Равиния-2011

Приближается лето, а вместе с ним пора музыкальных фестивалей на открытом воздухе. Как обычно, особый интерес представляет фестиваль в Равинии - крупнейший и старейший музыкальный фестиваль Северной Америки, проходящий в северном пригороде Чикаго Хайленд-парк. В этом году программа Равинии необычайно интересна и во многом неожиданна. Но сначала – несколько слов об истории фестиваля. День рождения Равинии - 15 августа 1904 года. В те времена до концертов было еще далеко: Равиния была парком развлечений, где играли в бейсбол. На территории парка был построен великолепный ресторан и казино с танцевальным залом. В центре парка стоял электрический фонтан. Спустя сто лет от всего этого великолепия остался только театр “Мартин”. Позднее он был переименован в театр “Равиния”, но сегодня снова носит свое оригинальное название. Первыми коллективами, выступившими в Равинии, стали Нью-Йоркский симфонический оркестр под управлением Вальтера Дамроша и танцевальная труппа Рут Денис и Теда Шона. Первые концерты в Равинии не имели особого успеха. Хозяева фестиваля еле сводили концы с концами, и фестиваль находился на грани банкротства. В 1911 году была основана компания “Равиния”, главной целью которой стали летние концерты классической музыки. Уже в следующем, 1912 году, к программе классической музыки прибавились первые оперы в концертном сполнении. (Эта традиция будет возобновлена в начале XXI века усилиями Джеймса Конлона. Об этом – ниже). Интересно, что именно опера была наиболее популярным жанром первых двух десятилетий Равинии. К 1920 году фестиваль превратился в летнюю столицу оперы в Америке. В течение “Золотого Века” оперы в Равинии (с 1909 по 1931 годы) зрители услышали самых выдающихся оперных певцов, среди которых - Эдвард Джонсон, Джованни Мартинелли, Клаудия Муцо, Тито Шипа... Концерты в Равинии из года в год приобретали все большую известность. Люди приезжали в парк из Чикаго, соседних городов и даже из других штатов. Равинию стали посещать известные музыканты. Казалось, фестиваль ждет большое будущее. Так бы, наверное, и было, если бы в Искусство не вмешались суровые законы рынка: в Америке наступила “Великая депрессия”. Миллионы людей потеряли работу, страна погрузилась в хаос, сбережения поколений американцев рушились как карточные домики, очереди на биржах труда напоминали старые советские очереди за продуктами питания. В такой ситуации людям было не до классической музыки. Посещаемость концертов резко упала, их количество свелось до минимума. В 1931 году ввиду неизбежного банкротства Равиния закрывает свои двери. Спустя четыре года деловые люди Хайленд-парка и Чикаго создали некоммерческую ассоциацию “Фестиваль в Равинии”, и 3 июля 1936 года началась новая, современная история фестиваля. В тот вечер на фестивале выступил Чикагский симфонический оркестр под управлением Эрнста Ансерме. 14 мая 1949 года в Равинии произошел пожар. Полностью сгорел деревянный павильон на тысячу четыреста мест. Однако, несмотря на это, шесть недель спустя фестиваль все же открылся. В Равинии впервые выступило трио прославленных музыкантов: Яша Хейфец, скрипка; Артур Рубинштейн, фортепиано; Григорий Пятигорский, виолончель. После летнего сезона началось строительство нового павильона почти на две тысячи восемьсот мест, который действует и сегодня. В 1970 году по проекту легендарного балетмейстера Джорджа Баланчина была отремонтирована сцена павильона. До 1964 года в Равинии не было должности музыкального руководителя. Однако с увеличением популярности фестиваля возникла необходимость в высокопрофессиональном музыканте, который бы обладал еще и способностями организатора, умением привлечь на фестиваль звезд мировой музыки в самых разных жанрах. Первым музыкальным руководителем Равинии стал выдающийся дирижер современности Сейджо Озава. Он занимал этот пост с 1964 по 1971 годы, помогая директору, пианисту Эдварду Гордону, создать фестиваль в полном смысле этого слова, привлекая лучших классических, джазовых, оперных, эстрадных исполнителей. Вторым музыкальным руководителем Равинии стал нынешний музыкальный руководитель Метрополитен-оперы Джеймс Ливайн. Он возглавлял фестиваль до 1993 года. Именно в эти годы в Равинии стало чувствоваться “русское присутствие”. В 1975 году в Равинии выступали Мстислав Ростропович и Галина Вишневская, в 1980 году на фестивале состоялся дирижерский дебют Владимира Спивакова. С сентября 1994 по август 2003 года музыкальным руководителем Равинии был прекрасный дирижер и пианист Кристоф Эшенбах. С завидной регулярностью он открывал миру имена молодых талантливых исполнителей. Каждый год в Равинии проходили вечера: “Эшенбах и его подрастающие звезды”. В том, что они действительно будущие звезды, сомневаться не приходилось – у Эшенбаха особое чутье на таланты. Именно он открыл миру китайского виртуоза Ланг Ланга. Юный пианист неожиданно получил возможность выступить с Чикагским симфоническим оркестром, которым дирижировал Эшенбах. Ланг Ланг заменил заболевшего пианиста и исполнил тогда первую часть Первого концерта Чайковского для фортепиано с оркестром. В таких случаях говорят, что “на следующий день он проснулся знаменитым”. Тот вечер открыл перед молодым дарованием двери лучших концертных залов мира. Особое значение для Равинии всегда имел джаз. История джаза в Равинии ведет свой отсчет с 27 июля 1936 года, когда впервые прозвучала “Рапсодия в голубом” Джорджа Гершвина. Это был дебют Гершвина на сцене Равинии. В 1938 году фестиваль впервые посетил оркестр Бенни Гудмана, в 1956 - состоялся дебют Луиса Армстронга, на следующий год в Равинию впервые приехал Дюк Эллингтон. Вот уже более десяти лет руководителем джазовой программы фестиваля является блистательный музыкант и композитор, легенда чикагского джаза Рэмси Льюис. По его инициативе каждый год фестиваль открывается программой “Джаз в июне”. На сцене в Равинии выступали лучшие джазовые исполнители, выдающиеся музыканты Оскар Петерсон, Дэйв Брубек, Би Би Кинг, Арета Франклин, Херби Хэнкок, Джо Кокер... С 2005 года музыкальным руководителем фестиваля в Равинии является дирижер Джеймс Конлон, в прошлом – главный дирижер Парижской национальной оперы. Связи с фестивалем у него давние. Дирижер вспоминает:

- В качестве приглашенного дирижера я впервые выступил на фестивале в 1977 году. Так что я знаком с Равинией больше тридцати лет! А в период, когда Джеймс Ливайн был здесь музыкальным руководителем, я дирижировал в Равинии каждое лето. Семнадцать лет подряд! Ни разу не пропустил! В Равинии замечательный фестиваль, но, самое главное, Равиния – летняя резиденция Чикагского симфонического оркестра. Чикагский оркестр - жемчужина Равинии. Способность замечательно исполнять музыку многих стилей и направлений – отличительная особенность этого оркестра! В дополнение к блестящему качеству звука музыканты оркестра великолепно читают с листа и невероятно быстро разучивают новые произведения. Работать с таким оркестром четыре недели каждое лето – огромный источник вдохновения!

О радости общения с Чикагским симфоническим оркестром мне говорил прошлым летом президент и главный исполнительный директор фестиваля в Равинии Уэлц Кауфман.

- У меня есть три источника вдохновения - Чикагский симфонический оркестр, зрители и музыка. ЧСО - если не первый оркестр в мире, то, конечно, один из лучших. Я горжусь работой с этим оркестром, горжусь возможностью общаться с потрясающими музыкантами! На протяжении семидесяти пяти лет Равиния является летней резиденцией ЧСО. Это – самое длительное сотрудничество какого-либо оркестра с каким-либо музыкальным фестивалем в мире. Составляя репертуар очередного сезона, в первую очередь я думаю о концертах ЧСО. Еще один источник вдохновения – зрители. Люди разных этнических групп, разных национальностей, разных возрастов (от новорожденных до девяностопятилетних “аксакалов”) - Равиния предоставляет возможность каждому выбрать что-то для себя. Меня больше всего умиляют маленькие дети на наших концертах. Это - новое поколение любителей классической музыки... И третий источник вдохновения – возможность представить на одном фестивале все многообразие музыки. Равиния – замечательный парк, где выдающиеся музыканты исполняют прекрасную музыку. Как можно отказаться от возможности побывать на ТАКИХ концертах?! Я считаю, что в мире существует только одна-единственная площадка, подобная Равинии, - Карнеги-холл. Там тоже представлена классическая музыка, выступают великолепные оркестры, включая Чикагский симфонический, лучшие джазовые и поп-исполнители, начиная с Фрэнка Синатры и Джуди Гарланд. В Карнеги-холл, как и у нас, три зала. Конечно, по части акустики эти залы вне конкуренции, но мы ведь – летний фестиваль на открытом воздухе!

- А что вам не нравится в Равинии?

- Плохо то, что фестиваль заканчивается слишком быстро. Правда, иногда еще погода заставляет поволноваться. (Смеется.)

- Что входит в обязанности президента Равинии?

- Огромное преимущество моей президентской работы по сравнению с предыдущими должностями состоит в том, что в Равинии я непосредственно занимаюсь составлением программ. Я это делаю не один, а в связке с музыкальным руководителем Джеймсом Конлоном (если мы говорим о классических концертах), артистическим директором Рэмси Льюисом (при подготовке джазовых программ) и еще двумя ключевыми партнерами – артистическим директором Steans Institute (Музыкальный институт, расположенный в Равинии. – Прим. автора), прекрасной скрипачкой Мириам Фрид и программным директором вокального отделения института Брайаном Зегером. Большая часть времени уходит у меня на составление программ, административную деятельность, переговоры со спонсорами, педагогическую работу.

- В последнее время все чаще можно услышать жалобы на то, что фестиваль становится площадкой для популярных поп-, рок-, джаз-исполнителей и за счет этого сокращается количество концертов классической музыки...

- Баланс интересов и разнообразие программ соблюдается в Равинии с 1936 года. Примерно пятьдесят процентов концертов приходится на классическую музыку, пятьдесят – на все остальные жанры. Количество концертов Чикагского симфонического оркестра каждый сезон меняется. Так было всегда. До 1960 года в Равинии было десять-двенадцать концертов ЧСО, в шестидесятые годы – пятнадцать, в семидесятые-восмьмидесятые – от двадцати до двадцати четырех. Сейчас количество концертов колеблется от шестнадцати до двадцати одного. Есть несколько причин, почему люди думают, что количество симфонических концертов уменьшается. Я экспериментирую с разными днями недели. Раньше для симфонических концертов выделялись четверги, субботы и воскресенья, потом – пятницы, субботы, воскресенья, потом – вторники, четверги, субботы. Когда я начинал свою работу в Равинии, я заметил, что если три дня подряд устраивать концерты классической музыки, то на второй и третий день зрителей становится гораздо меньше. Люди не могут ходить на концерты три вечера подряд! Кроме того, все зависит от того, когда я смогу “заполучить” в Равинию ту или иную звезду. У нас выступают лучшие музыканты со всего мира: Ицхак Перлман, Уинтон Марсалис, Джошуа Белл, Надя Солерно-Сонненберг, Гил Шахам. За последние десять лет мы существенно повысили уровень поп-, рок-, джазовых концертов в Равинии и тем самым привлекли к фестивалю огромное количество новых зрителей и новых спонсоров. Успех Равинии – в сочетании лучших представителей разных музыкальных жанров!

- Вы конкурируете с музыкальным фестивалем в Грант-парке?

- Ни в коем случае. Парк Миллениум Фрэнка Гери – прекрасное место для проведения концертов на открытом воздухе. Центр Чикаго, озеро Мичиган, восхитительные виды... Плюс, конечно, великолепные хор и оркестр . Мы не соревнуемся ни с фестивалем в Грант-парке, ни с Симфоническим центром. К тому же, организуя концерты ЧСО в Равинии, я, как мне кажется, помогаю и фестивалю в Грант-парке, и Симфоническому центру в новых сезонах приобрести новых зрителей.

Перелистаем страницы фестивальной афиши лета 2011 года. С 1936 года Равиния служит летней резиденцией Чикагского симфонического оркестра. В этом сезоне “жемчужина Равинии”, как сказал об оркестре музыкальный руководитель фестиваля Джеймс Конлон, будет играть на фестивале в семьдесят пятый раз! Концерт, посвященный этому событию, состоится 6 августа. В исполнении ЧСО под управлением Ицхака Перлмана прозвучат “Итальянское каприччио” П.Чайковского и Девятая (“Из Нового света”) симфония А.Дворжака (интересно будет сравнить исполнение Симфонии чикагским оркестром с недавним выступлением Оркестра Санкт-Петербургской филармонии под управлением Ю.Темирканова), а также Двенадцатый концерт В.А.Моцарта для фортепиано с оркестром. Солист – Леон Флейшер. На этот концерт билеты на лужайку бесплатные. А начинается юбилейное лето ЧСО с концертов, посвященных двухсотлетию со дня рождения Ференца Листа. Первый фортепианный концерт великого венгерского композитора прозвучит в исполнении Ланг Ланга (7 июля, Павильон), Второй – в исполнении Эндрю Уоттса (8 июля, Павильон). В программе первого вечера также Andante spianato и Grand polonaise Ф.Шопена, Фантастическая симфония Г.Берлиоза, второго – Два этюда Листа, увертюра “Римский карнавал” Г.Берлиоза и “Весна священная” И.Стравинского. За дирижерским пультом Кристоф Эшенбах. Аранжировки для двух фортепиано Листа исполнит семейная пара Миша и Ципа Дихтеры (28 июля, театр “Мартин”). Произведения композитора исполнят на своих сольных концертах пианисты Хорхе Федерико Осорио (3 августа, театр “Мартин”), Тимон Барто (16 августа, театр “Мартин”), Кристофер О’Райли (17 августа, Беннет Гордон-холл), Валентина Лисица (18 августа, Беннет Гордон-холл, концерт называется “От Листа до Лисицы”), лауреат Первого международного конкурса пианистов имени Святослава Рихтера Эльдар Неболсин (4 сентября, Беннетт Гордон-холл), Гарик Олссон (8 сентября, театр “Мартин”). Лист будет звучать на концерте нью-йоркского камерного оркестра “Рыцари” (24 августа, театр “Мартин”). Прошлым летом дебютный концерт молодого коллектива с большим успехом прошел в Равинии. Листу будет посвящен и специальный вечер 20 июля в театре “Мартин”. Программа называется “Театральный и музыкальный портрет Ференца Листа, написанный Гарри Кларком”. За роялем Эндрю Уоттс, в роли Ференца Листа – Майкл Йорк, известный многим по фильму Боба Фосса “Кабаре” (1972). В программе – редко исполняемая мелодрама композитора “Грустный монах” для голоса и фортепиано. В беседе со мной президент фестиваля Уэлц Кауфман признался:

- Моя любимая музыка - русская. Я люблю Брамса, Бетховена, Малера, но есть что-то особенное в русской музыке, даже в современной, что заставляет чаще биться сердце. Мне нравится Шнитке, Губайдулина, Щедрин... Мне нравится слышать в Равинии русскую речь, особенно на концертах Рахманинова, Шостаковича, Чайковского. Когда люди говорят о классической музыке, они говорят, прежде всего, о немецких композиторах. Но когда речь заходит о наиболее популярных сочинениях, немецкая музыка уступает место русской. Пока я буду президентом Равинии, русская музыка будет оставаться краеугольным камнем программ классической музыки.

В это лето обещания Кауфмана, похоже, сбудутся. Только произведения С.Рахманинова будут в концерте ЧСО 21 июля (дирижер – Джеймс Конлон). Прозвучат романс “Колокольчик”, кантата “Весна” и Рапсодия на темы Паганини. В концерте участвуют певцы Кара Шей Томпсон (сопрано, дебют в Равинии), Родрик Диксон (тенор), Василий Ладюк (баритон, дебют в Равинии), а также пианист Александр Романовский (дебют живущего в Италии талантливого харьковчанина в Равинии). Скрипичный концерт П.Чайковского прозвучит в исполнении Мириам Фрид и ЧСО под управлением Джеймса Конлона 31 июля. Фортепианное трио Д.Шостаковича прозвучит в еще одной программе с участием Фрид, которая так и называется “Мириам Фрид с друзьями” (25 июня). В программе прозвучат также камерные произведения Бетховена и Брамса. 27 июля театр “Мартин” представляет дебютный сольный концерт солистки Мариинского театра Екатерины Семенчук (меццо-сопрано). В программе – Шесть песен П.Чайковского и романсы С.Рахманинова. Пятая симфония Д.Шостаковича прозвучит в исполнении ЧСО под управлением Джеймса Конлона 9 августа. В первом отделении концерта состоится мировая премьера сочинения молодого композитора Нико Мули (автора музыки к фильму “Чтец”) “Край мира” для пяти фортепиано. Играет семейный ансамбль братьев и сестер Браун “The 5 Browns”.

Самый юный лауреат премии Евровидения для молодых музыкантов 2006 года шестнадцатилетний российский пианист Дмитрий Майборода дебютирует с сольным концертом в Равинии 7 сентября (Беннетт Гордон-холл). В программе – произведения С.Рахманинова.

Еще одна инициатива Кауфмана – программа “Одно музыкальное произведение в одном городе”. Уэлц Кауфман рассказывает:

- Лет пятнадцать-двадцать тому назад в Сиэттле была создана программа “Одна книга – один город”, и я решил переложить этот опыт в музыкальную сферу. Я придумал каждый год представлять и изучать в Чикаго одно музыкальное произведение. Мы начали в 2002 году с Девятой симфонии Дворжака “Из Нового Света”. “Одно музыкальное произведение в одном городе” – одна из нескольких образовательных программ, действующих сегодня в Чикаго.

Прошлым летом мы “изучали” “Картинки с выставки” М.Мусоргского. В планах на это лето – продолжение русской линии: сочинения П.Чайковского и С.Прокофьева. 5 августа ЧСО под управлением Джеймса Конлона исполнит музыку Прокофьева к балету “Ромео и Джульетта”. Прославленный виолончелист Йо-Йо Ма присоединится к оркестру во втором отделении. Прозвучат Andante Cantabile из Первого струнного квартета П.Чайковского и его Вариации на тему рококо. Концерт называется “Астрономическая ночь”. Продолжается ежегодная программа Равинии “Воскрешение из небытия”, в которой Джеймс Конлон заново открывает миру музыку композиторов, погибших или пострадавших от фашизма. Дирижер рассказывает:

- Около пятнадцати лет назад я заинтересовался музыкой Александра Землинского, стал изучать его биографию и через нее открыл для себя много новых имен. Я понял, что нами потерян огромный пласт музыки. Не один, не два композитора, а двадцать, двадцать пять, может быть, больше... Целый пласт музыки был объявлен дегенеративным искусством и подлежал уничтожению. Мы восхищаемся творчеством Шенберга, но не знаем, что его учителем был Землинский. Именно Землинский и композиторы его круга были связующим звеном между Малером и послевоенной музыкой. То, что эта музыка остается неизвестной, - величайшая несправедливость и огромная потеря для нашей цивилизации. Я начал предпринимать попытку вернуть сочинения забытых композиторов в историю культуры XX века. Пока этот процесс идет медленно. В Парижской опере я впервые поставил первую оперу Землинского, в Ла Скала – его “Флорентийскую трагедию”. Опера Лос-Анджелеса стала первым крупным американским театром, проявившим интерес к этому репертуару. Я делаю все, что могу, и понимаю, что должны пройти годы, прежде чем эта музыка займет свое достойное место в истории мировой культуры. Эта музыка разная. Кому-то она нравится, кому-то - нет. Это совершенно нормально. Не обязательно ее любить. Главное - чтобы она была доступна широкому слушателю.

Джеймс Конлон создал специальный фонд “OREL”, посвященный памяти композиторов, пострадавших от фашизма. Среди них – Виктор Ульман, Эрих Вольфганг Корнгольд, Павел Хаас, Франц Шрекер, Эрвин Шульхоф и многие другие. Информацию о задачах и направлениях деятельности фонда можно найти на сайте http://orelfoundation.org/. В рамках программы “Воскрешение из небытия” 26 июля в театре “Мартин” прозвучат сочинения композиторов-узников концлагеря в Терезине: Шестая и Седьмая фортепианные сонаты, а также Квартет N3 Виктора Ульмана, Струнное трио Гидеона Кляйна (через девять дней после написания Трио Кляйн был отправлен в Освенцим), Танец Ганса Красы. Исполнители: ARC ансамбль и пианистка Джин Голан (дебюты в Равинии). Подробности музыкальной жизни концлагеря в Терезине читайте на сайте http://holocaustmusic.ort.org/ru/places/theresienstadt.

Продолжается традиция концертного исполнения опер в Равинии. 30 июля будет звучать бессмертная опера Дж.Пуччини “Тоска”. В главных партиях: Тоска – Патрисия Россет, Каварадосси – Сальваторе Личитра, Скарпиа – Брайан Терфель. 11 августа в театре “Мартин” состоится концертное исполнение оперы Генделя “Орландо”. Исполнители: Филармонический оркестр барокко под управлением Николаса Маккегана и приглашенные солисты.

Среди наиболее интересных вокальных вечеров - концерт Деборы Войт и ЧСО под управлением Кристофа Эшенбаха (9 июля, в программе – арии из опер Р.Вагнера, Р.Штрауса, Л.ван Бетховена) и сольный концерт бас-баритона Брайна Терфеля (2 августа, театр “Мартин”, в программе – Шуман, Финци, Иберт).

Цикл Джеймса Конлона “Все симфонии Малера” завершается в год столетней годовщины смерти композитора трехчастной вокально-симфонической кантатой “Жалобная песня” (4 августа). Малер говорил о ней как о первом произведении, в котором он нашел себя: “Это сочинение я обозначаю опусом первым”. Солисты - Кери Алкема, сопрано (дебют в Равинии); Екатерина Семенчук, меццо-сопрано (второе выступление российской певицы в Равинии); Родрик Диксон, тенор; Брайан Муллиган, баритон. Во втором отделении концерта прозвучит Скрипичный концерт Людвига ван Бетховена. Солист - Ицхак Перлман.

Три вечера ЧСО посвящает И.Брамсу. 14 июля прозвучат Первый фортепианный концерт и Вторая симфония, 15 июля – Второй фортепианный концерт и Третья симфония композитора. Дирижер - Кристоф фон Донани, солист - Эмманюэль Экс. А в Скрипичном концерте Брамса 24 июля солирует Роберт Чен. Дирижер - Джеймс Конлон. Во втором отделении концерта будет исполнена Третья (Героическая) симфония Бетховена.

Из других интересных концертов Равинии-2011 отмечу вечер американского музыканта, поэта и композитора Руфуса Уэйнрайта и ЧСО под управлением Джеффри Кахане (14 августа). В первом отделении концерта оркестр исполнит увертюру из оперы Г.Берлиоза “Беатриче и Бенедикт”, Скерцо и Ноктюрн Ф.Мендельсона из оперы “Сон в летнюю ночь”. Руфус Уэйнрайт исполнит пять Сонетов Шекспира собственного сочинения. Во втором отделении прозвучат композиции Уэйнрайта. Струнный Эмерсон-квартет (6 июля, театр “Мартин”) представляет программу из произведений Й.Гайдна, Б.Бартока и Ф.Шуберта, Такаш-квартет (14 августа, театр “Мартин”) исполнит квартеты В.А.Моцарта, Ф.Мендельсона и Л. ван Бетховена, Джульярд-квартет (7 сентября, театр “Мартин”) – сочинения Й.Гайдна, Мартино, Бетховена. 2 июля в Равинии пройдет концерт блестящего скрипача Джошуа Белла. Концерт посвящен столетию консерватории в Индиане, выпускником которой он является. 18 и 19 августа ЧСО под управлением Людвига Вики исполнит музыку трижды “оскароносного” Ховарда Шора из кинофильма “Властелин колец: братство кольца” (2001), причем сам фильм будет демонстрироваться на больших экранах в павильоне и на лужайке.

23 июля в Равинии пройдет концерт “Весь Гершвин”, посвященный семидесятипятилетию единственного выступления композитора в Равинии.

23 августа на фестивале состоится давно обещанный дебют двадцатичетырехлетнего джазового пианиста-виртуоза киргизского происхождения Эльдара Джангирова.

Только один вечер - 10 июля - на фестивале выступят трио Рэмси Льюиса и популярная группа “Пинк Мартини”.

Снова в Равинии неутомимый король джаза Дэйв Брубек. На этот раз – в составе группы “Дэйв Брубек и сыновья” (19 июня).

Впервые в истории Равинии на фестивале выступит легендарная британская рок-группа “Deep Purple”! В составе группы – звезды хард-рока вокалист Иэн Гиллан, гитарист Стив Морс, бас-гитарист Роджер Гловер, клавишник Дон Эйри и ударник Иэн Пэйс - единственный участник группы, входивший во все ее составы. “Deep Purple” выступит в Равинии только один день – 18 июня! В концерте примет участие Ravinia Festival Orchestra. Еще одно легендарное имя в мире рок-музыки – британский вокалист, бывший солист группы “Led Zeppelin” Роберт Плант. Он выступит в Равинии 16 июня вместе с группой “The Band of Joy”. Это название несет для Планта ностальгический оттенок – ведь в шестидесятых годах музыкант выступал в группе с таким названием. Новая концертная программа выглядит как подведение итогов музыкального творчества Роберта Планта. Мы услышим римейки его самых ранних песен и последние композиции.

10 июня прощальный концерт дает дуэт “The Judds”, исполняющий музыку в стиле кантри. В составе дуэта - Наоми Джадд и ее дочь Вайнона. В восьмидесятые годы дуэт матери и дочери был одним из самых популярных в мире эстрадной музыки. В 1991 году у Наоми Джадд был обнаружен гепатит. Дуэт распался, и Вайнона начала сольную карьеру. Время от времени мать с дочкой воссоединялись для совместных концертов. Их тур по США в этом году станет прощальным в истории дуэта. 10 апреля Наоми и Вайнона Джадд были главными звездами нового шоу “The Judds” на канале Опры Уинфри.

Традиционный ежегодный концерт из бессмертных произведений группы “ABBA” пройдет в этом году 3 июля, а концерт группы “Gipsy Kings” – 25 августа.

Два концерта (30 июня и 1 июля) дает в Равинии необычайно популярная группа “Maroon 5”. Наверняка привлекут внимание концерты американской певицы в стиле кантри Кэрри Андервуд (4 сентября), актрисы и певицы Дженнифер Хадсон (16 и 17 июля), Лайла Ловетта (21 августа), Тони Беннетта (26 августа, концерт посвящен 85-летнему юбилею певца), джазового оркестра Линкольн-центра под управлением Уинтона Марсалиса (12 июня), Мэнди Патинкин и Натана Ганна (31 августа). Мюзикл “Chicago” прозвучит в Равинии два вечера - 27 и 28 августа.

Как видите, уважаемые читатели, скучать нам летом не придется! Встретимся в Равинии!

Nota bene! В этом году для детей до пятнадцати лет, а также учеников школ и студентов проход на лужайку на все концерты классической музыки бесплатный. С собой необходимо иметь удостоверение личности. Подробную программу фестиваля Равиния-2011 вы найдете на официальном сайте www.ravinia.org. Продажа билетов в кассе фестиваля (200 Ravinia Park Rd, Highland Park, IL 60035) начнется 27 апреля, а телефонная продажа (847-266-5100) - 22 мая.

Дуэт голоса и гитары

24 апреля 2011 года в Театральной гостиной радио “Новая жизнь” состоится премьера спектакля “Мой Дольский”. В перерыве между репетициями я встретился с автором инсценировки, актером Вячеславом Кагановичем. Наш разговор начался с недавней премьеры театра “Атриум” - спектакля “Лехаим! (Будем жить...)”.

- Слава, я хочу еще раз поздравить тебя с великолепным исполнением роли Тевье. Мне кажется, это твоя самая яркая и запоминающаяся роль в театре. Ты пропускаешь Тевье через себя, вносишь особую, личную ноту в этот образ. Может быть, поэтому он получился таким искренним и убедительным...

- Роль Тевье – самая важная для меня роль. Я давно был влюблен в “Поминальную молитву” и был счастлив, когда Андрей Тупиков предложил мне сыграть Тевье. Если роль не пропускаешь через себя, тогда зритель в зале почувствует фальшь и не поверит в то, что ты делаешь. Сыграть Тевье невозможно. Эту роль надо прожить.

- Позади – премьера спектакля “Лехаим!..”, впереди – новая премьера, на этот раз – композиции “Мой Дольский”. В прошлом году у тебя был спектакль “Мой Горин”. Означает ли это, что ты создаешь новый цикл тематических спектаклей?

- Да, это спектакли, созданные по произведениям дорогих мне людей. Первым опытом в новом жанре стал для меня спектакль “Мой Горин”, приуроченный к семидесятилетию со дня рождения Григория Израилевича Горина – человека, близкого мне по духу и мироощущению. Мы опасаемся говорить высокопарные слова, но я убежден, что Горин – гений, который жил рядом с нами. У меня с этой личностью, с этой “планетой” связано очень много. Театр появился в моей жизни с пьесы Горина, я читаю и перечитываю его книгу “Театр Григория Горина”, очень люблю его пьесу “Забыть Герострата” и думаю, что, может быть, когда-нибудь мне удастся воплотить ее на сцене.

- А почему из всего многообразия авторов-бардов ты выбрал Дольского?

- По той же причине, что и Горина. Дольский – мой любимый автор, я знаю его песни наизусть. Он был моим кумиром. Я выучивал его песни с пластинок, пытаясь подражать. Одно время у меня было просто наваждение: в голове все время крутилась его музыка. На каждую мою жизненную ситуацию я всегда находил у него песню, которая точно попадала в настроение, смысл, объясняла мне, что со мной происходит. Спустя много лет, когда я познакомился с Сан Санычем и рассказал ему об этом, он сказал: “Вы знаете, у меня то же самое было с Окуджавой”... В песнях Дольского чувствуется идеальное единство музыки, слова и восхитительной гитары.

- Дольский ведь профессиональный гитарист!

- Да, он закончил музыкальное училище по классу гитары и блестяще владеет инструментом. Как-то в одной компании у меня не было под рукой гитары, и я начал читать стихи. В том числе – Дольского. И вдруг, когда ушла куплетность и заданная песенная ритмика, в стихотворениях Дольского появились совершенно неожиданные нюансы. Я понял, что поэзия Дольского абсолютно самодостаточна и, подобно поэзии Бродского, “в гитарной поддержке не нуждается”. Я решил, что Дольского петь не буду. Я никогда не читал поэзию со сцены, и мне захотелось попробовать. Но гитара в спектакле будет – восхитительная гитара удивительного музыканта Михаила Сычева. Когда я слушал одну из его композиций, у меня вдруг на эту музыку стали ложиться стихи Дольского. Так родилась идея совместить поэзию Дольского с музыкой Михаила Сычева.

- Как это происходило технически?

- Я предложил Мише придумать музыку на стихи Дольского. В какой-то мере я слукавил, потому что частично уже подобрал его музыку к этим стихам. Но мне была важна реакция Миши, и к моей великой радости, он начал предлагать именно те произведения, которые я выбрал. Он фактически сочинил на стихи Дольского новую музыку, и она удивительно совпала по эмоциям, настрою, энергетическому насыщению.

- Но ведь у слушателя срабатывает инстинкт узнавания. Какой, ты думаешь, будет реакция знатоков и поклонников творчества Дольского?

- Не знаю. Вот это и будет интересно проверить – как воспримет зритель наш эксперимент. - Я бы назвал ваш концерт дуэтом голоса и гитары...

- Мы назвали наш концерт музыкально-поэтическими метаморфозами. Из песни в стихи, из музыки – в поэтическое настроение. В нашем спектакле будут только стихи и музыка. Где-то – стихотворение без музыки, где-то – музыка без поэзии. И только в финале спектакля в две гитары прозвучит “визитная карточка” Дольского – песня “Исполнение желаний” (“Мне звезда упала на ладошку...”).

- Расскажи, пожалуйста, о своих встречах с Дольским.

- Я с Сан Санычем знаком тридцать лет. Через двадцать пять лет общения мы перешли на ты, и для меня сделать это было безумно трудно. Я выступал в Минске с программой “Творчество Александра Дольского”...

Вячеслав Каганович привез из Минска машинописные экземпляры трех своих сольных программ: “Современная авторская песня”, “Творчество Сергея Никитина”, “Творчество Александра Дольского”. Сверху на каждой бумаге стоит печать Управления культуры Мингорисполкома “Разрешено к исполнению”. На программе песен Дольского рукой Александра Александровича написано: “Слава! Успехов Вам! Много нового есть у меня для вас. Добавьте”.

- Когда я пришел к Сан Санычу за разрешением и показал ему список из тридцати девяти песен, между нами произошел такой диалог. “Вы что, все это исполняете?” – “Да.” Дольский меняется в лице и грозно спрашивает: “Где вы взяли ноты?” – “Нигде. Я по нотам на гитаре не умею играть.” – “А как вы все это играете?” – ““Заездил” с пластинки.” – “Вы сняли это с пластинки???” – “Да.” – “Так. Приходите ко мне вечером в гостиницу.” Вечером я играл ему песни, а он – поправлял меня. С тех пор каждый раз на протяжении тридцати лет, когда мы с ним встречаемся, он со мной занимается. Когда появилась видеокамера, я поставил ее перед Дольским, и он начал медленно играть. Этот урок я потом неоднократно просматривал... Я много раз был в его питерской квартире, он был у меня в Минске, был моим первым гостем в Чикаго. Мы только приехали, жили на съемной квартире, и он спал на матрасе.

- Как отнесется Дольский к предстоящему спектаклю?

- Я думаю, он не будет сильно ругать меня.

- Ты показывал кому-нибудь вашу работу?

- Да. Я думаю, что актеру всегда нужен взгляд со стороны. Помощниками-консультантами спектакля являются актриса и замечательный чтец Марина Карманова, а также театральный и кинокритик Михаил Гуревич.

- “Мой Горин”, “Мой Дольский”. Кто следующий в твоем цикле?

- Давид Самойлов. Наверно, я буду делать этот спектакль с Женей Поляком. На стихи Самойлова написано огромное количество восхитительных песен. Если Дольский – это гора, то Самойлов - вершина. А осенью в Чикаго состоится премьера спектакля “Потерпевший Гольдинер” по пьесе Виктора Шендеровича.

- Вот это сюрприз! Подробности, пожалуйста.

- Виктор Шендерович написал новую пьесу “Потерпевший Гольдинер” и предоставил мне право первой постановки, за что я ему безумно благодарен. Это совершенно потрясающий текст о нас, нашей эмигрантской жизни, о взаимоотношениях детей и родителей, столкновении поколений… Я буду играть роль старого еврея Вульфа Мойхелевича Гольдинера. Ставить спектакль будет Андрей Тупиков. На премьеру мы ждем автора - Виктора Шендеровича.

- Ну что ж, будем ждать новых спектаклей, и удачи на премьере!

Nota bene! Премьера спектакля “Мой Дольский” состоится 24 апреля в 7 часов вечера в Театральной гостиной радио “Новая жизнь” по адресу: 615 Academy Dr., Northbrook, IL, 60062. Телефон для справок: 847-498-3400. Билеты будут продаваться у входа.

Владимир Гандельсман: “...в Божьем мире нет случайного”

Уважаемые любители изящной словесности, я приглашаю вас на праздник! 16 апреля в Литературном салоне Аллы Дехтяр состоится творческий вечер замечательного русского поэта Владимира Гандельсмана.

Стихи Гандельсмана – великолепные образцы лирической поэзии. Лучшие строки поэта посвящены детству, матери, городу на Неве. Он родился и вырос в Санкт-Петербурге и, уехав из России, не смог расстаться с родным городом ни географически, ни, тем более, духовно. При этом поэзия Гандельсмана далека от слащавой сентиментальности. Скорее, это умудренная жизненным опытом ретроспекция, взгляд поэта на милый сердцу, но утраченный мир детства и юности. Как никто другой, Гандельсман умеет создавать особое поэтическое настроение. Может быть, поэтому его стихи так хочется перечитывать – особый дар, которым могут похвастаться немногие поэты! Первая публикация Гандельсмана состоялась в 1991 году в журнале “Континент”. Потом пришел черед толстых литературных журналов. Примерно половина стихотворений Гандельсмана была впервые опубликована там - в “Знамени” и “Новом мире”, “Звезде” и “Октябре”, “Арионе” и “Вестнике”. И, конечно, книги. Их – больше пятнадцати. Самые известные: “Шум земли” (Тинафлай: Эрмитаж, 1991), “Там на Неве дом...” (Тинафлай: Эрмитаж, 1991; СПб.: Пушкинский фонд, 1995), “Школьный вальс” (СПб.: Пушкинский фонд, 2004), “Исчезновение” (СПб.: Пушкинский фонд, 2008), “Каменный остров” (Нью Йорк, 2009). На вечере мы услышим старые и новые стихи поэта, а также переводы. Владимир Гандельсман ими занимается давно и успешно. Он переводил стихи У.Х.Одена, Льюиса Кэрролла, Эмили Дикинсон, Уоллеса Стивенса, Томаса Венцлова. В 2010 году в “Новом издательстве” вышел перевод Гандельсмана бессмертной трагедии Шекспира “Макбет”. Я попросил поэта рассказать о причинах, побудивших его взяться за “Макбета”:

- Когда-то в комментариях к роману Уильяма Фолкнера “Шум и ярость” (перевод О.П.Сороки) я прочел цитату из “Макбета”, указывающую на происхождение названия романа: “Жизнь – <...> рассказ, рассказанный кретином, полный шума и ярости, но ничего не значащий”. Это было очень давно, и, конечно, такие слова должны были произвести неотразимое впечатление на молодого человека. Не говоря о самом романе, замечательном и любимом поныне.

Прерву на время Владимира Гандельсмана, чтобы процитировать отрывок из его перевода, где обыгрываются эти слова – “шум и ярость”. В конце пьесы, когда Макбет узнает о смерти жены, он говорит:

Ей следовало позже умереть;

я время бы нашел для слова смерть.

Но завтра, завтра, завтра. Семенить,

пока отмеренная нить

дыхания не оборвется,

шажок-стежок, пока дурак не ткнется

всем своим прошлым в прах и пыль.

Сгинь, промельк жизни, лживый водевиль

с позерством и истерикой игры,

факир на час, лети в тартарары,

ты бред безумца, вздор, чье существо -

есть шум и ярость, больше ничего.

- Другим сильным впечатлением был фильм Акиры Куросавы “Трон в крови”, снятый по мотивам трагедии. Эти две частности в сочетании с желанием приблизиться к великим английским стихам привели меня к попытке перевести “Макбета”.

- Вас не смущало соревнование (пусть невольное) с предыдущими переводами?

- Я не взялся бы за перевод, если бы считал, что участие в соревновании с предшественниками безнадежно (знаю переводы А.И.Кронеберга, С.М.Соловьева, М.Л.Лозинского, Б.Л.Пастернака и Ю.Б.Корнеева – есть и другие работы, но я с ними не знаком).

- Как проходила работа над переводом, и как вы оцениваете результат?

- Работа над переводом была долгой, но счастливой. Оценить результат не могу. Никто себе не судья. Владимир Гандельсман не первый раз приезжает в Чикаго, и каждая встреча с ним дарит удивительное чувство сопричастности к настоящей поэзии. Поэт говорит: “Отношение к Чикаго самое дружелюбное, поскольку его определяет отношение к Алле, вдохновительнице и организатору литературных встреч. Талант - это энергия, а ее энергия велика и притягательна. Ее заинтересованность в приглашаемом такова, что тот самовлюбленно начинает думать: а что, мне и впрямь есть что сказать людям. Поэтому – до встречи”. Владимир Гандельсман любезно предоставил газете “Реклама” право первой публикации трех новых стихотворений и пообещал сюпризы на предстоящей встрече. Будем ждать!

Жизнь

Жизнь Христа, всем телом зрячего,

учит юношу горячего:

все, что есть на свете, – значимо.

Время ни слезы не выветрит.

Но из крестных мук навыворот

разбитные люди вынырнут.

Ночь с дыханием безропотным

и грозу с небесным рокотом.., –

все подменят смыслом крохотным.

Моря пьяного паломники,

счастья идолопоклонники,

все растащат на соломинки.

– Не желаем знать о “значимом”,

пусть случайно в прособаченном

мире выпадет удача нам!

Скорбный взгляд, склонясь с плеча Его,

учит старика печального:

в Божьем мире нет случайного.

Заграница

Заграница, маленькая смерть,

то витриной золота сияешь,

то раскладываешь чудо-снедь

(ты попался в каменную сеть

города, которого не знаешь),

то кольнешь лучом из облаков,

то на площади раскинешь рынок

и скользнешь меж храмов и домов

стайками аквариумных рыбок

с плеском чужестранных языков!

Может быть, заблудишься, листвой

приласкаешь, вовсе успокоишь

пестрою веревкой бельевой,

или мальчиков футбол устроишь,

двое на двое, на мостовой.

Но потом, при свете фонаря,

дверь гостиничную отворя,

беглое отставишь милосердье

и шепнёшь: вдохни нашатыря,

помни хоть о маленькой, но смерти.

Из Лидии Гинзбург

Что там – январь ли, март?

Гибнет блокадный хор.

Вот он, точный стандарт

жалости, горя, ссор.

Ближний сердцу не мил.

Тут не музыка сфер –

рациональность сил

и принятие мер.

Ближний вшами зарос.

Скоро ль ему конец?

Надо ставить вопрос

по-научному, спец.

Нет любви у меня.

Есть ответственность за

жизнь, если ты родня.

Плюнуть бы ей в глаза.

Это такой загон.

Функция, сущность, факт.

Это такой закон

и ритуальный акт.

Это буквальность, в рост

смерти. Ее творя,

входит Каменный ГОСТ

сжатого словаря.

Nota bene! Поэтический вечер Владимира Гандельсмана состоится 16 апреля 2011 года в 6 часов вечера в Литературном салоне Аллы Дехтяр в помещении Computer Systems Institute по адресу: 8950 Gross Point Road, Skokie, IL 60077. Справки по телефону – 773-275-0934.

Праздник хорового пения

9 апреля в Норсбруке состоится концерт детского хора “Campanella” (хормейстер и дирижер - Марианна Косая). Я давно с интересом слежу за творчеством замечательного музыканта, педагога, энтузиаста своего дела Марианны Косой. Ее жизнь с детства связана с хоровым пением. Несколько лет она пела в киевском детском хоре “Щедрик”. По ее собственным словам, “рвалась на репетиции в любом состоянии”. Когда ей исполнилось семнадцать, стала петь в камерном хоре. В Киеве Марианна закончила музыкально-педагогический факультет педагогического училища по классу дирижирования Татьяны Алексеевны Макаровой. Потом был музыкально-педагогический факультет Киевского педагогического института и занятия у Людмилы Анатольевны Байды - хормейстера с очень хорошей хоровой “хваткой”. Преподавателями Марианны Косой по классу дирижирования были Татьяна Семеновна Левшенко и... мама, которая вела дирижирование и хоровой класс в училище. Мама Марианны – Лина Моисеевна Дорфман – хорошо известна чикагским любителям хорового пения, она многие годы руководит хором “Шалом”. После окончания института и до отъезда в Америку Марианна Косая работала концертмейстером в Киевском музыкальном училище. Иметь свой хор всегда было ее мечтой. Мечта осуществилась не сразу. В беседе со мной Марианна Косая рассказала, как все начиналось: “Хор начался с двух девочек – моей дочери и ее подружки. Моей дочери было четыре годика, в таком возрасте в школу еще не принимают. А мне хотелось, чтобы ее музыкальные способности не пропали... Постепенно ко мне стали приходить новые дети, и из такого домашнего музицирования родился детский хор “Campanella””. Сегодня в хоре занимаются дети от семи до четырнадцати лет. С каждым годом хор становится все более известным, получая признание зрителей и награды на различных международных фестивалях и конкурсах. На прошедшем в 2010 году в Нью-Йорке, в церкви святого Бартоломея фестивале (The National Invitational Choral Festival - Festival of Gold) хор “Campanella” занял первое место в своей возрастной категории и общее второе место среди всех участников конкурса! По итогам фестиваля хор получил 97.67 из 98 баллов. По словам артистического директора Майкла Хаффа, это – “самый высокий бал, который получил детский коллектив за семнадцать лет существования фестиваля”. Для заключительного концерта были отобраны восемь лучших коллективов, в том числе хор “Campanella”. Малышам из Чикаго стоя аплодировал весь зал. Это был настоящий триумф! В программе концерта 9 апреля – “Stabat Mater” Д.Перголези, произведения И.С.Баха, Б.Бриттена, Э.Вилла-Лобоса, М. де Фальи, а также современного кубинского композитора Лео Броуэра. В концерте примут участие известные чикагские музыканты: пианистка Диана Кофман, гитарист и композитор Михаил Сычев, певцы Татьяна Дюбаль (сопрано) и Павел Ройтман (тенор). Верный помощник, правая рука Марианны Косой – гитарист Михаил Сычев. Впервые он взял в руки инструмент в восемь лет в пионерском лагере, а с одиннадцати стал серьезно заниматься гитарой. Он вспоминает: “Все произошло естественно: от лагерных песен у костра, от самоучки до желания изучить ноты и серьезно заняться гитарой”. Первые шаги в композиции Сычев сделал в двенадцать лет, учась в музыкальной школе: это были маленькие пьесы, которые музыкант использовал в своих дальнейших сочинениях. Кстати, свою первую тетрадку с ученическими опытами Сычев привез в Чикаго. В школе Михаил дважды становился лауреатом областных конкурсов. По его словам, помог совет учителя: “Не смотри на жюри, у них недобрые лица”. Впоследствии в той школе, которую он закончил, Сычев проработал восемь лет преподавателем классической гитары. Из своих учеников Сычев создал ансамбль, включив в него позднее скрипку и контрабас. Свою работу он совмещал с учебой в Гнесинском училище. В Чикаго музыкант продолжает заниматься любимым делом. Он выступает с концертами, преподает, сочиняет музыку. Сычев с некрываемой любовью говорит о любимом инструменте: “Гитара – инструмент уникальный. Она звучит во всех стилях. Гитара - инструмент очень теплый, интимный. Если он находится в хороших руках, это всегда звучит красиво”. В хороших руках Сычева гитара звучит невероятно красиво, так что хору повезло с таким музыкантом! Расскажу кратко о других участниках концерта. Пианистка Диана Кофман родилась в Одессе, закончила музыкальную школу имени П.Столярского и Одесскую консерваторию. В 1991 году с оркестром народных инструментов гастролировала в США. Выступала в качестве концертмейстера в ансамбле скрипачей, гастролировала в Англии, Болгарии, Германии, Италии, Польше и Израиле. С 1997 года живет в Чикаго. Работала концертмейстером в Roosevelt University. Преподает. Выступает в дуэте со скрипачкой Галиной Резник. Концертмейстер хора “Campanella”.

Певица Татьяна Дюбаль – солистка хора Northwestern University Music Academy (дирижер – Наталья Ляшенко). В настоящее время занимается вокалом с Карен Брунсен. С хором “Campanella” выступает в качестве приглашенной солистки.

Певец Павел Ройтман родился в Николаеве, закончил Калининградское музыкальное училище и Петрозаводскую консерваторию. Солист Klezmer Shpil Orchestra. С 1991 по 1994 годы выступал в Финляндии, Норвегии, Швеции. С 1994 года живет в Чикаго. Выпускник DePaul University. Степень магистра получил в Northwestern University. В 2006 году получил диплом кантора. Работает кантором в синагоге Beth Hillel Congregation Bnai Emunah. С хором “Campanella” выступает в качестве приглашенного солиста.

9 апреля, 8.00 pm, St.Giles Episcopal Church, 3025 Walters Avenue, Northbrook, IL 60062.

Белорусский Свободный театр: Verbatim

30 марта 2011 года исполняется шесть лет Белорусскому Свободному театру. Статьи о театре под общим заголовком "Белорусский Свободный театр: Verbatim. Групповой портрет в чикагском интерьере. Январь-февраль 2011 года" читайте на моей странице в Живом Журнале http://sergeyelkin.livejournal.com

Борис Эйфман: “Всю мою жизнь меня ведет Божий дар”

Только два дня - 21 и 23 апреля - в Чикаго пройдут гастроли Санкт-Петербургского театра балета Бориса Эйфмана. От этого выдающегося балетмейстера каждый раз ждешь смелых находок, провокативных сценических решений, современных переосмыслений классических произведений, и каждый раз он оправдывает наши ожидания. На этот раз маэстро представляет новую редакцию балета “Дон Кихот” Л.Минкуса. Новую, потому что мировая премьера балета “Дон Кихот, или Фантазии безумца” в редакции Бориса Эйфмана состоялась в 1994 году, разделив балетоманов на два непримиримых лагеря: горячих сторонников и не менее горячих противников. Напомню, действие балета происходит в сумасшедшем доме, и многие аллегории взяты из нашей жизни. Среди заключенных больницы - фантазер, который, начитавшись романа Сервантеса, воображает себя Дон Кихотом. Спустя почти семнадцать лет Борис Эйфман вновь обращается к этой теме. Почему? Предоставим слово балетмейстеру:
“Мы живем под обломками своих иллюзий. Человек в мечтах творит сюжет своей жизни, но фантазии и реальность, соприкасаясь, дают трагический эффект... Я взялся за этот балет, потому что увидел в нем возможность сочетания вечной, неистребимой красоты, так необходимой людям, и действительности сегодняшнего дня... Пятнадцать лет этот спектакль шел по всему миру с огромным успехом, и вот сейчас я пришел к пониманию того, что он созрел для изменений. Я хочу представить на суд наших зрителей “Дон Кихота” с новыми фрагментами хореографии и новыми героями. Теперь в спектакле появится тема прекрасной дамы Дульсинеи, да и сам персонаж Дон Кихота станет намного ближе к литературной трактовке Сервантеса. Дон Кихот - настоящий герой, который, хотя и борется с ветряными мельницами, но пытается изменить этот мир к лучшему с помощью добра и любви”.
В один из прошлых приездов в Чикаго Санкт-Петербургского театра балета мне удалось побеседовать с Борисом Эйфманом. В беседе со мной он вспоминает о прошлом и размышляет о будущем...

- Борис Яковлевич, свой первый хореографический номер вы сочинили в тринадцать лет. Говорят, вы даже завели специальную тетрадь под названием “Мои первые спектакли”. На первой странице было написано следующее: “Я начинаю эти заметки для того, чтобы в будущем помочь специалистам разобраться в истоках моего творчества”. Неужели в тринадцать лет вы уже точно знали, что вы станете балетмейстером?
- В тринадцать лет я начал сочинять хореографию и параллельно стал вести дневник. Этот дневник у меня сохранился. В нем я действительно написал: “...чтобы в будущем мои критики...”, но далее было написано: “...разобрались в моей гениальности”... В тринадцать лет амбиции превышают самоконтроль. (Смеется.)
- Это замечательно, потому что это прозвучало настолько пророчески. Сейчас, оглядываясь назад...
- В общем, да. Если убрать провинциальный пафос молодого человека, то сейчас можно говорить о том, что всю мою жизнь меня ведет Божий дар. Он, с одной стороны, сделал всю мою жизнь невероятно счастливой, потому что я действительно чувствую себя избранным, как любой человек, одаренный Божим даром. С другой стороны, Божий дар создает жизнь особую, жертвенную. Вся моя жизнь подчинена реализации этого дара и созданию того уникального пластического рисунка, ради которого я и пришел в этот мир. Это путь миссионерский и очень непростой.
- А вы помните как вы начинали, как репетировали в трех разных точках Ленинграда?.. Когда проходили репетиции, думали ли вы, может, подсознательно, что может все измениться, и вы станете всемирно признанным мастером, и вам будут рукоплескать лучшие залы?..
- Знаете, если бы у меня не было надежды, я бы, наверно, эмигрировал из России. Но у меня была не только надежда – у меня была уверенность в том, что в один прекрасный момент все как-то благополучно изменится, и я получу возможность свободно сочинять. Если бы не было этой веры, то не было бы и театра.
- Не возникает ли у вас ощущения, что Борис Эйфман – это своего рода брэнд, раскрученное имя? Не думаете ли вы, что часть публики идет на ваши спектакли не потому, что их глубоко интересует балет, а потому, что это стало модно, престижно – ходить на спектакли Эйфмана?
- Конечно, нет дыма без огня. Часть публики, которая далека от балета, идет на спектакль потому, что это и модно, и престижно. Но как возникла эта мода? Имидж нашего театра создался благодаря “сарафановому радио”, когда люди передавали информацию из уст в уста. На протяжении предшествующих приездов в Чикаго мы постепенно обретали ту популярность, тот живой интерес и восторг публики, который создал потребность людей посетить наши спектакли. Это - живое признание народа. Это дорогого стоит. Это замечательно.
- Борис Яковлевич, балетный критик Анна Кисельгоф из “Нью-Йорк таймс” назвала вас балетмейстером номер один в мире. Вы чувствуете колоссальную ответственность перед зрителем? Ведь от вас каждый раз ждут нового шедевра.
- В чем вы абсолютно правы – это ответственность. Всякий раз, создавая новый спектакль, я думаю о том, чтобы не разочаровать моего зрителя, а вновь и вновь очаровать его. Моя жизнь – короткие передышки в моменты успеха и длинные погружения в бездну страдания, самопожертвования во имя того, чтобы создать то, что должно снова соединить нас со зрителем в счастливом мгновении катарсиса.

Чикаго станет первой остановкой Санкт-Петербургского балета в его новом американском турне в апреле-мае 2011 года. В спектакле “Дон Кихот” участвуют ведущие солисты балета Бориса Эйфмана:
Больной, он же Дон Кихот - Сергей Волобуев, Олег Марков, Юрий Кекало;Китри - Нина Змиевец, Лина Чо, Злата Ялинич;Базиль - Олег Габышев, Алексей Турко, Николай Радюш;Гамаш, богатый дворянин - Илья Осипов, Дмитрий Фишер, Игорь Поляков;
Больной, он же Санчо Панса - Сергей Зимин, Сергей Барабанов, Лоренцо;отец Китри - Игорь Поляков, Александр Иванов, Сергей Бисеров;Доктор, она же Дульсинея - Анастасия Ситникова, Елена Кузьмина, Наталья Поворознюк.

21 апреля, 7.30 pm; 23 апреля, 2.00 и 8.00 pm. The Auditorium Theatre of Roosevelt University, 50 East Congress Parkway, Chicago, IL 60605. Заказ билетов по телефону 800-982-2787 или на сайте www.ticketmaster.com/auditorium.

“Spring Awakening”

Относительно новый бродвейский мюзикл “Весеннее пробуждение” музыканта и композитора Дункана Шейка и поэта Стивена Сатера ожидает нас только одну неделю в мае. Действие мюзикла происходит в Германии в конце XIX века. В центре сюжета – взросление юной и прекрасной девушки Уэндлы. Первая любовь, обретение себя, познание мира, непонимание родителей, стремление жить самостоятельно... – согласитесь, эти вопросы звучат актуально для любой эпохи и любой страны.
Премьера мюзикла состоялась в 2006 году и стала настоящим “весенним пробуждением” для премии “Тони”. Мюзикл получил целых восемь, в том числе – главный приз за лучший мюзикл года, а журнал “Entertainment Weekly” назвал историю, разворачивающуюся на сцене, лучшим сюжетом десятилетия.

3-8 мая, Ford Center for the Performing Arts, Oriental Theatre, 24 W. Randolph Street, Chicago, IL 60601, справки и заказ билетов по телефону 800-775-2000. Используя код “BELIEVE”, можно получить скидку на сайте www.ticketmaster.com. Групповые скидки (15+) – по телефону 312-977-1710. Подробная информация – на сайте www.BroadwayInChicago.com.

"Венецианский купец"

Второй раз за десять лет кампания “Broadway in Chicago” представляет не мюзикл, а серьезный драматический спектакль. После инсценировки пьесы Эдварда Олби “Кто боится Вирджинии Вульф?” с Кэтлин Тернер в роли Марты приходит черед Шекспира. В эти дни на сцене Bank of America Theatre можно посмотреть спектакль нью-йоркского Театра юного зрителя “Венецианский купец” ("The Merchant of Venice") с выдающимся американским театральным актером Мюрреем Абрахамом в главной роли. Театральный критик Анна Шульгат писала об игре актера так: “Он не играет Шейлока – он и есть Шейлок, причем в том самом, пушкинском, понимании. Он и скуп, и чадолюбив одновременно, – уходя из дому, нежно прощается с дочерью, но все не решается передать ей ключи от хозяйства. В голосе, в походке, в жестах рук – и “страх иудейский”, и еврейская самонадеянность, в равной степени раздражающие христиан. В то же время он очень умен – недаром критики сравнивают его с Гамлетом. Невозможно забыть взгляд Абрахама – мудрый, яростный, лукавый, страдальческий”. Абрахам, конечно, очень хорош в сложной и противоречивой роли еврея Шейлока, но при этом наибольшее впечатление оставила у меня постановка. Если вы, уважаемые читатели, ожидаете очередного костюмного представления, то будете очень удивлены, увидев строгое оформление сцены и героев в костюмах банковских служащих. На сцене - три ноутбука и три телевизионных экрана над ними. В эпизоде, когда Бассанио просит Шейлока ссудить ему три тысячи дукатов на три месяца, сцена напоминает фондовую биржу; когда женихи Порции должны угадать, в каком ларце находится ее портрет, сцена превращается в казино. Необычное сценическое решение не входит в противоречие с шекспировским текстом, а помогает ему звучать свежо и современно. Постановщик спектакля - американский режиссер югославского происхождения Дарко Трезняк – имеет огромный опыт работы с шекспировскими пьесами. С 2004 по 2009 годы он был артистическим директором шекспировского фестиваля Old Globe.
В спектакле участвуют Том Нелис, Кэт Макклугэдж, Винс Наппо, Мелисса Миллер, Лукас Холл.

15-27 марта, Bank of America Theatre, 18 West Monroe, Chicago, IL 60603, справки и заказ билетов по телефону 800-775-2000. Групповые скидки (15+) – по телефону 312-977-1710. Подробная информация – на сайте www.BroadwayInChicago.com.

Юрий Темирканов. Служение Музыке

Краса и гордость России, старейший российский симфонический оркестр, один из самых блистательных оркестров мира, Заслуженный коллектив России Академический симфонический оркестр Санкт-Петербургской филармонии имени Д.Д.Шостаковича приезжает на гастроли в Чикаго! Единственный концерт оркестра в рамках его нового (седьмого с 1990 года!) американского турне состоится 30 марта 2011 года в Чикагском симфоническом центре. В программе – Пасхальная увертюра Н.А.Римского-Корсакова, Первый концерт Д.Д.Шостаковича для виолончели с оркестром (солистка – Алиса Вайлерштайн), Девятая (“Из Нового света”) симфония А.Дворжака. За дирижерским пультом – главный дирижер оркестра, выдающийся музыкант современности маэстро Юрий Темирканов.
За несколько недель до начала американских гастролей мне посчастливилось побеседовать с Юрием Хатуевичем. Я позвонил ему домой, когда в Санкт-Петербурге был уже поздний вечер. Юрий Хатуевич только что вернулся из филармонии, где он проводил прослушивание на замещение вакантных должностей в оркестре. Наша беседа началась неожиданно. Юрий Хатуевич сказал о большой ответственности, которую оркестр всегда чувствует, выступая в Чикаго.
- В Чикаго очень подготовленная публика, потому что Чикагский симфонический оркестр – один из самых великих оркестров мира.
- Поэтому ваши выступления привлекают такое внимание. Меломаны сравнивают оркестры.
- В Америке есть много городов с великими оркестрами. Так уж исторически сложилось. Филадельфия, Чикаго, Бостон, Кливленд, Нью-Йорк, Лос-Анджелес... Звук этих оркестров просто потрясающий. По крайней мере, всегда так было. Я давно не был в Америке, но думаю, так и осталось.
- Со времен Райнера и Шолти говорят об особом “чикагском” звуке Чикагского симфонического оркестра. А в чем отличительная особенность вашего оркестра? Как бы вы определили звук оркестра Санкт-Петербургской филармонии, если, вообще, звук можно определить словами?
- Трудно выразить это словами. Я думаю, что мы сумели сохранить лучшие качества, которые были до нас в этом оркестре. У оркестра есть свое лицо – это главное.
- Вы возглавляете оркестр Санкт-Петербургской филармонии более двадцати лет. Можно ли сказать, что взаимоотношения с оркестром строятся у вас по принципу “оркестр-дом”?
- В общем, это так и есть. По крайней мере, я всегда стремился к тому, чтобы оркестр для всех музыкантов и для меня был домом, храмом, куда мы приходим не работать, а служить. В последние годы все в мире стало таким материальным, что удерживать это очень сложно. Но надеюсь, что у нас пока получается.
- В какой форме сегодня находится оркестр?
- Вот вы послушаете, а потом мне скажете.
- Хорошо. В один из ваших прошлых приездов в Чикаго я беседовал с концертмейстером оркестра Львом Клычковым. Говоря о вас, Лев Леонидович сказал: “Темирканов – абсолютный хозяин, царь и Бог оркестра. Его мнение воспринимается, как это и должно восприниматься, как единственное правильное мнение. Иначе результата не будет”. В этой связи у меня к вам такой, возможно, риторический вопрос. Возможна ли демократия в оркестре?
- Я считаю, что руководитель любого творческого коллектива должен быть первым среди равных. Это включает в себя и диктаторство, и демократизм.
- Вы советуетесь с музыкантами по поводу репертуара, или это ваш выбор?
- В принципе, это мой выбор.

В программе чикагского выступления оркестра Санкт-Петербургской филармонии - Первый виолончельный концерт Шостаковича. Он требует от солиста огромного мастерства - ведь Дмитрий Дмитриевич писал это сочинение специально для Мстислава Ростроповича. Шостакович посвятил ему этот Концерт, и Мстислав Леопольдович стал его первым исполнителем. Ростропович рассказывал мне, как летом 1959 года он получил открытку от Шостаковича со следующими словами: “Слава, я закончил Концерт и мечтаю, чтобы вы его сыграли”. 2 августа композитор передал ноты Ростроповичу. Мстислав Леопольдович трудился над партитурой “своего Самого Большого Друга” всего четыре дня, но как! Первые два дня он занимался по десять часов, следующие два дня – по восемь часов в сутки. Уже 6 августа Мстислав Леопольдович играл Шостаковичу его концерт наизусть три раза подряд! Премьера Концерта состоялась в Ленинграде и прошла с феноменальным успехом. За дирижерским пультом ЗКР стоял Евгений Мравинский. А уже через два месяца – в конце октября 1959 года - состоялась американская премьера Концерта в исполнении Филадельфийского симфонического оркестра под управлением Юджина Орманди. Солировал Мстислав Ростропович. В рамках нынешнего американского турне в Первом виолончельном концерте солирует молодая талантливая виолончелистка Алиса Вайлерштайн.

- Юрий Хатуевич, вы часто музицировали вместе с Мстиславом Леопольдовичем Ростроповичем. Что вам вспоминается сегодня об этом человеке?
- О нем можно говорить бесконечно. Ростропович был не только гениальным музыкантом. Он был еще гениальной личностью, гениальным человеком. Сегодня нам всем его не хватает.
- Есть ли в сегодняшнем музыкальном мире личность, равновеликая личности Ростроповича?
- Я думаю, нет. Есть замечательные, потрясающие музыканты, но место Ростроповича останется за ним навсегда. Ниша, которую он занимал в мире музыки и в мире вообще, уникальна. Его никто заменить не может.
- У вас огромный опыт работы с симфоническими оркестрами Европы и Америки. Что хорошего из этого опыта вы переняли для себя, а что оставили в тех оркестрах?
- Отношение к работе на Западе гораздо ответственнее, чем в России. Это относится не только к музыке, но в сфере музыки это особенно чувствительно. Из негативного опыта – но это, наверно, нельзя говорить в Америке – слишком большое вмешательство профсоюзов в творческую часть. Конечно, замечательно, что есть профсоюзы, есть люди, защищающие права музыкантов. У нас такого нет. Но только не надо в этом переходить границы.
- Несколько лет назад вы провозгласили смерть оперы. За это время ваша точка зрения не изменилась? Опера по-прежнему обречена?
- Я, наверно, высказался слишком прямолинейно, но с оперой вытворяют сегодня черт знает что. Оперу, как жанр, губит то, что с ней делают оперные режиссеры. От незнания жанра режиссура стала главным явлением в опере, хотя изначально должно быть наоборот. Командовать в опере должен дирижер.
- Что можно противопоставить режиссерскому своеволию?
- Вернуть все на круги своя. В оперной постановке главным должен быть оперный дирижер. Это так же естественно, как и то, что певец, поющий с оркестром, является главным. Дирижер рассказывает, что написал композитор, а режиссер противоречит тому, что написал композитор. Вы заметили, что стало исчезать само понятие “музыкальная драматургия”? Ее заменила драматургия режиссуры, искусственно навязанная этому жанру. Поэтому опера находится в критическом положении.
- С этим связан ваш уход из Большого театра несколько лет назад?
- Да.
- Получается, вы бросили оперу?
- Не совсем. Я согласился руководить Международным оперным фестивалем в Парме. Этот фестиваль посвящен наступающему в 2013 году двухсотлетнему юбилею со дня рождения Джузеппе Верди. Участвовать в фестивале, проходящем в городе, где родился и жил Верди, где проходили премьеры его многих опер, российскому дирижеру очень приятно.
- Про одного дирижера можно сказать, что он – ярко выраженный симфонический дирижер, про другого – что он является специалистом в оперном дирижировании. Уникальность вашего опыта состоит в том, что вы успешно дирижируете как оперой, так и симфонической музыкой. Где вам интереснее: в оперном театре или в концертном зале с оркестром?
- Из всех музыкальных жанров высшим проявлением музыки я считаю музыку симфоническую. Поэтому мне интересней всего работать с симфоническим оркестром. Особенно сегодня. В последние годы я стал меньше ездить. Мне кажется, что дирижеру всегда приятнее работать с оркестром, который он знает лучше всех и который знает его лучше всех. Такая работа гораздо результативнее. Поэтому я предпочитаю больше работать со своим оркестром, чем с великими, но другими.
- Вы занимаетесь педагогической деятельностью?
- К счастью, нет.
- Почему к счастью? А кто же придет вам на смену? Не хотите передавать секреты мастерства?
- Появляются новые дирижеры. И без моей помощи появляются. (Смеется.)
- Юрий Хатуевич, как вам живется сегодня? Что вас радует, что печалит?
- Самое большое счастье – то, что я дожил до крушения коммунизма. Во всех смыслах сейчас лучше, чем при застое, хотя, конечно, сложности есть. Они неизбежны.
- Вы согласны с теми, кто говорит, что на смену власти коммунизма пришла власть денег?
- Согласен абсолютно.
- Вы чувствуете эту власть по вашему оркестру?
- С несколькими оркестрами, в том числе и с нашим, дела обстоят относительно благополучно, однако общее положение музыканта в стране незавидно. Но так было всегда, во всех странах. Когда в государстве проблемы, страдает всегда культура. Государствами руководят люди, которые относятся к культуре потребительски... Сейчас и в России, и в Америке растет довольно бездуховное поколение. Это опасно, но так распоряжается время. Вырастает поколение, которое не читает книг, не знает живописи... Культура сейчас не заботит общество. И не только у нас. Это опасно.
- Что могут сделать деятели культуры, чтобы сломать такой подход, если, вообще, возможно сломать его?
- (Задумчиво.) Бог его знает... Надо стараться сделать так, чтобы люди понимали, что общество, у которого не развивается культура, не добьется высоких успехов ни в промышленности, ни в сельском хозяйстве, ни в чем. Когда общество дичает, страна деградирует. Это относится не только к музыке – к литературе, живописи, вообще, к культуре. Сейчас засилье массовой культуры. Она зря называется культурой. Это подмена настоящей культуры. Такая культура не поднимает человека над обыденностью, а будит в нем самые древние инстинкты. Это к настоящей культуре не имеет никакого отношения. Противостоять этому – наша задача.
- Но в зале Санкт-Петербургской филармонии каждый день по-прежнему аншлаг?
- Сейчас время тяжелое. Надо бороться за слушателя.
- Как вы называете свой город: Санкт-Петербург или Ленинград?
- Вместе с Собчаком я участвовал в переименовании этого города. Для меня такого вопроса не существует. Власть приходит и уходит, а Петербург остается.
- Как живет сегодня любимый город?
- Все лучше и лучше. Эпоха коммунизма нанесла не только образу, но и душе Петербурга такую рану, которую за двадцать лет зарубцевать довольно сложно. Это надо понимать. Но все-таки движение есть.
- Я знаю, что вы книгочей. Что сегодня лежит на письменном столе Юрия Темирканова?
- Я читаю книгу английского журналиста Мартина Сиксмита “Путин и ЮКОС”. У нас ее перевели, и это говорит о многом. По этому делу у меня есть свое мнение...
- Если не секрет, может быть, выскажете его?
- Это длинный разговор, не по телефону. Приеду – расскажу.

Подробно о жизни и творчестве маэстро Юрия Темирканова я расскажу 23 марта в 1.00-2.00 pm в эфире “Ланчтайм радио” на волне 1590 AM в специальной программе “Приезду прославленного оркестра посвящается”. Программу можно слушать в прямом эфире в Интернете на сайте http://www.1590wcgo.com/.

Nota bene! Концерт Симфонического оркестра Санкт-Петербургской филармонии состоится 30 марта 2011 года в 8.00 pm в Чикагском симфоническом центре по адресу: 220 S.Michigan Ave, Chicago, IL 60604. Билеты можно заказать по телефону (312) 294-3000 или зарезервировать на сайте Симфонического центра http://www.eurochicago.com/sites/dd.html.

PS.
Выражаю благодарность пресс-службе Чикагского симфонического оркестра и ассистентке Ю.Темирканова Марине Стокс за помощь в организации интервью.

Белорусский Свободный театр: жизнь на фоне политики

...Все началось с тайного выезда Белорусского Свободного театра в Нью-Йорк. Труппа разбилась на несколько групп, каждая из которых добиралась до США отдельно. Вот что рассказывает художественный руководитель фестиваля “Under the Radar” Марк Расселл:
- Нам пришлось поменять актерам авиабилеты. Первоначально они должны были вылетать из Минска, но это было слишком опасно. Члены труппы скрывались, выбирались из страны автобусами, попутными грузовиками, на такси. К счастью, всем удалось покинуть Беларусь. Актеры прибыли в Нью-Йорк тремя отдельными группами, последняя - за день до премьеры.
Решение разбиться на группы и не лететь в США из Минска оказалось правильным. 3 января 2011 года в аэропорту Минск-2 актеров ждали люди из КГБ...
После триумфальных гастролей Белорусского Свободного театра на фестивале “Under the Radar” в театре La Mama спектакль “Быть Гарольдом Пинтером” был сыгран еще один раз, 17 января, на главной сцене одного из лучших нью-йоркских театров Public Theater. После спектакля состоялась встреча Свободного театра с американской театральной элитой. Среди звезд театра и кино были “оскароносцы” Филипп Сеймур Хоффман, Кевин Кляйн и Олимпия Дукакис, актеры Мэнди Патинкин, Джош Гамильтон, Линда Эмонд, Стефен Спинелла, музыканты Лу Рид, Лори Андерсон. Именно в тот день присутствовавшие на встрече главный режиссер чикагского Goodman Theatre Роберт Фоллс и исполнительный директор Рак Шулфер предложили театру продлить свое пребывание в Америке и впервые приехать на гастроли в Чикаго.
В Чикаго Свободный театр показал спектакль “Быть Гарольдом Пинтером” – композицию из шести пьес английского драматурга и фрагментов из его Нобелевской речи. Мне доводилось уже писать об этом замечательном спектакле, сделанном в стилистике актуального, постдраматического театра. В таком театре действуют другие законы, в нем деконструкция текста происходит на фоне обнажения формы, время замкнуто в пространстве, на сцене царит абсолютный минимализм. Четыре стула, четыре яблока, миска, трость... В таком театре автор ведет диалог со своими персонажами: он удивляется их поведению, ругает их, пытается понять. Такой театр непривычен, найденные метафоры раздражают и действуют на уровне эмоционального шока.
В день открытия гастролей директор театра Наталья Коляда выступала в Вашингтоне на слушаниях в Комитете по международным отношениям Сената США. Ее речь называлась: “Репрессии в Беларуси: ответ режиму Лукашенко”. Свободный театр не рассматривает себя как театр политический, но репрессии власти вынуждают его быть в оппозиции существующему режиму. Поэтому, к сожалению, говорить об этом театре вне связи с происходящими сегодня событиями в Беларуси невозможно. При этом неправильно было бы сводить все к политической составляющей - в спектакле есть абсолютно бытовые сцены взаимоотношений близких людей. “Быть Гарольдом Пинтером” - спектакль о разных формах насилия: от насилии внутри семьи до насилия государства над личностью.
“Почему ваш театр постоянно ставят в определенную политическую нишу?” – с таким вопросом я обратился к руководителям Белорусского Свободного театра Николаю Халезину и Наталье Коляде.
- Потому что людям, не очень разбирающимся в театре, удобно все называть одним словом. Спектакль о суициде “Психоз” не разрешили в Купаловском театре. Спектакль “Техника дыхания в безвоздушном пространстве” рассказывает про девочку, которая умирает в хосписе. Свободный театр открылся этими двумя пьесами. Какая здесь политика? Власть испугал не материал. Их испугало появление театральной структуры, которая никак не контактирует с государством. На самом деле ни к какому политическому театру мы не относимся, никаких политических идей – левых или правых – мы не декларируем. Дело в том, что если ты находишься в напряженно политической среде, то что бы ты ни делал, тебя будут воспринимать сквозь призму политики. Ты можешь плести красивые кружева, и в случае, если ты высказываешь свою гражданскую позицию, о них будут говорить, как о политических кружевах. Мы скорее политически активный театр или театр, активно влияющий на политику. Главный герой нашего театра – человек. Просто в нашем политизированном обществе нельзя быть вне политики, как нельзя быть вне экономики, вне спорта. Вы выбираете свои правительства, своих президентов, вас дубасят палками... – каким образом это находится вне политики? Один из пунктов, которыми славен Свободный театр, - эксклюзивный материал, и в этом материале всегда есть некое обобщение. В финале спектакля “Постигая любовь” (пьеса Николая Халезина о трагической истории любви Ирины и Анатолия Красовских. Кандидат философских наук, предприниматель Анатолий Красовский был похищен 16 сентября 1999 года в Минске по личному распоряжению Лукашенко. – Прим. автора.) возникает история Ежи Попелюшко – знаменитого польского священника, убитого сотрудниками Службы безопасности МВД Польши. Частная история Иры Красовской становится вдруг историей мировой. В пьесе “Поколение Jeans” из локальной белорусской ситуации вдруг появлялся Ян Палах (16 января 1969 года студент Карлова университета в Праге Ян Палах совершил самосожжение на Вацлавской площади в знак протеста против ввода советских войск в Чехословакию. – Прим. автора.). В случае со спектаклем “Быть Гарольдом Пинтером” за счет белорусских писем ситуация интровертируется. Это схема, которую мы разработали и закрепили. Трансформация домашнего насилия через политический и государственный прессинг к насилию государства над личностью и к насилию в Беларуси происходит на базовом человеческом материале. “Быть Гарольдом Пинтером” - спектакль не политический, а общечеловеческий.
А вот что говорит о репертуарной политике театра режиссер Владимир Щербань:
- Политический театр – это всего лишь формулировка. Есть темы, которые сегодня существуют в обществе, и мы их озвучиваем. Что же делать, если политика в нашей стране доминирует? В Советском Союзе театральным деятелям была внушена мысль, что политика – грязное дело, туда лезть не надо. Это делалось совершенно сознательно, отводя театру духовно-нравственную функцию. А наш театр с гражданской позицией, наш театр приучает зрителя к гражданскому высказыванию. Я считаю, что в обществе назрела необходимость в таком театре. С аудиторией надо говорить на важные, волнующие ее темы. Мы не можем не говорить о главном. Тогда приходится врать и лицемерить. Жизнь пропитана политикой, но это не проблема театра – это проблема общества. Как театр социальной направленности, мы не стыдимся изучать самые примитивные (если можно так говорить) наклонности человека. Когда только мы начинали создавать театр, мы наметили табуированные в Беларуси темы. Таких тем мы насчитали около шестнадцати, и нам казалось, что они актуальны только для нас. Потом мы начали работать в Европе и поняли, что там не меньше темных зон. Точно так же в Америке. Американские “зоны молчания” несопоставимы с белорусскими, поскольку у нас конфликт очевиден. Но здесь есть свои проблемы. Внутри свободы много несвободы. Это мне стало ясно из работы в Лос-Анджелесе со студентами... В любом обществе, даже самом прогрессивном, есть теневые зоны, о которых не очень принято и не очень хочется говорить. Социальный театр всегда найдет почву для спектаклей.
Для Свободного театра несомненен приоритет современной драматургии. Владимир Щербань убежден:
- Драматургия - тот слепок реальности, который останется после нас. Я надеюсь, театр XXI века станет развиваться по двум направлениям. С одной стороны - шоу и голливудизация, которые демонстрируют Бродвей и Голливуд. С другой стороны, театр - место общения между людьми, место коллективного проживания. Актуальный театр рассматривает человека под линзой, и если Бродвей занимается какими-то сказочными историями, то актуальный театр занимается “антиисторией”, исследуя не героя, а человека.
Интересна история взаимоотношений Свободного театра с Гарольдом Пинтером. Первый раз в Англии Свободный театр играл спектакль “Быть Гарольдом Пинтером” в университете города Лидс, где Пинтеру вручали мантию Почетного доктора. Драматург не смог присутствовать на спектакле. Он пришел на общественную дискуссию, сфотографировался с актерами, и на этом первая встреча закончилась. Второй раз театр играл этот спектакль в Лондоне в рамках знаменитого тура 2008 года. Именно тогда газета “Guardian” поставила спектаклю пять звездочек и признала Свободный театр открытием Лондонского театрального сезона. На финальном спектакле вместе с Томом Стоппардом и Марком Равенхиллом в зале сидел Гарольд Пинтер. В том спектакле участвовали блестящие английские актеры Ким Катрелл и Алан Рикман. Николай Халезин рассказывает:
- Это был последний спектакль, на котором присутствовал Пинтер. Он тяжело болел и не выходил из дома. Его жена Антония Фрэйзер плакала весь спектакль. Она видела глаза Пинтера на сцене, видела в Олеге Сидорчике Пинтера и понимала, что сидящий рядом великий драматург, которого она любит до безумия, угасает. Это был невероятный по напряжению спектакль, где перемешались наши эмоции с эмоциями Пинтеров. После окончания спектакля к Пинтеру смогла подбежать журналистка из газеты “Observer” и спросила, что он думает о спектакле. Пинтер сказал: “Я горд тем, что Свободный театр сделал этот спектакль. Я считаю, что белорусские актеры возвращают театру свое предназначение”. Учитывая, что мы тогда существовали всего три года, для нас это был невероятный аванс, который мы должны оправдывать всю жизнь.
На торжественном открытии гастролей в Чикаго руководитель театра Николай Халезин обратился к театральной общественности с призывом: “Отнеситесь критично к тому, что вы увидите. Да, мы – герои, мы это не скрываем. Но это не имеет никакого отношения к искусству. Давайте подождем с аплодисментами до окончания спектакля. И если у вас останется желание аплодировать, мы будем счастливы”. Желание аплодировать осталось, гастроли театра прошли в Чикаго с огромным успехом. Спектакль “Быть Гарольдом Пинтером” был сыгран на трех площадках (Goodman Theatre, Northwestern University, Shakespeare Theatre) четырнадцать раз – невероятный случай не только для неанглоязычного театра, но и вообще для любой труппы, гастролирующей в городе! Реакция публики была разной: то эмоционально-чувственной, то сдержанной; иногда смех раздавался с первой минуты, иногда актерам приходилось бороться за зрителя. О реакции зала я попросил рассказать ведущего актера театра Олега Сидорчика:
- Я чувствую, что этот материал интересен сегодняшнему американскому зрителю. Нас нигде так не принимали, как в Чикаго, особенно в Goodman Theatre. Зрители замечали даже тонкие вещи, на которые мы уже не реагируем. Первая часть спектакля – сплошной смех, ближе к финалу – гробовая тишина.
- Тебя не раздражал смех в начале спектакля? Когда актеры выбрасывают в зал руки с кровавыми пятнами, в зале смеются. Что тут смешного?
- Это американская и европейская реакция. Когда Паша (Павел Городницкий) льет мне краску на лоб, это всегда вызывает смех в зале. Почему? Может быть, потому, что люди пришли в театр и понимают, что не будет никакой крови. Этот смех сродни смеху умиления. Вот так решил режиссер. Класс! Как это здорово! В этом эпизоде зрители увидели первую театральную условность, в этом эпизоде задается театральный язык. Зритель понимает, что его не держат за дурака, что его не будут обманывать с кровью. Никто никого обманывать не собирается! Идет честный и искренний разговор со зрителем. Зрители все прекрасно видят: тампоны, как покрашенная марля, у женщины, которую насиловали, огонь проносится рядом, давится яблоко, а не человеческие головы под гусеницами танков. Зрители все видят и погружаются в проблемы. Значит, метафоры работают!
Месячные гастроли завершились спектаклем в Шекспировском театре с участием известных чикагских актеров театра и кино. В конце спектакля, в сцене, когда актеры Белорусского Свободного театра зачитывают письма заключенных из белорусских тюрем, вместо них это сделали чикагские актеры Джон Махони, Мэри Бет Фишер (она играла Аркадину в “Чайке” Роберта Фоллса), Карен Олдридж, Филипп Джеймс Брэннон, Джозеф Энтони Форонда, Стивен Луис Груш, Ора Джонс, Сандра Маркес, Эдвард Торрес.
Четырнадцать переполненных залов, стоячая овация после каждого спектакля, высшие оценки критики в самых престижных чикагских газетах, включая “Chicago Tribune” и “Chicago Sun-Times”... Подобно знаменитому туру по Англии 2008 года, в начале 2011 года белорусский театр взорвал театральную общественность Чикаго, и, как сказал художественный руководитель Goodman Theatre Роберт Фоллс, “это только начало любовного романа”.
Последний спектакль в Чикаго стал девяносто девятым “Пинтером” Свободного театра! Юбилейный, сотый спектакль “Быть Гарольдом Пинтером” театр сыграет в Гонконге на Международном театральном фестивале. В начале апреля труппа возвращается в Америку. В рамках нового американского турне запланирована остановка в Чикаго. Надеюсь, в будущем мы увидим еще не одну постановку этого замечательного коллектива.
Во время гастролей мне удалось пообщаться с труппой Белорусского Свободного театра: талантливыми, профессиональными, свободными людьми! Мы провели вместе месяц, полный удивительных встреч, разговоров, поездок. Во время своих интервью я старался не повторяться в вопросах. Одинаковым был только вопрос: “Что для вас сегодня Свободный театр?” Суммируя ответы, можно сказать, что для актеров и режиссера Свободный театр – это по-настоящему творческое место, где можно искать и экспериментировать. В Свободном театре нет предела поиска. В Свободном театре понимают и доверяют актерам. В Свободном театре не боятся затрагивать самые болезненные темы современного общества.
В моем цикле “Творческие портреты” я собираюсь подробно рассказать о руководителях Свободного театра Николае Халезине и Наталье Коляде, режиссере Владимире Щербане, актерах Яне Русакевич, Марине Юревич, Олеге Сидорчике, Ирине Ярошкевич, Денисе Тарасенко, Павле Городницком. Полностью эти статьи будут опубликованы на сайте http://www.sergeyelkin.com/. Поверьте, вас ждет много интересного! А пока скажем спасибо Свободному театру и будем ждать новых встреч!

Игорь Голяк: “Мы делаем то, что нам интересно”

В 2009 году в Бостоне открылся Русский театр “Арлекин”. За полтора года театру удалось многое: он получил шесть призов на трех международных театральных фестивалях, гастролировал в нескольких штатах, Нью-Йорке и Львове. 20 февраля спектакль театра “Арлекин” “Шутки Антоши Чехонте” впервые увидят зрители Чикаго. О магии театра и “другом” Чехове, учебе в Москве и уроках мастеров, о классике, современной драматургии и многом другом я говорю с руководителем театра “Арлекин”, актером и режиссером Игорем Голяком.

- Что такое магия театра?
- Магия театра – это взаимосвязь, существующая между зрительным залом и сценой, и сердца, бьющиеся в унисон.
- Вы чувствуете, когда это происходит?
- Каждый раз к нам приходит другой зритель, и мы с ним делимся нашими мыслями. Счастье, когда случается почувствовать общее дыхание. Вот тогда получается магия театра.
- С чего началась ваша любовь к театру?
- Мои родители не связаны с театром. Они шутят, что в медовый месяц много общались с актерами, и, видимо, это общение как-то повлияло на меня. Я родился в Киеве. Первые театральные впечатления связаны с походами с папой в кукольный театр. На сцене я видел сказку и так хотел в нее верить!.. В десять лет приехал с родителями в Бостон. Жил обычной жизнью, ходил в школу, а потом увлекся театром. Начал ходить в драмкружок. Педагог Нижегородского театрального института Людмила Старобинец рассказывала нам о русском театре, традициях Станиславского... Я этим увлекся и загорелся идеей постигать русский театр. Я узнал, что в пригороде Бостона Кембридже существует летняя театральная школа Станиславского. Курс актерского мастерства там преподавали педагоги Щукинского театрального училища и Школы-студии МХТ. Среди них были Олег Павлович Табаков, Алла Борисовна Покровская, Анатолий Миронович Смелянский, Андрей Борисович Дрознин. Я проучился в этой Школе шесть недель и решил продолжать обучение... в Москве. Попробовал поступить в Школу-студию МХТ – не прошел. А в “Щуку” прошел.
- Вы помните реакцию ваших родителей, когда вы объявили, что уезжаете в Москву?
- Такое не забывается! (Смеется.) Об этой реакции говорили и по-прежнему говорят в Бостоне. “Не тот ли вы мальчик, который когда-то уехал из Бостона? Нам о вас рассказывали...” Не только у родителей - шок был у эмигрантского Бостона!.. Теперь они видят результаты моих трудов.

Игорь Голяк получил блестящее театральное образование: четыре года актерского факультета Щукинского театрального училища по классу Марины Пантелеевой, два года аспирантуры на режиссерском факультете РАТИ на курсе Сергея Женовача, работа в театре Марка Розовского “У Никитских ворот”.

- Что вам вспоминается о годах учебы?
- Бессонные ночи, ночные репетиции, показы, просмотры... Это было счастливое время. Все бурлило, кипело и плавилось! Я не участвовал в политике, не видел московской жизни - жил только театром, занимался только театром, театру было подчинено все!
- Как вы попали в театр “У Никитских ворот”?
- Когда я учился на курсе Сергея Женовача, мы с однокурсницей решили показаться Марку Розовскому, и он меня взял в театр... РАТИ расположен за Никитскими воротами, театр в двух шагах. Очень удобно. Два года я учился в аспирантуре у Сергея Васильевича и работал в театре у Марка Григорьевича. Я играл и играл достаточно много. Я очень многому научился у Розовского.
- Какой дипломный спектакль вы ставили у Женовача?
- “Записки из подполья” по Достоевскому.
- Скажите, на что рассчитывает русский актер и режиссер Игорь Голяк, уезжая из театральной столицы мира в театральную провинцию? Бостон – наверно, замечательный город для всего, кроме русского искусства. Какие планы были у вас? Была какая-то цель, или отъезд был спонтанным решением?
- Никаких особых целей не было. В тот момент я женился, у нас родился ребенок, и наш отъезд никак не был связан с театром – он был связан с нашей дальнейшей семейной жизнью. Я не думал о карьере – я думал о своей семье. Мы вернулись в Бостон в 2004 году, когда ребенку исполнилось два месяца.
- Вы увезли в Бостон не только уроки мастеров, но и жену-актрису. Вы вместе учились?
- Мы учились на двух параллельных курсах Шукинского училища. Моя будущая жена Алана Кумалагова училась у актера театра Сатиры и выдающегося педагога Юрия Михайловича Авшарова. Она играла в Московском театре “Шалом”, в кино, снималась в таких сериалах, как “Тайный знак” и “Медики”.
- Анатолий Миронович Смелянский сказал, что отговаривал вас от профессии актера. Интересно, что вы ему тогда отвечали?
- В русской театральной традиции принято, что педагоги вначале отговаривают будущих студентов. Считается, что если студент пробивается сквозь эти отговорки, он действительно готов заниматься тяжелым актерским трудом. Если студента можно отговорить, значит, ему не надо становиться актером. И мой педагог в летней театральной школе Анатолий Миронович Смелянский именно так меня и отговаривал. Но я был непреклонен! (Смеется.)
Выдающийся театровед, ректор Школы-студии МХТ Анатолий Смелянский помнит своего ученика Игоря Голяка. В свой последний приезд в Бостон Анатолий Миронович был в числе зрителей спектакля “Театр Антоши Чехонте”. Я попросил его сказать несколько слов о театре “Арлекин” и его руководителе.
- Театр “Арлекин” – одна из попыток создания театральной труппы в эмиграции. Спектакль “Шутки Антоши Чехонте” обнадеживает. Приятно было видеть переполненный зрительный зал. Видимо, зрителям это надо! Им хочется смотреть Чехова!.. Создавать театр в эмигрантской среде в тысячу раз труднее, чем делать это в Москве. Это бывает не просто трудно – непреодолимо трудно... Руководитель театра Игорь Голяк – романтик. Он - абсолютный фанатик своего дела, живет и дышит театром. Игорь закончил Щукинское училище, учился в летней школе Станиславского. Там много лет назад я впервые увидел его. Его жена Алана Кумалагова – очень способная актриса. Я давно с ними сотрудничаю, вижу, как они развиваются... Я считаю, что театру “Арлекин” надо создать свой репертуар, продумать, что может быть интересно публике. Важно, на какой стандарт он будет ориентироваться: на стандарт развлечения или на стандарт серьезного русского театра. Пока, мне кажется, он ориентируется не на дешевку. Дай ему Бог!

А вот что рассказывает о создании театра Игорь Голяк:
- Моя жена уже два с половиной года ведет детские театральные классы, а полтора года назад мои друзья уговорили меня открыть Школу актерского мастерства. Я долго сопротивлялся, потому что не видел в этом никакого смысла, но потом сдался. Набрался курс из одиннадцати человек. Мы провели первый семестр, потом второй, играли инсценировки рассказов Чехова “Размазня” и “Злоумышленник”, одноактную пьесу “Медведь”. Спектакль “Шутки Антоши Чехонте” частично делался по принципу дипломного спектакля, на основе трех отрывков, по которым мы учились слышать, видеть и понимать друг друга. Спектакль родился из наших опытов, этюдов, поисков, попыток понять автора.
- Вы по-прежнему преподаете?
- Да, в сентябре 2010 года я набрал второй курс. Студентам нелегко, требования у меня высокие. Такие же, как в театральных вузах. Студенты занимаются по программе Щукинского театрального училища. Они стараются, работают, в какой-то момент готовы все бросить, через минуту - заниматься всю жизнь только этим... В этом году я стал преподавать по-английски, потому что в Школе появились американцы, видевшие нашу постановку на американском фестивале.

В начале 2010 года театр “Арлекин” участвовал в 56-м ежегодном театральном фестивале EMACT DRAMA FESTIVAL в штате Массачусетс. Театр показал инсценировку по пьесе Чехова “Медведь” – впоследствии она вошла в спектакль “Шутки Антоши Чехонте”. Впервые в фестивале участвовал спектакль на русском языке, и не просто участвовал, а победил во всех основных номинациях! “Медведь” был признан лучшим спектаклем фестиваля, премии за лучшее исполнение женской и мужской роли достались Алане Кумалаговой и Геннадию Раввину, приз за лучшее исполнение второстепенной мужской роли получил Игорь Голяк. После этого фестиваля театр стал ездить на гастроли в другие города. В августе 2010 года спектакль “Шутки Антоши Чехонте” получил призы международного фестиваля имени Михаила Чехова в городе Риджфилд (Коннектикут), в начале октября с большим успехом был показан на международном театральном фестивале “Золотой лев” во Львове. В марте “Арлекин” представляет штат Массачусетс на региональном театральном фестивале в Новой Англии.
Игорь Голяк рассказывает:
- Мне очень близка формулировка Вахтангова: “Школа-студия-театр”. Театром нас назвать еще сложно, но думаю, что школа и студия у нас есть. Дух студийности и дух сотворчества – это самое главное, что у нас есть, благодаря чему мы дышим. Помимо моей жены и меня в спектакле “Шутки Антоши Чехонте” заняты актеры Эдуард Снитковский, Александр Лившин и Геннадий Раввин. Они замечательно работают. Мне кажется, нашим актерам могут позавидовать многие московские театры.
- Дипломный спектакль у вас был по Достоевскому, театр “Арлекин” открылся Чеховым. Вам классика интереснее современной драматургии?
- По крайней мере, я ее лучше чувствую. В современной драматургии, когда хочешь разглядеть автора, очень быстро находишь потолок, и сразу становится скучно. С Чеховым такой проблемы нет. Говорят, что Чехов занудный, медлительный. Для нас это совершенно не так. Чехов разный: смешной и печальный, ироничный и глубокий, но всегда современный. И нам интересно его разбирать и познавать.
- Театр подразумевает помещение, постоянную труппу, грим, свет, звук...
- У нас есть свое помещение, в котором мы репетируем, а для показа спектаклей снимаем разные залы. Со светом и звуком нам помогает Майк Мактиг. Он – американец, немного понимает по-русски. Майк работает в больших театрах за хорошие деньги, а с нами - бесплатно. Наш гример Елена Калева основала школу грима в Америке. До нее этой школы не существовало. Елена работала на “Мосфильме”, в Голливуде, организовывала факультеты грима в американских университетах. В общем, потихоньку собирается команда увлеченных людей!.. У нас нет никакой миссии, мы не делаем громких фраз и заявлений. Мы не стремимся ничего опровергать и переделывать – мы делаем то, что нам интересно. Нам интересен театр, основанный на серьезной драматургии, а не пьески, которые ставятся для развлечения. Нам не хочется просто развлекать!
- Вы думаете о будущем спектакле?
- Да, скорее всего, это будет постановка по Александру Сергеевичу Пушкину.
- Что вы будете делать, когда вам надоест преподавание, репетиции, спектакли..?
- Я тут же прекращу этим заниматься. Деньги я зарабатываю в другом месте. В нашем театре все делается только по любви. Мой педагог Сергей Женовач говорил: “В театре нет предательства – есть исчерпанные взаимоотношения”. Когда наступает момент “исчерпанности”, нужно закрывать “лавочку”. Я абсолютно спокойно к этому отношусь. Театр нужен, пока у нас есть потребность друг в друге. Как только эта потребность уходит, нет смысла продолжать тянуть телегу. Театр не должен быть рутиной. Театр - место, куда стремишься и летишь... Занятия заканчиваются, а люди стоят, разговаривают, не хотят расходиться...
- Вот это и называется единением душ!
- По крайней мере есть потребность и желание совместного творчества.
- Я желаю вам, чтобы “лавочка” не закрывалась еще очень долго! С нетерпением ждем премьеры спектакля в Чикаго!

Nota bene! Спектакль “Шутки Антоши Чехонте” театра “Арлекин” состоится 20 февраля 2011 года в 7.00 pm в Northbrook Theatre по адресу: 3323 Walters Avenue, Northbrook, IL 60062. Заказ билетов по телефону 847-801-9330.