером в Ленинградском театре Комедии имени Акимова и Московском театре имени Моссовета. Автор нескольких книг, изданных по-русски и по-английски, и тридцати пьес, переведенных на двенадцать языков. Среди них “Пять углов”, “Раненый зверь”, “Простак”, “Миссис Лев”, “Если буду жив”, “Пушкиногополь”, “Привет от Цюрупы”. В России его пьесы ставили Кама Гинкас и Роман Виктюк, Борис Морозов и Сергей Яшин. В них играли Г.Жженов, Л.Дуров, А.Ширвиндт, М.Державин, В.Талызина, Н.Дробышева, Н.Тенякова, Е.Стеблов. Многие годы Сергей Коковкин работает режиссером в Европе и США, преподает в американских университетах. Писал сценарии и ставил фильмы, снимался как актер. Его картины “Пейзаж с наводнением” и “Демарш энтузиаста” были удостоены призов Нью-Йоркского международного кинофестиваля. Художественный руководитель Всероссийского семинара драматургов, член Союза писателей и Союза театральных деятелей. Лауреат американской премии искусств, заслуженный артист России.

- Скажите, пожалуйста, как получилось, что актер Сергей Коковкин стал драматургом? Разочаровались в актерском ремесле?
- Мне надоело говорить чужие слова – хотелось сказать свое. Меня побудил к авторству мой первый учитель, знаменитый Александр Моисеевич Володин, у которого я играл в “Фабричной девчонке”. И я написал молодежную пьесу. Но Лениградский обком комсомола, где заседала небезызвестная ныне Валентина Матвиенко, мою пьесу с треском закрыл. Тогда в Питер приехал Юрий Петрович Любимов, он позвал меня в к себе в номер, в “Асторию”, и сказал: “Читайте”. Создатель Таганки воспринял мою попытку всерьез. Его признание тогда мне очень помогло, я понял, что могу писать. Я поступил в мастерскую известного драматурга Игнатия Дворецкого. Вместе со мной учились Саша Галин, Семен Злотников, Алла Соколова...
- Вы называете всех тех, кто стал основоположниками “новой волны” в драматургии...
- Это было питерское крыло. А в Москве была Студия Арбузова, где учились Люся Петрушевская, Витя Славкин, Аня Родионова, Леша Казанцев, Аркаша Инин. Аня была инициатором соединения наших студий и арбузовская команда приехала в Питер. Вот тогда и родилась “новая волна”. Нас было человек тридцать, три десятка молодых драматургов. Показалось, что в затхлой атмосфере застоя потянуло свежим ветерком.
- Мне кажется, у “новой волны” была какая-то новая степень искренности, которой не было раньше в советской драматургии. Почему это новое направление получило такое мощное развитие?
- Так долго были зажаты рты и сдавлена башка невозможностью свободной мысли... Когда-то это должно было прорваться... Всё было заново, новые слова, новые мысли. Это была надежда на новую жизнь. А для нас с Аней Родионовой – просто началом новой жизни. Из актрисы кино она тоже стала драматургом и сценаристом, автором многих фильмов, в том числе знаменитого “ Карнавала ”. А потом именно “новая волна” выплеснула нас сюда, на океанский берег. В апреле 1985 года я получил приглашение от президента американского Театрального Центра Юджина О’Нила Джорджа Уайта. Из шестисот пьес была выбрана “Если буду жив”, и я оказался первым советским драматургом, чья пьеса была поставлена на престижном фестивале. Мы приехали замечательной компанией с Александром Гельманом и Григорием Гориным. Но с нами естественно был руководитель, посланный сверху, - Генрих Боровик. Он сразу попытался противодействовать моей постановке, заявив, что на фестивале будет показана антисталинская венгерская пьеса и мы должны его покинуть. Единственный среди нас коммунист Саша Гельман ходил по берегу океана и уговаривал товарища Боровика смириться, но Боровику необходим был скандал. Он собрал пресс-конференцию и объявил, что мы покидаем фестиваль. Когда мне дали слово, я обнял своих американских коллег и сказал: “Мы – одна команда. Я тоже актер. И я не предам моих коллег. Пока я не выпущу спектакль, я никуда не уеду”. Я отказался закрыть постановку и покинуть фестиваль. Газетчики тут же вытащили меня на улицу и стали фотографировать на фоне американского флага. “Он выбрал свободу”, - писали тогда. И мой спектакль победил. А Боровик, грозивший мне Москвой, не понял, что время уже изменилось. В тот же год я уехал в Стамбул ставить свою пьесу “Пять углов” с великой турецкой актрисой Йылдыз Кентер. Мои пьесы пошли по разным странам: в Италии, Германии, Финляндии, Болгарии, даже в Китае. По моим сценариям выходили фильмы в Польше. А здесь, в Америке я поставил за эти годы двадцать пять спектаклей, переставив всю русскую классику: Гоголя, Островского, Чехова, Пушкина, Толстого, Горького, Фонвизина, Лескова, Грибоедова, Шварца, Булгакова, Олешу, Рощина... Один раз даже поставил свой гротеск “Пушкиногополь”.

Среди героев пьес Коковкина – много исторических персонажей: Ломоносов, Пушкин, Гоголь, Толстой. Только что он вернулся из Белграда, где в Национальном театре прошла премьера спектакля по его пьесе “Миссис Лев”. Сергей Борисович был удостоен Серебряной медали и почетного звания члена “позорища” (Коковкин с удовольствием повторяет на сербском языке это слово, в переводе с сербского означающее театр).
В списке пьес Коковкина я нашел название, которое сразу привлекло мое внимание, - “Чехов в Чикаго”. Я попросил Сергея Борисовича рассказать подробнее об этой пьесе.

- В 1999 году в Чикаго я познакомился с начинающим драматургом, врачом по профессии. Он показал мне несколько своих текстов, на основе которых я, с его разрешения, сделал пьесу “Чехов в Чикаго”. Я предложил эту вещь Славе Кагановичу. Может быть, в будущем мы обсудим возможность ее постановки... Сейчас я много преподаю, занимаюсь драматургией с молодежью, возглавляя Всероссийский семинар драматургов. Мы собираем талантливых ребят со всей страны...
- Как вы работаете с ними? Разве можно научить писать пьесы?
- Я работаю с профессиональными литераторами, закончившими Литинститут и сценарный факультет ВГИКа. Они уже умеют писать, но абсолютно не осведомлены о театральной специфике. Театр надо ощутить собственной шкурой. В Москве у меня есть своя Лаборатория, при ней - группа режиссеров. Мы пытаемся внедрять пьесы прямо в театральные труппы. Первый год я работал с ними в театре Сатиры, второй - в театре Армии, третий – в театре Маяковского. Мы погружаемся в невероятную, манящую, загадочную, но жестокую и требовательную театральную сферу. Когда ребята проходят по гигантской, самой большой в Европе, сцене театра Армии, и видят огромное пространство, которое надо заполнить своей мыслью, эмоцией, динамическим посылом, они начинают впрямую осознавать ответственность авторского слова. Чтобы захватить трехтысячный зал, нужен мощный выплеск творческой энергетики и большая смелость.
- Чем вас привлекла драматургия Шендеровича?
- Я хорошо знаю и глубоко уважаю все, что делает Виктор. И очень обрадовался, когда узнал, что он пишет пьесы. В Доме актера я веду Клуб драматургов, куда приглашал его читать свои драматические тексты. В этом сезоне у нас, в театре Сатиры, прошла успешная премьера его “Вечернего выезда общества слепых”. В новой пьесе “Потерпевший Гольдинер” мне показался интересным диалог двух поколений, в котором явственен стык двух миров. Она - молодая, он - пожилой, она - американка, он – человек, выросший в Советском Союзе, продукт прежней жизни с упрямой упертостью сознания. Гольдинер двадцать лет живет в Америке, не пытаясь интегрироваться в новое для него пространство. Он заперт от жизни, оставаясь в замкнутой клетке своего мирка. Он пропустил эти двадцать лет. Мне интересно его столкновение с американкой, женщиной, вызывающей у него неприязнь, даже – отторжение, но именно она заставляет его иначе взглянуть на мир и свое предназначение в нем.
- Вы выделяете в этой пьесе политический контекст?
- Политика сиюминутна. Здесь иной счет времени. В этой пьесе три героя: Он, Она и Время. Какой здесь политический контекст? Мы говорим о разнице мировоззрений.
- Я увидел в этом старике одинокого больного несчастного человека.
- Это поколение ее отца. Оказывается, нельзя все списывать на время. Любое время можно прожить по-разному. Прожить его честно – очень трудно, но другого выбора для человека нет. Эта очень современная пьеса. Она не про вчера, она про сегодня. Даже про завтра. Там много слоев. Когда я несколько лет назад встречался с Эдвардом Олби, я репетировал с Татьяной Дорониной в его пьесе “Кто боится Вирджинии Вульф?” Я играл Джорджа, она - Марту. Я начал расспрашивать автора о его замысле и тогда самонадеянно произнес: “По-моему, мы вскрыли все уровни, все слои вашей пьесы”. Он посмотрел на меня внимательно и спросил: “Все шесть?” И я заткнулся. (Смеется.) Так вот, возвращаясь к нашему спектаклю, мы пытаемся вскрыть “все шесть”... Может быть, у Виктора Анатольевича их и не шесть, но вскрыть хочется все, что есть.
- Оригинальное название пьесы – “Потерпевший Гольдинер”. Почему для американской премьеры вы решили изменить его?
- Я предложил Виктору несколько названий, и его зацепило это. “Потерпевший Гольдинер” не создает проблемы. Это – частный случай. А “Айдонт андеРстенд” (Сергей Борисович смачно произносит эти слова, ударяя на каждый слог и особо выговаривая “Р”. – Прим. автора.) – это закрытая стена, преграда непонимания приехавшего из Советского Союза человека. Он не понимает языка, не понимает этой жизни. Не понимает и не принимает, потому что не приспособлен к другой жизни. Он – продукт коллективного мышления, которое лишает человека своебразия, собственной индивидуальности, человеческого достоинства одиночки.
- Как вам работается с актерами?
- Марина Карманова и Слава Каганович – замечательные артисты. Мы досконально исследуем текст, разбираем характеры наших персонажей, пытаемся существовать в жанре психологического театра. Мне очень интересно с ними работать, и мне кажется, мой метод им тоже внове. Актеры говорят, что не ожидали такой работы. Тем любопытнее будет увидеть результат!
- А вы сами по-прежнему играете в театре?
- Сейчас я больше занимаюсь режиссурой и драматургией, но в свое время играл много. Мой актерский опыт был разделен между театрами Акимова и Завадского. Я пришел в театр Моссовета, когда Юрия Александровича не стало (Завадского – Прим. автора.). Играл с Пляттом, стоял на сцене с Фаиной Георгиевной. А уж с Сережей Юрским сколько сыграно!..
- Кто был вашим педагогом?
- Профессор Борис Вольфович Зон. Он был учителем Павла Кадочникова, Алисы Фрейндлих, Зинаиды Шарко, Натальи Теняковой, Льва Додина. Человек-легенда, прямой ученик Станиславского. Он ходил за учителем и записывал за ним, когда еще книг Мастера не было.
- То есть вы в одном рукопожатии от Константина Сергеевича!
- Получается так. (Улыбается.) Школа у нас замечательная. Когда Джереми Айронса спросили, какая у него школа, он улыбнулся, развел руками и ответил: “Школа у всех одна - русская”. Школа действительно одна, никуда от Станиславского не уйти. Станиславский – азбука. Вы можете складывать из этой азбуки разные сценические тексты, от гиперреальности до абсурда, но сначала необходимо овладеть азбукой.
- Сергей Борисович, что происходит сегодня в российском театре? То и дело мы слышим о конфликтах, расколах, столкновениях... Это кризис жанра или “издержки производства”?
- Российский театр пропустил свое время, и в этом виноваты в том числе и мы, драматурги. Мы не осмыслили ни советский опыт, ни опыт перехода страны в другое состояние. Мы влезли в совершенно безобразный стиль антрепризного театра, который забит “мартышками”. Моя соседка Лия Ахеджакова так и говорит: “Мы – мартышки”, то есть узнаваемые через телевизор персонажи. В театре нынче царят коммерция и угождение платежеспособной публике. Я дружу с Ширвиндтом и Державиным, они играли в моей пьесе, я ставил спектакли в театре Сатиры. Даже там нелегко. Трудно живется сегодня российским театрам. Очень трудно. Понимающих зрителей - восемь процентов.
- Но так ведь было всегда и везде! В Америке разве по-другому? Подавляющее большинство людей не было в театре ни разу!
- Наверно. Но вот эта замшелость мышления, этот безобразный ящик, который оглупляет нацию, когда она из народа превращается в население. Позиция проста: пусть жуют комбикорм и привыкают ко лжи, а не затуманивают головы проблемами и идеями. Умный зритель властям не нужен, а глупый - выгоден. Беда с культурой. Беда со знаниями. К счастью, остаются театры, которые не потакают толпе и служат отдушиной для мыслящей части интеллигенции. Конечно, театр Петра Фоменко. Я с Петей проработал много лет, играл главные роли в его спектаклях. Театр-студия его ученика Сергея Женовача. В Питере – театр Додина. Сейчас в Москве в силе варяги: театр Некрошюса в Театре наций, Туминаса в Вахтанговском, Карбаускиса в Маяковке – мощная литовская театральная школа, идущая от Мильтиниса. Есть замечательные андеграундные спектакли, “Театр.doc”, театр “Практика”, пермские опыты. Пермь у нас сейчас – одна из культурных столиц России.
- Там не только Теодор Курендзис с оперой, а и театр хороший?
- Из Перми родом Борис Мильграм, с которым я работал в театре Моссовета. Он там теперь вице-губернатор. Борис привлек в город Марата Гельмана, там проводятся выставки, фестивали, ставятся серьезные новаторские спектакли. При этом зритель на Каме не московский и не питерский, а достаточно усредненный, зритель российской провинции. Так что оптимизм на возрождение российской культуры у меня сохраняется.

В конце нашей беседы Сергей Коковкин поделился планами на будущее.

- Сейчас совместно с американским Театральным центром Юждина О’Нила я организовываю Театральный центр посреди Балтийского моря. Это “Stage Island” – “Сцена-Остров”, на одинаковом расстоянии от которого находятся Стокгольм, Хельсинки, Рига и Таллин. В проекте участвуют семь стран: Швеция, Финляндия, Литва, Латвия, Эстония, Россия и США. Недавно я вернулся из Таллина, где на Довлатовских днях была премьера моего фильма “Демарш энтузиаста”, там я и начал заниматься учреждением нового статуса Острова. После безбрежного Мичигана вернусь на Балтику, на свой Остров!

Nota bene! Премьера спектакля “Айдонт андерстенд” по пьесе Виктора Шендеровича “Потерпевший Гольдинер” состоится 22 октября 2011 года в 7 часов вечера в зале “Christian Heritage Academy” по адресу: 315 Waukegan Road, Northfield, IL 60093.
23 октября в 7 часов вечера в Театральной гостиной по адресу 615 Academy Drive, Northbrook, IL 60062 состоится Творческий вечер с писателем и драматургом Виктором Шендеровичем. Билеты можно приобрести в театральных кассах Чикаго и пригородов.

От стриптиз-бара до “Алкоголя”

14 октября, 8.00 pm. Чикагский симфонический центр. Концерт Горана Бреговича и “Свадебного и похоронного оркестра”.

В один из прошлых приездов музыканта в Чикаго мне удалось побеседовать с ним. Представляю вашему вниманию фрагменты нашей беседы.
- Я родился в Сараево. Мой отец был полковником Югославской народной армии. Он любил музыку, как любитель играл на скрипке и мечтал, чтобы я стал профессиональным скрипачом. Родители отправили меня в музыкальную школу. Но я был умным мальчиком и вскоре смекнул, что девочки предпочитают гитаристов. Так и не закончив скрипичную школу, стал осваивать гитару. С пятнадцати лет я играл с музыкантами, которые были гораздо старше меня по возрасту, в семнадцать - уже играл на гитаре в стриптиз-баре. Я думаю, что видел больше обнаженных женщин, чем все юноши моего возраста в бывшей Югославии. А дело происходило в коммунистические времена... В восемнадцать лет я уехал в Италию, какое-то время жил в Неаполе, но потом вернулся домой и поступил на философский факультет Сараевского университета. Учился четыре года, но профессором так и не стал. За два года до окончания учебы я записал первый альбом и стал звездой рок-н-ролла в Югославии. Времена были такие, что стать профессором философии означало стать профессором по марксизму. Я убежал от этой судьбы и выбрал музыку.
- Где вы встретили войну?
- Мне повезло, я не был в Сараево, когда началась война. Я был в Париже, писал музыку к фильму “Аризонская мечта”. Мой дом был разрушен, я оказался в изгнании и начал новую жизнь. Во время войны писал музыку к кино. Этим я занимался четыре военных года.
- И продолжаете этим заниматься?
- У меня был непродолжительный период увлечения кино. Я стал писать музыку к кино, когда у меня было недостаточно денег и недостаточно славы. Это была своего рода забава для меня. Но в последние годы я редко работаю в киноиндустрии. Моя музыка слишком мелодична для кино. Я не такой хороший кинокомпозитор и не стремлюсь работать в кино.
- Как встретил вас Париж?
- Непросто было в житейском плане, но в смысле творчества Париж всегда был и остается одним из центров культуры и центров эмиграции мастеров культуры. Париж – хорошая стартовая точка для музыканта.
- У вас есть любимое место в Париже?
- Когда я был молодым, я купил небольшую квартиру в районе Маре, третьем округе Парижа. Вот этот район я очень люблю.
- В какой степени ваша музыка отражает влияние балканских традиций?
- Трудно избежать влияния музыкальных традиций. Я - балканский композитор, и в моих произведениях сильно влияние балканских народных напевов.
- Несколько лет назад в одном из интервью вы сказали: “Я – композитор из маленькой страны”. Мне кажется, с каждым годом вы становитесь более космополитичным.
- Это не я, это мир становится более космополитичным. Но мне очень приятно, что композитор из маленькой страны, имеющей свою музыкальную культуру, находит слушателя в России, Европе, Америке. Не знаю, спасет ли красота мир, но это более вероятно, чем бомбы.
- Как бы вы определили стиль вашей музыки?
- Я - современный композитор, но моя современная музыка звучит так, как будто она была написана очень давно. Моя современность очень стара. Это современная музыка с одной очень старой пластинки.
- Как у вас появилась идея создать “Свадебный и похоронный оркестр”?
- Во время моего первого гастрольного тура по Европе я использовал большой симфонический оркестр. Но моя музыка несколько иная, для ее исполнения мне не нужны все инструменты. Я стал трансформировать оркестр, подгоняя его под мою музыку, заменил некоторые традиционные классические инструменты народными балканскими, пригласил солисток из Болгарии и цыганских духовиков. Главная часть оркестра – духовая группа, типичная для балканского свадебного и похоронного оркестра. На Балканах существует традиция духовых оркестров. Эта традиция идет со времен турецкой оккупации. Дело в том, что во время войн против турок, балканских войн, во время Первой мировой войны никаких музыкальных академий не было и в помине, не было своих, специально обученных военных оркестров, а музыка была нужна. И тогда придумали вот что. Военные закупили духовые инструменты и отдали их цыганам. А цыгане могут за полдня научиться играть на любом музыкальном инструменте. Поэтому военную музыку заиграли цыгане. А где цыгане, там игра на свадьбах и похоронах. Люди, простившись с покойником, собираются вместе, слушают и поют любимую музыку того, кого они только что проводили. То есть, по сути дела, одна и та же музыка играется и на свадьбах, и на поминках. И мои музыканты до встречи со мной часто играли на свадьбах и похоронах. Я в шутку стал называть оркестр свадебным и похоронным. Название понравилось и мне, и музыкантам, и так оно и прижилось. С тех пор мы - “Свадебный и похоронный оркестр”. Знаете, я композитор из тех мест, где нет классической музыки. Вся наша музыка на протяжении столетий писалась во время распития алкогольных напитков. Почему я должен делать для себя исключение?
- Что для вас музыка: призвание, хобби, образ жизни?
- Я никогда не делал ничего другого, кроме занятий музыкой. Я - счастливый человек. Всю жизнь делаю то, что мне интересно, и то, что мне нравится. Со времен, когда я играл в стриптиз-баре, и до сегодняшнего дня я получаю удовольствие от того, что делаю.

Билеты на все концерты Чикагского симфонического оркестра можно заказать на сайте www.cso.org, по телефону 312-294-3000 или в кассе театра по адресу: 220 South Michigan Avenue, Chicago, IL 60604.

Бродвей в Чикаго: октябрь 2011 года – январь 2012 года

Предстоящий сезон готовит немало интересного для любителей мюзиклов. Как обычно, новые для Чикаго постановки соседствуют с возобновлениями старых. Вот какие спектакли мы увидим до конца года.

“Мэри Поппинс” (“Mary Poppins”)
Музыка и либретто – Ричард и Роберт Шерманы, Джордж Стайлс, Энтони Дрю.
Режиссер – Ричард Эйр. Хореограф – Мэттью Берн.
Героиня детской писательницы Памелы Трэверс возвращается в Чикаго в новой постановке. Напомню, в 2010 году этот спектакль завоевал четыре премии “Тони”, включая главную – за лучший мюзикл года. Подробности – на сайте мюзикла
http://www.marypoppins.com/.
13 октября – 6 ноября 2011 года.
Cadillac Palace Theatre, 151 West Randolph Street, Chicago, IL 60601.

“Рок на века” (“Rock of Ages”)
Сюжет мюзикла прост. В 1987 году в самом известном рок-клубе Лос-Анджелеса девушка из провинциального городка встречает знаменитого рокера, и они влюбляются друг в друга. Главное в этой истории – двадцать восемь (!) песен, которые распевают наши герои. Среди них – хиты легендарных рок-групп восьмидесятых JOURNEY, NIGHT RANGER, STYX, REO SPEEDWAGON, PAT BENATAR, TWISTED SISTER, POISON, ASIA, WHITESNAKE и многих других.
8-13 ноября 2011 года.
Ford Center for the Performing Arts, Oriental Theatre, 24 W. Randolph Street, Chicago, IL 60601.

“Энн: портрет Энн Ричардс” (“Ann: an Affectionate Portrait of Ann Richards”)
В главной роли – лауреат премии “Эмми”, звезда сериала “Два с половиной мужчины” Холланд Тейлор.
13 ноября – 4 декабря 2011 года.
Bank of America Theatre, 18 West Monroe, Chicago, IL 60603.

“Скрипач на крыше” (“Fiddler on the Roof”)
Композитор – Джереми Бокк. Поэт – Шелдон Харник.
Лауреат премии “Тони”, один из лучших мюзиклов XX века основан на книге Шолом-Алейхема “Тевье-молочник”. Премьера мюзикла, состоявшаяся в начале 1964 года в Детройте, прошла без особого успеха, и перспективы показа его на Бродвее казались нереальными. Кому интересен мюзикл о жизни евреев в царской России? Тем не менее создатели мюзикла верили в успех, и успех пришел: грандиозный, ни с чем не сравнимый бродвейский триумф 22 сентября 1964 года. В 1965 году мюзикл был удостоен девяти премий “Тони”, и за следующие семь лет и девять месяцев “Скрипач на крыше” со знаменитым бродвейским актером Зиро Мостелем в роли Тевье был сыгран на Бродвее три тысячи двести сорок два раза!
В 1972 году состоялась премьера “Скрипача на крыше” в Лондоне. Роль Тевье исполнил никому не известный израильский актер Хаим Тополь и, как говорится, на следующий день “проснулся знаменитым”.
Подробности – на сайте http://fiddlerontour.com/.
22 – 27 ноября 2011 года.
Auditorium Theatre of Roosevelt University, 50 East Congress Parkway, Chicago, IL 60605

“Мемфис” (“Memphis”)
Музыка и либретто – основатель группы Bon Jovi Дэвид Брайан и Джо Ди Пиетро. Режиссер – Кристофер Эшли.
Действие мюзикла происходит в пятидесятые годы в городе Мемфис, штат Теннесси. В городе процветает расовая ненависть, и таблички “Только для белых” не вызывают удивление у жителей. Поэтому роман главного героя – белого ди-джея Хьюи – и афроамериканской певицы Фелисии обречен...
В 2010 году спектакль завоевал четыре премии “Тони”, включая главную – за лучший мюзикл года. Подробности – на сайте мюзикла http://www.memphisthemusical.com/.
22 ноября – 4 декабря 2011 года.
Cadillac Palace Theatre, 151 West Randolph Street, Chicago, IL 60601.

“Донни и Мэри: рождество в Чикаго” (“Donny & Marie: Christmas in Chicago”)
Популярный американский дуэт брата и сестры Осмондов впервые представляет свое шоу в Чикаго.
6 – 24 декабря 2011 года. Ford Center for the Performing Arts, Oriental Theatre, 24 W. Randolph Street, Chicago, IL 60601.

“Семейка Аддамсов” (“The Addams Family”)
Музыка и слова – Эндрю Липпа. Режиссеры – Фелим Макдермотт и Джулиан Кроуч.
Конечно же, вам знакома эта семейка: Гомес Аддамс, его жена Мортиша, дядя Фестер – все знаменитые герои популярного фильма и одноменного сериала. Теперь нам предстоит встретиться с той же сумасшедшей семейкой на сцене...
Мюзикл создан по книге Маршалла Брикмана и Рика Элиса. Подробности – на сайте http://theaddamsfamilymusicaltour.com/.
13 декабря 2011 года – 1 января 2012 года.
Cadillac Palace Theatre, 151 West Randolph Street, Chicago, IL 60601.

“Клетка для пташек” (“La cage aux folles”)
Музыка и текст песен - Джерри Херман. Либретто - Харви Фирстайн. Премьера мюзикла прошла на Бродвее в 1983 году. В 2010 году новая постановка мюзикла завоевала три премии “Тони”, в том числе – за лучшее возобновление.
20 декабря 2011 года – 1 января 2012 года.
Bank of America Theatre, 18 West Monroe, Chicago, IL 60603.

Заказать билеты на все спектакли сезона можно по телефону 800-775-2000 или на сайте www.ticketmaster.com. Групповые скидки (15+) – по телефону 312-977-1710. Подробная информация – на сайте www.BroadwayInChicago.com.

Виктор Шендерович. Ни слова о политике

22 октября 2011 года Театральная студия Вячеслава Кагановича представляет спектакль “Айдонт андерстенд” по пьесе Виктора Шендеровича “Потерпевший Гольдинер”. Режиссер-постановщик спектакля – Сергей Коковкин. В ролях: Вячеслав Каганович и Марина Карманова. На премьеру приедет Автор, а на следующий день состоится его Творческий вечер.
О политике Шендерович говорит и пишет достаточно подробно. Поскольку наш разговор проходил в преддверии театральной премьеры, на этот раз я предложил Виктору Анатольевичу поговорить о Театре и только о Театре. Ни слова о политике! Возражений со стороны Автора не последовало.

- Как чувствует себя автор перед американской премьерой?
- Проникновенье наше по планете, как сказано у Высоцкого, особенно заметно вдалеке. (Смеется.) Я теперь могу надувать щеки и говорить, что моя пьеса репетируется в Чикаго... Премьеру я ожидаю с волнением. Действие пьесы происходит в Америке, и ясно, что в Америке зритель будет особенно заинтересованным и чутким. Первая постановка пьесы с большим успехом прошла в Одесском русском театре. По просьбе театра родословная героя (эту роль замечательно сыграл Олег Школьник) была перенесена именно в Одессу. Публика там реагировала замечательно, но это были оставшиеся, а пьеса посвящается всем уехавшим и оставшимся. Тем, кто остался, пьеса уже игралась, а тем, кто уехал, - еще нет. Чрезвычайно интересно услышать реакцию второй половины. Надеюсь, что она будет совпадать в большей части мест, но думаю, что меня ждут какие-то сюрпризы и удивления.
- Вы доверяете режиссеру Сергею Коковкину, или есть некоторое чувство страха и мысли: “Что он делает там с моей пьесой”?
- Нет-нет, страха нет. Я знаю Сергея Коковкина давно, с чрезвычайной симпатией к нему отношусь и доверяю по-человечески и профессионально. Речь идет не о том, что я не доверяю режиссеру. Вопрос в другом. Писал пьесу человек не уехавший. Конечно, я бывал в Америке и жил среди этих людей, но все-таки взгляд на эмиграцию у меня снаружи. Волнения связаны только с тем, как текст будет звучать в новой аудитории. Есть голос певца, но есть и резонанс помещения, и от резонанса зависит очень многое. Мне интересно, каков будет резонанс.
- Я читал вашу пьесу и понял, что вы досконально знаете предмет под названием “Эмиграция”...
- (Смеется.) Не знаю. Я, конечно, был на Брайтоне, у меня много друзей в эмиграции, но я не уверен, что знаю его досконально... Скорее, я могу что-то предполагать, достраивая мозаику из моих очень отрывочных представлений.
- У вашего персонажа есть прототип?
- Гольдинер – персонаж вымышленный, у него нет одного прототипа. Всякий художественный персонаж, как мозаика, собирается из нескольких кусочков. Бертольт Брехт, который в “Карьере Артуро Уи” показал абсолютно узнаваемого очевидного прототипа, - скорее, исключение. Мой Гольдинер состоит из четырех совершенно разных людей, живущих в разных странах за пределами России. Четыре человека, из которых я собирал своего Гольдинера. Собирал психологически, биографически... Меня повел за собой характер. Я думаю, что характер я знаю.
- По словам режиссера спектакля Сергея Борисовича Коковкина, для него в вашей пьесе важен конфликт двух миров, двух мировоззрений...
- Да, в пьесе есть два поколения эмиграции. Главный герой пьесы – старик, человек из анекдота, если говорить о типаже. “Как вам Америка?” – “Не знаю, мы в нее не выходим.” Этот человек эмигрировал и “окуклился” в небольшом эмигрантском, брайтонском мире. Героиня пьесы живет в Америке с шести лет. Она ощущает себя американкой, для нее Брайтон – “зоопарк”. Вынужденная встреча и взаимное узнавание-признавание людей разных поколений, разных культур, для одного из которых “зоопарк” – Америка, а для другого – эмиграция, мне показались очень любопытными. Я не Пушкин, у которого Татьяна выходила замуж за генерала, но в какой-то момент моя героиня тоже начала поступать по-своему. Пьеса писалась отчасти по заказу, но потом случилось то, что у Грибоедова называется “шел в комнату, попал в другую”. Через какое-то время выяснилось, что комедия, которую я начинал писать, постепенно ушла в сторону мелодрамы. Мне понравился новый для меня жанр. Когда Слава Каганович прочел пьесу и захотел ее поставить, я пошел на это с удовольствием, потому что, повторяю, мне действительно очень любопытно, как это может смотреться и звучать среди тех, про кого это написано.
- Как вы относитесь к изменению названия?
- Пьеса – это тридцать с чем-то страниц текста, а спектакль – совершенно другое. Спектакль - это живая история. У него, в отличие от пьесы, много родителей, и каждый привносит в него что-то новое: режиссер, актеры, весь творческий коллектив. Пьеса всегда всего лишь основа для спектакля. Поэтому я даю режиссеру полный карт-бланш. Любой спектакль – это все равно фантазии на темы пьесы. Примерно пятнадцать тысяч Гамлетов (кто-то посчитал) выходило на сцену. Спорить, кто ближе к Шекспиру, кто дальше от Шекспира, бессмысленно, потому что в каждом времени и в каждом месте свой Гамлет, свое “быть или не быть” и свои интонации. И это правильно. Так и должно быть. Автор не должен вмешиваться в спектакль. Спектакль рождается и живет своей жизнью, а автор с какого-то момента не имеет к этому никакого отношения.
- Виктор Анатольевич, почему из актерской студии Табакова и преподавания сценического движения в ГИТИСе вас потянуло к писательству? Не жалеете, что ушли из актерства, перестали преподавать?
- Я пытался писать с ранних лет. Вначале это было чрезвычайно вторично и неловко, но мне нравилось писать всегда, и театр был всегда. Меня тянуло в театр. Я никогда не был актером – играл в массовках в дипломных спектаклях в театре Табакова, не более того. А сценическое движение меня позвал преподавать Табаков и педагоги “Табакерки” на новом курсе. Для меня это была скорее дань любви табаковской студии, попытка второй раз войти в ту же реку. Я был студийцем Первой табаковской студии и педагогом Второй. Замечательная страница моей жизни! То, что называется “запахом кулис”, вызывает до сих пор приступы огромной ностальгии. Но все-таки я думаю, что каждый должен заниматься своим делом. Я абсолютно не жалею, что двадцать лет назад пересел за письменный стол. Я думаю, что занимаюсь своим делом, а театральное прошлое мне чрезвычайно помогает. Театр мне много дал в плане литературной и телевизионной работы. Если бы не табаковская студия, я бы, наверно, не решился писать пьесы. Логично, что лучшие драматурги были либо актерами, либо жили в театре и писали для театра, знали театр изнутри. Имена Шекспира, Мольера, Островского на поверхности. Театр надо знать, понимать и чувствовать. Человек, который выходил на сцену, пишет по-другому. Он находится внутри театра и проверяет текст на себе. Это совсем другой взгляд. В этом смысле даже тот небольшой юношеский опыт обитания внутри театра, который у меня был, меня очень подтолкнул и поддержал.
- Как вы считаете, Москва по-прежнему остается театральной Меккой или она постепенно утрачивает свои лидирующие позиции?
- Трудно судить. Я не думаю, что Москва – театральная Мекка. Я даже уверен, что это не так. Мы тем и отличаемся от мусульман, что у нас нет какого-то одного святого места. Мекка кочует, центр тяжести все время смещается. За время моей жизни этот центр передвигался много раз, был в Лондоне, Берлине и может возникнуть где угодно. Москва была таким городом – может быть, еще будет. В Москве продолжают работать несколько корифеев: Петр Наумович Фоменко и его школа, его ученик Женовач и его школа, другие талантливые режиссеры. В Москве есть потрясающая театральная школа.
- Вы продолжаете писать пьесы?
- Да, есть пьеса этого года, которая сейчас начинает путешествие “по рукам” в Москве. Это комедия. Надеюсь, она найдет свои руки. В будущем году я планирую издать сборник пьес. Туда войдут как пьесы, идущие в театрах, так и те, которые еще не были поставлены.
- На премьере спектакля в Одессе вы выходили на сцену в роли Автора. Не планируете то же самое в Чикаго?
- В Одессе это было сделано просто для премьеры. Нет, я приеду в Чикаго как зритель и как автор. На сцену я не буду выходить... Только если поклониться... А на следующий день в Чикаго состоится мой вечер.
- Что мы услышим на этом вечере?
- В прошлом году я приезжал с джазовым квинтетом Игоря Бриля. Спектакль назывался “Как таскали пианино”. В этот раз я буду рассказывать другие истории и читать другие тексты. Это будет литературный вечер совершенно другого плана.
- Поскольку встреча с вами состоится на следующий день после спектакля, готовы ли вы к дискуссии по поводу вашей пьесы?
- Честно говоря, я не думаю, что это правильно. Это не политические дебаты. Я, разумеется, не Чехов, но представьте себе ситуацию, когда Антон Павлович отвечает по содержанию “Чайки”. “Проясните неясности в третьем акте...” Будет спектакль, у каждого сложится свое впечатление. Этого достаточно. Пусть спектакль живет своей жизнью, а я приеду, с удовольствием приду на премьеру, а на следующий день выйду на сцену почитать свои тексты.

Nota bene! Премьера спектакля “Айдонт андерстенд” по пьесе Виктора Шендеровича “Потерпевший Гольдинер” состоится 22 октября 2011 года в 7 часов вечера в зале “Christian Heritage Academy” по адресу: 315 Waukegan Road, Northfield, IL 60093.
23 октября в 7 часов вечера в Театральной гостиной по адресу 615 Academy Drive, Northbrook, IL 60062 состоится Творческий вечер с писателем и драматургом Виктором Шендеровичем. Билеты можно приобрести в театральных кассах Чикаго и пригородов.

Чикагский симфонический центр представляет... 6-18 октября 2011 года

6 октября, 8.00 pm; 7 октября, 1.30 pm; 8 октября, 8.30 pm. Каждое выступление Чикагского симфонического оркестра (далее – ЧСО) под управлением его музыкального руководителя Риккардо Мути дарит нам что-то новое и интересное. На этот раз программа концертов в точности воспроизводит программу последнего выступления Густава Малера 21 февраля 1911 года, когда он последний раз появился на публике за дирижерским пультом в качестве руководителя оркестра Нью-Йоркской филармонии. В год столетия смерти великого композитора ЧСО повторяет программу того памятного вечера:
- Л.Синигалья. Увертюра к опере “Le baruffe chiozzotte”;
- Ф.Мендельсон. Четвертая (Итальянская) симфония;
- Дж.Мартуччи. Концерт N2 для фортепиано с оркестром. Солист – немецкий пианист Герхард Оппитц;
- Ф.Бузони. Berceuse élégiaque;
- М.Э.Босси. Intermezzi Goldoniani.

9 октября, 3.00 pm. Концерт старейшего ансамбля Мексики Mariachi Vargas de Tecalitlán, исполняющего народную музыку.

13, 15 октября, 8.00 pm; 14 октября, 1.30 pm; 18 октября, 7.30 pm. “Так говорит Заратустра” – так называется очередная программа ЧСО. Кроме Симфонической поэмы Рихарда Штрауса, написанной под впечатлением от книги Фридриха Ницше, в концерте прозвучат сочинения американского композитора-модерниста Чарльза Айвза “Вопрос без ответа” и “Три места в Новой Англии”, а также Осенняя соната шотландского композитора Тии Масгрейв, в которой центральное место отведено соло бас-кларнета. Солировать будет музыкант оркестра Лори Блум. ЧСО дирижирует Сюзанна Мелькки. После окончания Музыкальной академии имени Я.Сибелиуса в Хельсинки она начала успешную карьеру виолончелистки. С 1995 по 1998 годы работала концертмейстером группы виолончелей в Симфоническом оркестре Гетеборга (Швеция). В июне 2010 года стала студенткой Королевской академии музыки в Лондоне. В настоящее время Сюзанна Мелькки является музыкальным руководителем ансамбля Intercontemporain.

14 октября, 10.15 и 11.30 am; 15 октября, 10.00 и 11.45 am. Чикагский симфонический центр и Чикагский детский театр представляют музыкально-театрализованное представление “Гадкий утенок”. В представлении примут участие музыканты ЧСО. Обратите внимание: представление состоится не в главном зале Симфонического центра, а в помещении Buntrock Hall.

Билеты на все концерты Чикагского симфонического оркестра можно заказать на сайте www.cso.org, по телефону 312-294-3000 или в кассе театра по адресу: 220 South Michigan Avenue, Chicago, IL 60604.

“За нотами – Вселенная...”

Первый концерт нового сезона Чикагского симфонического оркестра (далее – ЧСО) состоялся 22 сентября 2011 года не “дома”, а на выезде – в шестидесяти трех блоках от Симфонического центра, в Apostolic Church of God на южной стороне Чикаго. “Добро пожаловать, ЧСО! Добро пожаловать на юг Чикаго!” - такими словами приветствовал оркестр пастор церкви, доктор Брайан Брезер. Бесплатный концерт вызвал огромный интерес - желающих услышать выступление прославленного оркестра оказалось намного больше, чем позволяют размеры зала. Перед концертом в вестибюле церкви перед собравшимися выступил Молодежный оркестр церкви. Как сказал один из оркестрантов Чикагского оркестра: “Они – наше будущее!”.
Концерт ЧСО открылся торжественной увертюрой Джузеппе Верди к опере “Жанна Д’Арк”. Концертмейстер группы флейт ЧСО Мэттью Дюфор солировал в Концерте для флейты с оркестром Жака Ибера. Во втором отделении вечера прозвучала Пятая симфония П.Чайковского.
Выступление в церкви – одна из частей новой инициативы руководства окестра по привлечению новых слушателей. “Наша задача - открыть мир музыки для людей, далеких от нее”, - говорит президент оркестра Дебора Раттер. Обращаясь к аудитории, музыкальный руководитель ЧСО Риккардо Мути сказал: “Не бойтесь, что вы не поймете музыку. Музыку надо не понимать, а чувствовать. Главное - не нотная грамота, а то, что находится за нотами. А за нотами – Вселенная...”.
Неутомимый Риккардо Мути обладает редким в наше время просветительским даром. В каждой программе он пытается открыть что-то новое, каждый концерт для него – прорыв в другой мир, другое измерение. Он верит: музыка способна изменить мир к лучшему! “Мир полон злобы, насилия. Каждый год я езжу с оркестрами в города, где идет война и льется кровь, и каждый раз прошу музыкантов в этих городах присоединиться к нашему оркестру. Музыканты говорят на разных языках, принадлежат к разным религиям, но они общаются и испытывают одинаковые чувства благодаря музыке. Потому что музыка обращается к сердцам. Слова могут показаться очень патетическими, но сердца не знают различия в языках, религии, политике.”
На пресс-конференции, посвященной открытию нового сезона, итальянский маэстро рассказал о посещении тюрьмы под Миланом. Начал он, по обыкновению, с шутки: “Я был там не как заключенный. Директором тюрьмы работает фантастически интересная женщина из Неаполя. В этой тюрьме она придумала что-то невероятное: она делает заключенных чище благодаря культуре, помогая им создавать театр. Один заключенный написал мне письмо с такими словами: “Маэстро, мы читали в интервью, что вы планируете побывать в тюрьме в Чикаго. Почему бы вам не сделать то же самое в вашей стране?” Его сокамерники сказали, что Мути никогда не ответит ему. К удивлению многих, я ему ответил, а потом приехал. Я увидел сто пятьдесят мужчин и женщин. Много молодых людей, много девушек... Я был поражен несчастными, невинными лицами этих людей. Преступления не отражались на их лицах. Я представил себе, что среди них могли бы оказаться мой брат, моя сестра... Я сел за фортепиано и играл два часа, рассказывая заключенным о музыке. Я не спрашивал, за что их посадили, но начал с пьесы Шумана “Почему?” Я выразил свой вопрос в музыке. Потом я играл Шопена, Шуберта, снова Шумана – композиторов, жизнь которых оборвалась в молодом возрасте. По ходу концерта я видел, как меняются лица заключенных. Два часа музыки стали для них моментом очищения. Когда я закончил, один из них сказал: “Маэстро, приезжайте еще раз. Вы подарили нам два часа рая”.
Для Риккардо Мути начинается второй сезон работы с Чикагским симфоническим оркестром. Работы не в качестве приглашенного дирижера, а в роли музыкального руководителя. Напомню, что когда Дебора Раттер впервые заговорила о возможности для Риккардо Мути возглавить чикагский оркестр, многие отнеслись к ее идее скептически. “Заносчивый итальянец” в Чикаго – это казалось нереальным! Мути гордо заявлял журналистам: “Я на ноль процентов американец, на сто процентов европеец и на тысячу процентов итальянец”. Его тон изменился после месяца, проведенного с Чикагским оркестром в 2007 году. Две недели Мути дирижировал концертами в Симфоническом центре и две недели провел с оркестром в Европе. Приехав в Чикаго, Мути был очарован радушным приемом, который ему устроили музыканты, члены администрации и спонсоры оркестра. Дирижер признается: “Мое согласие возглавить оркестр пришло не сразу. Но Чикаго смог растопить мое черствое сердце”.
Гордость Италии, один из самых выдающихся дирижеров современности Риккардо Мути родился в Неаполе 28 июля 1941 года. Отец – врач и музыкант-любитель. Мать – певица. Музыкальные способности проявились у Риккардо рано. Он легко поступил и с отличием окончил консерваторию Сан Пьетро а Маелла по классу фортепиано, дирижирования и композиции. Размышляя над тем, стоит ли ему становиться музыкантом-профессионалом, Мути изучал философию в университете Неаполя. Отдав предпочтение музыке, он решил, что одной консерватории ему недостаточно. Мути переезжает в Милан и поступает в консерваторию имени Джузеппе Верди, где учится под руководством Бруно Беттинелли по классу композиции и Антонино Вотто по классу дирижирования. Кроме них, учителем Мути был друг и соратник Федерико Феллини, композитор Нино Рота. (28 сентября ЧСО под руководством маэстро исполнит Сюиту своего учителя из кинофильма Лукино Висконти “Леопард”.) Впервые Мути привлек внимание критиков и публики в 1967 году, когда жюри дирижерского конкурса Гвидо Кантелли в Милане единодушно присудило ему первую премию. С этого момента карьера молодого музыканта стремительно пошла вверх. На следующий год он был назначен главным дирижером оркестра “Maggio Musicale Fiorentino” (этот пост дирижер занимал до 1980 года). В 1971 году Герберт фон Караян пригласил маэстро на Зальцбургский музыкальный фестиваль. Это выступление положило начало постоянному сотрудничеству Мути с этим фестивалем, которое продолжается и сегодня.
Для Америки дирижера открыл великий Юджин Орманди. Побывав на репетиции молодого итальянца, мэтр пригласил его отобедать с ним, а позднее предложил выступить с Филадельфийским симфоническим оркестром в качестве приглашенного дирижера. Американский дебют Риккардо Мути состоялся 27 октября 1972 года. Дебют Мути в качестве дирижера ЧСО прошел на фестивале в Равинии летом 1973 года. Впечатляет список оркестров, которыми руководил Риккардо Мути: Лондонский филармонический (1972-1982 годы; итальянский виртуоз сменил на этом посту Отто Клемперера), Филадельфийский симфонический оркестр (1980-1992 годы; этот оркестр достался ему из рук Юджина Орманди), оркестр “Filarmonica della Scala” театра “Ла Скала” (1986-2005 годы). С 2010 года к этому списку добавился Чикагский симфонический оркестр.
Позади – “жаркий” сезон в Равинии, первое европейское турне оркестра с Риккардо Мути в качестве музыкального руководителя, ежегодный Симфонический бал. Впереди – новые выступления и гастроли. Ежегодный “пир” Великой Музыки в исполнении Великого Оркестра в Чикаго только начинается, и вы можете стать его участниками!

Билеты на все концерты Чикагского симфонического оркестра можно заказать на сайте www.cso.org, по телефону 312-294-3000 или в кассе театра по адресу: 20 South Michigan Avenue, Chicago, IL 60604.

Steppenwolf Theatre представляет...

Известный на всю Америку “Степной волк” открыл свой тридцать шестой сезон спектаклем “Парк Клайборн” по пьесе чикагского драматурга Брюса Норриса.
Пьеса Брюса Норриса “Парк Клайборн” (2009) – честный рассказ о бытовых предрассудках и расизме, как одной из основных проблем американского обшества. Первое действие пьесы происходит в пятидесятых годах прошлого века, второе - в наше время. Два дня, между которыми разместились полвека истории и одна человеческая жизнь. Центром битвы становится скромный дом в северо-западной части Чикаго. В сентябре 1959 года, уезжая из Чикаго в пригород, добропорядочная семейная пара продала свой дом афроамериканской семье. У соседей это вызвало шок. Афроамериканцы в белом районе – в то время это казалось возмутительным!.. Спустя полвека, в сентябре 2009 года, дом снова переходит к другим владельцам - молодой паре белых американцев. И снова – недоумение и вражда соседей... Как изменились представления о людях другого цвета кожи и изменились ли они вообще; что значит быть политкорректным в сегодняшнем американском обществе; в чем сходятся и расходятся представители разных слоев общества... – эти и другие вопросы задает нам и себе Брюс Норрис. За эту пьесу в этом году драматург был удостоен Пулитцеровской премии в категории “Лучшее драматическое произведение для театра” и премии Лоуренса Оливье в категории “Лучшая современная пьеса”.
Выпускник театрального факультета Northwestern University Брюс Норрис играл в спектаклях Victory Gardens Theater, Goodman Theatre, Steppenwolf Theatre, участвовал в бродвейских постановках и в телевизионных сериалах.
Пьесы Норриса шли в чикагском Lookingglass Theatre, Philadelphia Theatre Company, Woolly Mammoth Theatre (Вашингтон), The Royal Court Theater (Лондон), Staatstheater Mainz (Германия). На сцене Steppenwolf Theatre в разные годы состоялись премьеры шести пьес Норриса: “Неверный” (“The Infidel”, 2000), “Фиолетовое сердце” (“Purple Heart”, 2002), “Мы все спустились к Амстердаму” (“We All Went Down to Amsterdam”, 2003), “Боль и жжение” (“The Pain and the Itch”, 2004), “Неупоминаемые” (“The Unmentionables”, 2006), “Параллелограмм” (“A Parallelogram”, 2010). Премьера последнего спектакля в постановке Анны Шапиро прошла в прошлом сезоне. Виртуозно написанные диалоги в драмах Норриса напоминают трагикомические пьесы Эдварда Олби, под микроскопом рассматривающие сложности американского характера и проблемы американской семьи.
Мировая премьера спектакля по пьесе “Парк Клайборн” состоялась в феврале 2010 года в театре “Playwrights Horizons” (Нью-Йорк). Английская премьера прошла в лондонском Royal Court Theatre (режиссер – Доминик Кук).
Режиссером чикагского спектакля является актриса Эми Нортон. Я помню ее по блестящему исполнению роли Марты в пьесе Э.Олби “Кто боится Вирджинии Вульф?” В качестве режиссера она ставила спектакли “Американский бизон” и “Гленгерри Глен Росс” Д.Мамета, “Человек-подушка” М.Макдонаха.
В главной роли - Джеймс Винсент Мередит (Альберт/Кевин). В спектакле принимают участие Кэрен Олдридж (Френсин/Лена), Клиф Чемберлен (Карл/Стив), Стефани Чилдерс (Бетси/Линдси), Кирстен Фитцжеральд (Бев/ Кэти), Джон Джадд (Рас/Дэн), Брендан Маршал-Рашид (Джим/Том/Кеннет).
Спектакль идет до 8 ноября 2011 года.

Еще одна премьера “Степного волка” предназначена в первую очередь для молодой аудитории. На пресс-конференции артистический директор проектов театра для молодой аудитории Халли Гордон сказала: “В новом сезоне нам интересно исследовать процесс рождения новых пьес. Оригинальная работа может родиться от идей и тем классического текста. Работа одного художника может вызвать ответ и новую историю от другого”.
“Работа одного художника” - это роман Карсон Маккалерс “Сердце - одинокий художник”, по которому Ребекка Гилман создала одноименную пьесу.
Действие спектакля происходит в тридцатые годы XX века в отдаленном городке штата Джорджия. В этом городке живет человек по имени Джон Синджер. Джон – глухой, и, может быть, поэтому к нему так тянутся люди, рассказывая свои бесконечные истории. Среди персонажей спектакля - четырнадцатилетний сорванец Мик Келли, мечтающий стать концертирующим пианистом, единственный доктор-афроамериканец в этом городке, политический активист-пропойца, владелец местного бара... Истории сменяют друг друга, и в самом их пересказе сквозит желание людей уйти от одиночества...
Режиссер спектакля - Халли Гордон. В ролях: Роберт Шляйфер, Алан Уайлдер, Джессика Гонор Карлтон, Деррик Купер, Уолтер Коппэдж, Энн Джозеф.
11 октября – 4 ноября 2011 года.

1650 N. Halsted Street, Chicago, IL 60614. Справки и заказ билетов по телефону 312-335-1650 или на сайте http://www.steppenwolf.org/.

Goodman Theatre представляет: “Красное” (“Red”)

Пьеса Джона Логана “Красное” впервые ставится в Чикаго. Главный герой пьесы - знаменитый художник, интеллектуал, мыслитель, знаток Нитцше и античной философии Марк Ротко. Его настоящее имя – Маркус Яковлевич Роткович. Он родился в 1903 году в Двинске (ныне - Даугавпилс) в семье аптекаря. Когда мальчику исполнилось десять лет, семья переехала в США, и юность будущего художника прошла в Портленде (штат Орегон). Там же к нему пришел первый успех. Ротко увлекался сюрреализмом, экспрессионизмом, конструктивизмом... – в общем, всеми “–измами” и видами абстрактной живописи. При этом Ротко не нравилось, когда его работы называли абстрактными. Его линии, очертания, цветовые гаммы с красным цветом в центре экспозиции и так называемые “пульсирующие поля” отражали мировоззрение художника, его отношение к окружающим людям, пейзажам, социальным явлениям. Ротко не делал ничего на публику – он рисовал так, как он видел жизнь, и жил так, как рисовал: ярко, сочно, красочно... В 1971 году в Хьюстоне открылась церковь всех религий (http://rothkochapel.org/), оформлением которой занимался Ротко и которая была названа его именем.
Я познакомился с работами Ротко в Музее современного искусства Нью-Йорка (МоМА) и, признаться, остался под большим впечатлением. Меня поразила свежесть взгляда художника, особая цветовая насыщенность его работ, серьезность замысла...
Был в жизни Ротко такой эпизод. В 1959 году художник работал над заказом фешенебельного ресторана “Four Seasons”, незадолго до этого открывшегося в нью-йоркском небоскребе “Seagram Building”. По контракту Ротко получал от хозяина ресторана фантастическую по тем временам сумму в три миллиона долларов. Неожиданно, когда работа была закончена, Ротко вернул аванс и отказался отдавать картины. Мы можем только гадать, почему это произошло. По одной из версий художник посчитал, что его картины достойны большего, чем служить украшением места, где обедают, по его выражению, “богатые ублюдки”. По другой - таким способом Ротко выразил несогласие с тем, что его работы не увидят рядовые служащие здания.
Без этого эпизода не обходится ни одна биография художника, об этом эпизоде рассказывает и пьеса Джона Логана. В ней – два персонажа: Ротко и его молодой помощник-ассистент Кен. Ротко ведет постоянный диалог-спор с Кеном. В числе обсуждаемых тем – общество, музыка, политика, мораль, философия... Но главное, конечно, - искусство, его предназначение и то, как его понимают разные поколения и разные социальные слои общества. Устами Логана Ротко говорит: “Продать картину – все равно, что оставить слепого ребенка в комнате с голыми лезвиями”. Кстати, в результате ресторан так и не получил работ Ротко. Спустя десять лет десять из этих картин он передал лондонскому музею “Tate Gallery”. 25 февраля 1970 года, в тот день, когда картины достигли английского порта, Ротко нашли мертвого в собственной нью-йоркской мастерской. У него были перерезаны вены. При вскрытии в желудке обнаружена огромная доза снотворного.
Мировая премьера спектакля по пьесе Джона Логана состоялась в Donmar Warehouse (Лондон) 3 декабря 2009 года. Первыми исполнителями ролей Ротко и Кена были Альфред Молина и Эдди Редмейн. Они же участвовали в бродвейских показах спектакля в марте 2010 года. Двадцативосьмилетний Редмейн получил премию Лоуренса Оливье за лучшую роль второго плана, а в целом спектакль англичанина Майкла Грэндейджа был удостоен шести премий “Тони” в 2010 году, в том числе – за лучшее драматургическое произведение года.
Главный режиссер театра “Гудман” Роберт Фоллс вступает в заочный спор с Грэндейджем и впервые в крупном театре США предлагает свое сценическое решение интеллектуально насыщенной пьесы Джона Логана. На пресс-конференции, посвященной представлению нового сезона, режиссер вспомнил, как более двадцати лет назад ставил в Чикаго пьесу Логана “Вид с реки: мелодрама с музыкой” (“Riverview: A Melodrama with Music”). В свою очередь Логан с энтузиазмом воспринял новость о премьере пьесы в Чикаго: “Подобно Марку Ротко, Боб Фоллс беззаветно предан искусству. Невозможно себе представить лучшего режиссера будущего спектакля”.
В роли Марка Ротко – актер из Вашингтона Эдвард Геро. Он известен прежде всего своими шекспировскими ролями. За двадцать восемь сезонов в вашингтонском Шекспировском театре таких ролей у него было семьдесят! Эдвард Геро играл на Бродвее, работал в других американских театрах, в том числе – в театре “Гудман” в “Короле Лире” Фоллса. Геро – ассистент профессора университета Джорджа Мэйсона, инструктор Академии классических наук и университета Мэриленда.
В роли Кена – чикагский актер Патрик Эндрюс. Среди его работ – роли в Writers’ Theatre, Victory Gardens Theater, The House Theater. Я видел Эндрюса в прошлом сезоне на сцене Steppenwolf Theatre в роли Бобби в “Американском бизоне” Д.Мамета. Актер не потерялся на фоне более старших по возрасту и театральному опыту Трейси Леттса и Фрэнсиса Гинана. Сегодня Эндрюс - член труппы American Theater Company.
Спектакль “Красное” по пьесе Джона Логана - совместная постановка Goodman Theatre и Arena Stage at the Mead Center for American Theater.

17 сентября - 23 октября 2011 года. 170 N. Dearborn St. Chicago, IL 60601, справки и заказ билетов по телефону 312-443-3800 и на сайте театра www.goodmantheatre.org/.

Венский модерн в центре Нью-Йорка

Все мы хорошо знаем, что в Нью-Йорке есть все, в том числе – невероятное разнообразие музеев. Тем не менее музею, о котором пойдет речь в этой статье, удалось занять на карте города свое особое место. Музей этот называется “Новая галерея” (“Neue Galerie”) и посвящен австрийскому и немецкому модернизму – интереснейшему периоду в истории мировой культуры конца XIX – начала XX века. Основу коллекции музея составляют работы Густава Климта, Эгона Шиле, Пауля Клее, Альфреда Кубина, Оскара Кокошки – всех тех, кого яростно травили нацисты, называя их работы “дегенеративным искусством”.

История музея начинается с 1922 года почти с анекдота. Десятилетний житель Вены Серж Сабарски в приемной у зубного врача увидел рисунок художника Эгона Шиле. На рисунке была изображена обнаженная женщина. Мальчик остался под таким впечатлением, что забыл о зубной боли (возможно, именно на такую реакцию рассчитывал врач) и на всю жизнь полюбил работы одного из ключевых художников австрийского модернизма начала XX века.
Серж Сабарски родился в буржуазной семье. После ранней смерти отца зарабатывал на жизнь в кабаре: устанавливал декорации, работал клоуном. После прихода к власти нацистов бежал сначала во Францию, потом - в Америку. Во время Второй мировой войны три года служил в американской армии, а после окончания войны вспомнил о давнем интересе к живописи и стал заниматься дизайном и... торговать картинами. Уже его первая галерея, открытая в конце сороковых, пользовалась огромным успехом. К началу шестидесятых годов Сабарски был известным коллекционером. К этому периоду относится его знакомство с бизнесменом и филантропом Рональдом Лаудером. Со временем общие вкусы и увлечения превратили это знакомство в дружбу. Долгие годы коллекционеры мечтали о создании музея, целиком и полностью посвященного австрийскому и немецкому модернизму начала XX века. В 1994 году (за два года до смерти Сабарски) они выкупили изящный особняк 1914 года работы Карьера и Хастингса (архитекторов Нью-Йоркской Публичной библиотеки) в фешенебельном районе Манхэттена, на так называемой Музейной миле на Пятой авеню. После реставрации (архитектор Аннабел Сельдорф) в 2001 году музей открыл свои двери для посетителей. Рональд Лаудер осуществил мечту своего друга Сержа Сабарски.

В немецком названии музея читается ссылка на многие галереи нового искусства и самую известную из них – венскую “Neue Galerie”, основанную в 1923 году художником Отто Каллиром. По красивой, элегантной лестнице посетители музея поднимаются на второй этаж, где представлены работы Климта, Шиле, Кокошки, Ричарда Герстля, Альфреда Кубина. На третьем этаже находятся произведения Пауля Клее, Эрнста Людвига Кирхнера, Отто Дикса, Жоржа Гроса, Лионеля Фейнингера. В музее есть несколько работ Василия Кандинского.
Коллекция музея постоянно обновляется. Так, в июне 2006 года Рональд Лаудер купил картину Густава Климта “Портрет Адели Блох Бауэр I”, в ноябре того же года – работу Кирхнера “Уличная сцена в Берлине”.
Я побывал в музее в начале сентября. Были открыты только два зала, так что работ немецких экспрессионистов я не видел. Зато увидел австрийцев – Климта, Шиле, Кокошку. Они идеально представляют свою эпоху – дерзкую, изломанную, декадентскую и чертовски привлекательную. Их творческие биографии начинались со скандалов. За одну из своих первых работ – драму в стихах “Убийца – надежда женщин” (не удивляйтесь, в юности венские модернисты писали поэмы) – Оскара Кокошку лишили стипендии Венской школы искусств и ремесел, а после выставки в “Венских мастерских” в 1908 году назвали “великовозрастным сорванцом”. На его картинах красовались обнаженные девушки в откровенных позах. Эгону Шиле не повезло еще больше. В 1912 году он провел двадцать четыре дня в тюрьме по обвинению в растлении малолетней. Позднее все обвинения были с него сняты.
Откровенных поз на картинах в музее немало: многие из моделей Климта, Шиле, Кокошки были проститутками и соглашались позировать в любых позах. Вспомним, что живший в те годы в той же Вене Зигмунд Фрейд провозглашал главенство психоанализа, а теоретик и практик модернизма Адольф Лоос, вторя ему, утверждал: “Всякое искусство эротично”. Венские художники “хорошо усвоили” философские уроки мастеров...
Что говорить о чопорной Австро-Венгрии начала прошлого века, если искусство Климта, Шиле, Кокошки и сегодня вызывает немалые споры и даже обвинения в порнографии. Критик Кен Джонсон в “The New York Times” пишет: “Несомненно, это – порнография, но высокая порнография. Такая же, как у Тулуз-Лотрека или у Набовока в “Лолите””. Другой критик той же газеты Роберта Смит называет коллекцию музея “откровением”. Сабарски и Лаудер могут быть довольны: они познакомили Нью-Йорк с их любимой эпохой. Венский модерн оказался модерном и в начале XXI века.

Серж Сабарски считал, что наслаждение от картины происходит в момент слияния с ней. Он советовал: “Не читайте объяснения, а смотрите, смотрите и смотрите, забыв обо всем”. Кстати, это декларировал и Густав Климт. В сочинении “Комментарий на несуществующий автопортрет” он писал: “Во мне нет ничего особенного. Я художник, пишущий день за днем с утра до ночи... Кто хочет что-нибудь обо мне знать, должен внимательно рассмотреть мои картины”. Тем не менее каждому посетителю музея предлагается информативный аудио-тур со вступительным словом директора музея Рене Прайс и подробным рассказом о представленных экспонатах.
В холле музея расположен уютный магазин, который больше похож на старинную книжную лавку. Главное в нем – не обычные сувениры, а буклеты по австрийскому и немецкому искусству, книги Франца Кафки, Стефана Цвейга, Франка Ведекинда, музыкальные записи Густава Малера, Арнольда Шенберга, Альбана Берга.
А еще в музее находится очаровательное кафе, названное в честь Сержа Сабарски. Если будут места на диванах, постарайтесь занять их. Это - мебель работы того самого Адольфа Лооса, который вечерами теоретизировал об эротичности искусства, а днем мастерил мебель. Его диваны обиты тканями, сделанными в 1912 году на фабрике Отто Вагнера. Кафе Сабарски воссоздает атмосферу знаменитых венских местечек, где так вкусно пахнет кофе и аппетитно выглядят сладости. Меню кафе поразит даже бывалых сладкоежек. Где еще в Америке вы встретите “Sachertorte” (классический венский торт с горьким шоколадом и по-домашнему сделанным конфитюром из абрикоса), “Schwarzwaelder Kirschtorte” (торт с кремом и вишней), торты с марципанами, орехами, лимоном, множество разнообразных штруделей и творожных пирогов... - само перечисление этих блюд доставляет мне огромную радость. Продолжал бы и продолжал... Все сладости в кафе сделаны под руководством известного кулинара Курта Гутенбруннера. Образцы продукции выставлены на столах, так что необязательно углубляться в меню – достаточно просто показать официанту на понравившийся вам лакомый кусочек. Труднее, если понравилось все... Но если вы соберете всю волю в кулак и решите блюсти фигуру, то хотя бы не откажите себе в удовольствии попробовать настоящий ароматный кофе или крепкий чай.
В течение года в кафе проходит серия концертов “Кабаре в кафе”, где в соответствии с основным направлением музея исполняется австрийская и немецкая музыка конца XIX – начала XX века.
На нижнем этаже музея находится кафе “Летучая мышь” (“Fledermaus”).

Будете в Нью-Йорке – непременно зайдите в “Новую галерею” и на время перенеситесь из городского шума XXI века в венский модерн века XX: перемена, заслуживающая внимания!
Музей “Новая галерея” находится по адресу: Neue Galerie, 1048 Fifth Avenue (by 86th Street) New York, NY 10028. Справки по телефону 212-628-6200. Подробную информацию о музее вы найдете на сайте http://www.neuegalerie.org/.

P.S.
Выражаю благодарность менеджеру по связям с прессой Лии Аммон за помощь в подготовке этой статьи.

“Wilmette Theatre” представляет...

Опера в кино

В этом кинотеатре в северном пригороде Чикаго в течение осени пройдут показы четырех опер.

“Набукко” Дж.Верди.
Запись сделана в театре “Antico” (Таормина, Италия).
Симфонический оркестр оперного фестиваля в Таормине.
Дирижер – Пьер Джорджо Моранди. Режиссер – Энрико Кастильоне.
Главные партии исполняют: Набукко – Хуан Понс, Абигайл – Кьяра Тайги, Захария – Франческо Д’Артенья, Измаил - Массимилиано Кьяролла, Фенена – Эйфемиа Туфано.
22 сентября, 7.00 pm; 25 сентября, 2.30 pm.

“Фауст” Ш.Гуно.
Запись сделана в театре “Ковент-гарден” (Лондон).
Дирижер – Эвелино Пидо. Постановка – Дэвид Маквикар. Режиссер возобновления – Ли Блейкли.
Главные партии исполняют: Фауст – Витторио Григоло, Маргарита – Анжела Георгиу, Мефистофель – Рене Папе, Валентин – Дмитрий Хворостовский.
2 октября, 2.30 pm; 6 октября, 7.00 pm.

“Адриана Лекуврер” Ф.Чилеа.
Запись сделана в театре “Ковент-гарден” (Лондон).
Дирижер – Марк Эдлер. Режиссер – Дэвид Маквикар.
Главные партии исполняют: Адриана Лекуврер – Анжела Георгиу, Мориц – Йонас Кауфман, принц Буйонский – Маурицио Мураро, принцесса Буйонская – Ольга Бородина. 23 октября, 2.30 pm.

“Тоска” Дж.Пуччини.
Запись сделана в театре “Ковент-гарден” (Лондон).
Дирижер – Антонио Паппано. Режиссер – Дункан Макфарланд.
Главные партии исполняют: Тоска – Анжела Георгиу, Марио Каварадосси – Йонас Кауфман, Скарпиа – Брайан Терфель. 17 ноября, 7.00 pm; 20 ноября, 2.30 pm.

Балет в кино

Балетной серии повезло меньше, чем оперной. До конца года запланирован показ только одного спектакля - балета
“Эсмеральда” Ц.Пуни. Хореография Мариуса Петипа.
Запись сделана в Большом театре летом 2011 года.
Постановка и хореографическая редакция - Юрий Бурлака и Василий Медведев.
Дирижер - Павел Клиничев. 6 ноября, 2.30 pm; 10 ноября, 7.00 pm.

The Wilmette Theatre, 1122 Central Ave, Wilmette, IL 60091
http://www.wilmettetheatre.com/

Метрополитен-опера в кино

В сезоне 2011-12 годов в кинотеатрах можно будет посмотреть одиннадцать опер крупнейшего оперного театра мира.

“Анна Болейн” Г.Доницетти. Новая постановка.
Дирижер – Марко Армилиато. Режиссер – Дэвид Маквикар.
Главные партии исполняют: Анна Болейн – Анна Нетребко, Генрих VIII – Ильдар Абдразаков, Джейн Сеймур – Екатерина Губанова.
15 октября, 11.55 am; 2 ноября, 6.30 pm.

“Дон Жуан” В.А.Моцарт. Новая постановка.
Дирижер – Фабио Луизи. (На прошлой неделе он был назначен главным дирижером МЕТ. Джеймс Ливайн при этом остается музыкальным руководителем.) Режиссер – Майко Грэндейдж.
В партии Дон Жуана – Мариуш Квечин. В других партиях: Марина Ребека, Барбара Фриттоли, Рамон Варгас, Лука Пизарони. 29 октября, 11.55 am; 16 ноября, 6.30 pm.

“Зигфрид” Р.Вагнер. Новая постановка.
Дирижер – Фабио Луизи. Режиссер – Робер Лепаж.
Главные партии исполняют: Зигфрид – Гари Леман, Брюнгильда – Дебора Войт, Путник – Брайан Терфель.
5 ноября, 11.00 am. Дата и время второго показа будут объявлены дополнительно.

“Сатьяграха” Ф.Гласс.
Дирижер – Данте Анзолини. Режиссер – Фелим Макдермотт.
В главной партии – Ричард Крофт. 19 ноября, 11.55 am; 7 декабря, 6.30 pm.

“Роделинда” Г.Ф.Гендель.
Дирижер – Гарри Биккет. Режиссер – Стивен Уодсворт.
Главные партии исполняют: Роделинда – Рене Флеминг, Эдвидже – Стефани Блайт, Бертаридо – Андреас Шолл. 3 декабря, 11.30 am; 4 января, 6.30 pm.

“Фауст” Ш.Гуно. Новая постановка.
Дирижер – Янник Незет-Секин. Режиссер – Дес Маккануфф.
Главные партии исполняют: Фауст – Йонас Кауфман, Маргарита – Марина Поплавская, Мефистофель – Рене Папе. 10 декабря, 11.55 am; 11 января, 6.30 pm.

“Очарованный остров” Г.Ф.Гендель, А.Вивальди, Ж.-Ф.Рамо и др.
Мировая премьера. Новая постановка.
Дирижер – Уильям Кристи. Режиссеры – Фелим Макдермотт и Джулиан Кроч.
Главные партии исполняют: Просперо – Дэвид Дэниелс, Сикора – Джойс Ди Донато, Нептун – Пласидо Доминго, Ариэль – Даниэль Де Низе.
21 января, 11.55 am; 8 февраля, 6.30 pm.

“Гибель богов” Р.Вагнер. Новая постановка.
Дирижер – Джеймс Ливайн. Режиссер – Робер Лепаж.
Главные партии исполняют: Зигфрид – Гари Леман, Брюнгильда – Дебора Войт.
11 февраля, 11.00 am. Дата и время второго показа будут объявлены дополнительно.

“Эрнани” Дж.Верди. Новая постановка.
Дирижер – Марко Армилиато. Режиссер – Пьер Луиджи Самаритани.
Главные партии исполняют: Эрнани – Марчелло Джордани, Дон Карлос – Дмитрий Хворостовский, Дон Руи Гомес Ди Сильва – Ферручо Фурланетто, Эльвира – Анджела Меде. 25 февраля, 11.55 am; 14 марта, 6.30 pm.

“Манон” Ж.Массне. Новая постановка.
Дирижер – Фабио Луизи. Режиссер – Лорен Пелли.
Главные партии исполняют: Манон – Анна Нетребко, кавалер Де Грие – Петр Бечала, Леско – Пауло Шот. 7 апреля, 11.00 am; 25 апреля, 6.30 pm.

“Травиата” Дж.Верди.
Дирижер – Фабио Луизи. Режиссер – Уилли Декер.
Главные партии исполняют: Виолетта – Натали Дессе, Альфредо – Мэттью Полензани, Жермон – Дмитрий Хворостовский. 14 апреля, 11.55 am; 2 мая, 6.30 pm.

Подробная информация о предстоящих показах, а также адреса кинотеатров - на сайте http://www.metoperafamily.org/metopera/broadcast/hd_events.aspx.

Равиния - 2011: 7-11 сентября

7 сентября, 6.00 pm. Беннетт Гордон Холл. Дебют в Равинии студента Центральной музыкальной школы при Московской консерватории, восемнадцатилетнего российского пианиста Дмитрия Майбороды. Несмотря на свой юный возраст, он уже хорошо известен любителям фортепианного искусства. В 2004 году Майборода получил Первую премию на Международном конкурсе пианистов в Санкт-Петербурге, в следующем году – победил на конкурсе, организованном телеканалом “Культура”, в 2006 году завоевал главный приз на Международном конкурсе молодых исполнителей в Вене. В программе сольного концерта в Равинии – произведения С.Рахманинова. Среди них - Вторая соната, Восемь прелюдий и Три музыкальных момента.

7 сентября, 8.00 pm. Театр “Мартин”. Концерт Джульярдского струнного квартета. В программе – Квартет соль мажор Й.Гайдна, Квартет си-бемоль мажор Л.ван Бетховена (исполняется с финалом “Grosse Fuge”) и Пятый квартет американского композитора Дональда Мартино, написанный им за год до смерти в 2004 году.

8 сентября, 8.00 pm. Театр “Мартин”. Ежегодный концерт в Равинии американского пианиста Гарика Ольсона. На этот раз мы услышим Вторую сюиту фа мажор Г.Ф.Генделя, Вариации и фугу на темы Генделя И.Брамса, фортепианные произведения Ф.Листа и А.Скрябина.

9-10 сентября, 8.00 pm. Павильон. Дебют танцевальной труппы “MOMIX” (Вашингтон, штат Коннектикут) в Равинии. Труппа представляет балет “Botanica”.
10 сентября, 11.00 am. Павильон. Представление труппы “MOMIX” для детей.
Выпускник Дартмутского колледжа, специалист по английской литературе, основатель и артистический руководитель танцевальной труппы “MOMIX” хореограф Моисей Пендлтон рассматривает танец как важнейший, но не единственный элемент театрального спектакля. Танцевальному миру Пендлтон известен по “хулиганской” компании “Пилоболус”, пластическим языком изображавшей прозу Вирджинии Вулф и математические уравнения. Труппа просуществовала недолго и вскоре распалась, а Пендлтон продолжил свои оригинальные танцевально-театральные эксперименты, придумав и создав в 1981 году новую труппу “MOMIX”. В своих работах (в том числе, в балете “Botanica”) труппа соединяет балетный танец с акробатическими трюками и сложнейшими техническими и световыми фокусами. Один американский критик сравнил артистов труппы с конструктором-трансформером. А вот что писали о труппе после гастролей в Москве: “Пластические этюды “MOMIX” существуют на грани танца и чуда. Балеты этой танцевальной группы меняют представления о том, что такое тело, что такое танец, что такое пространство. Зрители просто не понимают, где заканчивается тело танцора, а начинается их собственная фантазия”.
В числе самых известных работ Пендлтона – балет о жизни и творчестве Эрика Сати в Парижской опере (1979 год) и масштабное представление на церемонии закрытия Зимних Олимпийских игр в Лейк-Плэсиде (1980 год), партия Юродивого в опере М.Мусоргсrого “Хованщина” в постановке Юрия Любимова (Ла Скала, 1982 год) и сюрреалистическое представление “Замужество Эйфелевой башни” (римейк одноименного балета двадцатых годов, 1988 год), балеты “Картинки с выставки” на музыку М.Мусоргского (телевизионная премия “Эмми” за 1991 год), “Кармен” в Мюнхенской опере в постановке Лины Вертмюллер (1993 год), “PICARTE” в Мариинском театре с Дианой Вишневой в главной партии (2008). Труппа “MOMIX” участвовала в одном из первых фильмов формата 3-D.

Специально для читателей фестиваль в Равинии предоставляет серьезную скидку на билеты в Павильон ($15 вместо $45). Все, что нужно сделать, – это ввести кодовое слово “FLOWERS“ . Приходите – не пожалеете!
На концерт в пятницу скидка действует на странице: http://www.ravinia.org/ViewDate.aspx?show=334
На концерт в субботу скидка действительна здесь: http://www.ravinia.org/ViewDate.aspx?show=336

9 сентября, 6.00 pm. Беннетт Гордон Холл. В исполнении канадского струнного квартета “Афиара” прозвучат квартеты Й.Гайдна, Л.ван Бетховена и А.Дворжака.

10 сентября, 6.00 pm. Беннетт Гордон Холл. “Скрипичные произведения Листа” – так называется концерт американского скрипача-виртуоза Гиоры Шмидт. Кроме великого венгерского композитора, в программе концерта - произведения Р.Шумана, И.Брамса. За роялем – Ноам Сиван.

11 сентября, 7.00 pm. Павильон. Концерт американского певца и композитора Джона Хайетта и группы “The Combo”. Специальные гости вечера – Big Head Todd и “The Monsters”.

Фестиваль в Равинии заканчивается, но концерты в Равинии продолжаются. В рамках программы “Восходящие звезды” мы услышим пианистов Гильса Вонсаттеля (1 октября 2011 года) и Дарью Работкину (19 ноября 2011 года), скрипачку Беллу Христову (15 октября 2011 года), Струнный квартет “Линден” (5 ноября 2011 года), музыкантов из Steans Music Institute (7 апреля 2012 года) и вокальный ансамбль “Калмус” (28 апреля 2012 года). Обратите внимание на программу “Восходящие звезды”. Именно на концертах этой программы чикагские любители музыки впервые познакомились с Гилом Шаамом, Максимом Венгеровым и Ланг Лангом!

200 Ravinia Park Rd, Highland Park, IL 60035. Билеты на все концерты фестиваля можно заказать по телефону 847-266-5100, факсу 847-266-0641 или зарезервировать на сайте http://ravinia.org/.

Чикаго. Сентябрь 2011 года. Фестиваль Людвига ван Бетховена

1 марта 2009 года в Чикаго состоялась мировая премьера трех Фортепианных трио Людвига ван Бетховена. Первыми исполнителями неизвестных шедевров композитора стали чикагские музыканты Джордж Лепоу, фортепиано; Ли Санг Ми, скрипка; Венди Уорнер, виолончель. Тот памятный концерт провела компания “International Beethoven Project” (далее - IBP). Вслед за ним последовали выступления музыкантов в Нью-Йорке и других городах, а также выпуск диска на студии “Cedille Records”. По данным Classical Billboard Charts в первую неделю продаж этот диск занимал двадцать четвертое место.
IBP продолжает знакомить слушателей с творчеством великого немецкого композитора. По инициативе компании с 14 по 18 сентября в Чикаго в помещении Chicago Urban Art Society состоится фестиваль Людвига ван Бетховена. Амбициозность замысла читается в самом названии, где отсутствует слово “музыка”. Устроители фестиваля задумали нечто большее, чем просто исполнение произведений композитора. Целью фестиваля является погружение в мир Бетховена и его эпоху. Зрители увидят фильмы, выставку портретов Бетховена, художественные инсталляции, примут участие в поэтических чтениях, лекциях, дискуссии о месте композитора в истории мировой музыки. В фестивале примут участие режиссеры и актеры, ученые и писатели. В исполнении семидесяти музыкантов мы услышим произведения современных композиторов, включая двадцать новых произведений для фортепиано. Музыка от барокко до рока, симфоническая, камерная, инструментальная и, конечно, музыка Бетховена – таковы лишь краткие анонсы предстоящих событий. На протяжении пяти вечеров с четырех часов вечера до двух часов ночи над Чикагским артистическим обществом (Chicago Urban Art Society) будет витать дух безумного гения. Вот что говорит о задачах фестиваля президент IBP пианист Джордж Лепоу: “Бетховен был мятежником, нарушившим все правила социальных соглашений и изменившим навсегда мир искусства и права творца. Бетховен был первым модернистом нашего времени. Следуя его бунтарскому духу, мы бросаем вызов всем классическим правилам программирования фестивалей, экспериментируем с жанрами и формами и призываем зрителей и слушателей быть открытыми к новым веяниям Искусства и Музыки. В этом нас вдохновляет бесстрашный гений Бетховена!”

Центральным событием фестиваля станет участие в нем второго дирижера Нью-Йоркского филармонического оркестра, нашего соотечественника Даниэля Бойко.
Чикагские любители музыки хорошо знают маэстро Бойко. Он возглавлял оркестры большого Чикаго, работал исполнительным ассистентом у тогдашнего музыкального руководителя Чикагского симфонического оркестра Даниэля Баренбойма, четыре года руководил Симфоническим оркестром Скоки. Это время было самым интересным и насыщенным в жизни коллектива. Даниэль Бойко показал себя инициативным музыкантом, одержимым новыми идеями, планами, замыслами... Для каждого концерта дирижер придумывал какую-то “изюминку”. Чудесная, но редко исполняемая музыка по-новому преподносилась оркестром и по-новому, свежо воспринималась аудиторией. Я вспоминаю замечательные семейные концерты Бойко и его оркестра, когда в антракте маленькие зрители знакомились с инструментами, брали их в руки, пробовали извлекать звуки. Я вспоминаю совместные музыкально-художественные вечера, на которых (прямо как на “Декабрьских вечерах” в Москве) музыка соседствовала с живописью и скульптурой. По инициативе Бойко оркестр изменил время начала воскресных концертов – они стали начинаться в четыре часа дня, и на концерты действительно стали приходить семьями. Новые веяния, которые музыкант привнес в жизнь оркестра, оживили музыкальную жизнь большого Чикаго.
Летом 2006 года Бойко получил новое назначение в Нью-Йорке. Он стал менеджером по работе с артистами при Нью-Йоркской филармонии. А с 1 июля 2009 года Даниэль Бойко служит вторым дирижером Нью-Йоркского филармонического оркестра. Как сказал маэстро перед отъездом из Чикаго: “Каждый концерт, каждая работа – еще одна ступенька вверх”.
После пятилетнего перерыва Даниэль Бойко возвращается в Чикаго. Он дирижирует Beethoven Festival Orchestra 16 сентября в 7.30 pm. Два других дирижера – музыкальный руководитель IBP Роберт Макконелл и музыкальный руководитель Чикагского детского хора Джозефин Ли.
17 сентября в 1.30 pm маэстро Бойко проводит мастер-класс.

В фестивале примет участие лауреат Первой премии XIII Международного конкурса имени П.Чайковского (2007 год), японская скрипачка Маюко Камио. В исполнении Камио и пианиста Джорджа Лепоу прозвучат Сонаты Л.ван Бетховена и И.Брамса для скрипки и фортепиано (15 сентября, 8.00 pm).
В числе участников фестиваля – музыканты Чикагского симфонического оркестра, члены квартетов “Avalon” и “Spektral”, чикагские музыканты Уинстон Чой, Марта Азнавурян, Джордж Лепоу, Орелиен Педерзоли, Минг Хуан Ху, Санг Ми Ли, Дэвид Мосс.
Два новых музыкальных проекта фестиваля курирует чикагский композитор Миша Зупко. Первый проект - “Бетховен сегодня”. Это – концерт современных музыкальных коллективов, среди которых Fulcrum Point New Music Project, Ensemble Dal Niente, Anaphora, Duo Diorama, College of DuPage Chamber Singers и Quintet Attacca. Второй проект композитора - “Багатели”. Это – двадцать новых “безделиц” (именно так с французского языка переводится слово bagatelle), написанных современными композиторами на темы бетховенской “Оды к радости”. Среди авторов багателей – Марта Пташинска, Джордж Флинн, Картер Пенн, Кристи Кастер.
Под патронажем артистического директора IBP Катинки Табакару в рамках фестиваля пройдет выставка современного искусства.
Многие концерты фестиваля будут транслироваться в прямом эфире на волне классической музыки 98.7 WFMT.
31 августа, 7 и 14 сентября на волне “Ланчтайм радио” (1430 и 1590 AM) слушайте специальную программу “Неизвестный Бетховен”, посвященную жизни и творчеству великого немецкого композитора.

Nota bene! Фестиваль Бетховена пройдет с 14 по 18 сентября в помещении Chicago Urban Art Society по адресу: 2229 South Halsted Street, Chicago, IL 60608. Билеты на концерты фестиваля можно приобрести на сайте www.internationalbeethovenproject.com. Там же вы найдете полную информацию о фестивале. Справки по телефону 312-772-5821 или по электронной почте ibp@internationalbeethovenproject.com.

“Все для артистов”

Самое значительное, яркое, интересное событие музыкального лета в “большом” Чикаго – старейший и крупнейший музыкальный фестиваль Северной Америки в парке Равиния в северном пригороде Хайленд-парк. Семьдесят пятый сезон Равиния служит летней резиденцией одного из самых блистательных оркестров мира – Чикагского симфонического. С начала июня до начала сентября в Равинии проходят более ста концертов, которые ежегодно посещают около шестисот тысяч слушателей.
Кого только не было в Равинии за эти годы! От Яши Хейфеца, Артура Рубинштейна, Григория Пятигорского до Мстислава Ростроповича, Владимира Спивакова, Йо Йо Ма, от Джорджа Гершвина, Луи Армстронга и Дюка Эллингтона до Оскара Питерсона, Дэйва Брубека и Чика Кореа... Самые прославленные имена, замечательные солисты, камерные ансамбли, оркестры почитают за честь выступить в Равинии. А еще в Равинии есть Музыкальный институт. Вот о нем и пойдет речь в этой статье.
Создание школы молодых музыкантов при Равинии было многолетней мечтой исполнительного директора фестиваля Эдварда Гордона. На претворение мечты в жизнь легендарному менеджеру понадобилось почти два десятилетия, и вот, наконец, в 1988 году открылся Steans Music Institute. Двадцать три года каждое лето в Равинии в Беннетт Гордон холле успешно функционирует школа, в которой собираются вместе, музицируют, общаются, перенимают опыт молодые талантливые музыканты. Институт назван в честь членов попечительского совета Равинии, активных участников и спонсоров фестиваля, супругов Хэрриса и Луизы Стейнсов.
Расписание абитуриентов чрезвычайно насыщенное: встречи, лекции, репетиции, мастер-классы и, конечно, концерты, которые давно стали неотъемлемой частью фестивальной жизни. В институте три отделения: вокальное, джазовое и отделение фортепиано и струнных инструментов.
Steans Music Institute открывает свои двери с джаза. Руководитель джазового отделения Дэвид Бейкер (он преподает фортепиано в Индианском университете) ежегодно в июне приглашает для участия в программе пятнадцать абитуриентов и вместе с ними на неделю погружается в мир джазовых импровизаций.
В июле джаз уступает место фортепиано и струнным инструментам. Руководитель отделения – концертирующий музыкант и педагог Мириам Фрид. В прошлом месяце в Равинии мы слышали ее выразительное исполнение Скрипичного концерта П.Чайковского.
Вокальное отделение института (пятнадцать человек) работает в июле-августе. В течение трех недель абитуриенты совершенствуют во многом забытый репертуар классического наследия: немецкие, французские, американские, русские песни. Руководитель отделения – Брайан Зигер (со следующего года его место займет Кевин Мерфи).

О целях и задачах института в беседе с вашим корреспондентом рассказывает его директор Энтони Робертс:
- Главной целью института мы считаем предоставление возможности молодым профессиональным музыкантам совершенствовать свое мастерство, музицируя друг с другом и перенимая опыт у наших замечательных педагогов. Я начал работать на фестивале в 2006 году в Отделе развития, занимался сбором средств как для фестиваля, так и для института, работал со спонсорами. Начиная с первого лета я влюбился в институт. Поэтому, когда мне предложили перейти на другую сторону парка и принять бразды правления института, я ухватился за эту возможность. Здесь я чувствую себя ближе к музыке. Общение с музыкантами обогащает.
- В чем отличие вашего института от других?
- В особой интенсивности программы. Выдающееся качество исполнителей, уютная, домашняя атмосфера, царящая в Беннетт Гордон холле, молодые, открытые абитуриенты, с энтузиазмом занимающиеся музыкой, - все в Равинии располагает к творчеству. Уникальной возможностью для аудитории стать ближе к музыке и музыкантам являются проводимые у нас мастер-классы. Каждый год мы устраиваем по три мастер-класса для инструментального и вокального отделений. В них участвовали такие музыканты, как Леон Флейшер, Дмитрий Хворостовский, Кири Те Канава... Каждый год мастер-класс проводит музыкальный руководитель Равинии Джеймс Конлон. Все мастер-классы бесплатные для публики. Немаловажно и то, что обучение в институте, проживание, питание и транспорт – все это бесплатно для всех абитуриентов. Мы хотим, чтобы наши абитуриенты фокусировались только на музыке. Девиз нашего института: “Все для артистов”.
- Что нужно сделать молодому человеку, чтобы участвовать в программе института?
- Каждый год осенью на сайте http://www.ravinia.org/Steans.aspx мы размещаем форму заявления, которую необходимо заполнить всем желающим. Эта форма для всех отделений, кроме джазового. (На джазовое отделение принимают по приглашениям.) Инструменталисты высылают нам записи своих выступлений. В этом году мы надеемся сделать так, чтобы абитуриенты могли размещать свои записи непосредственно на сайте. На вокальном отделении мы устраиваем очные прослушивания.
- Конкурс большой?
- В прошлом году у нас было четыреста заявлений на сорок пять мест. Решение о приеме принимается в феврале-марте руководителями отделений. Дальше из абитуриентов составляются дуэты, трио, квартеты и начинается работа над репертуаром. Среди инструменталистов доминирует камерная музыка, на вокальном отделении – песни. Через песни и камерные произведения мы пытаемся привить людям интерес к классической музыке, и часто это помогает. Слушатели боятся музыки для симфонического оркестра, она кажется им слишком сложной. С песней такого не происходит. Песня – самый массовый жанр музыки. Мы слышим песни каждый день, песни окружают нас.
- Какими новыми проектами вы порадуете нас в будущем?
- На протяжении семидесяти пяти лет Равиния остается летней резиденцией Чикагского симфонического оркестра. В будущем мы бы хотели больше привлекать музыкантов этого замечательного оркестра для мастер-классов и работы с абитуриентами. Кстати, несколько музыкантов оркестра в прошлом учились в нашем институте. Я понимаю, что у них нет времени на преподавательскую работу, но возможность совместного музицирования стала бы огромной школой для наших студентов. Работа с современными композиторами – возможно, будущими классиками - еще один прекрасный опыт для наших студентов. В этом году в работе института участвовали композиторы Бернард Рейнс (инструментальное отделение) и Луби Ларсон (вокальное отделение). Студенты исполнили Второй струнный квартет Рейнса и Девять песен Ларсон. В будущем мы хотим еще больше развивать работу с ныне живущими композиторами, приглашая их в наш институт. В современном мире исчезает стена между музыкальными жанрами. Мы видим, как классические композиторы используют нетрадиционные инструменты, не замыкаются только на классике, а с успехом работают в других жанрах. Эту тенденцию мы постараемся использовать в нашей работе в Равинии.

Steans Music Institute владеет уникальными инструментами работы старых мастеров. Первым инструментом коллекции была скрипка 1949 года работы Карла Бекера. В 1998 году она была подарена институту спонсором Равинии Джозефом Бернстайном. Сегодня в коллекции института - четыре скрипки, два альта, три виолончели. Среди них – скрипки 1778 года работы Гальяно и 1891 года работы Дегани (Италия), альт 1767 года работы Масагуэра (Испания), виолончель 1780 года работы Джона Беттса (Великобритания). Все они не просто лежат в коллекции в качестве музейных экспонатов – на них играют молодые музыканты. Энтони Робертс рассказывает:
- Все инструменты мы отдаем на временное пользование (от одного до двух лет) нашим абитуриентам. Денег мы за это не берем, только просим указывать в программке название нашего института. Надо понимать, что мы имеем дело с молодыми музыкантами. Зачастую у них нет денег и/или возможности играть на по-настоящему хороших инструментах. Идея создания архива инструментов заключается в том, чтобы дать им такую возможность. Несколько лет назад у нас учился виолончелист, который был назван концертмейстером группы виолончелей Сент-Луисского симфонического оркестра при одном условии – наличии хорошего инструмента. Парень не имел такой возможности, и наш институт дал ему виолончель напрокат.

Специально для русских читателей Энтони Робертс сказал:
- Один год я учил русский язык в школе. Это было много лет назад, и я почти ничего не помню. Но когда вчера я сидел на траве и слышал, как несколько групп справа и слева от меня говорили по-русски, я с удовольствием поймал себя на мысли, что могу распознать этот замечательный язык. Я приветствую всех русских читателей и приглашаю на концерты нашего фестиваля!

В этом году в числе абитуриентов института – музыканты из четырнадцати стран. Россию представляет пианистка Наталья Катюкова. Ее пребывание в стенах института началось с неожиданности: на следующее утро после приезда в Чикаго Наталье предложили аккомпанировать Екатерине Семенчук на дебютном сольном концерте певицы в театре “Мартин”. В программе концерта были песни и романсы Чайковского и Рахманинова. Буквально за два дня Катюковой пришлось выучить практически всю программу, некоторые произведения - переложить в более низкие тональности (Екатерина Семенчук – меццо-сопрано, а Катюкова привыкла работать с сопрановым репертуаром). По словам пианистки, волнения не было, поскольку она была слишком уставшей: “На волнение просто не было сил”. Я был на этом концерте и могу констатировать, что он прошел прекрасно. Думаю, не только у меня даже не возникло мысли о том, что дуэт Семенчук-Катюкова родился за два дня до выступления. Было полное ощущение абсолютной сыгранности и взаимопонимания между пианисткой и певицей.
Закончив фортепианное отделение Московской консерватории по классу ассистента Генриха Нейгауза профессора Льва Наумова, Наталья Катюкова решила, по ее словам, “попутешествовать по миру”. Она отправилась в Италию и проучилась два года в консерватории в Больцано. Потом была Джульярдская школа по специальности “концертмейстер-аккомпаниатор”. Как говорит Наталья: “В Америке этой специализации придают большое значение. В Джульярдской школе я специализировалась на изучении оперного и камерного песенного искусства”. В Чикаго Наталья приехала из Нью-Йорка, где она работает с певцами в Метрополитен-опере.

- Я всегда считал, что Московская консерватория – это та высота, после которой можно остановиться. А у вас за плечами еще и Джульярдская школа. Объясните, пожалуйста, что может нового дать и чему может научить трехнедельное пребывание в Steans Music Institute выпускницу Московской консерватории и Джульярдской школы?
- Московская консерватория дала мне базу. Я обязана ей всем, чем владею. Но к моей большой радости, в каждом новом месте я узнаю что-то новое. В Московской консерватории я не занималась глубоко языками и языковой дикцией, поэзией, историей, культурой разных стран – тем, что входит в понятие “концертмейстерское искусство” и чем я занималась в Джульярдской школе. Такого трудолюбия и любопытства в музыке, желания постоянного совершенствования, как в Америке, я редко где встречала. В Равинии я себя чувствую замечательно, мне здесь очень интересно. Фантастические условия и очень насыщенная программа! Сюда приезжают уже сложившиеся музыканты. За три недели интенсивного курса мы встречаемся, создаем программы, музицируем. Каждый день - лекции, встречи с педагогами, мастер-классы...
- Получается, вы немного отошли от пути концертирующей пианистки...
- В данный момент мне интереснее работать в ансамбле с вокалистами. Долгое время я занималась сольным творчеством. Сольные выступления - сложный и очень одинокий путь, который требует огромных жертв. В определенный момент я поняла, что мне этого не достаточно. Мне нужно общение с музыкантами, и я получаю его в полной мере, общаясь с певцами. С нетерпением жду предстоящей работы в МЕТе над “Хованщиной”. Мне хочется постоянного творческого обмена с коллегами. Поэтому мне так интересно находиться в Равинии. Во время занятий мы слышим репетиции Чикагского симфонического оркестра. Мощная концентрация музыки на одном маленьком участке!
- Какими языками вы владеете?
- Я говорю на итальянском языке, владею правилами лирической дикции в немецком и французском языках и могу помочь певцам, что, наверно, самое важное в моей профессии. Я работаю с певцами на их языках.
- Как вы попали в Steans Music Institute?
- Я приехала по приглашению руководителя программы Брайана Зигера. Он прослушивает певцов, отбирает пианистов и определяет состав учащихся.
- Как вы оцениваете уровень института?
- Уровень высочайший. Направление института – камерная музыка, а репертуар практически необъятный. Немецкие Lieder, французские Melodies, американские песни, русские романсы...
- По какой системе проходят занятия?
- Нас не так много: пять пианистов и пятнадцать певцов. Каждый пианист работает с тремя певцами. Мы готовим программы, которые представляем на суд зрителей в трех концертах в Беннетт Гордон холле.
- Расскажите, пожалуйста, о педагогах института.
- Педагоги у нас прекрасные. Наш руководитель Брайан Зигер – замечательный музыкант, пианист и концертмейстер, большая фигура в американской музыкальной среде. Кроме работы в Steans Music Institute Зигер руководит вокальной программой в Джульярдской школе и вокальной программой молодых певцов при Метрополитен-опере. Еще один пианист, концертмейстер и преподаватель – Малькольм Мартину. Зигер и Мартину щедро делятся с нами своим опытом. С нами работают два замечательных вокальных педагога Стивен Кинг и Лилиан Уотсон. Педагог по французской дикции – пианистка Денни Массе, она преподает в школе при Метрополитен-опере. Педагог по итальянской дикции - Корадино Капорелло, по немецкой - Гертруд Гришем. Все педагоги – суперпрофессионалы, большие мастера своего дела.
- Какова география коллег-студентов?
- В основном, представители США. Мне кажется, срабатывает языковой барьер. Достаточно хорошо не зная языка, абитуриенты из других стран не могут чувствовать себя в Равинии комфортно, не могут в полной мере воспользоваться возможностями, которые предлагает программа института. Тем не менее есть студенты из других стран. Например, замечательный тенор из Кореи.
- Как вы думаете, ваше участие в программе института поможет в дальнейшей карьере?
- Безусловно. В профессиональной среде существует рейтинг подобных школ. Равиния котируется очень высоко, уровень исполнительского мастерства здесь необычайно высокий.

Nota bene! Концерты в Равинии (200 Ravinia Park Rd, Highland Park, IL 60035) продолжаются! Билеты можно заказать по телефону 847-266-5100, факсу 847-266-0641 или зарезервировать на сайте http://ravinia.org/.