Традиции и современность Алвина Эйли. Американский театр танца снова в Чикаго

Почти каждый год в начале весны мы встречаем в Чикаго Американский театр танца Алвина Эйли (Alvin Ailey American Dance Theater). Этой традиции в 2019 году исполняется пятьдесят лет! Театр регулярно показывает как старые, так и новые композиции, представляющие прошлое, настоящее и будущее легендарной танцевальной труппы. Не станут исключением и нынешние гастроли. Мы увидим североамериканские премьеры трех балетов, а также легендарные композиции театра. Сначала о премьерах.

На открытии гастролей состоится североамериканская премьера первого двухактного балета в истории театра. Он называется “Lazarus”, создан балетмейстером Рене Харрис по заказу Auditorium Theatre и посвящен жизни и творчеству основателя Театра танца Алвина Эйли. В балете поднимается тема расового неравенства, с которым сталкивалась Америка в год основания театра и продолжает сталкиваться сегодня.

Хореограф Рене Харрис недавно был назван первым в истории артистом-резидентом Театра танца. Его предыдущими работами в компании были композиции “Love Stories” (2004), “Home” (2011), “Exodus” (2015).

Театр танца - первая американская компания, пригласившая в 2018 году знаменитого британского хореографа Уэйна Макгрегора для постановки балета “Kairos”, мировая премьера которого состоялась в 2014 году. Название балета означает, с одной стороны, “самое подходящее время для действий”, а с другой переводится как “погода”. Это - так называемый “синхронный” балет на музыку Макса Рихтера, вернее, его интерпретации “Времен года” Вивальди.

Уэйн Макгрегор - резидент-хореограф Королевского балета Ковент-Гарден, автор композиций для балетной труппы Парижской оперы, Нью-Йоркского городского балета, Нидерландского театра танца и многих других балетных театров мира. В Театре танца Макгрегор дебютировал в 2013 году с балетом “Цвет” (“Chroma”, мировая премьера - 2006 год). Театр привозил этот спектакль в Чикаго, и меня поразило, с какой любовью хореограф показал красоту человеческого тела через отражения света, тени и движения исполнителей. В спектакле звучала оригинальная музыка композитора Джоби Тэлбота и оркестровые аранжировки композиций Джека Уайта из рок-группы “The White Stripes”. Балет, созданный Макгрегором для Королевского балета, был награжден несколькими престижными театральными премиями и с успехом перенесен на сцены многих театров мира, в том числе Большого театра и Ла Скала.

Балет “EN” - дебют в Театре танца нью-йоркского хореографа Джессики Ланг. Это - ансамблевая композиция с оригинальной музыкой живущего в Нью-Йорке польского композитора Якуба Чюпински. Название пьесы имеет несколько значений на японском языке, обозначая круг, судьбу, карму... По словам Ланг, композиция “отражает универсальный опыт полного жизненного цикла. По мере движения мы узнаем людей, которых встречаем на жизненном пути и которые играют определенную роль в нашей судьбе”.

Джессика Ланг создала более ста оригинальных композиций, идущих, в том числе, на сценах Американского балетного театра, Pacific Northwest Ballet, Национального балета Японии. С 2011 года она возглавляет танцевальную компанию Jessica Lang Dance (мы видели эту труппу несколько лет назад на гастролях в Чикаго) и ставит балеты по всему миру. В сезоне 2016-17 годов Ланг поставила танцевальные номера для “Аиды” Дж.Верди - постановки Франчески Замбелло в Опере Сан-Франциско. Говорят, что Ланг - “визуальный художник, чье пространство танцует”. В ее постановках всегда есть яркие элементы дизайна, что трансформирует классический балетный язык и делает его эмоционально привлекательным. На прошлогодних гастролях в Чикаго Американского балетного театра мы видели в хореографии Ланг композицию “Ее записки” (“Her Notes”) на сюиту Фанни Мендельсон - немецкой пианистки и композитора начала XIX века, сестры Феликса Мендельсона.

Муж Джессики Ланг - солист Театра танца Канджи Сегава. Он был ассистентом Джессики на постановке балета “EN”.

На гастролях в Северной Америке мы впервые увидим ретроспективу “Бессмертный Эйли” (“Timeless Ailey”), состоящую из фрагментов лучших балетов, созданных на протяжении всей истории коллектива. Среди них - фрагмент из легендарного балета Эйли “Голубая сюита” (“Blues Suite”), с которого началась история новой труппы. Премьера балета состоялась 30 марта 1958 года в Нью-Йорке.

В программе “Бессмертный Эйли” - фрагмент композиции “Па-де-Дюк” (“Pas de Duke”, 1976), интерпретации Эйли классического па-де-де под музыку Дюка Эллингтона. Композиция создавалась Эйли специально для Джудит Джеймисон (долгие годы она была ведущей солисткой труппы, а потом стала художественным руководителем театра) и Михаила Барышникова. Премьера композиции состоялась в 1976 году в Линкольн-центре в Нью-Йорке в рамках фестиваля “Эйли чествует Эллингтона”.

В программе также - фрагменты из балетов “Потоки” (“Streams”, 1970), “Крик” (“Cry”, 1971), “Месса Мэри Лу” (“Mary Lou’s Mass”, 1971) - совместная работа Эйли с королевой джаза Мэри Лу Уильямс, “Любовные песни” (“Love Songs”, 1972), “Восхождение жаворонка” (“The Lark Ascending”, 1972) на музыку английского композитора Ральф Воан-Уильямс, “Тайные обряды” (“Hidden Rites”, 1973), “Ночное создание” (“Night Creature”, 1974) - наиболее близкое к классическому стилю хореографии произведение Эйли, посвященное Дюку Эллингтону, “Memoria” (1979), “Ступени” (“Phases”, 1980), “Для птицы - с любовью” (“For Bird - With Love”, 1984), “Опус Макшан” (“Opus McShann”, 1986).

Заключительным аккордом всех спектаклей станет легендарный балет “Откровения”, поставленный Эйли в 1960 году и давно вошедший в разряд классики балетного искусства. В качестве музыкальной основы спектакля Эйли использовал спиричуэлс и госпелс. “Откровения” – это серия афроамериканских религиозных обрядов. В их числе - групповая молитва (“I've Been Buked”), церемония ритуального крещения (“Wade in the Water”), момент причастия (“I Wanna Be Ready”), дуэт священника и прихожанина (“Fix Me, Jesus”) и финальное торжественное пение Евангелия (“Rocka My Soul in the Bosom of Abraham”).

Сезон 2018-19 годов для Американского театра танца юбилейный, шестидесятый. Самое время - оглянуться назад и рассказать о том, с чего все начиналось.

Театр танца Алвина Эйли – уникальное, неповторимое явление в балетном искусстве XX века. Создание этого театра в 1958 году стало настоящим событием: до Алвина Эйли никому в голову не приходило соединить европейский классический балет, американский модерн и традиционные африканские танцы.

Украшением труппы являются солисты-мужчины – яркие, прыгучие, сильные. Таким был и отец-основатель театра Алвин Эйли. Он родился в маленьком техасском городке в рабочей семье. Переехав в детстве в Лос-Анджелес, робкий, застенчивый Эйли неожиданно начал заниматься танцами. Он получил прекрасное образование, его учителем был хореограф и танцор Лестер Хортон. Будущий основатель театра начинал работу в труппах Калифорнии и Нью-Йорка, участвовал в бродвейских спектаклях и готовился к созданию собственного танцевального коллектива.

История нового театра начинается с 1958 года, когда Эйли пригласил к себе семь танцоров и стал создавать новую труппу. С первых лет его коллектив (название “Американский театр танца” появится позднее) проводил много времени в дороге, посещая маленькие города и показывая свои постановки огромному количеству людей, которые никогда до этого не видели танцевальных спектаклей. Эйли стремился донести искусство танца до простых людей, мнением которых он дорожил зачастую больше, чем мнением критиков. Театр танца Алвина Эйли побывал в семидесяти одной стране Европы, Африки, Азии, и везде труппе сопутствовал феноменальный успех. В 1970 году коллектив стал первой американской балетной труппой, побывавшей на гастролях в СССР. До него, в двадцатые годы, в СССР гастролировала Айседора Дункан. После выступления труппы Эйли в Ленинграде артистам устроили двадцатиминутную овацию.

В 1969 году Эйли создал при театре специальную балетную Школу. В ней студенты изучают историю искусства балета и современного танца, технику танца, танцевальные композиции и театральный дизайн.

За годы работы с коллективом Эйли поставил семьдесят девять балетов! Его работы до сих пор идут на сценах Американского балетного театра, Парижской оперы, Лондонского фестивального балета, Королевского датского балета. Алвин Эйли был доктором искусств Принстонского университета, лауреатом Премии мира ООН и медали президента США за выдающиеся достижения в искусстве.

Закончив танцевать в 1965 году, Эйли сосредоточился на хореографической и административной деятельности. Он умер в 1989 году в возрасте пятидесяти восьми лет. С 1990 до 2010 годов театром руководила любимая ученица Эйли, в прошлом – ведущая балерина театра Джудит Джеймисон. С июля 2011 года художественным руководителем театра является балетмейстер Роберт Баттл - третий руководитель театра за шестидесятилетнюю историю.

Традиции, заложенные Алвином Эйли, живы до сих пор. Что-то невероятное происходит на спектаклях этого театра: зрители настолько подпадают под мощную энергетику солистов, кордебалет танцует так зажигательно и вдохновенно, что, кажется, магия танца уносит вас в заоблачные дали, и вы готовы мчаться с артистами на край света! Кураж, взрывная сила эмоций, пластичность и атлетизм - таковы отличительные черты этого коллектива.

Незадолго до смерти Эйли сказал: “Я стараюсь показать миру, что мы все одинаковы и неважно, какого цвета наша кожа. Важно только качество нашей работы”.

Качество работы театра и сегодня остается высочайшим. С первых дней своего существования труппа энергично ворвалась в элиту мирового балета и вот уже шестьдесят лет прочно удерживается на вершине славы.

Если кто-то из вас, уважаемые читатели, еще не были на спектаклях Театра танца Алвина Эйли, - сходите и посмотрите! В этом театре достаточно побывать один раз, чтобы стать его горячим поклонником. 

Nota bene! Гастроли Американского театра танца Алвина Эйли пройдут с 6 по 10 марта в помещении театра “Аудиториум” (Auditorium Theatre) по адресу: 50 E W Ida B. Wells Dr, Chicago, IL 60605. 6 марта, 7.00 pm - “Lazarus”, “Откровения”; 7 марта, 7.30 pm - “Kairos”, “EN”, “Откровения”; 8 марта, 11.00 am - часовое представление для школьников и студентов; 8 марта, 7.30 pm - “Бесконечный Эйли”, “Откровения”; 9 марта, 2.00 pm - “Kairos”, “EN”, “Откровения”; 9 марта, 8.00 pm - “Lazarus”, “Откровения”; 10 марта, 3.00 pm - “Lazarus”, “Откровения”. Билеты - на сайте https://www.auditoriumtheatre.org/, по телефону 312-341-2300 или в кассе театра.

Фотографии к статье:

Фото 1. Сцена из балета “Lazarus”. Фото - Пол Колник

Фото 2. Сцена из балета “Kairos”. Фото - Пол Колник

Фото 3. Сцена из балета “EN”. Фото - Пол Колник

Фото 4. Сцена из программы “Бессмертный Эйли”. Фото - Нан Мелвилл

Фото 5. Сцена из балета “Откровения”. Фото - Джеймс Брентли

Возвращение к барокко. “Ариодант” Г.Ф.Генделя в Лирик-опере Чикаго

Действующие лица и исполнители:

Ариодант - Элис Кут, Гиневра - Бренда Рей (дебют в Лирик-опере),

Полинессо - Йестин Дэйвис, Лурканио - Джонатан Джонсон,

Далинда - Хайди Стобер, Король - Кайл Кетелсен.

Дирижер - Гарри Бикет. Режиссер - Ричард Джонс.

Премьера Лирик-оперы. Постановка фестиваля Экс-ан-Прованс совместно с Амстердамской оперой, Канадской оперной компанией и Лирик-оперой Чикаго.

2 - 17 марта 2019 года (шесть спектаклей).

Опера исполняется на итальянском языке с английскими субтитрами.

Продолжительность спектакля - 3 часа 55 минут с двумя антрактами.

После нескольких лет отсутствия в Лирик-оперу возвращается признанный гений барочной музыки Георг Фридрих Гендель с dramma per musica (так он называл свои оперы, и мы не будем перечить композитору) в трех актах “Ариодант”.

Автор либретто этой музыкальной драмы неизвестен. Известно только, что либретто создано на основе пьесы придворного врача великого герцога Тосканского (по совместительству - драматурга) Антонио Сальви “Гиневра, принцесса Шотландская”. В основе пьесы - героическая поэма XVI века “Неистовый Роланд” итальянского поэта эпохи Возрождения Лудовико Ариосто.
Премьера музыкальной драмы состоялась 8 января 1735 года в лондонском Ковент-Гарден.

После шестнадцати представлений постановку сняли со сцены Королевского театра.

...Как ставить Генделя сегодня, чтобы не было скучно? Как ставить этого вспыльчивого, нетерпеливого и капризного гения, питавшего отвращение ко всему, что могло стеснить его свободу?

В истории музыки нет, наверно, композитора более неуступчивого, чем Гендель. Один английский карикатурист изобразил его в виде “зверя-обольстителя”, топчущего ногами свиток, на котором написано: “Пенсия”, “Бенефис”, “Знатность”. Равнодушный и флегматичный Гендель - это фасад. Кто его видит только с этой стороны, тот никогда его не поймет, никогда не проникнет в его душу, взлетающую в порывах энтузиазма, гордости, гнева и радости, в душу, порой охваченную почти галлюцинациями. Он висел над пропастью на грани безумия - этот самый здоровый из гениев. Но об этих провалах сознания, о болезнях Генделя мир узнал после его смерти благодаря случайно открытой переписке. Его буйные выходки, его вспышки гнева сдерживались высочайшим самообладанием. Всю жизнь он сохранял в искусстве глубокую невозмутимость. В те дни, когда умирала его мать, которую он обожал, композитор писал беззаботную и счастливую оперу “Поро”. Ужасный 1737 год, когда он был на пороге нищеты, вошел в историю музыки двумя ораториями “Празднество Александра” и “Саул”, бьющими через край радостью и телесной силой. “Спокойны сердце, грудь, душа...”, - поется в конце одной из его опер. Искусство великого композитора Георга Фридриха Генделя было независимо от его жизни. В нем была нечеловеческая концентрация воли. Он достиг господства над вещами и над собой, и никто не подозревал о том напряжении нервов и сверхчеловеческой воли, которое было необходимо для поддержания этого спокойствия.

Все было для Генделя суетой сует, кроме музыки. Подобно Гете, для которого литература была единственной святой величиной, музыка была для Генделя тем невозмутимым, величественным миром, в который он не желал допускать житейские волнения. Его грандиозная и великолепная, его нежная и трогательная музыка повергает в трепет и возносит к высотам полнейшего блаженства. Музыкальное письмо было для композитора слишком медленным, ему нужна была бы стенография, чтобы поспевать за своей мыслью. Сочиняя первый акт оперы, он порой не знал о продолжении, а иногда продолжение писалось раньше либретто. Его оперы – длинные, торжественные, монументальные – всегда так и ставили: торжественно и величественно. Ставили величественно, а получалось... скучно. В операх Генделя очень важно то, что происходит на сцене во время исполнения арий. Любые, даже самые замечательные оперы XVIII века не могут слушаться сегодня так, как они слушались триста лет назад. Если поставить генделевских героев лицом к залу и заставить петь их семиминутные арии с многократными повторениями, получается скучно. На сцене в это время должно что-то происходить. “Дела давно минувших дней, преданья старины глубокой” нужно уметь рассказать современным, живым театральным языком. Похоже, именно так была поставлена на фестивале Экс-ан-Прованс опера Генделя “Ариодант”, и – о, чудо! – оказалось, что с виду тяжеловесная опера Генделя полна юмора и веселья.

В этом сезоне - кажется, впервые в истории Лирик-оперы - мы видим две новые постановки одного режиссера - англичанина Ричарда Джонса: “Богема” и “Ариодант”. Его имя хорошо известно в театральных кругах. Режиссер он интересный, и спектакли ставит необычные. Помните “Гензель и Гретель” Э.Хумпердинка в Лирик-опере в сезоне 2012-13 годов? Это была его постановка. Несколько лет назад спектакль шел в серии “Метрополитен-опера в кино”.

Надо сказать, что в Лирик-опере спектакли по операм Генделя, как правило, удавались. Давайте вспомним остроумного “Юлия Цезаря” сэра Дэвида Маквикара с Дэвидом Дэниэлсом и Даниэль Де Низ (сезон 2007-08 годов). Чтобы зрителям не было скучно, в ход пошли все приемы: буффонада, цирковые трюки и эстрадные “гэги”, танец, балет, пантомима. К каждой сцене подобрали не только сценический, но и танцевальный рисунок, в каждой сцене появилась своя, особая пластика. Основное действие развивалось во время длинных арий героев - у остальных действующих лиц оперы для этого было достаточно времени. Создатели спектакля посмеялись не только над своими героями. Досталось и композитору. Я по-настоящему смеялся в сцене, когда Цезарю угрожала опасность. Во время свидания с Клеопатрой его предупредили, что воины Акиллы окружают дворец с намерением убить его. Но Цезарь пел и не мог уйти. Ему угрожает опасность, Клеопатра умоляет его бежать, но, лишь допев свою длиннющую арию до конца, Цезарь убегает. И Гендель прозвучал весь, и Цезарь улизнул от врагов. Иногда постановщика заносило слишком далеко, и тогда по заднику сцены проплывали современные корабли и подводные лодки, но в целом все было сделано со вкусом.

Еще один пример - “Геркулес” с Эриком Оуэнсом и Элис Кут (сезон 2010-11 годов). Постановщик Питер Селларс придумал, что Геркулес - бригадный генерал войск НАТО, возвращающийся с войны (в Афганистане или Ираке - непонятно) в американскую глубинку. По ходу спектакля было много неожиданностей. Так, в первой сцене Деянира ждет вестей от Геркулеса, предсказывает, что он никогда не вернется, и страдает, периодически ложась на пол и заламывая руки. При встрече с сыном она достает таблетки и глотает их одну за другой. “Наверняка, подсела на транквилизаторы”, - думает зритель и... не скучает. При попытке съесть очередную пилюлю сын забирает “святой ларец”...

Если возвращаться к “Ариоданту”, то надо сказать, что об этой опере все говорили летом 2017 года, когда на Зальцбургском фестивале показали постановку Кристофа Лоя и Йоханнеса Лайакера с невероятной Чечилией Бартоли в главной роли.

Конечно, Бартоли заменить невозможно, но я с большой надеждой жду нового появления на сцене Лирик-оперы Элис Кут. Меццо-сопрано из Великобритании известна нам по той самой партии Деяниры в “Геркулесе”, а также по партиям Октавиана (“Кавалер розы” Р.Штрауса, сезон 2015-16 годов) и - совсем недавно - Принца Шармана (“Золушка” Ж.Массне, сезон 2018-19 годов). Певица активно выступает с камерными концертами по Европе и США. Среди DVD-дисков Кут - оратория Генделя “Мессия” (EMI), партия Гензеля в опере Э.Хумпердинка “Гензель и Гретель” (EMI), партия Нерона в опере К.Монтеверди “Коронация Поппеи” (Decca), партия Маффио Орсини в опере Г.Доницетти “Лукреция Борджиа” (Medici Arts). Среди последних ангажементов певицы - оратория У.Элгара “Сон Геронтия” с Гамбургским симфоническим оркестром, цикл песен на стихи Ф.Рюккерта с Симфоническим оркестром Би-Би-Си, цикл Г.Берлиоза “Летние ночи” с Чикагским симфоническим оркестром и концертные выступления в разных городах Европы.

В беседе со мной генеральный директор Лирик-оперы Энтон Фрейд назвал “Ариодант”, “возможно, лучшей оперой Генделя” и добавил: “Я очень ее люблю. Мне кажется, характеры персонажей имеют психологическую глубину, что не всегда бывает в операх Генделя. Невероятно яркая, драматическая история. Гарри Бикет - выдающийся генделевед. Состав величественный. Компанию Элис Кут составляют американская певица Бренда Рей - фантастическое лирико-колоратурное сопрано, живет в Европе, часто выступает в Америке; Хайди Стобер, дебютировавшая в Лирик-опере в “Веселой вдове” несколько лет назад; Кайл Кетелсен, знакомый нам по “Дон Жуану”; британский контртенор Йестин Дэйвис. Только что он с огромным успехом играл на Бродвее с Марком Райленсом в спектакле “Фаринелли и король”. Я очень жду встречи с оперой Генделя”.

Вслед за господином директором я тоже с нетерпением жду встречи с “Ариодантом”. Ждать осталось совсем недолго!

Nota bene! Билеты на все спектакли сезона 2018-19 годов, а также абонементы на спектакли сезона 2019-20 годов можно заказать на сайте Лирик-оперы https://www.lyricopera.org/, по телефону 312-332-2244, а также приобрести в кассе по адресу: 20 North Wacker Drive, Chicago, IL 60606. Одиночные билеты на спектакли будущего сезона появятся в продаже летом.

Фотографии к статье:

Фото 1. Сцена из спектакля “Ариодант” (Канадская оперная компания). Фото - Майкл Купер

Фото 2. Элис Кут. Фото предоставлено пресс-службой Лирик-оперы

Фото 3. Бренда Рей. Фото предоставлено пресс-службой Лирик-оперы

Фото 4. Йестин Дэйвис. Фото - Марко Борггрев

Фото 5. Хайди Стобер. Фото предоставлено пресс-службой Лирик-оперы

Фото 6. Гарри Бикет. Фото – Ричард Хоутон

Фото 7. Ричард Джонс. Фото предоставлено пресс-службой Лирик-оперы

Кирилл Герштейн. Новая встреча. Skyline Piano Artist series представляет...

Четвертый сезон подряд в Школе музыки Северо-Западного университета (Northwestern University’s Henry and Leigh Bienen School of Music) проходит серия сольных фортепианных концертов лучших пианистов планеты (Skyline Piano Artist Series). В ноябре с большим успехом прошел вечер израильского пианиста Инона Барнатана, в феврале аншлаг сопутствовал выступлению прекрасной Ольги Керн. Впереди - новая встреча с выдающимся пианистом современности.

2 марта, 7.30 pm. Концерт лауреата Премии имени Ирвинга Гилмора Кирилла Герштейна. В программе: Героические вариации Л.ван Бетховена, соната “1 октября 1905 года” (“С улицы”) Л.Яначека, сюита “Погребальное шествие” Ф.Листа, песня “Les soirs illuminés par l'ardeur du charbon” К.Дебюсси, сюита “Гробница Куперена” М.Равеля.

Кирилл Герштейн родился в Воронеже в 1979 году. Его отец – математик, мать – музыкант и педагог. Она занимается развитием музыкальных способностей детей. У маленького Кирилла просто не оставалось ничего другого, как стать ее самым способным учеником. В беседе со мной пианист сказал:

-          Я не помню, когда начал заниматься музыкой. Из тумана выплывают какие-то очертания, где музыка уже присутствовала. С музыкой я вырос, но у меня не было несчастного детства вундеркинда. Было время на чтение, общение, я был нормальным ребенком и никогда не занимался по пять-шесть часов гаммами, сольфеджио, этюдами Шопена...

Когда Кириллу было четыре года, родители отдали его в музыкальную школу. А спустя два года в Воронеже открылась специальная музыкальная школа-десятилетка. Кирилл начал заниматься в этой школе и проучился там несколько лет.

-          Уже лет в восемь-девять меня стал интересовать джаз. У моих родителей было много пластинок, в том числе – джазовых. Мне нравились необычные джазовые звуки, что-то я пытался имитировать. В одиннадцать лет я выиграл фортепианный конкурс Баха в Польше. Там я познакомился с музыкантами, которые занимались классической музыкой и проявляли интерес к джазу. Позже я принимал участие в джазовом фестивале в Санкт-Петербурге, почетным гостем которого был легендарный джазовый вибрафонист Гэри Бертон. Он тогда был вице-президентом колледжа музыки Беркли в Бостоне. Я познакомился с ним, и он попросил меня прислать свои записи. В 1993 году меня пригласили в Беркли на летний пятинедельный молодежный джазовый семинар. Это было для меня невероятным информационным взрывом. Все можно было послушать и посмотреть, в библиотеке были доступны записи, о которых я только читал... Было очень интересно. А после семинара колледж предложил мне полную стипендию на все годы учебы.

В 1994 году четырнадцатилетний юноша поступает в одну из самых известных джазовых школ в Америке и становится самым молодым студентом в ее истории.

-          Когда произошел ваш поворот к классической музыке?

-          На протяжении трех лет я очень интенсивно учился джазу, уделяя классической музыке гораздо меньше времени. Я пытался совмещать классику с джазом, но где-то к 1996 году стало ясно, что это совмещение невозможно. Я понял, что надо выбирать. На тот момент я был пресыщен джазом, и классический репертуар был для меня более занимательным процессом, чем безусловно восхитительное и прелестное чувство импровизирования на ходу. Я выбрал классику, поехал учиться в Манхэттенскую школу музыки и получил за четыре года степени бакалавра и мастера. С сентября 2000 года я продолжил обучение в Испании у пианиста и педагога Дмитрия Александровича Башкирова.

-          Вы начали обучение в России, продолжили в Америке, а в Европе вернулись к великим традициям русской фортепианной школы. Ведь Башкиров – ученик Гольденвейзера, а там и до Рахманинова недалеко...

-          Безусловно. После американской фазы я впал в хорошем смысле в старомосковскую, консерваторскую атмосферу. Это был замечательный период для меня. Учили нас прекрасные и заботливые преподаватели, учили невероятно интенсивно. Педагог Рахманинова Зверев вспоминал, как у него учились студенты, как они крутились у него дома, как общались с музыкантами, приходившими к нему... Ни в коем случае не сравнивая себя с этими гениальными людьми, мне кажется, что по ощущениям это было похоже на рассказы о старороссийском образовании. Башкиров жил рядом с нами, буквально посреди школы. Формально обучение составляло два урока в неделю, но его работа с учениками не заканчивалась с окончанием урока, а продолжалась прослушиванием записей, обсуждением книг, чаепитиями, совместным приготовлением еды, советами и просто человеческим общением. После учебы в Испании я продолжал учиться в Фортепианной академии на острове Комо в Италии, где преподают тот же Башкиров и другие педагоги.

По словам Герштейна, европейская часть его жизни “окрепла”, и он стал часто наведываться еще и в Будапешт. Он учился у венгерского педагога Ференца Радоша, вырастившего целую плеяду блестящих музыкантов, в том числе Андраша Шифа и Золтана Кочиша. В 2001 году Кирилл Герштейн стал лауреатом Первой премии Международного конкурса пианистов имени А.Рубинштейна в Тель-Авиве. Эта премия открыла ему возможность для концертной деятельности.

На мой вопрос, какую музыку он предпочитает играть, Кирилл ответил так:

-          То, что я предпочитаю на данный момент, - это, что я играю на данный момент. Мои вкусы меняются ежедневно в зависимости от репертуара. Конечно, есть традиционные центры притяжения. Музыка Баха, сонаты Бетховена. Как сказал Бузони: “Хорошо темперированный клавир” Баха – это Ветхий завет пианиста, а Лунная соната Бетховена - Новый”. Конечно, Лист, Шуман. Безусловно, Рахманинов – невероятная фигура и в личностном, и в музыкальном смысле... У меня достаточно эклектичный вкус. Прелесть заключается в разнообразии жанров, авторов, стилей, направлений.

Дебют Герштейна с Чикагским симфоническим оркестром состоялся в марте 2010 года.  Пианист исполнил Второй фортепианный концерт С.Рахманинова. После этого мы неоднократно слышали Кирилла как с оркестром, так и на сольных концертах в Симфоническом центре, на Музыкальном фестивале в Равинии и на Grant Park Music Festival в парке “Миллениум”. Последний раз - со Вторым фортепианным концертом Ф.Листа на фестивале “Грант-парк-2018” (дирижер - Джемма Нью). А вот в Северо-Западном университете пианист выступит впервые.

Nota bene! Позднее в этом сезоне в рамках Skyline Piano Artist Series состоятся концерты Александра Торадзе (12 апреля), Марка-Андре Хамелина (3 мая), Джеймса Джилса (30 мая). Все концерты пройдут в помещении Mary B. Galvin Recital Hall по адресу: 70 Arts Circle Drive, Evanston, IL 60208. $30/$10 - для студентов (необходимо наличие удостоверения личности). Абонементы и билеты на одиночные концерты - на сайте concertsatbienen.org, по телефону 847-467-4000 или в кассе Pick-Staiger Concert Hall ticket office по адресу: 50 Arts Circle Drive, Evanston, IL 60208. Вся информация - по телефону 847-491-5441.

Фотографии к статье:
Фото 1-5. Кирилл Герштейн. Все фото – Марко Борхрев

Чикагский симфонический центр представляет... Концерты 28 февраля - 3 марта 2019 года + новый сезон

28 февраля, 7.30 pm. Концерт ансамбля японских барабанщиков “Kodo”. В переводе с японского “kodo” означает “биение сердца”. Сорок два года назад группа из двадцати молодых музыкантов решила возродить старинную традицию японского барабанного боя “тайко”. Музыканты собрали коллекцию барабанов и стали осваивать старинные приемы игры. В японской игре на барабане требуются сила, выносливость и спортивная закалка - эта музыка не для слабых! Барабаны отличаются по форме, размерам, весу. Самые маленькие похожи на блюдца, самые большие - такие же массивные, как стволы деревьев. Слушать барабанную полифонию - само по себе очень любопытно, но еще лучше видеть это вживую! Наслаждаться виртуозным мастерством, с которым японские музыканты “расправляются” с барабанами, - зрелище абсолютно завораживающее! 

Музыканты живут на острове Садо в Японском море. В Европе о них узнали после триумфального дебюта в Берлинской филармонии в 1981 году. После этого вот уже почти сорок лет ансамбль большую часть времени проводит на гастролях, объездив за это время более сорока пяти стран на пяти континентах. Концерт в Чикаго проходит в рамках мирового тура “One Earth Tour 2019: Evolution”.

3 марта, 3.00 pm. Дебют в Симфоническом центре узбекского пианиста-виртуоза Бехзода Абдураимова. В программе: Парафраза “Смерть Изольды” из оперы “Тристан и Изольда” Р.Вагнера, Соната си минор Ф.Листа, Десять фрагментов из балета “Ромео и Джульетта” С.Прокофьева.

Абдураимов - относительно новое имя на фортепианной карте мира. Он родился в 1990 году в Ташкенте в семье преподавателя музыки и ученого-физика. Играет на фортепиано с пяти лет. В восемь солировал с Национальным симфоническим оркестром Узбекистана. Учился в Ташкентском академическом лицее (класс Тамары Попович) и в Международном музыкальном центре в Канзас-Сити (Center for Music at Park University, Kansas City, педагог - земляк Абдураимова, известный пианист Станислав Юденич). Победитель Международного фортепианного конкурса в Лондоне в 2009 году, где исполнил Третий фортепианный концерт С.Прокофьева.

В 2015 году с триумфом дебютировал в Карнеги-холл, в 2016 году впервые выступил с Мюнхенским филармоническим оркестром под управлением Валерия Гергиева на фестивале Би-Би-Си Промс. Дебютный сольный диск пианиста вышел в 2012 году (студия Decca Classics). Осенью 2014 года вышел первый концертный диск пианиста, записанный с Национальным симфоническим оркестром Итальянского радио и телевидения под управлением Юрая Валчухи. В диск вошли Третий фортепианный концерт С.Прокофьева и Первый фортепианный концерт П.Чайковского.

На Музыкальном фестивале в Равинии Абдураимов дебютировал в 2012 году в возрасте двадцати одного года с произведениями Шуберта, Бетховена, Сен-Санса, Листа. Летом 2017 года он вернулся на фестиваль уже с двумя выступлениями. В сольном вечере в театре “Мартин” он исполнил Токкату и фугу И.С.Баха, произведения Шуберта, Бетховена, Прокофьева, на следующий день блистательно сыграл Второй фортепианный концерт С.Рахманинова. Люцернским симфоническим оркестром дирижировал Джеймс Гаффиган. И вот - долгожданный дебют в самой престижной фортепианной серии Симфонического центра.

О новом сезоне замолвите слово

Анонс концертов ЧСО сезона 2019-20 годов

После недавнего азиатского турне Чикагский симфонический оркестр (далее - ЧСО) под управлением музыкального руководителя маэстро Риккардо Мути снова отправился в дорогу. С 26 февраля по 2 марта оркестр выступит в трех городах штата Флорида (Уэст-Палм-Бич, Нейплс, Майами). В следующих трех сезонах зимние гастроли оркестра в “летней” Флориде станут традиционными.

Пока ЧСО на гастролях, самое время посмотреть, что нас ждет в новом сезоне - 129-м со времени образования и десятом с Риккардо Мути в качестве руководителя.

Сезон 2019-20 годов пройдет под знаком 250-летия со дня рождения Бетховена. И хоть маэстро Мути не раз говорил, что не любит “датских программ” (“Слишком много суеты, ненужных славословий и здравиц”), их в новом сезоне будет немало. ЧСО исполнит и запишет все симфонии Бетховена. Для маэстро Мути это будет третий бетховенский цикл в жизни. Впервые он записал симфонии с Филадельфийским симфоническим оркестром, потом повторил это с оркестром Ла Скала. В недавнем интервью газете Chicago Tribune дирижер сказал: “Тот факт, что все знают “да-да-да-да-а” (напевает начальный мотив Пятой симфонии Бетховена), не означает, что мы не должны каждый день работать над этим репертуаром, пробуя новые идеи и добиваясь от оркестра лучшего звучания. С ЧСО подход к симфониям Бетховена будет другим. Я не знаю, хорошо это или плохо, но мы меняемся, публика меняется, оркестр меняется... Я надеюсь на хороший результат. Это останется последним записанным документом моего подхода к бетховенским симфониям”.

Кроме симфоний, в течение сезона разными пианистами (среди них - Андраш Шифф, Евгений Кисин, Кирилл Герштейн и Игорь Левит) будут исполнены все тридцать две фортепианные сонаты Бетховена.

Среди произведений, прежде не исполняемых ЧСО, - музыка в диапазоне от Генделя до Венявского, от Скрябина до сэра Майкла Типпетта и Томаса Адеса. Среди премьер - цикл “Времена года в Буэнос-Айресе” А.Пьяццолы/Л.Десятникова и даже полька “Фуриозо” (ее часто называют квазигалопом) Иоганна Штрауса-младшего, часто исполняемая Венским филармоническим оркестром в новогодних концертах.

Шире, чем в прошлые сезоны, представлена музыка американских композиторов. ЧСО впервые исполнит Третью симфонию Флоренс Прайс и сочинение “Мать и ребенок” Уильяма Гранта Стилла - двух афроамериканских композиторов, чьи произведения редко можно услышать в симфоническом зале. Мути сказал: “Мне говорили о Симфонии Прайс еще во время первого приезда в Чикаго. Она написана искренне... Современная музыка не обязательно должна быть сложной для восприятия. Музыка Прайс идет от сердца. То же самое я могу сказать о музыке Стилла”.

Среди американских композиторов и абсолютный классик Сэмюэль Барбер, и классик модернизма Джон Адамс, и композиторы XXI века Мейсон Бэйтс и Мисси Маццоли (бывший и нынешний резиденты-композиторы ЧСО).

В новом сезоне состоятся американская премьера сочинения “Eternal Rhythm” Авнера Дормана (солистка - концертмейстер секции ударных инструментов Синтия Йе), мировые премьеры сочинения “DREAM for Orchestra” лауреата Пулитцеровской премии Бернарда Рэндса и концерта для бас-кларнета “Ophelia’s Tears” Николаса Бакри (солист - кларнетист ЧСО Лори Блум). Оба произведения созданы по заказу ЧСО. Мути называет Рэндса своим другом: “Несколько лет он был композитором-резидентом в Филадельфии, когда я там работал с оркестром. Я очень его уважаю. Я думаю, наше исполнение его нового сочинения станет хорошим поводом лишний раз прикоснуться к его музыке”.

Целое созвездие замечательных дирижеров и солистов-инструменталистов ждет нас в следующем сезоне. Вот только несколько имен: дирижеры Кирилл Карабец, Валерий Гергиев, Джеймс Гаффиган, Герберт Блумстедт, Манфред Хенек, Яап ван Зведен, пианисты Юджа Вонг, Даниил Трифонов, Денис Кожухин, Пол Льюис, Беатрис Рана (24 февраля состоялся ее дебютный сольный фортепианный концерт в Чикаго), скрипачи Джулия Фишер, Пекка Куусисто.

Среди дебютантов отмечу нашего соотечественника, скрипача и дирижера Юлиана Рахлина, британского контртенора Йестина Дэйвиса (он вскоре появится в Лирик-опере в “Ариоданте” Г.Ф.Генделя), финского дирижера Ханну Линту.

Из камерных концертов выделю трио Экс-Кавакос-Йо Йо Ма, дуэты Рене Флеминг и Евгения Кисина, скрипача Кристиана Тетцлаффа и пианиста Ларса Вогта, скрипачки Анны-Софии Муттер и пианиста Ламберта Оркиса. 

Маэстро Мути продолжит практику концертного исполнения опер. Мы услышим оперу П.Масканьи “Сельская честь”. В партии Туридду - Пьеро Претти, в партии Сантуцци - меццо-сопрано Анита Рачвелишвили. В июне она споет Амнерис в концертном исполнении “Аиды” Дж.Верди.

В серии “Оркестры мира” мы услышим Монреальский симфонический оркестр под управлением Кента Нагано (солист - Денис Мацуев), Orchestre Metropolitain de Montreal под управлением Янника Незе-Сегина и Вроцлавский филармонический оркестр под управлением Джанкарло Герреро (солист - Петр Андершевский).

В ноябре состоятся два концерта ЧСО в Карнеги-холл, на январь 2020 года намечено седьмое с Риккардо Мути европейское турне оркестра. Центральным событием гастролей станут концерты в Вене на торжествах, посвященных стопятидесятилетию легендарного зала Музикферайн. ЧСО выступит также в Кельне, Париже, Неаполе.

Новый сезон завершится монументальной Девятой симфонией Бетховена. ЧСО дирижирует маэстро Риккардо Мути. Среди солистов - дебютирующая в Чикаго солистка Мариинского театра сопрано Елена Стихина.

В рамках одной статьи, конечно, невозможно перечислить все интереснейшие концерты, которые пройдут в Симфоническом центре в предстоящем сезоне, поэтому я отсылаю вас, уважаемые читатели, на сайт оркестра www.cso.org. Там вы найдете всю исчерпывающую информацию о будущем сезоне. Что касается нашей газеты, то в рубрике “Музыкальное обозрение” вы, как и в прошлые годы, найдете рецензии, интервью, статьи, посвященные Чикагскому симфоническому оркестру и концертам в Симфоническом центре.

Nota bene! Билеты на все концерты сезона 2018-19 годов и абонементы сезона 2019-20 годов Чикагского симфонического центра можно приобрести на сайте www.cso.org, по телефону 312-294-3000, по почте или в кассе по адресу: 220 South Michigan Avenue, Chicago, Il 60604. Билеты на одиночные концерты будущего сезона появятся в продаже позднее.

Фотографии к статье:
Фото 1. “Kodo”. Фото предоставлено пресс-службой ЧСО 

Фото 2. Бехзод Абдураимов. Фото – Ravinia Festival 

Фото 3. Чикагский симфонический центр. Фото – Тодд Розенберг 

Фото 4. Риккардо Мути дирижирует ЧСО

Trap Door Theatre: “Танго” (“Tango”)

Продолжается юбилейный, двадцать пятый сезон чикагской “Ловушки“ (Trap Door Theatre). В эти дни в театре идет инсценировка пьесы польского драматурга Славомира Мрожека “Танго” (перевод - Ральф Манхейм и Тереза Дзидужика).

Режиссер - Эмили Лотспич. В ролях: Деннис Бисто, Адам Хуизенга, Логан Хулик, Джоан Нахид, Эмили Никелсон, Мануэла Рентеа, Кит Сарни.

“Танго” - сатирический памфлет об опасностях, присущих современному обществу; о том, как анархия и формализм вступают в конфликт между поколениями. Как всегда у Мрожека, в тексте много аллюзий и едкой иронии. Драматург высмеивает и капитализм, и социализм, и государство как таковое. В своей знаменитой книге “Театр абсурда” критик, сценарист, продюсер Эсслин Мартин посвятил Мрожеку отдельную главу. “Танго” он назвал сложной пьесой, пародией или парафразом “Гамлета”. “Герой - молодой человек, ужасающий своим поведением родителей. Он испытывает глубокий стыд за мать, изменяющую отцу, и за самодовольного отца. Понятны и горькие нападки молодого человека на поколение, допустившее войну, оккупацию и опустошение страны. Артур вырос в мире, лишенном ценностей. Его отец, безалаберный, претендующий на звание художника человек, тратит время на бесполезные авангардистские эксперименты. Мать спит с хамом-пролетарием Эдди, слоняющимся по неприбранной квартире, которую семейство называет домом. Бабушку кто-то случайно распорядился положить в гроб ее последнего мужа, и она лежит в гробу, который так и не собрались вынести. Здесь же обитает и дядюшка с аристократическими манерами и мозгами набекрень. Артур жаждет нормальной жизни с соблюдением порядка и приличий. Он пытается убедить свою кузину Алю выйти за него замуж, как это было принято прежде. Аля не понимает, к чему церемонии. Если он хочет с ней спать, она согласна без всяких церемоний. Но Артур настаивает на их соблюдении. Он хватает отцовское ружье и устраивает революцию, заставив семейство прилично одеться, привести в порядок захламленную, грязную квартиру и приготовиться к его свадьбе. Но он не в состоянии со всем этим совладать. Осознав, что старый порядок не может быть восстановлен силой, он напивается. Старые ценности разрушены и не могут быть восстановлены силой. Что остается? Голая сила. “Я вас спрашиваю, когда уже ничего не осталось, и даже бунт уже невозможен, что мы можем взять в жизнь из ничего?.. Одну силу! Из ничего можно создать только силу. Она всегда есть, даже если ничего нет. Только одно и остается - быть сильным и решительным. Я сильный. В конце концов, сила - тоже протест. Протест в форме порядка”. Ради доказательства своей точки зрения Артур готов убить старого дядю. Аля пытается переключить внимание Артура и кричит, что она, его невеста, накануне свадьбы переспала с Эдди. Артур потрясен. Он слишком гуманен, чтобы осуществить на деле доктрину абсолютной власти. Эдди придерживается иной точки зрения. С дикой силой он набрасывается на Артура. Сила восторжествовала. Семейство подчиняется Эдди. Пьеса заканчивается танго, которое танцуют Эдди и старый дядя-аристократ вокруг мертвого тела Артура.

Танго - символ толчка к бунту. Когда танго было вызывающим новшеством, поколение родителей Артура сражалось за право его танцевать. Когда бунт против традиционных ценностей уничтожил все ценности, ничего не осталось, кроме голой силы - силы Эдди, силы безмозглой массы, танго танцуют на руинах цивилизации. Смысл этого упражнения в революционной диалектике достаточно ясен: культурная революция ведет к разрушению всех ценностей и, как следствие, к попытке интеллектуалов-идеалистов их восстановить; однако следование этим ценностям, однажды разрушенным, невозможно, и потому остается только голая сила. В итоге, из-за того, что интеллектуалы не могут быть жестокими в нужной мере и проявить силу, ее проявляют Эдди, которых в мире предостаточно. Пьеса “Танго” актуальна не только для коммунистических стран. Разрушение ценностей, восхождение к власти вульгарного человека массы знакомо и Западу. “Танго” - пьеса широких смыслов. Она блестяще выстроена, в ней много изобретательности, и она очень смешная”.

Первая постановка пьесы “Танго” состоялась в январе 1965 года в Белграде, вторая - в июне 1965 года в Будгоще (Польша). Настоящим триумфом стала третья постановка “Танго” в июле 1965 года в варшавском театре Эрвина Аксера Wspolczesny. Спектакль разошелся на цитаты и стал выдающимся событием в истории польского театра.

Режиссерский дебют актрисы Trap Door Theatre Эмили Лотспич состоялся в сезоне 2015-16 годов со спектаклем “The Universal Wolf” по одноименной пьесе американского драматурга Джоан Шенкар - современной вариацией на темы всем известной “Красной шапочки”.

К творчеству Мрожека Trap Door Theatre обращался в сезоне 2014-15 годов. Инсценировку пьесы “Вацлав” про обитателей острова “Провокация” представила художественный руководитель театра Беата Пилч.

Варшавский журналист Кристина Курчаб-Редлих вспоминает: “Я ходила на “Танго” как на праздник юмора. Вся Польша конца семидесятых годов, когда Мрожек был уже во Франции, дышала Мрожеком. У нас говорят: “О, ты говоришь Мрожеком” – то есть насмехаешься. Или если видишь несуразный идиотизм, что уже в голове не укладывается, – вот, это сам Мрожек! У нас даже простые люди, которые никогда в театр не ходили, тоже говорят: “О, говоришь Мрожеком!” Мрожек впитался в наше подсознание. Мы вспоминали его поговорки. Была даже надпись такая: “Толпы ищут пророка, но чаще всего находят фюрера”. Когда смотришь сегодня, понимаешь с ужасом, что это правда. Или: “Глупостей полным-полно всегда, а мудрости – никогда, и в блеске славы глупость часто неузнаваема, а ее принимают как мудрость”. Мрожек умел всегда сказать ясно, просто и точно, где фальшь, а где правда. Власти его никогда не любили, и были времена, когда его ставить у нас тоже было сложно. Но все-таки он остался в нас и, надеюсь, еще долго будет. Сейчас я с ужасом вижу, что “Танго” включено в школьную программу с сокращениями, чтобы ученикам было проще, как будто им сложно прочитать ее полностью. “Танго” у нас уже не ставят, времена уже другие, и то, что было для нас важно, что нас воспитывало, этого уже нет”.

В Польше “Танго” уже не ставят, и в Америке спектакли по пьесам Мрожека - большая редкость. Тем интереснее премьера в Trap Door Theatre!

Nota bene! Спектакль “Танго” идет до 30 марта в помещении Trap Door Theatre по адресу: 1655 West Cortland Avenue, Chicago, IL 60622. Билеты - $20 в четверг и пятницу, $25 - в субботу. Справки и заказ билетов на этот и другие спектакли сезона 2018-19 годов - по телефону 773-384-0494 или на сайте театра www.trapdoortheatre.com. Там же вы найдете информацию об истории создания и сегодняшнем дне театра.

Полную информацию о театральной жизни Чикаго вы найдете на сайте http://www.theatreinchicago.com/.

Фотографии к статье:

Фото 1-4. Сцены из спектакля “Танго”. Все фото - Крис Попио