25 мая 2022 г.

Ясен Пеянков: “Не путайте Путина с Пушкиным!” Беседа с актером и режиссером Steppenwolf Theatre (Чикаго)


Антон Павлович Чехов однажды заметил, что хочет представить в форме пьесы жизнь, где люди “обедают, только обедают, а в это время слагается их счастье и разбиваются их жизни”. Задумка блистательно удалась автору. Нелепые, трогательные, смешные, одинокие чеховские интеллигенты вот уже второй век выходят на театральные подмостки и разыгрывают сцены из дачной, деревенской, “спокойной” жизни. Это не значит, что пьесы Чехова лишены драматических эпизодов. Ружье по всем законам жанра обязательно выстреливает, и происходит самоубийство в “Чайке”, смерть на дуэли в “Трех сестрах”, попытка убийства в “Дяде Ване”. Но события эти - чисто внешние. Драма человека, драма человеческой души происходит с чеховскими героями либо до, либо после громких событий. Испытание буднями - самое пронзительное в его пьесах. Пронзительное и страшное. Если это испытание не удается выразить на сцене - спектакль получается мертвым, и никакие режиссерские фокусы не в состоянии этого изменить. Но если театру удается передать чеховское настроение, то наблюдать за жизнью героев становится настоящим удовольствием. Вот такое удовольствие я испытал 11 мая 2022 года на спектакле “Чайка” в чикагском Steppenwolf Theatre. Автор нового перевода и режиссер спектакля - Ясен Пеянков. В эксклюзивном интервью вашему корреспонденту Ясен рассказывает о “заразительной человечности” Чехова, особенностях перевода его пьес, солидарности с воюющей Украиной и о том, почему Путин - не Россия.

Кто есть кто в мировом театре. Ясен Пеянков. Актер, режиссер, переводчик. Родился в Варне (Болгария). Выпускник Национальной академии театра и кино в Софии. С 1990 года живет и работает в Чикаго. В 1992 году стал одним из основателей European Repertory Company. Работал во многих театрах Чикаго: Goodman, Court, Next, American Theatre. Лауреат Joseph Jefferson Award за лучшую второстепенную роль (Гринспан, спектакль “Утренняя звезда” по пьесе Сильвии Реган, “Morning Star”, сезон 1998-99 годов). С 2002 года - актер и режиссер Steppenwolf Theatre. Играл в тридцати спектаклях театра. Автор адаптированных переводов пьес А.Чехова, М.Булгакова, Н.Коляды, В.Сигарева. Его перевод пьесы А.Чехова “Иванов” для European Repertory Company был номинирован на Joseph Jefferson Award по разделу “Лучшая адаптация”. Руководитель театральной программы курса актерского мастерства University of Illinois at Chicago (UIC). Доцент.

- В 1898 году “Чайкой” открылся Московский Художественно-общедоступный (в будущем - Художественный) театр. 11 мая “Чайкой” открылась новая сцена Steppenwolf Theatre. Символично, не правда ли?

- Да, я говорил об этом актерам. Я вижу в этом начало новой главы Steppenwolf Theatre. Это большое событие для театра и для меня лично. “Чайка” - моя любимая чеховская пьеса. Я никогда не играл в “Чайке”, но всегда хотел ее поставить. Мечтал о “Чайке” еще будучи студентом театрального факультета в Болгарии, представлял на сцене героев, “рисовал” картины будущего спектакля, говорил себе: “Если я когда-нибудь стану режиссером, “Чайка” будет в моем списке первым”.  


- Вы играли Лопахина в “Вишневом саде”, Кулыгина в “Трех сестрах”, переводили и играли Иванова в “Иванове”, переводили и ставили “Дядю Ваню”, ставили “Чайку” и теперь снова ставите “Чайку” в собственном переводе. Чехов проходит лейтмотивом через всю вашу творческую жизнь. Чем вам интересен Чехов?

- Если бы мне сказали, что после Чехова я ничего другого не смогу сыграть и поставить, я бы согласился. Я очень люблю Чехова! За прошедшие годы я стал чеховедом. Веду класс актерского мастерства по Чехову второкурсникам в Иллинойском университете (University of Illinois at Chicago). Для меня Чехов - величайший гуманист в мировой литературе. Он воплощает в себе все, что должно быть в искусстве: скромность, милосердие, способность к состраданию. В пьесах Чехова нет злодеев - есть люди со своими страстями, амбициями, слабостями. Театр больше, чем какое бы то ни было искусство обращается к гуманистической сущности человека. Чехов в этом отношении может служить образцом. Человечность Чехова делает его всеобъемлющим писателем. Письма Чехова, его записные книжки, воспоминания современников - все говорит о его простоте и искренности. Я хотел бы прожить мою жизнь, как Чехов: искренно и честно. Жизнь Чехова была короткой. Он умирал от туберкулеза и знал это. Он любил театр и не жалел времени на актеров: участвовал в репетициях, заходил в гримерки... Когда в Художественном театре ставили его пьесы, он жил театром. Он описывал свои театральные впечатления, как впечатления ребенка в ожидании радости и чуда. И этот энтузиазм передавался актерам... Я узнал от Чехова много, следую его словам и всегда открываю в его героях нечто новое.

- Вы назвали Чехова величайшим гуманистом. Не могу не согласиться, особенно на фоне событий последнего времени. Идет война. Россия вторглась на территорию Украины. Российские войска убивают мирное население, разрушают города и деревни. Как играть Чехова во время войны?

- То, что сейчас происходит, - огромная трагедия. Мы много говорили об этом с актерами. Мы играем Чехова, потому что для меня Чехов никогда не был примером и инструментом пропаганды империалистической России. Один маленький факт его биографии, о котором я не знал, - его украинские корни. Его бабушка по материнской линии была украинкой. Первым языком Чехова был украинский. Он говорил на украинском языке до пяти лет, впоследствии навещал своих бабушку и дедушку. В его письмах можно найти немало искренних, полных симпатии слов об украинских людях. Последний год жизни он провел в Ялте. Я убежден: если бы Чехов был жив, он бы выступал против войны, он был бы убежденным противником Путина и того, что он делает сегодня в Украине... Наш театр собирает деньги для украинских организаций и фондов (Ukrainian relief organizations and charities), на премьере фойе раскрасится в желто-голубые цвета... (Интервью с Ясеном Пеянковым состоялось 4 мая. - Прим. автора.) Для меня Чехов - пример универсального писателя. Он переведен на сотни языков и понятен всем. Три основные темы его творчества: любовь, искусство и ощущение неотвратимости времени. Все эти темы представлены в “Чайке”. Для меня это пьеса о красоте человеческого духа. Мой друг Максим - наполовину украинец, наполовину болгарин - сказал: “Не путайте Путина с Пушкиным!”. Путин - не Россия. Россия - это Чехов, Прокофьев, Левитан, Достоевский... Я знаю, что опросы показывают большую поддержку войны российским народом. Насколько они отражают реальное положение дел, насколько они учитывают страх и невозможность говорить правду, не знаю. Для меня Путин не представляет Россию и русских людей.


- Чехова переводить очень сложно. У него ведь важны не слова, а то, что между ними. Но и слова не всегда получается перевести. В первом акте Полина Андреевна, обращаясь к Дорну, говорит: “Вернитесь, наденьте калоши”. Такое милое, домашнее слово “калоши”. Как вы перевели его?

- “Galoshes”. В английском языке есть такое слово. Это легко перевести. Вот вам другой пример. Сорин называет Дорна говедой. На английский язык можно перевести, как “bull”, но этот вариант мне не очень нравится. Драматург Дася Познер (О ней - ниже. - Прим. автора.) придумала другой вариант - “jackass”. Все смеются, когда Сорин произносит это слово, потому что прекрасно понимают, что оно означает... Еще пример: Аркадина называет Костю декадентом. Это старое слово. В контексте того, как она думает о нем, я изменил слово на “amateur” - любитель. Аркадина - профессионал, а над ней насмехаются. Она говорит: “Людям не талантливым, но с претензиями ничего больше не остается, как порицать настоящие таланты”. В этом смысле слово “amateur” звучит уместно... Мы используем много современных слов, что делает спектакль доступным для всех.

- В Филадельфии, в Wilma Theatre только что прошел “Вишневый сад” в постановке одного из интереснейших российских режиссеров Дмитрия Крымова. У него пьеса прозвучала абсолютно современно. Мы увидели Чехова сегодняшнего дня. Впрочем, больше половины текста принадлежит Крымову, а не Чехову. Режиссер передает мысли и настроения чеховских героев, а не их слова. Насколько я понимаю, у вас подход другой. Вы стараетесь следовать тексту Чехова?

- Я убрал некоторые многословия, чтобы текст Чехова стал более непосредственным; несколько сократил текст, убрал ссылки, которые неясны сегодняшней аудитории. В результате моя версия “легче”, чем многие другие. Моя цель состояла в том, чтобы язык звучал непосредственно и современно, не теряя при этом ни одного из оригинальных замыслов Чехова. Моя версия основана на современном английском языке, на котором говорят в США. Я хотел дать американским зрителям возможность почувствовать вкус современной пьесы, избегал использования британских или архаичных слов, а также местного сленга и разговорных выражений. Я пытался найти наилучший способ передать тонкий юмор Чехова. В одних случаях это означало найти именно то слово или фразу, которые находят отклик у современной публики, в других - сохранить русские слова, дав им дословный перевод... Первый набросок перевода я написал в 2008 году. Перед началом работы Дася Познер помогла мне с окончательными правками. Наша работа продолжалась в репетиционном зале, где мы вносили коррективы и придумывали варианты на месте.


Причуды судьбы удивительны и непредсказуемы. Дася Познер училась в Bates College, Школе-студии МХАТ и Tufts University (дипломная работа по истории театра). После защиты диссертации стажировалась в Davis Center for Russian and Eurasian Studies при Гарвардском университете. Работала переводчицей в Летней школе Станиславского в Кембридже. С 2011 года - доцент кафедры театрального искусства и славянских языков и литературы в Северо-Западном университете. В настоящее время работает над книгой о создателе Московского камерного театра Александре Таирове. А еще Дася - правнучка Федора Ивановича Шаляпина. Известно, что Чехов был знаком с Шаляпиным. Их познакомил Бунин. Посмотрев “Чайку”, Шаляпин написал: “Я был подхвачен ею, унесен в неведомый доселе мне мир”. А во время ужина в ялтинском пансионате русский бас исполнил для Чехова несколько фрагментов из “Бориса Годунова”. Сохранилась точная дата этого вечера - 20 сентября 1898 года. Спустя более чем столетие правнучка Шаляпина в качестве драматурга Steppenwolf Theatre помогает ставить пьесу Чехова.

- Поговорим об актерах. Исполнительница роли Аркадиной Люся Струс - украинка. Она играет в спектакле, как написано в программке, “For my family in Ukraine”.

- Да, ее родители эмигрировали с Западной Украины после Второй мировой войны. Люся родилась в Чикаго, ее первым языком был украинский, по выходным она посещала украинскую школу. Она прекрасно понимает и любит украинскую культуру.

- Роль Нины Заречной исполняет актриса Кэролайн Нефф. Я помню ее по ролям Ирины в “Трех сестрах” в Steppenwolf Theatre и Сони в “Дяди Ване” в Goodman Theatre. У нее, по-моему, из всех актеров наибольший опыт работы с чеховской драматургией...

- Все правильно. Кэролайн - прекрасная Заречная. Я очень рад, что снова работаю с ней.


- Еще один актер, без которого состав неполон, - один из отцов-основателей театра Джефф Перри. Он сразу согласился на ваше предложение сыграть роль Сорина?

- С Джеффом я работал несколько раз. Впервые - в 2002 году в спектакле “The Time of Your Life” по пьесе Уильяма Сарояна. Мы стали с ним близкими друзьями. Джефф Перри - выдающийся актер, совершенно великолепный Сорин. Он согласился на мое предложение немедленно. Прекрасно, что один из трех основоположников Steppenwolf Theatre продолжает работать с нами. Открыть новую сцену с ним - событие историческое. В этом мне видится связь и перекличка поколений. Как вы знаете, многое из происходящего в “Чайке” строится на конфликте поколений. У нас в спектакле как раз заняты актеры трех поколений: от старейшего члена труппы до одной из самых молодых актрис Карен Родригес. Она играет в спектакле роль Маши. Но конфликта нет - есть радость работы с актерами разных поколений. Моя адаптация, если можно так выразиться, очень дружественная по отношению к актерам. Я предоставляю им свободу, используя язык, на котором говорят сегодня. Мне кажется, Чехова надо ставить как современного драматурга. Можно не знать, что происходило в России сто тридцать лет назад, но идеи, заложенные в пьесе, актуальны во все времена. Чехова надо не играть, а проживать. Это жизнь, которую проживаем все мы независимо от возраста, опыта, страны и социального положения. Спектакль затрагивает общечеловеческие темы. Все мы когда-то влюблялись, мечтали, разочаровывались... Мы ставим универсальную историю, которая могла произойти в любой стране и в любое время.

- Чехов придумал русскому артисту замечательные имя, отчество и фамилию: Дифтерит Алексеевич Женский. В этом сквозит чеховское отношение к актеру -  отношение врача к тяжело больному пациенту. Само имя Дифтерит говорит о многом. Для вас актерство - опасная профессия?

- Опасная и заразная. Я считаю себя счастливым человеком. Занимаюсь тем, что люблю, и думаю, что делаю это хорошо. Мне нравится на время преобразиться в другого человека, влезть в его шкуру. Самый трудный элемент - как создать образ, чтобы люди поверили, чтобы их взволновал мой герой. Когда мне это удается, я абсолютно счастлив.

- Расскажите, пожалуйста, о вашей творческой группе.

- Она очень разнообразна. Дизайнер костюмов - Ана Кузманик из Хорватии. Костюмы сделаны с классическими силуэтами, но при этом они позволяют почувствовать вневременность истории. В спектакле звучит замечательная оригинальная музыка молодого композитора Порнчанок Канчанабанка - женщины, родившейся в Таиланде. Среди актеров есть афроамериканцы Намир Смолвуд (Костя) и Джон Хадсон Одом (Медведенко) и испаноязычные актрисы Сандра Маркес (Полина Андреевна) и Карен Родригес (Маша).

- Как изменился за двадцать лет Steppenwolf Theatre?

- Когда я присоединился к театру, я стал тридцать пятым членом труппы. Сегодня наша труппа насчитывает пятьдесят человек. Мы выросли количественно, наша труппа стала гораздо моложе и разнообразнее. В театре открывают новую драматургию, ставят много новых пьес. Театр соответствует XXI веку. Во главе театра стоят два энергичных руководителя - Одри Френсис и Гленн Дэвис. Что меня радует по-настоящему - все чаще и чаще я вижу молодых зрителей. Театр сегодня моложе, “хиповее”, что ли, чем раньше. Театр идет в ногу со временем и продолжает трансформироваться.

- Как вам работается на новой сцене театра? Комфортно?

- Очень. Это новая модель театра “in-the-round”. Театр небольшой, на 400 мест. Компактный, всего шесть рядов, очень удобный для зрителей. Это то, с чего начинался Steppenwolf, когда спектакли играли в подвале церкви и зрители находились на расстоянии вытянутой руки. В таком зале возникает особая, камерная атмосфера, которая предполагает доверительный разговор со зрителем. С технической точки зрения сцена очень современная. Так что новая сцена прекрасна во всех отношениях!

Nota bene! Спектакль Чайка идет до 12 июня. Steppenwolf Theatre (1650 North Halsted Street, Chicago, IL 60614). Билеты на этот и другие спектакли сезона 2021-22 годов - по телефону 312-335-1650, на сайте www.steppenwolf.org/ или в кассе театра.

Фотографии к статье:

Фото 1. Ясен Пеянков. Фото - Steppenwolf Theatre

Фото 2. Кэролайн Нефф в спектакле “Чайка”. Фото - Майкл Бросилоу

Фото 3. Джой Слотник и Люся Струс в спектакле “Чайка”. Фото - Майкл Бросилоу

Фото 4. Джефф Перри в спектакле “Чайка”. Фото - Майкл Бросилоу

Фото 5. Сандра Маркес и Эрик Симонсен в спектакле “Чайка”. Фото - Майкл Бросилоу

Балет Джоффри: “Дон Кихот”. Хореография Юрия Посохова


Со 2 по 12 июня Балет Джоффри (The Joffrey Ballet) представляет “Дон Кихот” Л.Минкуса в хореографии Юрия Посохова. Спектакль, поставленный в 2011 году специально для чикагской труппы, стал на тот момент первым за всю историю заказом Балета Джоффри на постановку полномасштабного спектакля.

Родившийся в Вене создатель бессмертного “Дон Кихота” композитор Людвиг Минкус начинал свою музыкальную карьеру в качестве скрипача. В восемь лет он уже давал сольные концерты, в двадцать шесть стал концертмейстером оркестра Венской оперы. Проработав там всего год, неожиданно приехал в Москву и получил пост капельмейстера оркестра Крепостного театра графа Юсупова. В Москве Минкус остался надолго. Концертмейстер оркестра Большого театра, профессор скрипичного отделения Московской консерватории, Первый композитор балетной музыки при дирекции Императорских театров... Он был успешен как скрипач, но настоящее признание получили его балеты. “Пламя любви”, “Фиаметта”, “Немея”, “Ручей”, “Баядерка”... “Дон Кихот” был написан Минкусом для Большого театра в пору работы там другого великого иностранца - Мариуса Петипа. Премьера состоялась 14 декабря 1869 года. Тандем Минкус-Петипа оказался на редкость удачным. Вместе они создали шестнадцать балетов. Впрочем, одного “Дон Кихота” хватило бы, чтобы они навсегда остались в истории балета.


Несмотря на название, рыцарь печального образа вовсе не является главным героем “Дон Кихота”. Дочь трактирщика, прекрасная Китри, и цирюльник Базиль - таковы центральные персонажи балета. Именно для них Минкус написал самые эффектные, искрометные музыкальные номера. Сюжет здесь не имеет большого значения. Незатейливая новелла из романа Сервантеса о влюбленной парочке, преодолевшей сопротивление отца невесты и сыгравшей веселую свадьбу, послужила для Минкуса основой для создания великолепной танцевальной музыки. Балет полон энергии, он излучает задор, веселье, жизнь! Главное в этом балете - безудержная стихия танца! Она подчиняет себе все. Герои балета живут в танце, выражают в нем свои мысли и чувства. Неиссякаемая энергия танца делает “Дон Кихот” одним из самых зрелищных балетов в истории.

Партии Китри и Базиля танцевали все великие исполнители: Матильда Кшесинская, Анна Павлова, Екатерина Гельцер, Тамара Карсавина, Марина Семенова, Вахтанг Чабукиани, Ольга Спесивцева, Ольга Лепешинская, Майя Плисецкая, Марис Лиепа, Михаил Барышников, Владимир Малахов... - перечислять имена можно еще очень долго. За сто пятьдесят три года, прошедших со времени премьеры, миру были представлены тысячи разных постановок “Дон Кихота”. Pas de deux и тридцать два фуэте из балета непременно исполняются в качестве вставных номеров на балетных конкурсах, концертах, спектаклях. Только в Чикаго за последние пятнадцать лет мы увидели пять разных “Дон Кихотов”. Вспомним о них.


2004 год
. Триумфальные гастроли в Чикаго балетной труппы Большого театра. На сцене театра “Аудиториум” - “Дон Кихот” в хореографии Алексея Фадеечева. В партии Базилио блистал Николай Цискаридзе.

2008 год. Дебют в Чикаго балетной труппы Грузинского театра оперы и балета имени З.Палиашвили. Неподражаемая Нина Ананиашвили - Китри.

2011 год. “Дон Кихот” Санкт-Петербургского театра балета Бориса Эйфмана. С классическим балетом произведение Эйфмана связано только названием. Действие происходит в сумасшедшем доме, и многие аллегории взяты из нашей жизни. Среди заключенных больницы - фантазер, который, начитавшись романа Сервантеса, воображает себя Дон Кихотом.

2015 год. “Дон Кихот” Королевского балета Великобритании (The Royal Ballet) в хореографии и с участием Карлоса Акосты. Долгие годы Королевский балет представлял “Дон Кихот” в постановке Рудольфа Нуреева. В 2013 году великий кубинский танцор Акоста поставил балет специально для Ковент-Гарден. В партии Китри - замечательная аргентинская балерина Марианелла Нуньес. Акоста говорил, что для создания нового “Дон Кихота” ему понадобился дизайнер не из балетного мира. Он нашел его в лице лауреата премии “Тони” Тима Хотли: “Как только я встретился с ним, он начал предлагать мне разные идеи”. Особая трудность для Акосты состояла в том, что он одновременно является и хореографом, и исполнителем главной партии: “Я все время волнуюсь, что ветряные мельницы не появятся вовремя. Расслабиться не получается”.

2018 год. Кубинский национальный балет (Ballet Nacional de Cuba) с “Дон Кихотом” в хореографии художественного руководителя театра Алисии Алонсо. “Дон Кихот” с кубинским акцентом - так называют во всем мире этот легендарный спектакль 1988 года. Основываясь на классической хореографии Мариуса Петипа и Александра Горского, Алонсо привнесла в балет кубинские аромат, страсть, энергию...


Юрий Посохов
- громкое имя в современной хореографии. Он родился в Ворошиловграде (теперь - Луганск). После окончания Московского хореографического училища был принят в балетную труппу Большого театра и в течение десяти лет танцевал главные партии на главной балетной сцене России. Среди его наиболее известных работ - главная партия в “Блудном сыне” С.Прокофьева, первом балете Баланчина в Большом театре. С 1992 года Посохов работает в Европе, с конца девяностых - в качестве хореографа. В 1993 году Посохов исполнил партию принца Дезире в “Спящей красавице” в Балете Сан-Франциско. С 1994 до 2006 года был премьером калифорнийской труппы, в настоящее время - резидент-хореограф.

Творчество Юрия Посохова в Чикаго хорошо известно. Мы видели в его хореографии композицию “RakU” - выразительную историю японского императора, его жены и сгорающего от любви ревнивого монаха. Музыку к балету написал композитор и многолетний контрабасист оркестра Сан-Францисской оперы (он служит в нем с 1980 года) Шинджи Эшима. Премьера балета состоялась в Сан-Франциско в 2011 году. Премьера в Чикаго прошла в сентябре 2014 года.

В 2017 году Балет Джоффри показал композицию Посохова “Чудесный мандарин” на музыку Белы Бартока. Одноактная пантомима о Девушке, Юноше и Мандарине превратилась у Посохова в исследование темных страстей и взаимоотношений мужчины и женщины. В балете участвовали семь танцоров. Мировая премьера состоялась в феврале 2017 года в Кливленде.

В феврале 2019 года состоялась мировая премьера балета Ильи Демуцкого и Посохова “Анна Каренина“ - первая в истории совместная постановка Балета Джоффри и Австралийского балета.

Nota bene! Дон Кихотидет со 2 по 12 июня 2022 года в помещении Lyric Opera House по адресу: 20 North Wacker Drive, Chicago, IL 60606. Билеты - на сайте www.joffrey.org/, по почте (Joffrey Ballet Subscriptions, The Joffrey Ballet, Joffrey Tower, 10 East Randolph Street, Chicago, IL 60601), телефону 312-386-8905, факсу 312-739-0119 или электронной почте subscriptions@joffrey.org. Об истории и сегодняшнем дне Балета Джоффри читайте на сайте компании www.joffrey.org/. Там же вы найдете подробную информацию о предстоящих спектаклях.

Фотографии к статье:

Фото 1-4. Аманда Ассучена и Альберто Веласкес. Сцена из спектакля “Дон Кихот”. Все фото - Тодд Розенберг

22 мая 2022 г.

“Убить пересмешника” в Чикаго. Роман Харпер Ли на сцене


Единственный драматический спектакль сезона 2021-22 годов компании Broadway In Chicago - Убить пересмешника (“To Kill A Mockingbird”) по пьесе лауреата премии “Оскар” Аарона Соркина на основе романа Харпер Ли. Режиссер - лауреат премии “Тони” Бартлетт Шер. В ролях: лауреат премии “Эмми” Ричард Томас (Аттикус Финч), Мелани Мур (Глазастик Финч), Жаклин Уильямс (Кальпурния), Джастин Марк (Джим Финч), Йегел Уэлч (Том Робинсон), Стивен Ли Джонсон (Дилл Харрис).

“Убить пересмешника” - легендарный роман Харпер Ли. В Америке его называют лучшим романом XX века. Его знает каждый школьник, по популярности он уступает только Библии. В 1961 году роман был экранизирован, и фильм Роберта Маллигана получил едва ли не меньшую популярность. Картина была номинирована на восемь премий “Оскар”-1962 и получила три. Среди лауреатов был Грегори Пек за лучшую мужскую роль (Аттикус Финч). Ее называют лучшей в огромной фильмографии актера. Что касается сценической инсценировки романа, то ее не было до 2018 года, когда права на театральную постановку выкупил продюсер Скотт Рудин. Он обратился за помощью к сценаристу Аарону Соркину. Мы знаем его как режиссера по фильмам “Суд над чикагской семеркой” (“The Trial of the Chicago 7”, 2020) и “Быть Рикардо” (“Being the Ricardos”, 2021), но настоящая слава пришла к нему гораздо раньше. Он - автор сценариев фильмов “Социальная сеть” (“The Social Network”, 2010, премия “Оскар” за лучший адаптированный сценарий) и “Стив Джобс” (“Steve Jobs”, 2015), а также сериала “Новости” (“The Newsroom”, 2012-14).


“Убить пересмешника” держит рекорд самой кассовой американской пьесы в истории Бродвея. Премьера спектакля состоялась в Shubert Theatre 1 ноября 2018 года. Спектакль играли при полном аншлаге до локдауна в марте 2020 года. 5 октября 2021 года показ спектакля был возобновлен, он шел до 16 января 2022 года. 26 февраля 2020 года спектакль впервые в истории Бродвея был сыгран на нью-йоркском стадионе Madison Square Garden перед восемнадцатью тысячами школьников - самое большое количество зрителей в истории театра.

Критики от спектакля в восторге, двое - из The New York Times и NPR - назвали его лучшим в истории. С 10 марта спектакль начинает новую жизнь в лондонском Gielgud Theatre, с 1 июня 2022 года - на сцене бродвейского Belasco Theatre. В Нью-Йорке роль Аттикуса Финча исполнит Грег Киннер.


В Чикаго спектакль демонстрируется в рамках первого тура по городам Северной Америки. Спектакль идет до 29 мая в помещении James M. Nederlander Theatre (24 West Randolph Street, Chicago, IL 60601). Продолжительность - 2 часа 35 минут с одним антрактом. Все подробности - на сайте www.tokillamockingbirdbroadway.com.

До 22 мая идет мюзикл Джозефа Стайна, Джереми Бока и Шелдона Харника “Скрипач на крыше” (“Fiddler on the Roof”, Cadillac Palace Theatre), до 3 июля - мюзикл Тоби Марлоу и Люси Мосс “Шесть” (“Six“, CIBC Theatre). В планах компании “Broadway In Chicago” - Aint Too Proud - The Life and Times of The Temptations (24 мая - 5 июня, Cadillac Palace Theatre), “Моя прекрасная леди” (“My Fair Lady”, 28 июня - 10 июля, Cadillac Palace Theatre), “Иисус Христос - суперзвезда” (“Jesus Christ Superstar”, 19-31 июля, Cadillac Palace Theatre), “Дьявол носит Prada (“The Devil Wears Prada”, 19 июля - 21 августа, James M. Nederlander Theatre). Все подробности - в будущих выпусках рубрики “Бродвей в Чикаго”.


Nota bene!
Билеты на спектакли сезона 2021-22 годов продаются в театральных кассах компании “Broadway In Chicago” (24 West Randolph Street, 151 West Randolph Street, 18 West Monroe Street и 175 East Chestnut), их можно заказать по телефону 312-977-1717 или на сайте www.broadwayinchicago.com. Там же вы найдете подробную информацию о постановках.

Фотографии к статье:

Фото 1-4. Сцены из спектакля “Убить пересмешника”. Все фото - Джульетта Сервантес

Финский волшебник Эса-Пекка Салонен. Чикагский симфонический центр, 23 мая - 4 июня 2022 года


23 мая, 7.00 pm
. Концерт серии Music NOW. В программе: увертюра композитора-резидента ЧСО Джесси Монтгомери, пьеса “Rising” для флейты и струнного квартета Джоан Тауэр (солист - концертмейстер секции флейт Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО) Стефан Рагнар Хескулдссон), пьеса “Caligo” для виолончели и камерного оркестра Алисы Вайнберг (солист - Габриэль Кабезас), пьеса “Sleep is Shattered” для электрической гитары Джеймса Мура (солист - Джеймс Мур). Исполнители - музыканты ЧСО. Дирижер - Джеффри Миларски. Кроме дирижирования, он еще является востребованным перкуссионистом и (с 2005 года) концертмейстером секции тимпани Симфонического оркестра Оперы Санта-Фе.

Обратите внимание. Концерт пройдет в помещении Театра музыки и танца “Харрис” (Harris Theater for Music and Dance) по адресу: 205 East Randolph Street, Chicago, IL 60601.

26 и 31 мая, 7.30 pm; 27 и 28 мая, 8.00 pm. За пультом ЧСО - маэстро из Финляндии Эса-Пекка Салонен. В программе: оркестровая сюита “Моя Матушка-Гусыня” М.Равеля, Скрипичный концерт Б.Десснера (солист - Пекка Куусисто), Симфония в трех движениях И.Стравинского.

Осенью 1908 года Морис Равель сочинил пять пьес для фортепиано в четыре руки и посвятил их Мими и Жану - детям своих ближайших друзей Годебских. Пьесы эти задумывались как музыкальное оформление старинного сборника французских сказок, изданного Шарлем Перро в начале XVIII века. Отсюда - название “Моя Матушка-Гусыня”, отсылающее читателя к сказочнице с гусиными лапками. По преданию, ей приписывалось авторство сказок. Планировалось, что Мими и Жан станут первыми исполнителями пьес, но дети испугались и играть отказались. На премьере 20 апреля 1910 года пьесы прозвучали в исполнении двух студенток Парижской консерватории. В оркестровую сюиту пьесы превратились по просьбе русского дирижера Александра Зилоти.

Мировая премьера Скрипичного концерта американского композитора Брайса Десснера состоялась 1 октября 2021 года в исполнении Симфонического оркестра Франкфуртского радио под управлением Арианы Матях. Солировал Пекка Куусисто. Десснер сочинил свой Концерт под влиянием эссе эллинистки, поэта и философа Энн Карсон “Антропология воды”, в котором она возвращается к теме паломничества пилигримов, проходящих через Францию в христианскую Мекку. Карсон пишет о паломничестве, как о “попытке такой же древней, как цивилизация, - отправиться в путь к самому концу вещей”.

Симфония в трех движениях Игоря Стравинского иногда называется “военной”. Она была написана в 1940 году. В музыке Симфонии слышатся звуки орудий, марширующие солдаты, наступающие танки, раскаты грома - предвестники войны.

За 75 минут перед концертами состоятся беседы музыковеда Стивена Олтопа об исполняемых произведениях.


2 июня, 7.30 pm; 3 июня, 1.30 pm; 4 июня, 8.00 pm
. В программе: “Entr’acte” К.Шоу, “Gemini” Э.-П.Салонена,, музыка к балету “Дафнис и Хлоя” М.Равеля. ЧСО дирижирует Эса-Пекка Салонен. В этой программе с Чикагским симфоническим хором работает ассистентка руководителя Шерил Фрейзис Хилл.

“Entr’acte” - пьеса американской скрипачки и композитора Кэролайн Шоу. Сочинение создано в 2011 году для струнного квартета по следам американского струнного Брентано-квартета (Brentano String Quartet), исполнившего Семьдесят седьмой струнный квартет Й.Гайдна.

Пьеса “Gemini” - последнее произведение Салонена-композитора. Мировая премьера состоялась 26 октября 2019 года в Лос-Анджелесе. Филармоническим оркестром дирижировал автор.

После современной музыки - классика XX века, балетная музыка Мориса Равеля на тему мифа о пастушке Хлое и пастухе Дафнисе. Равель писал: “Я не был особенно озабочен поисками в области археологии. Моей задачей было найти соответствие образу Древней Греции, который витал передо мной в сновидениях и был весьма близок образу Греции, каким он является воображению французских художников конца XVIII века...”. Балет “Дафнис и Хлоя” был поставлен Михаилом Фокиным в рамках “Русских сезонов” С.Дягилева. Главные партии исполнили Тамара Карсавина и Вацлав Нижинский.

За 75 минут перед концертами состоятся беседы музыковеда Дерека Матсона об исполняемых произведениях.


Две программы, которыми дирижирует Эса-Пекка Салонен, - прекрасный повод обратиться к этой во всех отношениях примечательной личности. Первой специальностью Салонена была валторна, первой любовью - сочинение музыки. В школе он заинтересовался французскими композиторами-классиками: “Я доводил моих одноклассников до бешенства, приходя на школьные вечеринки с дисками Пьера Булеза. Когда все хотели слушать Дайану Росс или что-либо подобное, я говорил: “Нет, давайте лучше послушаем четвертый акт “Пеллеаса и Мелизанды” Дебюсси”. Однажды после школы он включил радио и услышал “Турангалилу-симфонию” О.Мессиана. ”Музыка ударила меня, как молоток. Я подумал, что если Мелодия может звучать ТАК, то я хочу быть композитором”. 

Салонен - выпускник Академии музыки имени Яна Сибелиуса (Хельсинки). Его дирижерский дебют состоялся в 1979 году с Симфоническим оркестром Финского радио, а мир впервые услышал его имя в 1983 году в Лондоне, когда оркестр под его управлением триумфально исполнил Третью симфонию Г.Малера. Американский дебют Салонена-дирижера состоялся в Лос-Анджелесе в ноябре 1984 года. На следующий день после того памятного концерта генеральный менеджер Лос-Анджелесского филармонического оркестра Эрнест Флейшман предложил Салонену возглавить коллектив. Тогда молодой дирижер отказался, сказав, что у него пока не сформирован репертуар. Потом он скажет: “Тогда я пытался решить, что хочу делать в будущем”. В том году вместе с музыкантом Юккой-Пеккой Сарасте Салонен основал камерный оркестр “Avanti!” С 1985 до 1995 года Салонен был главным дирижером Симфонического оркестра Шведского радио. В эти годы он много и охотно выступал по всему миру в качестве приглашенного дирижера, не забывая при этом Лос-Анджелес. Флейшман терпеливо ждал шесть лет, а потом снова предложил Салонену возглавить оркестр. Дирижер согласился и с 1992 до 2009 года был музыкальным руководителем Лос-Анджелесского оркестра, а с 2010 года стал дирижером-лауреатом.

Поразительно, но факт: в первые два года работы Салонена на посту музыкального руководителя Лос-Анджелесского оркестра более шестидесяти процентов исполняемых им произведений относились к музыке XX века и современной музыке. И это в то время, когда музыкальные руководители крупнейших оркестров, боясь непонимания публики и пустых залов, предпочитают не рисковать, играя традиционный репертуар! Салонен исполняет современную музыку не для “галочки” - он глубоко чувствует и понимает ее. В интервью газете “Нью-Йорк таймс” он сказал: “Толпы людей приходят на выставки современной живописи, смотрят новые фильмы и театральные постановки, однако они не посещают концерты классической музыки. Они не воспринимают симфоническую музыку как часть современного искусства”. Миссия Салонена заключается как раз в том, что он пытается (и очень успешно) ввести современную музыку в общий контекст современного искусства.


Все начиналось совсем не так легко, как это кажется сегодня. Эксперименты Салонена в области современной музыки находили больший отклик в Европе, чем в Америке. “Я думаю, - говорит дирижер, - что начал слишком резко. Первое время у меня не было диалога с аудиторией. Это был очень сложный период”. Салонен называет его “эстетическим кризисом”, пережить который ему помогла собственная музыка. В 1996 году он сочинил “Вариации” - калейдоскоп небольших зарисовок о Лос-Анджелесе. Заставляя изменить взгляды публики, Салонен меняется и сам. Если в начале своего творческого пути дирижер-композитор объявлял музыку Малера “причудливой фантазией, приводящей слушателя в уныние”, то сегодня он превратился в яркого интерпретатора его музыки. Если раньше он называл поп-музыку “хламом”, то теперь превозносит Бьорк и группу “Radiohead”, говоря: “Их музыка находится недалеко от музыки современных классических композиторов”. Возвращаясь домой после концерта, он частенько слушает хард-рок. Кстати, в 1977 году, когда Салонену было девятнадцать и до всех симфонических оркестров было еще далеко, при его участии было образовано общество “Открытые уши”, целью которого являлась популяризация новой финской музыки. Так что любовь к современной музыке у Салонена с юности.

У Салонена, как правило, в одной программе соседствуют композиторы разных веков: Линдберг-Бетховен, Сибелиус-Стенхаммер-Григ, Штраус-Моцарт-Куртаг... Такие же программы Салонен исполняет и в Чикаго. По его мнению, сочетание на первый взгляд несочетаемых имен в одной программе сегодня встречает больше понимания. Он объясняет: “Для контакта с молодежью лучше играть “Весну священную” Стравинского, чем Моцарта. “Весна...” дает чувство узнавания, даже если круг того, что слушатель сознательно распознает, ограничен рок-музыкой”. Наверно, именно таким и должен быть дирижер в XXI веке, как этот финский волшебник Эса-Пекка Салонен: с одной стороны, носителем великих традиций прошлого, с другой - нормальным, живым человеком, слушающим и слышащим других.

С 2008 до конца сезона 2020-21 годов Салонен был главным дирижером и артистическим советником оркестра “Филармония” (Лондон), с сезона 2020-21 годов является музыкальным руководителем Симфонического оркестра Сан-Франциско. Его пятилетний контракт с калифорнийским оркестром истекает в конце сезона 2024-25 годов, а это значит, что через два года после ухода Риккардо Мути финский маэстро будет свободен для новых предложений. С учетом последних заявлений президента ЧСО Джеффа Александра, что между уходом маэстро Мути и приходом нового руководителя может пройти какое-то время, кто знает, возможно, это будут как раз два года, после которых Салонен поменяет Сан-Франциско на Чикаго? В любом случае, две программы Салонена обещают быть очень любопытными. Мне не терпится услышать, как будет звучать ЧСО под его управлением.

3 июня, 8.00 pm. В серии “Джаз в Симфоническом центре” - концерт лауреата премии “Грэмми”, стипендиата фонда Макартура, американской джазовой певицы Сесиль Маклорин Сальван. В программе: песни из бродвейских мюзиклов и джазовые композиции.

Nota bene! Билеты на концерты Чикагского симфонического центра - на сайте cso.org или в кассе по адресу: 220 South Michigan Avenue, Chicago, Il 60604.

Фотографии к статье:

Фото 1. Эса-Пекка Салонен. Фото - Соня Вернер

Фото 2. Эса-Пекка Салонен. Фото - Ничо Селдинг

Фото 3-4. Эса-Пекка Салонен и солисты. Концертное исполнение оперы “Пеллеас и Мелизанда”. Чикаго, 14 мая 2015 года. Фото - Тодд Розенберг

15 мая 2022 г.

Чехов в Чикаго. Из истории постановок


В эти дни в чикагском Steppenwolf Theatre идет “Чайка” в новом переводе и новой постановке актера и режиссера Ясена Пеянкова. Во время предварительных показов мне удалось поговорить с Ясеном, и он рассказал мне много интересного о своем подходе к чеховской драматургии. О “Чайке” Пеянкова я расскажу в одном из следующих выпусков Театрального обозрения. Сегодня - об истории постановок Чехова на чикагской сцене. Я живу в Чикаго с 2001 года и за прошедшие двадцать один год, мне кажется, не пропустил ни одного спектакля по чеховским пьесам. Вспомним о некоторых из них.

Май-июнь 2009 года. Театр TUTA. “Дядя Ваня”. Перевод Ясена Пеянкова и Питера Кристенсена. Режиссер - Желько Дюкич. Это был яркий спектакль о сегодняшней жизни. Режиссер не ставил себе цель показать Россию конца XIX века. Рассказанная история могла случиться где угодно - во французской глубинке, в штате Мичиган или на ферме под Мельбурном. Войницкий, Соня, Елена Андреевна... - эти и другие чеховские герои получились у Дюкича вне времени, географических привязок, национальных особенностей. Разве что по русской традиции чай и водку пьют, да няня напоминает об остывающем самоваре. А в остальном - спектакль о жизни, где люди “обедают, только обедают, а в это время слагается их счастье и разбиваются жизни...”.

В спектакле мне запомнилась Соня в великолепном исполнении Жаклин Стоун. Взволнованные речи, глаза, полные слез, нервная походка - Стоун тонко передавала тяжелое эмоциональное состояние своей героини. Я с волнением ожидал финального монолога Сони о “небе в алмазах” и был поражен, увидев, как без всякого пафоса, тихо можно произносить такие, казалось бы, затасканные фразы: “Мы увидим, как все зло земное, все наши страдания потонут в милосердии...”.

Настоящей находкой спектакля стали две песни Астрова, Войницкого и Телегина. Первую подвыпившие герои исполнили в конце второго действия, ночью на кухне -I'll Be Your Baby Tonight Боба Дилана. В начале третьего действия в столовой в ожидании профессора Серебрякова они пели песню блюзового музыканта и гитариста Миссисипи Джона Харта Let the Mermaids Flirt with Me. Печальные американские мелодии, вставленные в канву чеховской пьесы, придали спектаклю особое очарование.


Июль-август 2012 года.
Steppenwolf Theatre. “Три сестры. Перевод Трейси Леттса. Режиссер - Анна Шапиро. Мы увидели традиционный психологический спектакль в стиле лучших образцов русского драматического театра. Ясен Пеянков сыграл в спектакле роль Кулыгина. Он говорил о своем персонаже так: “Сложный образ. Кулыгина часто играют как шута, но я считаю, что это не совсем правильно. Анна Шапиро хорошо его описала: “Человек с огромной мишенью на спине”. Вот это я пытаюсь играть. Этот человек создал для себя особый, маленький мирок и живет в нем. Там ему хорошо и уютно. Он все будет терпеть, чтобы его не разрушить”.

Драматургом “Трех сестер” была правнучка Шаляпина Дася Надежда Познер. Она училась в Школе-студии МХАТ, блестяще знает русскую литературу и русский театр. Выпустила книгу об истории Камерного театра. Дася сделала для Леттса подстрочник. Они провели большую подготовительную работу: обсуждали каждую фразу, поступки героев, их поведение, отношение друг к другу и окружающему миру. Во время репетиций Дася скрупулезно объясняла актерам особенности русских обычаев и традиций: как пили чай и из каких стаканов, как звонит русский колокол, какие были гимназии, как жили солдаты... Как сказал Пеянков, Дася стала для актеров “путеводителем в мир русской культуры”. Забегая вперед, скажу, что то же самое она проделала совсем недавно, на репетициях “Чайки”.


Февраль-март 2017 года.
Goodman Theatre. “Дядя Ваня. Перевод Энн Бейкер. Режиссер - влюбленный в русский театр и русскую драматургию Роберт Фоллс. Он бережно относится к чеховскому тексту, не раз бывал в Москве, знаком с московскими театрами, дружен со многими российскими режиссерами. Ему интересен российский театр. Несколько раз я встречал его на просмотрах спектаклей проекта Stage Russia.

Спектакль “Дядя Ваня” Чехова-Фоллса шел практически без сокращений. При этом он не казался затянутым. Театр умело обживал площадку малой сцены. В первом действии она оказывалась садом, в котором Астров, Войницкий, Телегин, Соня ведут разговоры, пьют чай и встречают профессора Серебрякова с молодой женой; во втором - столовой в профессорском доме, в третьем - гостиной; в четвертом - кабинетом Войницкого. Имение Серебрякова выглядело очень реалистично. Возникало ощущение, что мы, зрители, находимся в гостях в этом доме. Еще секунда - и няня со словами “Самовар два часа на столе” позовет нас “на чаек”. Из актерских работ мне запомнилась исполнительница роли Сони Кэролайн Нефф. В беседе со мной она выделила в своей героине “невероятную стойкость и оптимизм в начале и горький реализм в конце”: “Мне кажется, я ее в целом понимаю - женщину с несчастной любовью и отцом, находящимся от нее далеко... Моя мама умерла, папа тоже живет далеко. Я понимаю боль Сони, ее страдания, стремление к лучшей жизни и невозможность достичь ее. Но есть вещи, которые я понять не могу. Почему она не протестует? Ее отец заявляет о продаже дома, и в течение всей речи она не говорит ничего. Будучи в отчаянной ситуации, если бы продавали мой дом и меня выкидывали, как собаку, я бы, наверно, не молчала”.

Говоря с чикагскими актерами, я не устаю поражаться, как глубоко они пытаются вникнуть в чеховскую драматургию. Вот что сказала мне Кэролайн Нефф: “Чехов обладает способностью раскрыть характер своих героев. Шекспир дает полную информацию о герое. У Чехова - не так. Его герои не раскрываются полностью. Многое - часто главное - происходит в паузах между словами. Это тяжелее, но и интереснее сыграть... Говорят, что в пьесах Чехова ничего не происходит. Я не могу слышать эти разговоры, потому что на самом деле за этим “ничего не происходит” стоит вся жизнь... Фоллс создал с нами не просто спектакль. Во время репетиций он призывал нас не только читать пьесу - он учил понимать ее! Мы стали друзьями, наш маленький коллектив превратился в одну дружную семью. У других режиссеров так не получается”.

Пьесы Чехова неоднократно ставились в Court Theatre. Впервые - “Чайка” в сезоне 1981-82 годов (режиссер - Николас Рудалл). На моей памяти - “Дядя Ваня” в сезоне 2006-07 годов (режиссер - Чарльз Ньюэлл). Запомнилась необычная сценография этого спектакля, сделанная для театральной сцены Музея современного искусства. Среди актеров выделялись Чаон Кросс (Елена Андреевна) и Тимоти Эдварл Кейн (Астров). Кроме этих спектаклей, я бы отметил две “Чайки”: в Writers Theatre (режиссер - Майкл Халберстам, сезон 2004-05 годов) и в Goodman Theatre (режиссер - Роберт Фоллс, сезон 2010-11 годов)... В общем, хорошего и разного Чехова в Чикаго было и, я уверен, еще будет много.

Фотографии к статье:

Фото 1. Сцена из спектакля Дядя Ваня” (TUTA Theatre). Фото - Войкан Радонич

Фото 2. Сцена из спектакля “Три сестры” (Steppenwolf Theatre). Фото - Майкл Бросилоу

Фото 3. Сцена из спектакля “Дядя Ваня” (Goodman Theatre). Фото - Лиз Лоурен