О выступлении театра “Атриум” на фестивале памяти Булата Окуджавы
9 мая 1994 года в московском театре “Школа современной пьесы” было многолюдно. В этот день в театре праздновали семидесятилетний юбилей Булата Шалвовича Окуджавы. По иронии судьбы, поэт-фронтовик, написавший о войне так обезоруживающе просто и при этом настолько лирично, родился именно в день Победы. Днем на Трубной площади собрались друзья поэта, многочисленные почитатели его таланта. Импровизированный концерт начался на театральном балконе: барды пели песни, поэты читали стихи. Вечером чествование продолжилось в театре... С тех пор ежегодно 9 мая на площади перед театром стали проходить концерты в честь именинника. Художественный руководитель театра Иосиф Райхельгауз предложил приурочить к этому дню фестиваль авторской песни и назвать его строчкой из песни Окуджавы “И друзей созову...” Идея быстро завоевала популярность, и фестиваль получил постоянную прописку в “Школе современной пьесы”. До 1997 года во время фестиваля отмечали День рождения Булата Шалвовича, с 1998 года вечера в театре стали называться фестивалем памяти поэта.
С 11 по 29 мая 2008 года в театре состоялся десятый фестиваль. В этом году на афише фестиваля впервые появилось слово “международный”. Этот статус фестивалю придало участие в нем чикагского русского репертуарного театра “Атриум”.
Москвичи увидели новую версию спектакля “Посвящается Вам”. Впервые в истории культурных связей России и Америки русский репертуарный театр из США побывал на гастролях в России. Музыкально-поэтический спектакль на темы песен Булата Окуджавы “Посвящается Вам” задуман, написан, оформлен и поставлен творческим коллективом театра. Назову поименно (в алфавитном порядке) всех участников московских гастролей: Елена Берман, Геннадий Болдецкий, Борис Борушек, Гарик Данилевский, Михаил Зарецкий, Вячеслав Каганович, Константин Каганович, Михаил Клейнерман, Евгений Колкевич, Мишель Колкевич, Олег Осташев, Ирина Ратнер, Александр Фрейман, Зоя Фрейман, Галина Шнейдерман, Владимир Шнейдерман, Глеб Явлинский.
Отдельных слов благодарности заслуживают Георгий Васильев, предоставивший в распоряжение “Атриума” звуковую аппаратуру, Игорь Артемов, который очень помог с рекламной кампанией в Москве, и, конечно, Иосиф Райхельгауз и его театр “Школа современной пьесы”.
В прошлом выпуске нашей газеты было опубликовано интервью с руководителями театра “Атриум” Вячеславом Кагановичем и Евгением Колкевичем, в котором они рассказали о своих московских впечатлениях. Продолжая начатую тему, мы предоставляем слово очевидцам московских гастролей. Среди них были представители авторской песни и театральные критики, режиссеры и драматурги, друзья театра и простые москвичи, пришедшие посмотреть чикагский спектакль о московском поэте. Вот что говорит вдова Булата Шалвовича Ольга Владимировна Окуджава: “Я десять лет стараюсь держать имя Окуджавы на высоком уровне, стараюсь не опуститься до пошлятины, до угождения ложным идеалам сегодняшних дней. Поэтому я бесконечно преклоняюсь перед любым человеком, который помнит и любит Булата Шалвовича и популяризирует его творчество. Театр “Атриум” делает это с большой любовью, и я вам очень за это признательна. Я думаю, что вы служите питательной средой для людей, у которых есть потребность в духовной пище... Не все было равноценно. Это все-таки не спектакль, а, скорее, концерт в театрализованном виде. Но в целом театр “Атриум” стал для меня открытием. Некоторые отрывки – просто маленькие шедевры! Например, “Солнышко сияет...”... У Булата Шалвовича есть одно стихотворение. Он встречается с Лермонтовым, и поэт говорит ему: “Мой дорогой, пока с тобой мы живы, Все будет хорошо у нас с тобой”. Мы с “Атриумом” уже в одной лодке. В каком восторге был зал, сколько было цветов и друзей! Я желаю театру успеха. Храни Вас Господь!”
В отличие от Ольги Окуджавы, театровед Наталья Давидовна Старосельская считает, что “Посвящается Вам” – “не концерт, а спектакль. Он посвящается тому куску жизни, которого уже нет”. Она говорит: “Я недавно прочитала в одной замечательной книжке про одну старушку, живущую в доме престарелых. Когда ее спросили: “А чем же вы целыми днями занимаетесь?”, она сказала: “Я вспоминаю то, что когда-то было моей жизнью”. И вот мы все – и на сцене, и в зале – собрались для того, чтобы вспомнить то, что когда-то составляло смысл нашей жизни, боль нашей жизни. Спектакль пробуждает эти чувства и эти мысли. И это самое главное. Я увидела людей, живущих русской культурой. В них нет слащавого жалкого эмигрантства, а есть высокое достоинство студийности. Это очень важно”.
Наталья Давидовна Старосельская является координатором проектов Центра поддержки русского театра за рубежом при Союзе театральных деятелей России. Она пригласила “Атриум” принять участие в ежегодном Международном театральном фестивале “Соотечественники” в Саранске. При этом Старосельская подчеркнула, что все расходы по пребыванию “Атриума” в России берет на себя приглашающая сторона. Театру нужно оплатить только билеты до Москвы и обратно. Я понимаю, что новую поездку в Россию очень сложно осуществить, но само по себе такое приглашение дорогого стоит. Как сказал актерам Валерий Белякович: “Если вас признала Старосельская, значит, вы победили Москву”.
Мнение профессора Щепкинского училища, драматурга и режиссера Валентина Афонина было без всякого преувеличения восторженным. За кулисами, обращаясь к актерам, он воскликнул: “Чистое золото высочайшей пробы! Чистый порыв души объединился на сцене! Вы когда-то, каждый по своим обстоятельствам, уехали из России, но оставили Россию в сердце. У меня много раз подступал комок к горлу от восторга, настолько все было сделано чисто. Я не могу сейчас критиковать этот спектакль – восторг застилает глаза. Все здесь для меня открытие: мюзикл на темы Окуджавы, прекрасные аранжировки, высокой культуры звук, хорошая композиционная основа, безупречная актерская игра... Все очень оправданно, все очень органично. Вы - островок России в Америке”.
О спектакле писала московская пресса. Статью “Об Окуджаве с любовью” автор “Вечерней Москвы” Наталья Пенькова закончила такими словами: “Как известно, традиция музыкальных спектаклей уже ушла, но этот был близок к идеалу. Со вкусом, на тонкой грани между “чересчур наивно” и “по-настоящему искренно”. После просмотра осталось горькое чувство потери и светлая грусть – нет поэта, есть стихи и песни... Пусть даже их поют чаще в Америке, чем в Москве”. Театральный обозреватель “Московского комсомольца” Лиза Заречная отметила: “Герой спектакля - это сам Поэт, личность которого представляет весь актерский ансамбль. Актеры повествуют о событиях в жизни Окуджавы - смешных, трогательных, драматических. В основе текста - фрагменты его воспоминаний, книг, стихов. И, конечно же, песни, исполненные, кстати говоря, весьма разнообразно и изобретательно: от привычного бардовского пения под гитару до эффектных многоголосных аранжировок в стиле знаменитого джазового квартета “Манхэттен Трансфер”. И губы зрителей шевелятся, повторяя с детства знакомые и любимые слова поэта: “Капли датского короля пейте, кавалеры...””.
На спектакле “Посвящается Вам” побывал замечательный кинорежиссер, многолетний и очень близкий друг Окуджавы Владимир Яковлевич Мотыль. В 1967 году по сценарию Окуджавы он поставил прекрасную картину “Женя, Женечка и “катюша””. А еще Мотыль - автор любимых всеми культовых фильмов семидесятых “Звезда пленительного счастья” и “Белое солнце пустыни”. Живой классик российского кино оказался благодарным зрителем. Ему очень понравился спектакль, он зашел за кулисы и долго обсуждал с коллективом постановку. Вот лишь некоторые отрывки из его комментариев: “У меня субъективное отношение к этому спектаклю. Наше знакомство с Окуджавой длилось десятилетия. Он - соавтор одного из сценариев, автор песен к моим фильмам. Поэтому я воспринимал спектакль, может быть, не так, как другие. “Посвящается Вам” – рассказ в пении о душе моего ушедшего друга. И вот эта духовность в отношении к его поэзии передавалась и заражала зрителей. Успех несомненный. Я попал под обаяние спектакля и испытывал большое наслаждение.
Меня совершенно поразила девочка, которая внесла неожиданную, обаятельнейшую краску в спектакль: юное, необычайно одаренное существо. Если бы у меня был приз, я преподнес бы его ей”. С этими словами Владимир Яковлевич обнял юную Мишель Колкевич и пожелал ей не терять непосредственности и искренности: “Чем дольше ты будешь оставаться такой чистой, такой наивной, тем будет лучше для тебя и для зрителя. Спасибо тебе и спасибо всем создателям спектакля”.
На спектакле присутствовали как представители театрального цеха, которым все происходящее на сцене могло показаться слишком “бардовским”, так и барды, для которых, возможно, все было слишком театрально. В этой связи интересной была реакция на спектакль Юлия Кима и Вадима Егорова. После первого спектакля Юлий Черсанович сказал: “Я очень рад, что спектакль достиг Москвы. Первый блин оказался не комом, а полноценным масленичным блином. Москва приняла спектакль с восторгом. Привезти арбатского певца в Москву – это серьезное испытание. Москва – капризное существо, и не все привозное ее устраивает. Но тут со второй песни пошли аплодисменты, а это значит, что попали в “десятку”, с чем я и поздравляю. Москва – очень театральный город, но спектаклей такого жанра я в Москве не знаю. Я имею в виду театр песни. Этот жанр нуждается в своем развитии, и мы как раз увидели один из вариантов этого развития. Может быть, мне недоставало какого-то особого, американского акцента. Когда в песне “Ах, Арбат, мой Арбат...” пошел джазовый ритм, эта неожиданная краска мне очень понравилась. Посмелее можно обходиться с музыкой Булата и интерпретировать ее в том числе в джазовом ключе”. Неожиданное высказывание, правда?.. Свой комментарий Ким закончил пожеланием: “Счастливо расцветать ТЕ“АТРиуму”!“ Вадим Егоров, по его словам, с недоверием пришел на спектакль, но происходящее на сцене “зацепило” и его.
Группу поддержки театра “Атриум” составляло славное трио режиссеров (Андрей Тупиков, Валерий Белякович, Артур Офенгейм), работавших с коллективом, а потому знающих его изнутри. Для Андрея Тупикова “самое дорогое в этом спектакле – внутренняя наполненность, энергетика, необходимость донести до нас то, что созрело внутри, то, что актеры НЕ могут не сказать. Именно это заражает, передается публике, и от этого получается некое единение зала и сцены. Возникает момент личностного восприятия и ассоциаций каждого человека. Как только актеры позволят себе первый раз выйти с “пустотой”, спектакль умрет. Главное, чтобы чувства были живые. В “Атриуме” они живые”. Тупикову вторит Валерий Белякович: “Меня уже трудно чем-нибудь удивить. Разве что душой, непосредственностью и той первичностью восприятия, которая так редка в театре. И вот она здесь сегодня случилась. Сегодня была редкая встреча с прекрасным. Уже ТАК никто не играет, ТАК никто не поет! Живое, непосредственное, человеческое, руками сделанное искусство – о нем уже сегодня немного подзабыли. Духовность в высоком смысле давно исчезла с московских подмосток. К нам привезли НАШУ духовность из-за океана. Это так удивительно, так трогательно! На спектакле была почти вся труппа Юго-Запада (Валерий Белякович – главный режиссер театра “На Юго-Западе”. Прим. автора). Актеры были просто потрясены. Кажется, что так не бывает. Ребята, что ж вы так раскрываетесь? Мои актеры этого никак не ожидали... Сегодня в зал лилась душа. Я никак не могу разобрать, в чем сила и обаяние этого спектакля. Это происходит на генном уровне. Я говорил себе: “Успокойся, не волнуйся”. Когда зазвучала песня со скрипкой, сказал: “Не вздумай, чтобы потекла слеза. Не вздумай!” И все-таки на молитве к Богу не удержался. Мне оценивать сложно, поскольку я всех люблю, знаю. Я работал с этим театром, ставил спектакль. Я любовался всеми актерами. Все, все, все на своем месте. Ансамбль – самое дорогое, что может быть. “Атриум” мне душу перевернул. Я безмерно благодарен этому театру за то, что они приехали. Для них это подвиг. Я желаю театру не терять той душевности, которую многие растеряли. Я часто цитирую слова, которые услышал в Чикаго: “театр – это преддверие Бога”. Я всегда знаю, что рядом есть “Атриум”. Это так приятно!” После спектаклей Белякович пригласил всех к себе в театр, привел своих артистов и устроил банкет в честь “Атриума”. Кроме этого, он пригласил всю труппу на спектакли в его театр.
Перед вторым спектаклем “Атриум” в полном составе поехал на Арбат к памятнику Булата Окуджавы. Актеры положили цветы, а потом устроили импровизированный концерт. Кстати, именно в этот день в Москве проходил финал Кубка европейских чемпионов по футболу. Играли “Манчестер Юнайтед” и “Челси”. Была жуткая погода, холод, дождь, Арбат был полон английскими фанатами, и тем не менее послушать песни Окуджавы собралось много людей. И вечером в театре был полный зал. Так что напрасно актеры боялись, что футбол помешает спектаклю. Конкуренцию с футболом “Атриум” выдержал!..
С особым настроением смотрел “Посвящается Вам” композитор Александр Журбин. В девяностые годы в Нью-Йорке он вместе с Еленой Соловей создал русский театр “Блуждающие звезды”. Тоже был успех, гастроли, хорошая пресса, но все это продлилось недолго. Театр закрылся, а Журбин вернулся в родной город. После спектакля композитор сказал: “Для меня это – победа того дела, которым я занимался и которое, к сожалению, мне пришлось бросить. Мы все-таки не доехали до Москвы. Были только в Калифорнии и Канаде, но никогда не ездили дальше американского континента. А “Атриум” приехал в Москву и явно имел здесь успех”. Обращаясь к коллективу, Журбин добавил: “У вас очень хорошая, музыкальная, пластичная, артистичная труппа. Я от всей души желаю, чтобы вы делали новые спектакли и радовали не только американцев, но и тех, кто живет в России. Я буду счастлив с вами сотрудничать”.
Но, может быть, самой дорогой была реакция на спектакль простых московских зрителей. Вот что пишет Ян Готлиб: “Общее впечатление – ВЕЛИКОЛЕПНО во всех компонентах: и сценарий, и режиссура, и актеры! Театр “вошел” в Окуджаву, в его философию, мировосприятие, его поэтику, музыку, сумел подчеркнуть СОБСТВЕННУЮ картину его феномена, добавить какое-то новое поэтическое и, особенно, музыкальное видение. Я испытал богатейшую гамму самых разных чувств – светлых и печальных, был тронут до слез! При этом всегда всплывало одно общее чувство – спасибо театру, что он может ЭТО сделать!.. Очень эффектно (начиная от внешности и заканчивая манерой исполнения) выглядела “женская группа”. Нельзя не отметить песни “Ворон” в исполнении Зои Фрейман. Очень органично включена в спектакль Мишель Колкевич. Очень фактурен Гарик Данилевский. Его внешность и манеру можно эксплуатировать больше... Я очень люблю и ценю АВТОРСКОЕ исполнение стихов и песен. И, конечно, сам Окуджава - это вершина исполнения его песен при том, что и вокала у него нет, и аккомпанемент весьма непритязателен. Театр “Атриум”, сохраняя его “невокальный и неоркестровый” прием подачи поэтического материала, создал свою собственную вершину. Еще одно достоинство спектакля лично для меня состояло в том, что в нем звучала ПОЭЗИЯ (а не только песни) Окуджавы, которую я очень и очень ценю. Большое, нет – огромное спасибо театру “АТРИУМ” за доставленное ВЕЛИКОЕ переживание!”
Как видите, уважаемые читатели, мнения о спектакле театра “Атриум” иногда расходятся в частностях, но в одном едины, пожалуй, все. Замечателен эмоциональный заряд спектакля, непосредственность, искренность и та положительная энергетика, которая передается в зрительный зал. Спектакль задевает за живое. Спектакль обжигает душу.
А душа, уж это точно, ежели обожжена,Справедливей, милосерднее и праведней она.
PS.
Выражаю благодарность руководителям театра “Атриум” Вячеславу Кагановичу и Евгению Колкевичу, автору инсценировки Александру Фрейману и театральному критику Михаилу Гуревичу за предоставленные аудио- и видеоматериалы.
Наша справка. Московская версия спектакля “Посвящается Вам” в театре “Атриум” будет показана 21 июня в 7.00 pm на сцене “Northbrook theatre” по адресу: 3323 Walters Ave., Northbrook. Билеты можно зарезервировать по телефону 847-729-6001.
15 июня 2008 года
16 июн. 2008 г.
8 июн. 2008 г.
“Без сохранения культурного наследия..."
Чикаго - один из самых многонациональных городов Америки. Национальные флаги, эмблемы на машинах, гербы родных городов – все это стало обычным явлением, обычным пейзажем города. Никого не удивляет звучащий на улицах, в магазинах, в офисах испанский, русский, румынский, итальянский,... какой угодно язык. Большую роль в жизни города играют выходцы из Восточной Европы. В Чикаго находятся самая большая польская община за пределами Польши, вторая по численности русскоязычная община и самая большая болгарская община за пределами Болгарии. Своеобразным смотром достижений общины стал прошедший в середине мая первый благотворительный концерт болгарской художественной самодеятельности. (Фотоотчет “с места события” можно посмотреть на сайте www.eurochicago.com.) В концерте приняли участие более семидесяти пяти исполнителей разного возраста, включая самых маленьких. Все они живут и работают в Чикаго. Зрители услышали классическую, народную и эстрадную музыку, арии из опер и оперетт, болгарские народные танцы и песни, увидели отрывки из театральных спектаклей. Концерт прошел с огромным успехом. Он стал первым крупным мероприятием, организованным болгарско-американским фондом “Наследие”. После концерта я встретился с учредителем и вице-президентом фонда Петранькой Стаматовой и попросил ее рассказать об этой организации и новых инициативах “Наследия”.
- Болгарско-американский фонд (БАФ) “Наследие” – общественная некоммерческая организация, зарегистрированная в Чикаго в декабре 2007 года. Верховным органом фонда является Собрание. Первое отчетно-выборное собрание состоится в начале следующего года. На нем будет выбран Совет директоров. Целью фонда является сохранение и распространение в Америке болгарского культурного наследия, языка, традиций и обычаев. Наш фонд охватывает все сферы духовной жизни: образование, литературу, искусство. В работе фонда может участвовать каждый. Мы открыты для новых членов, приглашаем инициативных людей, приветствуем новые идеи и предложения. Пользуясь случаем, я хочу пригласить к сотрудничеству адвокатов, знающих законы об общественных некоммерческих организациях. Эта деятельность не очень распространена в Америке. Так что если в русской общине найдутся люди, занимающиеся этими вопросами и знающие эти проблемы, пожалуйста, придите и помогите нам!
- Получается, что вы выступаете в некотором роде в роли первопроходца. До вас ничего подобного не было?
- В Чикаго есть две церкви, в городе работает болгарский музей с интересной коллекцией народных костюмов и экспонатов болгарского фольклора. У нас есть болгарские рестораны, магазины, офисы. В Чикаго давно существует танцевальный ансамбль “Хоро”, в репертуаре которого – болгарские народные танцы. Руководители ансамбля – профессиональные танцоры, а в составе ансамбля выступают любители. В будущем “Хоро” станет выступать от имени нашего фонда. В планах фонда – создание специализированных болгарских школ рисования, музыки, вокального и хореографического кружков. Уже создан шахматный клуб, где проходят турниры, в которых принимают участие взрослые и дети. В будущем мы собираемся создать и другие клубы. Но сегодня на первый план выходит проблема сохранения языка. Не зная языка, наши дети не будут знать нашей истории, наших традиций, нашей культуры. У нас нет места, где бы люди собирались вместе, отдыхали, проводили время... Нам хотелось бы создать в Чикаго нечто похожее на Культурный центр Болгарии. За образец можно взять просторный трехэтажный Ирландский культурный центр. На первом этаже там находится зал на шестьсот пятьдесят мест, музей, традиционный ирландский паб, на втором - большая, светлая библиотека, на третьем - репетиционные залы. В такой центр и самому приятно сходить, и детей привести, в таком центре можно встретиться, пообщаться на родном языке, провести любой семейный праздник. Почти все этнические общины в Чикаго имеют свои культурные центры. Такие центры есть у общин Ирландии, Хорватии, Польши, Украины...
- Ваша идея актуальна и для русской общины. Русскоязычные творческие коллективы существуют обособленно, и идея создания объединяющего всех Русского Дома тоже, как говорится, “витает в воздухе”.
- А в Болгарии это еще и традиция. Дело в том, что в Болгарии в каждом, даже самом маленьком поселке или городке, есть культурный центр, называемый по-болгарски “читалище”.
- Похожие на Дома культуры в бывшем Советском Союзе?
- Да. В таких “читалищах” есть библиотека и зал на двести-триста мест, где показывают кинофильмы, устраивают концерты художественной самодеятельности, концерты приезжих артистов, другие культурные мероприятия. Государство дает деньги на поддержку и развитие таких культурных центров, но сами эти центры работают по системе общественной некоммерческой организации. В Болгарии я работала в комитете по культуре при городском совете, и мне хотелось бы сделать нечто подобное в Чикаго. Но, честно говоря, это будет нелегко. На все требуется много денег. Наша идея состоит в том, чтобы найти помещение побольше. Какую-то часть мы могли бы использовать в качестве культурного центра, а все остальное – сдавать под офисы. Арендная плата будет в этом случае намного меньше. С другой стороны – это самый легкий путь спонсорской помощи. Я разговаривала недавно с директором Украинского музея. Они начали свою деятельность много лет назад в полном смысле этого слова в гараже. Кто-то предоставил им гараж. Потихоньку они стали развиваться, а недавно получили грант на полмиллиона долларов от американского государства. Все с чего-то начинали. Вот и нам хотелось бы начать строить свой Дом. Пора подумать о сохранении своего культурного наследия. Без сохранения культурного наследия невозможно сохранить самосознание народа.
- Сколько болгар живут в Чикаго?
- У нас очень большая община. В Чикаго и пригородах живут больше ста двадцати тысяч болгар. Это как один большой город в Болгарии. Численность болгарского населения стала стремительно расти буквально за последние семь-восемь лет. Два года назад вслед за Вашингтоном, где находится посольство Болгарии, Нью-Йорком и Лос-Анджелесом в Чикаго открылся консульский отдел.
- Почему так сложилось, что для компактного проживания болгары выбрали именно Чикаго?
- Чикаго – большой город, здесь больше возможностей найти работу. Еще до Первой мировой войны многие болгары эмигрировали именно в Чикаго. А в последнее время сюда приезжают люди, в основном, с “зеленой картой”. Один кто-то уехал, за ним потянулись другие. Так постепенно болгары стали оседать в Чикаго.
- Какие у вас планы на будущее?
- В июле открывается выставка американского этнографа, музыканта и художника Мартина Конига. Он жил в Болгарии с шестидесятых годов XX века, занимался этномузыкой, танцами и фотографией. Кониг записывал болгарские народные песни. Одна из этих песен в исполнении певицы Вали Балкански даже полетела в космос. Кониг открыл миру эту певицу. В 2005 году в Болгарии с огромным успехом была проведена его персональная фотовыставка. В этом году Чикагский культурный центр согласился провести эту выставку у себя. Центр покрывает все расходы за исключением перевозки экспонатов из Сиэттла, где живет Мартин Кониг, в Чикаго. Инициатива по сбору средств для перевозки выставки в Чикаго принадлежит консульству Болгарии. Фонд “Наследие” присоединился к этой инициативе. Кроме этого, мы ведем переговоры с болгарскими писателями и исполнителями на предмет их выступлений и гастролей в Чикаго. Есть и другие планы, но об этом пока говорить рано.
- Может быть, когда-нибудь мы увидим совместный русско-болгарский концерт?
- Конечно. Мы и сейчас поддерживаем связи с некоторыми авторами и артистами из бывшего Советского Союза. Музыка, танцы, выставки – все это объединяет людей. Тем более, что наши языки так похожи!
- Ну что ж, желаю вам и вашему фонду успехов и процветания.
PS.
Желающие оказать поддержку болгарско-американскому фонду “Наследие” могут обращаться по телефону 847-293-7325.
8 июня 2008 года
- Болгарско-американский фонд (БАФ) “Наследие” – общественная некоммерческая организация, зарегистрированная в Чикаго в декабре 2007 года. Верховным органом фонда является Собрание. Первое отчетно-выборное собрание состоится в начале следующего года. На нем будет выбран Совет директоров. Целью фонда является сохранение и распространение в Америке болгарского культурного наследия, языка, традиций и обычаев. Наш фонд охватывает все сферы духовной жизни: образование, литературу, искусство. В работе фонда может участвовать каждый. Мы открыты для новых членов, приглашаем инициативных людей, приветствуем новые идеи и предложения. Пользуясь случаем, я хочу пригласить к сотрудничеству адвокатов, знающих законы об общественных некоммерческих организациях. Эта деятельность не очень распространена в Америке. Так что если в русской общине найдутся люди, занимающиеся этими вопросами и знающие эти проблемы, пожалуйста, придите и помогите нам!
- Получается, что вы выступаете в некотором роде в роли первопроходца. До вас ничего подобного не было?
- В Чикаго есть две церкви, в городе работает болгарский музей с интересной коллекцией народных костюмов и экспонатов болгарского фольклора. У нас есть болгарские рестораны, магазины, офисы. В Чикаго давно существует танцевальный ансамбль “Хоро”, в репертуаре которого – болгарские народные танцы. Руководители ансамбля – профессиональные танцоры, а в составе ансамбля выступают любители. В будущем “Хоро” станет выступать от имени нашего фонда. В планах фонда – создание специализированных болгарских школ рисования, музыки, вокального и хореографического кружков. Уже создан шахматный клуб, где проходят турниры, в которых принимают участие взрослые и дети. В будущем мы собираемся создать и другие клубы. Но сегодня на первый план выходит проблема сохранения языка. Не зная языка, наши дети не будут знать нашей истории, наших традиций, нашей культуры. У нас нет места, где бы люди собирались вместе, отдыхали, проводили время... Нам хотелось бы создать в Чикаго нечто похожее на Культурный центр Болгарии. За образец можно взять просторный трехэтажный Ирландский культурный центр. На первом этаже там находится зал на шестьсот пятьдесят мест, музей, традиционный ирландский паб, на втором - большая, светлая библиотека, на третьем - репетиционные залы. В такой центр и самому приятно сходить, и детей привести, в таком центре можно встретиться, пообщаться на родном языке, провести любой семейный праздник. Почти все этнические общины в Чикаго имеют свои культурные центры. Такие центры есть у общин Ирландии, Хорватии, Польши, Украины...
- Ваша идея актуальна и для русской общины. Русскоязычные творческие коллективы существуют обособленно, и идея создания объединяющего всех Русского Дома тоже, как говорится, “витает в воздухе”.
- А в Болгарии это еще и традиция. Дело в том, что в Болгарии в каждом, даже самом маленьком поселке или городке, есть культурный центр, называемый по-болгарски “читалище”.
- Похожие на Дома культуры в бывшем Советском Союзе?
- Да. В таких “читалищах” есть библиотека и зал на двести-триста мест, где показывают кинофильмы, устраивают концерты художественной самодеятельности, концерты приезжих артистов, другие культурные мероприятия. Государство дает деньги на поддержку и развитие таких культурных центров, но сами эти центры работают по системе общественной некоммерческой организации. В Болгарии я работала в комитете по культуре при городском совете, и мне хотелось бы сделать нечто подобное в Чикаго. Но, честно говоря, это будет нелегко. На все требуется много денег. Наша идея состоит в том, чтобы найти помещение побольше. Какую-то часть мы могли бы использовать в качестве культурного центра, а все остальное – сдавать под офисы. Арендная плата будет в этом случае намного меньше. С другой стороны – это самый легкий путь спонсорской помощи. Я разговаривала недавно с директором Украинского музея. Они начали свою деятельность много лет назад в полном смысле этого слова в гараже. Кто-то предоставил им гараж. Потихоньку они стали развиваться, а недавно получили грант на полмиллиона долларов от американского государства. Все с чего-то начинали. Вот и нам хотелось бы начать строить свой Дом. Пора подумать о сохранении своего культурного наследия. Без сохранения культурного наследия невозможно сохранить самосознание народа.
- Сколько болгар живут в Чикаго?
- У нас очень большая община. В Чикаго и пригородах живут больше ста двадцати тысяч болгар. Это как один большой город в Болгарии. Численность болгарского населения стала стремительно расти буквально за последние семь-восемь лет. Два года назад вслед за Вашингтоном, где находится посольство Болгарии, Нью-Йорком и Лос-Анджелесом в Чикаго открылся консульский отдел.
- Почему так сложилось, что для компактного проживания болгары выбрали именно Чикаго?
- Чикаго – большой город, здесь больше возможностей найти работу. Еще до Первой мировой войны многие болгары эмигрировали именно в Чикаго. А в последнее время сюда приезжают люди, в основном, с “зеленой картой”. Один кто-то уехал, за ним потянулись другие. Так постепенно болгары стали оседать в Чикаго.
- Какие у вас планы на будущее?
- В июле открывается выставка американского этнографа, музыканта и художника Мартина Конига. Он жил в Болгарии с шестидесятых годов XX века, занимался этномузыкой, танцами и фотографией. Кониг записывал болгарские народные песни. Одна из этих песен в исполнении певицы Вали Балкански даже полетела в космос. Кониг открыл миру эту певицу. В 2005 году в Болгарии с огромным успехом была проведена его персональная фотовыставка. В этом году Чикагский культурный центр согласился провести эту выставку у себя. Центр покрывает все расходы за исключением перевозки экспонатов из Сиэттла, где живет Мартин Кониг, в Чикаго. Инициатива по сбору средств для перевозки выставки в Чикаго принадлежит консульству Болгарии. Фонд “Наследие” присоединился к этой инициативе. Кроме этого, мы ведем переговоры с болгарскими писателями и исполнителями на предмет их выступлений и гастролей в Чикаго. Есть и другие планы, но об этом пока говорить рано.
- Может быть, когда-нибудь мы увидим совместный русско-болгарский концерт?
- Конечно. Мы и сейчас поддерживаем связи с некоторыми авторами и артистами из бывшего Советского Союза. Музыка, танцы, выставки – все это объединяет людей. Тем более, что наши языки так похожи!
- Ну что ж, желаю вам и вашему фонду успехов и процветания.
PS.
Желающие оказать поддержку болгарско-американскому фонду “Наследие” могут обращаться по телефону 847-293-7325.
8 июня 2008 года
1 июн. 2008 г.
Метрополитен-опера оправдывает звание лучшего оперного театра мира
В конце апреля – начале мая довелось мне побывать в Нью-Йорке. “По прихоти своей скитаться здесь и там, Дивясь божественным природы красотам, И пред созданьями искусств и вдохновенья Трепеща радостно в восторгах умиленья...” Так писал (по другому, правда, поводу) Александр Сергеевич Пушкин, и приблизительно так чувствовал я себя в Нью-Йорке, дивясь необъятными размерами, вакханалией рекламы, но в первую очередь - разнообразием культурной жизни города. Мне повезло: в крупнейшем оперном театре мира Метрополитен-опера мне удалось послушать сочинение Гаэтано Доницетти “Дочь полка” (“La Fille du Regiment”). Мировая премьера оперы состоялась в Париже в театре “Опера-комик” 11 февраля 1840 года. Уже спустя два года силами итальянской труппы опера была поставлена в Одессе, в 1846 году состоялась ее премьера в Петербурге. Благодаря зажигательной музыке и увлекательному сюжету “Дочь полка” стала одной из самых популярных комических опер и обошла почти все сцены мира. В зависимости от местного колорита режиссеры переделывали либретто, меняли национальности героев и финал оперы, но, несмотря ни на какие постановочные фокусы и авторские прочтения, “Дочь полка” неизменно вызывала живейший интерес публики. Однако со временем она была благополучно забыта и в последнее время редко ставилась на сцене. Во многом это связано с безумно сложными в техническом отношении партиями героев. Партия Тонио считается самой сложной партией тенорового репертуара. Немыслимые колоратуры, требующие особой постановки голоса, широчайший диапазон, сложнейшие переходы от одного регистра к другому и, как апофеоз, девять верхних “До” в одной арии! Перефразируя слова героя одного популярного фильма, можно сказать, что решиться исполнить эту партию – это не подвиг, но что-то героическое в этом есть! На это отважится далеко не каждый, даже самый выдающийся певец. Одним из последних великих Тонио был Лучано Паваротти. Сорок лет назад специально для него “Дочь полка” была поставлена на сцене лондонского “Ковент-гардена”. После Паваротти место смельчака долгое время оставалось вакантным. И вот несколько лет назад его занял блистательный перуанский тенор Хуан Диего Флорес. В прошлом году он пел Тонио в “Ла Скала”, в этом году он повторил свою коронную партию в МЕТ. Однако, я кажется, забегаю вперед. О солистах – позже, а пока о самой опере.
В ней рассказывается история любимицы французского гренадерского полка сиротки Мари. Она не помнит своих родителей, ее вырастили и воспитали солдаты-гренадеры. Опекуном Мари является сержант Сюльпис, не допускающий и мысли о ее браке со штатским: только “настоящий полковник” сможет сделать Мари счастливой! А Мари, конечно же, по всем законам жанра влюбляется в простого парня по имени Тонио. Молодые влюбленные скрываются от сержанта и гренадеров, мечтая о свадьбе. Положение осложняется появлением маркизы Беркенфилд, которая много лет назад потеряла ребенка и теперь узнает, что это Мари. К огорчению солдат и Тонио, маркиза силой увозит девушку в свой замок, где специально приставленные учителя должны воспитать ее в светском духе и искоренить воспоминания о прошлом. Все попытки превращения Мари в светскую даму кончаются неудачей: солдатское воспитание пробивается наружу. Мари с отвращением относится к навязанному ей жениху-аристократу. Все ее мысли связаны с Тонио и родным полком. И вот как-то под звуки военного марша в дом маркизы врываются друзья Мари, и среди них Тонио, дослужившийся до звания капитана, – чего не сделаешь ради любви! Мари счастлива – она, наконец, вернется к своему образу жизни. Аристократы шокированы, жених убегает, Мари выходит замуж за Тонио, и занавес опускается под гром аплодисментов...
Метрополитен-опера (если точнее, “Дочь полка” - совместное производство лондонского “Ковент-гардена”, Венской оперы и Метрополитен-оперы)
блестяще показала, как нужно ставить комические оперы. Легко, на смехе, озорно... Как смешна походка Мари (Натали Дессе), как по-солдатски четки ее движения! Как карикатурно выглядит старый ворчун, сержант Сюльпис (Алессандро Корбелли), командуя полком и воспитывая девушку! Как стремителен Тонио (Хуан Диего Флорес) в своем желании сделать все возможное для Мари! Как нелепо и смешно выглядят попытки маркизы Беркенфилд (Фелисити Палмер) перевоспитать Мари! Как чудесно подыгрывает солистам гренадерский полк, активно участвуя в действии! (Очередная победа хормейстера Дональда Палумбо. Он работает в МЕТе первый сезон, до этого долгие годы служил хормейстером в Лирик-опере.) “Дочь полка” пестрит виртуозно поставленными мизансценами, в стремительном темпе сменяющими друг друга. Чего стоит только танк, на котором появляется Тонио, чтобы вызволить Мари из аристократической тюрьмы! Оттуда, как Ленин с броневика, Тонио поет свою выходную арию. Все сделано с большим чувством вкуса, остроумно и очень динамично. Не припомню, когда еще на оперном спектакле я столько смеялся, опера полностью оправдывает подзаголовок “комическая”. Браво режиссеру спектакля, французскому мастеру Лорену Пелли! “Дочь полка” - дебют режиссера на сцене МЕТа. Всего в послужном списке Пелли – более пятидесяти оперных постановок за последние двадцать лет. В этом году режиссер стал артистическим директором Национального театра в Тулузе.
Волшебная музыка Доницетти служит полноправным участником насыщенного до предела стремительного действия. “Дочь полка” пленяет неиссякаемым остроумием, мелодической щедростью и виртуозным блеском вокальных партий. Безусловными героями спектакля стали исполнители главных партий Натали Дессе и Хуан Диего Флорес.
Партия Мари как будто создана для Дессе. Одно удовольствие наблюдать, как играючи, с невероятной виртуозностью исполняет певица безумно трудные пассажи, при этом абсолютно перевоплощаясь в свою героиню. Когда она в военных галифе с подтяжками впервые появляется на сцене, ее даже не сразу узнаешь. Она таскает мешки с бельем, гладит мужские рубашки, чистит картошку, развешивает панталоны... В ее угловатых манерах и бесформенной фигуре невозможно распознать красивую, да еще влюбленную девушку. А во втором действии она попадает в замок к маркизе, и та учит ее хорошим (аристократическим) манерам. Зал хохочет, когда бедная Мари-Дессе (в платье, что непривычно для “дочери полка”) мучается, изучая скучнейшую арию, – видимо, одну из тех, которые регулярно исполняют аристократы за завтраком... Можно пересказывать практически каждую сцену с участием певицы, ибо все они тщательно выверены и доведены до совершенства. Никогда прежде в опере мне не приходилось видеть такого идеального сочетания актерской игры и вокальной техники.
Французскую певицу Натали Дессе за ее фантастической красоты голос критики назвали “французским чудом”. Она родилась 19 апреля 1965 года в Лионе. В раннем возрасте с семьей переехала в Бордо. Натали мечтала о балете, но поступила в консерваторию драматических искусство Бордо на отделение актерского мастерства и вокальное отделение. Училась она просто потрясающе: закончила пятилетний курс всего за один год и закончила консерваторию в двадцать лет! После короткого периода работы в хоре театра “Капитолий” в Тулузе в 1989 году и Второй премии на конкурсе вокалистов “Concours des Voix nouvelles” Дессе поступила в школу оперного пения при Парижской опере, после окончания которой получила первые приглашения в качестве солистки. В 1992 году Дессе исполнила партию Олимпии в опере Оффенбаха “Сказки Гофмана” в постановке Романа Полански в Опера де Бастиль. На следующий год Дессе была приглашена в Венскую оперу на партию Блондхен в “Похищении из Сераля” Моцарта, вслед за этим последовали приглашения в крупнейшие оперные театры мира. “Надежда Франции” исполняет одну партию за другой. Ее любимыми являются Царица ночи в “Волшебной флейте” В.А.Моцарта, Эвридика в “Орфее и Эвридике” К.В.Глюка, Амина в “Сомнамбуле” В.Беллини, Цербинетта в “Ариадне на Наксосе” Р.Штрауса. Натали Дессе нарасхват, о французской звезде говорит весь музыкальный мир! В 2001 году она впервые исполняет партию Лючии в опере Доницетти “Лючия де Ламермур”, и тогда же у нее возникают проблемы с голосом. Певица отменяет почти все запланированные заранее спектакли в Венской опере, и в июле 2002 года ей делают операцию на голосовых связках. Голос возвращается, певица снова включается в активную творческую жизнь. Уже в феврале 2003 года она выступила с сольным концертом в Париже, но вскоре опять начались проблемы с голосом. Ей была сделана еще одна операция. Две тяжелейшие операции на связках за два года! Многие думали, что вокальной карьере Натали Дессе придет конец. Многие, но только не она. Преодолев все преграды и научившись заново петь, она вернулась победительницей. С середины 2005 года она вновь активно выступает на оперных сценах мира.
Работать с Дессе нелегко. Она своенравна, заводится с пол-оборота, не терпит халтуры. В работе дотошна до мелочей. Оперный режиссер Роберт Карсен, который работал с ней над образом Царицы ночи, говорит о певице так: “Натали Дессе настолько открыта к любым неожиданностям, что, работая с ней, я не боюсь экспериментировать. С ней возможно все”.
Натали Дессе четыре раза становилась обладателем ежегодной французской премии в области академической музыки “Музыкальные победы”. В 2007 году она получила премию имени Лоуренса Оливье за выдающиеся достижения в оперном искусстве. В 2009 году к своему обширному репертуару Натали Дессе добавит партию Виолетты в “Травиате” Дж.Верди. Она исполнит ее в Сан-Францисской опере. Режиссером спектакля заявлен все тот же Лорен Пелли, а партию Жоржа Жермона исполнит муж певицы, французский баритон Лорен Наури.
Чикагские любители оперы хорошо знают волшебный голос Натали Дессе. Она выступала в Лирик-опере в партиях Моргана в “Альчине” Г.Ф.Генделя, Лючии в “Лючии де Ламермур” Г.Доницетти. Осенью в Чикаго состоится новая встреча с певицей. Она исполнит партию Манон в одноименной опере Жюля Массне в первой постановке нового сезона Лирик-оперы (сентябрь-октябрь 2008 года).
А вот когда к нам снова приедет “перуанское чудо”, пока остается неизвестным. Пока в Лирик-опере Хуан Диего Флорес выступал всего один раз, исполнив партию Дона Рамиро в опере Дж.Россини “Золушка”.
Тенор Хуан Диего Флорес родился 13 января 1973 года в Лиме (Перу). Учился в Национальной консерватории музыки в Лиме и Институте Кертиса в Филадельфии. Профессиональный дебют на оперной сцене состоялся у певца в партии Коррадино в опере Дж.Россини “Матильда Де Шабран” на фестивале музыки Россини в Пезаро в 1996 году. Первый CD Флореса также состоял из оперных арий Россини. Запись получила награду в области классической музыки в Каннах в 2003 году. Такой же награды в 2004 году был удостоен новый альбом Флореса “Una Furtiva Lagrima”. Сам певец называет свой изумительный по красоте тембра и безупречный в техническом отношении голос “меланхолическим голосом Россини и композиторов-романтиков”.
Я помню, в партии Дона Рамиро прекрасный голос певца сочетался с некоторой актерской невыразительностью. Флорес тогда немного выбивался из общего состава спектакля своей неподвижностью. Он пел, обращаясь в зрительный зал, а не к Золушке, показывая нам фантастические возможности голоса. В партии Тонио все было не так. Помимо своего вокального таланта певец раскрылся как замечательный комедийный актер.
В первом акте все, конечно, ждали знаменитой арии Тонио “Ah, mes amis” – той самой, которая сделала звездой Лучано Паваротти. Все ждали повторения Чуда, и Флорес оправдал ожидания. Последние звуки оркестра утонули в море аплодисментов. Стоячая овация зрительного зала не дала возможности продолжить спектакль, и Флорес спел арию на бис. До Нью-Йорка он повторил эту арию в Болонье, Генуе, в Японии и в феврале 2007 года в “Ла Скале”. После пятиминутных оваций дирижер позволил оркестру вновь сыграть арию и певец повторил свою партию. Впервые за почти три четверти века (!) в миланском оперном театре была исполнена ария на бис. Последний раз такая честь была предоставлена в “Ла Скала” великому Федору Шаляпину. В 1933 году он повторил на бис арию Бартоло из “Севильского цирюльника” Дж.Россини. Дело в том, что итальянский дирижер Артуро Тосканини категорически запретил бисирование, так как это нарушает драматургическую последовательность действия. Этот запрет нарушался только дважды, и оба раза исключения были сделаны для хора в операх Дж.Верди “Ломбардцы в первом крестовом походе” в 1984 году и “Набукко” в 1996. Что касается солистов, то запрет соблюдался неукоснительно. Самые великие певцы XX века никогда не пели на бис в “Ла Скала”. Негласный запрет на это действовал и в МЕТе. Однако с приходом в театр нового генерального директора Питера Гелба ситуация стала меняться. И действительно, зрители приходят в театр услышать солистов, и если исполнение нравится публике и они просят солистов повторить арии, почему это нужно запрещать? Тем более, что великие голоса встречаются редко, а потому пение на бис не станет системой, а всегда останется приятным исключением.
До премьеры “Дочери полка” в Нью-Йорке Гелб разговаривал с Флоресом и сказал ему, что если публика попросит и певец захочет, он не будет возражать против повторения арии. Когда на первом исполнении оперы раздалась буря аплодисментов, Гелб был у себя в кабинете. Директор нажал кнопку на своем столе, дирижер спектакля Марко Амилиато получил сигнал, оркестр заиграл вступление, и Флорес повторил арию. Так продолжалось на каждом спектакле, так было и в тот день, когда я слушал оперу.
В “Дочери полка” хороши все: итальянский баритон Алессандро Корбелли в партии сержанта Сюльписа, английское меццо-сопрано Фелисити Палмер в образе маркизы Беркенфилд, баритон Дональд Максвелл в партии дворецкого... В целом “Дочь полка” смело можно назвать одной из самых увлекательных оперных постановок последних лет.
Находясь в зале Метрополитен-оперы и слушая “Дочь полка”, я невольно сравнивал нью-йоркский театр с чикагским. Различий много, начиная от субтитров. Если в Лирик-опере над сценой висит длинный узкий экран, где пишутся английские субтитры, то в МЕТе перед каждым сидением (даже перед стоячими – я проверил!) находится светящееся табло. Говорят, музыкальный руководитель Метрополитен-оперы Джеймс Ливайн сказал, что не хочет принуждать зрителей читать перевод, если они этого не хотят. Поэтому в Нью-Йорке придумали другой вариант: маленькое табло на спинке сидения перед тобой. Его можно включить в процессе представления.
Поразила прекрасная акустика МЕТа. Не секрет, что в Лирик-опере есть зоны, куда лучше не садиться – рискуешь ничего не услышать. В МЕТе такого нет. Отовсюду замечательно видно и слышно. Поразило большое количество молодых лиц в зрительном зале. Я привык, что в оперный театр обычно ходят старики. В МЕТе все не так: много молодежи, публика реагирует на происходящее очень живо. Да и пожилые люди совсем не такие сонные, как в Чикаго. Рядом со мной сидела старушка и бурно выражала свои эмоции, откликаясь на каждую, удачно взятую ноту. А рядом с женой сидел оперный фанат и, как она рассказывала, так волновался перед каждым верхним “До” Флореса, как будто ему самому предстояло его взять. Кроме этого, на спектакле, исполнявшемся на французском языке, смеялись еще до всякого перевода. Казалось, что весь зал, кроме нас, неучей, понимает французский.
Так что не только “Дочь полка”, но и сам оперный театр произвел самое благоприятное впечатление. Впрочем, с недавнего времени лучшие оперные спектакли МЕТа можно смотреть в кинотеатрах Америки и всего мира. Желающие могли увидеть и обозреваемую мною сегодня оперу. 26 апреля 2008 года “Дочь полка” в прямом эфире демонстрировалась в кино.
Да, звучит невероятно, но это так: опера пришла в кино! Невиданный эксперимент вот уже третий год проводит Питер Гелб, третий год лучшие оперные спектакли Метрополитен-оперы можно увидеть в кинотеатрах по всему миру, в том числе в Чикаго и пригородах. За три года инициатива Гелба приобрела огромную популярность. Опера – искусство дорогое, доступное далеко не всем. Что делать тем любителям оперы, которые живут в провинции, вдали от крупных городов и оперных театров, и не имеют возможности послушать оперу в зрительном зале? Подобно телевидению, кинотеатр становится единственным общедоступным местом, где можно услышать и увидеть лучших солистов, звезд современной оперы. К тому же с помощью сотен камер, умело распределенных по всему огромному МЕТу, можно заметить самые мелкие детали, которые в самом зале визуально доступны лишь зрителям первых рядов. Когда смотришь и слушаешь оперу в кинотеатре, возникает абсолютный эффект присутствия в зрительном зале. Более того, камера пробирается даже за кулисы, показывая солистов за минуту до выхода на сцену. Как написала в одном блоге юная любительница оперы: “Круговорот живого электричества в зале между артистами и зрителем сам по себе производит колоссальное впечатление, а в кино-опере это ощущение чудесным образом удваивается: представляешь тысячи тебе подобных зрителей в разных уголках мира, смотрящих то же самое, что ты в данную секунду”.С каждым сезоном количество спектаклей, которые можно увидеть в кинотеатрах, увеличивается. В сезоне 2008-09 годов их будет одиннадцать. Привожу расписание предстоящих показов.
22 сентября 2008 года. 6.30 pm ET. (Трансляция только в Северной Америке.)
Торжественное открытие 125-го сезона Метрополитен-оперы. В программе:
“Травиата” Дж.Верди. Акт II.
“Манон” Ж.Массне. Акт III.
“Каприччио” Р.Штраус. Финальная сцена.
Дирижеры – Джеймс Ливайн и Марко Армилиато.
В главных партиях: Рене Флеминг, Рамон Варгас, Томас Хэмпсон.
11 октября 2008 года. 1.00 pm ET. “Саломея” Р.Штраус.
Дирижер – Микко Франк. Режиссер – Юрген Флимм.
В главных партиях: Карита Маттила, Илдико Комлози, Ким Бегли.
8 ноября 2008 года. 1.00 pm ET. “Доктор Атомик” Дж.Адамс.
Дирижер – Алан Жилберт. Режиссер – Пенни Вулкок.
В главных партиях: Саша Кук, Мередит Орвади, Джеральд Финли.
22 ноября 2008 года. 1.00 pm ET. “Осуждение Фауста” Г.Берлиоз.
Дирижер – Джеймс Ливайн. Режиссер – Роберт Лепаж.
В главных партиях: Сюзан Грэм, Марчелло Джордани, Джон Реллиа.
20 декабря 2008 года. 12.00 pm ET. “Таис” Ж.Массне.
Дирижер – Джезус Лопес-Лобос. Режиссер – Джон Кокс.
В главных партиях: Рене Флеминг, Томас Хэмпсон, Майкл Шаде.
10 января 2009 года. 1.00 pm ET. “Рондина” Дж.Пуччини.
Дирижер – Марко Армилиато. Режиссер – Николас Джоэл.
В главных партиях: Анжела Георгиу, Роберто Аланья, Лизетт Оропеза.
24 января 2009 года. 1.00 pm ET. “Орфей и Эвридика” К.В.Глюк.
Дирижер – Джеймс Ливайн. Режиссер – Марк Моррис.
В главных партиях: Стефани Блит, Даниэлла Де Низе.
7 февраля 2009 года. 1.00 pm ET. “Лючия де Ламермур” Г.Доницетти.
Дирижер – Марко Армилиато. Режиссер – Мэри Зиммерман.
В главных партиях: Анна Нетребко, Роландо Виллазон, Мариуш Квичин, Ильдар Абдразаков.
7 марта 2009 года. 1.00 pm ET. “Мадам Баттерфляй” Дж.Пуччини.
Дирижер – Патрик Саммерс. Режиссер – Энтони Мингелла.
В главных партиях: Кристина Галлардо-Домас, Марчелло Джордани.
21 марта 2009 года. 1.00 pm ET. “Сомнамбула” В.Беллини.
Дирижер – Эвелино Пидо. Режиссер – Мэри Зиммерман.
В главных партиях: Натали Дессе, Хуан Диего Флорес, Мишель Пертузи.
9 мая 2009 года. 12.30 pm ET. “Золушка” Дж.Россини.
Дирижер – Маурицио Бенини. Режиссер – Цезаре Ливи.
В главных партиях: Элина Гаранча, Лоуренс Браунли, Симоне Альберджини.
В Иллинойсе всего шесть кинотеатров, участвующих в акции Метрополитен-оперы, однако в будущем сезоне их количество возрастет. Подробную информацию о предстоящих показах, а также адреса кинотеатров вы найдете на Интернет-сайте http://www.metoperafamily.org/metopera/broadcast/hd_events.aspx.
До встречи на спектаклях Метрополитен-оперы!
1 июня 2008 года
В ней рассказывается история любимицы французского гренадерского полка сиротки Мари. Она не помнит своих родителей, ее вырастили и воспитали солдаты-гренадеры. Опекуном Мари является сержант Сюльпис, не допускающий и мысли о ее браке со штатским: только “настоящий полковник” сможет сделать Мари счастливой! А Мари, конечно же, по всем законам жанра влюбляется в простого парня по имени Тонио. Молодые влюбленные скрываются от сержанта и гренадеров, мечтая о свадьбе. Положение осложняется появлением маркизы Беркенфилд, которая много лет назад потеряла ребенка и теперь узнает, что это Мари. К огорчению солдат и Тонио, маркиза силой увозит девушку в свой замок, где специально приставленные учителя должны воспитать ее в светском духе и искоренить воспоминания о прошлом. Все попытки превращения Мари в светскую даму кончаются неудачей: солдатское воспитание пробивается наружу. Мари с отвращением относится к навязанному ей жениху-аристократу. Все ее мысли связаны с Тонио и родным полком. И вот как-то под звуки военного марша в дом маркизы врываются друзья Мари, и среди них Тонио, дослужившийся до звания капитана, – чего не сделаешь ради любви! Мари счастлива – она, наконец, вернется к своему образу жизни. Аристократы шокированы, жених убегает, Мари выходит замуж за Тонио, и занавес опускается под гром аплодисментов...
Метрополитен-опера (если точнее, “Дочь полка” - совместное производство лондонского “Ковент-гардена”, Венской оперы и Метрополитен-оперы)
блестяще показала, как нужно ставить комические оперы. Легко, на смехе, озорно... Как смешна походка Мари (Натали Дессе), как по-солдатски четки ее движения! Как карикатурно выглядит старый ворчун, сержант Сюльпис (Алессандро Корбелли), командуя полком и воспитывая девушку! Как стремителен Тонио (Хуан Диего Флорес) в своем желании сделать все возможное для Мари! Как нелепо и смешно выглядят попытки маркизы Беркенфилд (Фелисити Палмер) перевоспитать Мари! Как чудесно подыгрывает солистам гренадерский полк, активно участвуя в действии! (Очередная победа хормейстера Дональда Палумбо. Он работает в МЕТе первый сезон, до этого долгие годы служил хормейстером в Лирик-опере.) “Дочь полка” пестрит виртуозно поставленными мизансценами, в стремительном темпе сменяющими друг друга. Чего стоит только танк, на котором появляется Тонио, чтобы вызволить Мари из аристократической тюрьмы! Оттуда, как Ленин с броневика, Тонио поет свою выходную арию. Все сделано с большим чувством вкуса, остроумно и очень динамично. Не припомню, когда еще на оперном спектакле я столько смеялся, опера полностью оправдывает подзаголовок “комическая”. Браво режиссеру спектакля, французскому мастеру Лорену Пелли! “Дочь полка” - дебют режиссера на сцене МЕТа. Всего в послужном списке Пелли – более пятидесяти оперных постановок за последние двадцать лет. В этом году режиссер стал артистическим директором Национального театра в Тулузе.
Волшебная музыка Доницетти служит полноправным участником насыщенного до предела стремительного действия. “Дочь полка” пленяет неиссякаемым остроумием, мелодической щедростью и виртуозным блеском вокальных партий. Безусловными героями спектакля стали исполнители главных партий Натали Дессе и Хуан Диего Флорес.
Партия Мари как будто создана для Дессе. Одно удовольствие наблюдать, как играючи, с невероятной виртуозностью исполняет певица безумно трудные пассажи, при этом абсолютно перевоплощаясь в свою героиню. Когда она в военных галифе с подтяжками впервые появляется на сцене, ее даже не сразу узнаешь. Она таскает мешки с бельем, гладит мужские рубашки, чистит картошку, развешивает панталоны... В ее угловатых манерах и бесформенной фигуре невозможно распознать красивую, да еще влюбленную девушку. А во втором действии она попадает в замок к маркизе, и та учит ее хорошим (аристократическим) манерам. Зал хохочет, когда бедная Мари-Дессе (в платье, что непривычно для “дочери полка”) мучается, изучая скучнейшую арию, – видимо, одну из тех, которые регулярно исполняют аристократы за завтраком... Можно пересказывать практически каждую сцену с участием певицы, ибо все они тщательно выверены и доведены до совершенства. Никогда прежде в опере мне не приходилось видеть такого идеального сочетания актерской игры и вокальной техники.
Французскую певицу Натали Дессе за ее фантастической красоты голос критики назвали “французским чудом”. Она родилась 19 апреля 1965 года в Лионе. В раннем возрасте с семьей переехала в Бордо. Натали мечтала о балете, но поступила в консерваторию драматических искусство Бордо на отделение актерского мастерства и вокальное отделение. Училась она просто потрясающе: закончила пятилетний курс всего за один год и закончила консерваторию в двадцать лет! После короткого периода работы в хоре театра “Капитолий” в Тулузе в 1989 году и Второй премии на конкурсе вокалистов “Concours des Voix nouvelles” Дессе поступила в школу оперного пения при Парижской опере, после окончания которой получила первые приглашения в качестве солистки. В 1992 году Дессе исполнила партию Олимпии в опере Оффенбаха “Сказки Гофмана” в постановке Романа Полански в Опера де Бастиль. На следующий год Дессе была приглашена в Венскую оперу на партию Блондхен в “Похищении из Сераля” Моцарта, вслед за этим последовали приглашения в крупнейшие оперные театры мира. “Надежда Франции” исполняет одну партию за другой. Ее любимыми являются Царица ночи в “Волшебной флейте” В.А.Моцарта, Эвридика в “Орфее и Эвридике” К.В.Глюка, Амина в “Сомнамбуле” В.Беллини, Цербинетта в “Ариадне на Наксосе” Р.Штрауса. Натали Дессе нарасхват, о французской звезде говорит весь музыкальный мир! В 2001 году она впервые исполняет партию Лючии в опере Доницетти “Лючия де Ламермур”, и тогда же у нее возникают проблемы с голосом. Певица отменяет почти все запланированные заранее спектакли в Венской опере, и в июле 2002 года ей делают операцию на голосовых связках. Голос возвращается, певица снова включается в активную творческую жизнь. Уже в феврале 2003 года она выступила с сольным концертом в Париже, но вскоре опять начались проблемы с голосом. Ей была сделана еще одна операция. Две тяжелейшие операции на связках за два года! Многие думали, что вокальной карьере Натали Дессе придет конец. Многие, но только не она. Преодолев все преграды и научившись заново петь, она вернулась победительницей. С середины 2005 года она вновь активно выступает на оперных сценах мира.
Работать с Дессе нелегко. Она своенравна, заводится с пол-оборота, не терпит халтуры. В работе дотошна до мелочей. Оперный режиссер Роберт Карсен, который работал с ней над образом Царицы ночи, говорит о певице так: “Натали Дессе настолько открыта к любым неожиданностям, что, работая с ней, я не боюсь экспериментировать. С ней возможно все”.
Натали Дессе четыре раза становилась обладателем ежегодной французской премии в области академической музыки “Музыкальные победы”. В 2007 году она получила премию имени Лоуренса Оливье за выдающиеся достижения в оперном искусстве. В 2009 году к своему обширному репертуару Натали Дессе добавит партию Виолетты в “Травиате” Дж.Верди. Она исполнит ее в Сан-Францисской опере. Режиссером спектакля заявлен все тот же Лорен Пелли, а партию Жоржа Жермона исполнит муж певицы, французский баритон Лорен Наури.
Чикагские любители оперы хорошо знают волшебный голос Натали Дессе. Она выступала в Лирик-опере в партиях Моргана в “Альчине” Г.Ф.Генделя, Лючии в “Лючии де Ламермур” Г.Доницетти. Осенью в Чикаго состоится новая встреча с певицей. Она исполнит партию Манон в одноименной опере Жюля Массне в первой постановке нового сезона Лирик-оперы (сентябрь-октябрь 2008 года).
А вот когда к нам снова приедет “перуанское чудо”, пока остается неизвестным. Пока в Лирик-опере Хуан Диего Флорес выступал всего один раз, исполнив партию Дона Рамиро в опере Дж.Россини “Золушка”.
Тенор Хуан Диего Флорес родился 13 января 1973 года в Лиме (Перу). Учился в Национальной консерватории музыки в Лиме и Институте Кертиса в Филадельфии. Профессиональный дебют на оперной сцене состоялся у певца в партии Коррадино в опере Дж.Россини “Матильда Де Шабран” на фестивале музыки Россини в Пезаро в 1996 году. Первый CD Флореса также состоял из оперных арий Россини. Запись получила награду в области классической музыки в Каннах в 2003 году. Такой же награды в 2004 году был удостоен новый альбом Флореса “Una Furtiva Lagrima”. Сам певец называет свой изумительный по красоте тембра и безупречный в техническом отношении голос “меланхолическим голосом Россини и композиторов-романтиков”.
Я помню, в партии Дона Рамиро прекрасный голос певца сочетался с некоторой актерской невыразительностью. Флорес тогда немного выбивался из общего состава спектакля своей неподвижностью. Он пел, обращаясь в зрительный зал, а не к Золушке, показывая нам фантастические возможности голоса. В партии Тонио все было не так. Помимо своего вокального таланта певец раскрылся как замечательный комедийный актер.
В первом акте все, конечно, ждали знаменитой арии Тонио “Ah, mes amis” – той самой, которая сделала звездой Лучано Паваротти. Все ждали повторения Чуда, и Флорес оправдал ожидания. Последние звуки оркестра утонули в море аплодисментов. Стоячая овация зрительного зала не дала возможности продолжить спектакль, и Флорес спел арию на бис. До Нью-Йорка он повторил эту арию в Болонье, Генуе, в Японии и в феврале 2007 года в “Ла Скале”. После пятиминутных оваций дирижер позволил оркестру вновь сыграть арию и певец повторил свою партию. Впервые за почти три четверти века (!) в миланском оперном театре была исполнена ария на бис. Последний раз такая честь была предоставлена в “Ла Скала” великому Федору Шаляпину. В 1933 году он повторил на бис арию Бартоло из “Севильского цирюльника” Дж.Россини. Дело в том, что итальянский дирижер Артуро Тосканини категорически запретил бисирование, так как это нарушает драматургическую последовательность действия. Этот запрет нарушался только дважды, и оба раза исключения были сделаны для хора в операх Дж.Верди “Ломбардцы в первом крестовом походе” в 1984 году и “Набукко” в 1996. Что касается солистов, то запрет соблюдался неукоснительно. Самые великие певцы XX века никогда не пели на бис в “Ла Скала”. Негласный запрет на это действовал и в МЕТе. Однако с приходом в театр нового генерального директора Питера Гелба ситуация стала меняться. И действительно, зрители приходят в театр услышать солистов, и если исполнение нравится публике и они просят солистов повторить арии, почему это нужно запрещать? Тем более, что великие голоса встречаются редко, а потому пение на бис не станет системой, а всегда останется приятным исключением.
До премьеры “Дочери полка” в Нью-Йорке Гелб разговаривал с Флоресом и сказал ему, что если публика попросит и певец захочет, он не будет возражать против повторения арии. Когда на первом исполнении оперы раздалась буря аплодисментов, Гелб был у себя в кабинете. Директор нажал кнопку на своем столе, дирижер спектакля Марко Амилиато получил сигнал, оркестр заиграл вступление, и Флорес повторил арию. Так продолжалось на каждом спектакле, так было и в тот день, когда я слушал оперу.
В “Дочери полка” хороши все: итальянский баритон Алессандро Корбелли в партии сержанта Сюльписа, английское меццо-сопрано Фелисити Палмер в образе маркизы Беркенфилд, баритон Дональд Максвелл в партии дворецкого... В целом “Дочь полка” смело можно назвать одной из самых увлекательных оперных постановок последних лет.
Находясь в зале Метрополитен-оперы и слушая “Дочь полка”, я невольно сравнивал нью-йоркский театр с чикагским. Различий много, начиная от субтитров. Если в Лирик-опере над сценой висит длинный узкий экран, где пишутся английские субтитры, то в МЕТе перед каждым сидением (даже перед стоячими – я проверил!) находится светящееся табло. Говорят, музыкальный руководитель Метрополитен-оперы Джеймс Ливайн сказал, что не хочет принуждать зрителей читать перевод, если они этого не хотят. Поэтому в Нью-Йорке придумали другой вариант: маленькое табло на спинке сидения перед тобой. Его можно включить в процессе представления.
Поразила прекрасная акустика МЕТа. Не секрет, что в Лирик-опере есть зоны, куда лучше не садиться – рискуешь ничего не услышать. В МЕТе такого нет. Отовсюду замечательно видно и слышно. Поразило большое количество молодых лиц в зрительном зале. Я привык, что в оперный театр обычно ходят старики. В МЕТе все не так: много молодежи, публика реагирует на происходящее очень живо. Да и пожилые люди совсем не такие сонные, как в Чикаго. Рядом со мной сидела старушка и бурно выражала свои эмоции, откликаясь на каждую, удачно взятую ноту. А рядом с женой сидел оперный фанат и, как она рассказывала, так волновался перед каждым верхним “До” Флореса, как будто ему самому предстояло его взять. Кроме этого, на спектакле, исполнявшемся на французском языке, смеялись еще до всякого перевода. Казалось, что весь зал, кроме нас, неучей, понимает французский.
Так что не только “Дочь полка”, но и сам оперный театр произвел самое благоприятное впечатление. Впрочем, с недавнего времени лучшие оперные спектакли МЕТа можно смотреть в кинотеатрах Америки и всего мира. Желающие могли увидеть и обозреваемую мною сегодня оперу. 26 апреля 2008 года “Дочь полка” в прямом эфире демонстрировалась в кино.
Да, звучит невероятно, но это так: опера пришла в кино! Невиданный эксперимент вот уже третий год проводит Питер Гелб, третий год лучшие оперные спектакли Метрополитен-оперы можно увидеть в кинотеатрах по всему миру, в том числе в Чикаго и пригородах. За три года инициатива Гелба приобрела огромную популярность. Опера – искусство дорогое, доступное далеко не всем. Что делать тем любителям оперы, которые живут в провинции, вдали от крупных городов и оперных театров, и не имеют возможности послушать оперу в зрительном зале? Подобно телевидению, кинотеатр становится единственным общедоступным местом, где можно услышать и увидеть лучших солистов, звезд современной оперы. К тому же с помощью сотен камер, умело распределенных по всему огромному МЕТу, можно заметить самые мелкие детали, которые в самом зале визуально доступны лишь зрителям первых рядов. Когда смотришь и слушаешь оперу в кинотеатре, возникает абсолютный эффект присутствия в зрительном зале. Более того, камера пробирается даже за кулисы, показывая солистов за минуту до выхода на сцену. Как написала в одном блоге юная любительница оперы: “Круговорот живого электричества в зале между артистами и зрителем сам по себе производит колоссальное впечатление, а в кино-опере это ощущение чудесным образом удваивается: представляешь тысячи тебе подобных зрителей в разных уголках мира, смотрящих то же самое, что ты в данную секунду”.С каждым сезоном количество спектаклей, которые можно увидеть в кинотеатрах, увеличивается. В сезоне 2008-09 годов их будет одиннадцать. Привожу расписание предстоящих показов.
22 сентября 2008 года. 6.30 pm ET. (Трансляция только в Северной Америке.)
Торжественное открытие 125-го сезона Метрополитен-оперы. В программе:
“Травиата” Дж.Верди. Акт II.
“Манон” Ж.Массне. Акт III.
“Каприччио” Р.Штраус. Финальная сцена.
Дирижеры – Джеймс Ливайн и Марко Армилиато.
В главных партиях: Рене Флеминг, Рамон Варгас, Томас Хэмпсон.
11 октября 2008 года. 1.00 pm ET. “Саломея” Р.Штраус.
Дирижер – Микко Франк. Режиссер – Юрген Флимм.
В главных партиях: Карита Маттила, Илдико Комлози, Ким Бегли.
8 ноября 2008 года. 1.00 pm ET. “Доктор Атомик” Дж.Адамс.
Дирижер – Алан Жилберт. Режиссер – Пенни Вулкок.
В главных партиях: Саша Кук, Мередит Орвади, Джеральд Финли.
22 ноября 2008 года. 1.00 pm ET. “Осуждение Фауста” Г.Берлиоз.
Дирижер – Джеймс Ливайн. Режиссер – Роберт Лепаж.
В главных партиях: Сюзан Грэм, Марчелло Джордани, Джон Реллиа.
20 декабря 2008 года. 12.00 pm ET. “Таис” Ж.Массне.
Дирижер – Джезус Лопес-Лобос. Режиссер – Джон Кокс.
В главных партиях: Рене Флеминг, Томас Хэмпсон, Майкл Шаде.
10 января 2009 года. 1.00 pm ET. “Рондина” Дж.Пуччини.
Дирижер – Марко Армилиато. Режиссер – Николас Джоэл.
В главных партиях: Анжела Георгиу, Роберто Аланья, Лизетт Оропеза.
24 января 2009 года. 1.00 pm ET. “Орфей и Эвридика” К.В.Глюк.
Дирижер – Джеймс Ливайн. Режиссер – Марк Моррис.
В главных партиях: Стефани Блит, Даниэлла Де Низе.
7 февраля 2009 года. 1.00 pm ET. “Лючия де Ламермур” Г.Доницетти.
Дирижер – Марко Армилиато. Режиссер – Мэри Зиммерман.
В главных партиях: Анна Нетребко, Роландо Виллазон, Мариуш Квичин, Ильдар Абдразаков.
7 марта 2009 года. 1.00 pm ET. “Мадам Баттерфляй” Дж.Пуччини.
Дирижер – Патрик Саммерс. Режиссер – Энтони Мингелла.
В главных партиях: Кристина Галлардо-Домас, Марчелло Джордани.
21 марта 2009 года. 1.00 pm ET. “Сомнамбула” В.Беллини.
Дирижер – Эвелино Пидо. Режиссер – Мэри Зиммерман.
В главных партиях: Натали Дессе, Хуан Диего Флорес, Мишель Пертузи.
9 мая 2009 года. 12.30 pm ET. “Золушка” Дж.Россини.
Дирижер – Маурицио Бенини. Режиссер – Цезаре Ливи.
В главных партиях: Элина Гаранча, Лоуренс Браунли, Симоне Альберджини.
В Иллинойсе всего шесть кинотеатров, участвующих в акции Метрополитен-оперы, однако в будущем сезоне их количество возрастет. Подробную информацию о предстоящих показах, а также адреса кинотеатров вы найдете на Интернет-сайте http://www.metoperafamily.org/metopera/broadcast/hd_events.aspx.
До встречи на спектаклях Метрополитен-оперы!
1 июня 2008 года
Девушка-Дерево-Девушка
...Поговорим о сказке. Поговорим об истории любви, верности и преданности со счастливым началом и счастливым концом. Поговорим о представлении “Цветущее дерево” на сцене Чикагского оперного театра (далее – ЧОТ), ибо новое сочинение американского композитора Джона Адамса менее всего похоже на оперу, хоть и называется таковой. Я бы, скорее, назвал “Цветущее дерево” красивым драматическим спектаклем с пением, танцами и пантомимой.
Действие спектакля начинается еще до того момента, когда гаснет свет. Пока зрители рассаживаются, на сцене уже сидят какие-то люди. В центре – Рассказчик (Сэнфорд Силван). Именно он поведает нам, что случится с прекрасной девушкой по имени Кумада (Наташа Джоул), когда она откроет в себе невероятный дар превращаться в цветущее дерево. Каждую неделю Кумада с сестрой убегала в лес и в тайне от матери совершала свой магический ритуал. Девушка превращалась в цветущее дерево, и цветы падали (хотел написать “к ее ногам”, но не все так просто...) к ногам девушки-дерева. Закончив волшебство, она с помощью сестры возвращалась в исходное (человеческое) состояние. Сестры собирали цветы, шли на базар, продавали их и складывали деньги в потайное место. Они собирали деньги для задыхающейся от непосильного труда матери. Однажды превращение Кумады в дерево увидел Принц (Ноа Стюарт). Как увидел он сие чудо, тотчас полюбил простую девушку и захотел жениться на ней, и попросил девушку превратиться в дерево для него, и пришла Кумада к Принцу во дворец, и стали они Женихом и Невестой, и превратилась Кумада в цветущее дерево, и занялись они любовью под сенью дерева ее...
Конец первого действия. Антракт.
(Диалог в антракте. Мужчина – даме.
- Не могу дождаться, что будет дальше.
- Надеюсь, они не разведутся.
- Как можно развестись с деревом?)
Во втором действии было много страданий. Из-за людского коварства Кумада не смогла вернуться в человеческое обличье, осталась деревом, без ручек и ножек, потеряла Принца, лишилась всего, кроме своего неповторимого голоса. Принц, потеряв любимую, затосковал, сердце его, как поведал нам Рассказчик, превратилось в камень. Ходил он по городам и весям, искал Кумаду, и люди не узнавали его. Так продолжалось минут тридцать сценического времени: они пели грустные песни и искали друг друга. Но – это мы помним еще по “Доброму человеку из Сезуана” - “Плохой конец заранее отброшен, Он должен, должен, должен быть хорошим...”. Принц нашел Кумаду, оковы дерева пали, Кумада превратилась в очаровательную женщину, и они стали жить-поживать и детей наживать. Вот и сказке-опере конец, а кто смотрел-слушал-читал – молодец.
Надо сказать, что, несмотря на мое ироничное отношение к сюжету, а особенно к бесконечным трансформациям девушка-дерево-девушка, опера мне понравилась. Приятная мелодичная музыка, в которой слышатся отзвуки тем Яначека и Сибелиуса, прекрасная сценография, оригинальное световое решение (в спектакле преобладает ярко красный цвет), и, конечно, хорошие голоса солистов... – все это заставляло, не отрываясь, следить за происходящими на сцене событиями. “Цветущее дерево“ особенно выигрывает в сравнении со скучной и тяжеловесной оперой “Доктор Атомик”, поставленной зимой этого года в Лирик-опере.
Поющих актеров в спектакле три: Кумада, Принц и Рассказчик. Все остальные лишь представляют слова Рассказчика.
В партии Кумады на американской оперной сцене дебютирует английская певица Наташа Джоул. Слушать ее – одно удовольствие: у нее глубокое, сильное, бархатное сопрано. Партия Кумады очень сложная – во втором действии Джоул, будучи деревом, поет сложнейшую арию лежа, плотно завернутая в шелковую ткань. Однако певица с честью выходит из трудного положения. Наташа Джоул регулярно выступает на оперных сценах Европы, постоянно сотрудничает с Глайндебурнской фестивальной оперой.
В партии Принца – нью-йоркский лирический тенор Ноа Стюарт, в партии Рассказчика – баритон Сэнфорд Силван. Это третья опера Адамса в репертуаре певца. Он пел в партиях Чу Ин-Лая в “Никсоне в Китае” и главную партию в “Смерти Клингхоффера”.
Надо сказать, что годы, проведенные генеральным директором ЧОТ Брайаном Дики в Глайндебурне, наложили отпечаток на его музыкальные вкусы и пристрастия. Он постоянно держит в поле зрения этот музыкальный фестиваль и приглашает в Чикаго по-настоящему ярких, молодых, талантливых певцов.
Кроме солистов, в “Цветущем дереве” участвует хор и девять танцоров.
“Цветущее дерево” – это сказка, а в сказке все должно быть красиво. И здесь ЧОТ полностью отвечает велениям жанра. Очень точно продумана каждая мизансцена, максимально использован каждый сантиметр сценического пространства, все сделано с большим вкусом, оригинально, необычно и красиво. Почти все сцены выглядят отдельными художественными произведениями, застывшими фотографиями. Выделю сценографа Джорджа Сауглайдса (после окончания работы в Чикаго он отправился в Зальцбург, где его ждет “Отелло” на летнем музыкальном фестивале) и дизайнера по свету Аарона Блака. Вообще, отдельные слова благодарности заслуживает вся постановочная группа спектакля. Здесь, что ни имя, то - явление. Режиссер Никола Рааб славится нестандартным подходом к новым и редко исполняемым произведениям. Она давно и плодотворно сотрудничает с ЧОТ. Ее последней работой в театре была постановка оперы Гектора Берлиоза “Беатрис и Бенедикт” в прошлом сезоне. В спектакле много танцев, которые поставил известный итальянский хореограф, директор Балетной школы при Венской опере, руководитель балетной труппы Венской оперы Ренато Занелла.
История создания “Цветущего дерева” такова. После крупных форм с политическим уклоном – опер “Никсон в Китае” и “Доктор Атомик” - Джону Адамсу захотелось сочинить что-нибудь камерное, лиричное, сказочное. Друг композитора, режиссер Питер Селларс предложил ему в качестве сюжета древнюю индийскую сказку о прекрасной девушке по имени Кумада. Адамса заворожила сказка, и с детской увлеченностью он принялся сочинять оперу. “Цветущее дерево” посвящено 250-летнему юбилею Моцарта, в этом сочинении использованы сюжетные темы моцартовской “Волшебной флейты”. В переводе сказки с хинди на английский Адамсу помог преподаватель Чикагского университета, специалист по индийской литературе Рамануян.
Мировая премьера “Цветущего дерева” состоялась в Вене 14 ноября 2006 года. Вслед за этим оперу услышали в Берлине, Сан-Франциско и Лондоне. Чикагские спектакли стали премьерой оперы на Среднем Западе и первой полноценной постановкой “Цветущего дерева” в Америке (в Сан-Франциско показали концертный вариант). На мировой премьере оперы в Вене побывал Брайан Дики. Он в полном смысле слова “заболел” этой оперой и сразу стал вести переговоры о постановке ее в Чикаго. Долго уговаривать Адамса Дики не пришлось. Композитор был так впечатлен постановкой его оперы “Никсон в Китае” в ЧОТ в 2006 году, что согласился не только представить ее в Чикаго, но и продирижировать первыми двумя спектаклями. На остальных трех спектаклях за дирижерским пультом Адамса сменила ассистентка Эса-Пеки Салонена в Лос-Анджелесском симфоническом оркестре, дирижер Джоана Карнейро.
Вскоре после Чикаго “Цветущее дерево” будет поставлено в Амстердаме. На лето 2009 года запланирована постановка оперы в Линкольн-центре в Нью-Йорке.
Так что в целом история прекрасной девушки по имени Кумада получилась. Полный зал и стоячая овация на премьере – лишнее тому подтверждение.
PS.
С 28 мая по 8 июня в ЧОТ можно будет услышать последнюю оперу этого сезона – оперу Георга Фридриха Генделя “Орландо”. Спектакли проходят на сцене Театра музыки и танца “Харрис” по адресу: 205 East Randolph Street, Chicago, IL 60602. Заказать билеты можно по телефону 312-704-8414 или на Интернет-сайте театра http://www.chicagooperatheater.org/.
25 мая 2008 года
Действие спектакля начинается еще до того момента, когда гаснет свет. Пока зрители рассаживаются, на сцене уже сидят какие-то люди. В центре – Рассказчик (Сэнфорд Силван). Именно он поведает нам, что случится с прекрасной девушкой по имени Кумада (Наташа Джоул), когда она откроет в себе невероятный дар превращаться в цветущее дерево. Каждую неделю Кумада с сестрой убегала в лес и в тайне от матери совершала свой магический ритуал. Девушка превращалась в цветущее дерево, и цветы падали (хотел написать “к ее ногам”, но не все так просто...) к ногам девушки-дерева. Закончив волшебство, она с помощью сестры возвращалась в исходное (человеческое) состояние. Сестры собирали цветы, шли на базар, продавали их и складывали деньги в потайное место. Они собирали деньги для задыхающейся от непосильного труда матери. Однажды превращение Кумады в дерево увидел Принц (Ноа Стюарт). Как увидел он сие чудо, тотчас полюбил простую девушку и захотел жениться на ней, и попросил девушку превратиться в дерево для него, и пришла Кумада к Принцу во дворец, и стали они Женихом и Невестой, и превратилась Кумада в цветущее дерево, и занялись они любовью под сенью дерева ее...
Конец первого действия. Антракт.
(Диалог в антракте. Мужчина – даме.
- Не могу дождаться, что будет дальше.
- Надеюсь, они не разведутся.
- Как можно развестись с деревом?)
Во втором действии было много страданий. Из-за людского коварства Кумада не смогла вернуться в человеческое обличье, осталась деревом, без ручек и ножек, потеряла Принца, лишилась всего, кроме своего неповторимого голоса. Принц, потеряв любимую, затосковал, сердце его, как поведал нам Рассказчик, превратилось в камень. Ходил он по городам и весям, искал Кумаду, и люди не узнавали его. Так продолжалось минут тридцать сценического времени: они пели грустные песни и искали друг друга. Но – это мы помним еще по “Доброму человеку из Сезуана” - “Плохой конец заранее отброшен, Он должен, должен, должен быть хорошим...”. Принц нашел Кумаду, оковы дерева пали, Кумада превратилась в очаровательную женщину, и они стали жить-поживать и детей наживать. Вот и сказке-опере конец, а кто смотрел-слушал-читал – молодец.
Надо сказать, что, несмотря на мое ироничное отношение к сюжету, а особенно к бесконечным трансформациям девушка-дерево-девушка, опера мне понравилась. Приятная мелодичная музыка, в которой слышатся отзвуки тем Яначека и Сибелиуса, прекрасная сценография, оригинальное световое решение (в спектакле преобладает ярко красный цвет), и, конечно, хорошие голоса солистов... – все это заставляло, не отрываясь, следить за происходящими на сцене событиями. “Цветущее дерево“ особенно выигрывает в сравнении со скучной и тяжеловесной оперой “Доктор Атомик”, поставленной зимой этого года в Лирик-опере.
Поющих актеров в спектакле три: Кумада, Принц и Рассказчик. Все остальные лишь представляют слова Рассказчика.
В партии Кумады на американской оперной сцене дебютирует английская певица Наташа Джоул. Слушать ее – одно удовольствие: у нее глубокое, сильное, бархатное сопрано. Партия Кумады очень сложная – во втором действии Джоул, будучи деревом, поет сложнейшую арию лежа, плотно завернутая в шелковую ткань. Однако певица с честью выходит из трудного положения. Наташа Джоул регулярно выступает на оперных сценах Европы, постоянно сотрудничает с Глайндебурнской фестивальной оперой.
В партии Принца – нью-йоркский лирический тенор Ноа Стюарт, в партии Рассказчика – баритон Сэнфорд Силван. Это третья опера Адамса в репертуаре певца. Он пел в партиях Чу Ин-Лая в “Никсоне в Китае” и главную партию в “Смерти Клингхоффера”.
Надо сказать, что годы, проведенные генеральным директором ЧОТ Брайаном Дики в Глайндебурне, наложили отпечаток на его музыкальные вкусы и пристрастия. Он постоянно держит в поле зрения этот музыкальный фестиваль и приглашает в Чикаго по-настоящему ярких, молодых, талантливых певцов.
Кроме солистов, в “Цветущем дереве” участвует хор и девять танцоров.
“Цветущее дерево” – это сказка, а в сказке все должно быть красиво. И здесь ЧОТ полностью отвечает велениям жанра. Очень точно продумана каждая мизансцена, максимально использован каждый сантиметр сценического пространства, все сделано с большим вкусом, оригинально, необычно и красиво. Почти все сцены выглядят отдельными художественными произведениями, застывшими фотографиями. Выделю сценографа Джорджа Сауглайдса (после окончания работы в Чикаго он отправился в Зальцбург, где его ждет “Отелло” на летнем музыкальном фестивале) и дизайнера по свету Аарона Блака. Вообще, отдельные слова благодарности заслуживает вся постановочная группа спектакля. Здесь, что ни имя, то - явление. Режиссер Никола Рааб славится нестандартным подходом к новым и редко исполняемым произведениям. Она давно и плодотворно сотрудничает с ЧОТ. Ее последней работой в театре была постановка оперы Гектора Берлиоза “Беатрис и Бенедикт” в прошлом сезоне. В спектакле много танцев, которые поставил известный итальянский хореограф, директор Балетной школы при Венской опере, руководитель балетной труппы Венской оперы Ренато Занелла.
История создания “Цветущего дерева” такова. После крупных форм с политическим уклоном – опер “Никсон в Китае” и “Доктор Атомик” - Джону Адамсу захотелось сочинить что-нибудь камерное, лиричное, сказочное. Друг композитора, режиссер Питер Селларс предложил ему в качестве сюжета древнюю индийскую сказку о прекрасной девушке по имени Кумада. Адамса заворожила сказка, и с детской увлеченностью он принялся сочинять оперу. “Цветущее дерево” посвящено 250-летнему юбилею Моцарта, в этом сочинении использованы сюжетные темы моцартовской “Волшебной флейты”. В переводе сказки с хинди на английский Адамсу помог преподаватель Чикагского университета, специалист по индийской литературе Рамануян.
Мировая премьера “Цветущего дерева” состоялась в Вене 14 ноября 2006 года. Вслед за этим оперу услышали в Берлине, Сан-Франциско и Лондоне. Чикагские спектакли стали премьерой оперы на Среднем Западе и первой полноценной постановкой “Цветущего дерева” в Америке (в Сан-Франциско показали концертный вариант). На мировой премьере оперы в Вене побывал Брайан Дики. Он в полном смысле слова “заболел” этой оперой и сразу стал вести переговоры о постановке ее в Чикаго. Долго уговаривать Адамса Дики не пришлось. Композитор был так впечатлен постановкой его оперы “Никсон в Китае” в ЧОТ в 2006 году, что согласился не только представить ее в Чикаго, но и продирижировать первыми двумя спектаклями. На остальных трех спектаклях за дирижерским пультом Адамса сменила ассистентка Эса-Пеки Салонена в Лос-Анджелесском симфоническом оркестре, дирижер Джоана Карнейро.
Вскоре после Чикаго “Цветущее дерево” будет поставлено в Амстердаме. На лето 2009 года запланирована постановка оперы в Линкольн-центре в Нью-Йорке.
Так что в целом история прекрасной девушки по имени Кумада получилась. Полный зал и стоячая овация на премьере – лишнее тому подтверждение.
PS.
С 28 мая по 8 июня в ЧОТ можно будет услышать последнюю оперу этого сезона – оперу Георга Фридриха Генделя “Орландо”. Спектакли проходят на сцене Театра музыки и танца “Харрис” по адресу: 205 East Randolph Street, Chicago, IL 60602. Заказать билеты можно по телефону 312-704-8414 или на Интернет-сайте театра http://www.chicagooperatheater.org/.
25 мая 2008 года
Браво, “Campanella”!
Многим любителям хорового пения в Чикаго и пригородах хорошо известен детский хор “Campanella”. Основателем и бессменным руководителем хора является хормейстер Марианна Косая. В прошлой беседе со мной она рассказала историю возникновения хора: “Хор начался с двух девочек – моей дочери и ее подружки. Моей дочери было четыре годика, в таком возрасте в школу еще не принимают. А мне хотелось, чтобы ее музыкальные способности не пропали. Я начала с ней заниматься. Постепенно ко мне стали приходить новые дети, и из такого домашнего музицирования родился детский хор “Campanella””.
За восемь лет своего существования хор превратился в профессиональный детский коллектив. Он неоднократно выступал с концертами, участвовал в нескольких фестивалях и конкурсах, завоевывал призы и медали. Но того, что произошло в начале мая, в истории коллектива еще не было. На только что закончившемся музыкальном фестивале “Наследие” детский хор “Campanella” получил Золотую медаль! Поздравив руководителя хора Марианну Косую с этой победой, я попросил ее поделиться своими впечатлениями о конкурсе.
- Фестиваль хоров и оркестров “Наследие” проходит по всей Америке и Канаде, а также в Эдинбурге (Шотландия). На фестивале существуют детская и юношеская программы. В детской программе участвуют, в основном, дети средних и старших классов, реже – дети начальной школы. Хоры не только поют перед строгими судьями, но и репетируют вместе отдельную программу, с которой потом, в заключительном концерте, выступает сборный Хор из двухсот человек. Каждому хору необходимо исполнить четыре произведения из разряда обязательной программы, одно из которых должно быть a cappella. Судьи выставляют оценки каждому хору по многим параметрам: по чистоте, эмоциональности исполнения, фразировке, снятию дыхания, подбору репертуара... Учитываются при этом самые тонкие нюансы исполнения. Потом с хорами начинают заниматься дирижеры-педагоги из известных хоровых коллективов, профессора университетов... Они работают с хорами, тактично указывая на ошибки. Занятия записываются, и каждый судья выдает аудиозапись со своими комментариями. После окончания фестиваля для детей устраивается банкет. На торжественной церемонии происходит вручение призов. Каждый хор оценивается соответствующим количеством баллов. От девяноста до ста баллов – “золото”. “Золотые” лауреаты проходят на следующий этап фестиваля, где участвуют лучшие хоры со всей страны. Хор “Campanella” участвовал в фестивале, проходившем в Болинбруке в помещении “Brooks Middle School”. В этом году в фестивале приняло участие двадцать два хоровых коллектива. Среди них были не только классические хоры. На фестивале выступали шоу-хор, джаз-хор, ансамбли. Все хоры были составлены из учеников старших классов. Средняя школа была представлена четырьмя хорами, а дети младших классов были только у нас. По результатам конкурса мы получили Золотую медаль, а это значит, что мы проходим на фестиваль лучших коллективов. Кроме этого, мы получили медаль и трофей с надписью “Выдающийся хор”. Из получивших золото тоже отбирали лучших, и мы попали в тройку самых лучших хоров. Этот трофей – самая высокая награда, присуждаемая на фестивале.
- Браво, Марина! Браво, “Campanella”! Как дети реагировали на победу?
- Дети много работали, волновались перед выступлением и очень радовались победе. Я им говорила: “Вот увидите, придет награда за ваш тяжелый труд”. Они не верили, а когда победили, были просто счастливы. Одна девочка бежала за мной со слезами и повторяла: “Большое спасибо, большое спасибо...” А дети постарше подходили к малышам и изумлялись: “Не понимаем, как вы – такие маленькие – победили нас, больших”. (Смеется.)
- Какие произведения входили в программу?
- Мы исполнили четыре произведения, из которых три - русские: “Здравствуй, гостья Зима” Рейнгольда Глиэра, “Пришла весна” Александра Гречанинова и “Крылатые качели” Евгения Крылатова. Песня Крылатова растопила сердца членов жюри! Кроме того, в программу входил канон Шуберта “Прекрасный май”, который мы исполнили a cappella по-английски.
- Впечатляет разброс произведений: от Гречанинова до Крылатова!
- Да, мы представили русскую классическую музыку, западную классическую музыку и современную популярную музыку.
- В каком составе вы выступали?
- В концертный состав хора входят семнадцать человек. Возраст участников хора - от семи до двенадцати с половиной лет. В основном, в хоре пели восьми-десятилетние дети. Судьи были поражены чистотой интонирования. В нашем выступлении они отметили, что хор обладает очень красивым звуком и идеальной чистотой. Видно, что дети чувствуют каждую ноту! Я начинаю работу с трех-пятилетними детьми. В общей сложности, в хоре занимаются сорок человек. Они разделены на несколько групп, из которых формируется концертный состав.
- Где у вас база? Где вы репетируете?
- Снимаем залы, где получится. Несколько лет я снимала зал в Норсбруке. Но нам не совсем подходит это помещение, потому что там плохая акустика. В этом году я нашла церковь с очень хорошей акустикой, и мы долгое время там репетировали. Каждый год приходится заново решать эту проблему.
- Фестиваль закончен. Что дальше?
- Теперь мы будем готовиться к новому фестивалю. Там будут совсем другие условия проведения. Сначала мы покажем свою программу, потом каждый хормейстер поработает со своим хором, а затем все соберутся на сводную репетицию и изучат новую программу. Ее выдают заранее, за полгода, чтобы было время для подготовки. Сводный хор репетирует четыре произведения и выносит их на большую сцену. Например, в Чикаго этот концерт проходит в Симфоническом центре с участием лучшего юношеского оркестра по результатам конкурса прошлого года.
- Ну что ж, от всей души поздравляю тебя с большой победой и желаю дальнейших творческих успехов. Будем болеть за вас!
PS.
Хор “Campanella” открыт для новых молодых талантов. Всем желающим просьба обращаться по телефону 847-361-7989.
За восемь лет своего существования хор превратился в профессиональный детский коллектив. Он неоднократно выступал с концертами, участвовал в нескольких фестивалях и конкурсах, завоевывал призы и медали. Но того, что произошло в начале мая, в истории коллектива еще не было. На только что закончившемся музыкальном фестивале “Наследие” детский хор “Campanella” получил Золотую медаль! Поздравив руководителя хора Марианну Косую с этой победой, я попросил ее поделиться своими впечатлениями о конкурсе.
- Фестиваль хоров и оркестров “Наследие” проходит по всей Америке и Канаде, а также в Эдинбурге (Шотландия). На фестивале существуют детская и юношеская программы. В детской программе участвуют, в основном, дети средних и старших классов, реже – дети начальной школы. Хоры не только поют перед строгими судьями, но и репетируют вместе отдельную программу, с которой потом, в заключительном концерте, выступает сборный Хор из двухсот человек. Каждому хору необходимо исполнить четыре произведения из разряда обязательной программы, одно из которых должно быть a cappella. Судьи выставляют оценки каждому хору по многим параметрам: по чистоте, эмоциональности исполнения, фразировке, снятию дыхания, подбору репертуара... Учитываются при этом самые тонкие нюансы исполнения. Потом с хорами начинают заниматься дирижеры-педагоги из известных хоровых коллективов, профессора университетов... Они работают с хорами, тактично указывая на ошибки. Занятия записываются, и каждый судья выдает аудиозапись со своими комментариями. После окончания фестиваля для детей устраивается банкет. На торжественной церемонии происходит вручение призов. Каждый хор оценивается соответствующим количеством баллов. От девяноста до ста баллов – “золото”. “Золотые” лауреаты проходят на следующий этап фестиваля, где участвуют лучшие хоры со всей страны. Хор “Campanella” участвовал в фестивале, проходившем в Болинбруке в помещении “Brooks Middle School”. В этом году в фестивале приняло участие двадцать два хоровых коллектива. Среди них были не только классические хоры. На фестивале выступали шоу-хор, джаз-хор, ансамбли. Все хоры были составлены из учеников старших классов. Средняя школа была представлена четырьмя хорами, а дети младших классов были только у нас. По результатам конкурса мы получили Золотую медаль, а это значит, что мы проходим на фестиваль лучших коллективов. Кроме этого, мы получили медаль и трофей с надписью “Выдающийся хор”. Из получивших золото тоже отбирали лучших, и мы попали в тройку самых лучших хоров. Этот трофей – самая высокая награда, присуждаемая на фестивале.
- Браво, Марина! Браво, “Campanella”! Как дети реагировали на победу?
- Дети много работали, волновались перед выступлением и очень радовались победе. Я им говорила: “Вот увидите, придет награда за ваш тяжелый труд”. Они не верили, а когда победили, были просто счастливы. Одна девочка бежала за мной со слезами и повторяла: “Большое спасибо, большое спасибо...” А дети постарше подходили к малышам и изумлялись: “Не понимаем, как вы – такие маленькие – победили нас, больших”. (Смеется.)
- Какие произведения входили в программу?
- Мы исполнили четыре произведения, из которых три - русские: “Здравствуй, гостья Зима” Рейнгольда Глиэра, “Пришла весна” Александра Гречанинова и “Крылатые качели” Евгения Крылатова. Песня Крылатова растопила сердца членов жюри! Кроме того, в программу входил канон Шуберта “Прекрасный май”, который мы исполнили a cappella по-английски.
- Впечатляет разброс произведений: от Гречанинова до Крылатова!
- Да, мы представили русскую классическую музыку, западную классическую музыку и современную популярную музыку.
- В каком составе вы выступали?
- В концертный состав хора входят семнадцать человек. Возраст участников хора - от семи до двенадцати с половиной лет. В основном, в хоре пели восьми-десятилетние дети. Судьи были поражены чистотой интонирования. В нашем выступлении они отметили, что хор обладает очень красивым звуком и идеальной чистотой. Видно, что дети чувствуют каждую ноту! Я начинаю работу с трех-пятилетними детьми. В общей сложности, в хоре занимаются сорок человек. Они разделены на несколько групп, из которых формируется концертный состав.
- Где у вас база? Где вы репетируете?
- Снимаем залы, где получится. Несколько лет я снимала зал в Норсбруке. Но нам не совсем подходит это помещение, потому что там плохая акустика. В этом году я нашла церковь с очень хорошей акустикой, и мы долгое время там репетировали. Каждый год приходится заново решать эту проблему.
- Фестиваль закончен. Что дальше?
- Теперь мы будем готовиться к новому фестивалю. Там будут совсем другие условия проведения. Сначала мы покажем свою программу, потом каждый хормейстер поработает со своим хором, а затем все соберутся на сводную репетицию и изучат новую программу. Ее выдают заранее, за полгода, чтобы было время для подготовки. Сводный хор репетирует четыре произведения и выносит их на большую сцену. Например, в Чикаго этот концерт проходит в Симфоническом центре с участием лучшего юношеского оркестра по результатам конкурса прошлого года.
- Ну что ж, от всей души поздравляю тебя с большой победой и желаю дальнейших творческих успехов. Будем болеть за вас!
PS.
Хор “Campanella” открыт для новых молодых талантов. Всем желающим просьба обращаться по телефону 847-361-7989.
12 мая 2008 г.
Риккардо Мути становится у руля Чикагского симфонического оркестра
Свершилось! После почти четырехлетнего поиска подходящей кандидатуры президент Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО) Дебора Кард объявила, что новым музыкальным руководителем коллектива станет всемирно известный итальянский дирижер маэстро Риккардо Мути.
Еще в начале сентября прошлого года Мути категорически опровергал любые предположения о возможности его назначения на пост музыкального руководителя не только Чикагского, но и любого другого американского оркестра. Он гордо заявлял журналистам: “Я на ноль процентов американец, на сто процентов европеец и на тысячу процентов итальянец”. Его тон изменился после месяца, проведенного с Чикагским оркестром. Две недели Мути дирижировал концертами в Симфоническом центре и две недели провел с оркестром в Европе.
Дебора Кард рассказала журналистам, что она впервые встретилась с маэстро Мути в начале 2005 года. Речь тогда шла о появлении дирижера на подиуме Чикагского оркестра в качестве гостя. “Мы не можем говорить ни о чем, прежде чем маэстро не поработает с оркестром”, - сказала тогда Кард. После этого переговоры, которые гобоист Майкл Хенок назвал “соблазнением маэстро”, продолжались еще в нескольких городах, куда упрямая и настырная президентша приезжала встречаться с Мути. Когда в сентябре 2006 года итальянский дирижер отменил запланированные концерты с ЧСО, согласившись в это же время продолжить свое сотрудничество с Нью-Йорком, стало казаться, что из затеи “соблазнения” ничего не выйдет. Но Кард не оставляла своих попыток и сумела убедить дирижера приехать в начале этого сезона. И тут возникла, как говорят все музыканты в один голос, “любовь с первого взгляда”. Президент ЧСО сказала, что все разговоры о высокомерии Мути и его нежелании занимать какой-либо пост оказались не соответствующими действительности. Приехав в Чикаго, Мути был очарован радушным приемом, который ему устроили музыканты, члены администрации и спонсоры оркестра. Но и тогда многие в коллективе не верили, что Мути согласится возглавить ЧСО. Сам дирижер признается: “Мое согласие возглавить оркестр пришло не сразу. Но Чикаго смог растопить мое черствое сердце”.
Мути назвал ЧСО “идеальной машиной, с одинаковым мастерством исполняющей масштабные произведения, такие, как Третья симфония Прокофьева или “Поэма экстаза” Скрябина (эти произведения ЧСО под управлением Мути исполнял в сентябре 2007 года), и камерные интимные сочинения Шуберта”. “Когда я покинул “Ла Скалу”, - продолжает дирижер, - я думал, что для меня настало время абсолютной свободы. Как птица, я наслаждался этим чувством и был счастлив. Но и птица, бывает, после полета находит дерево и задерживается на нем, не думая об остальных деревьях. Это не значит, что одно дерево лучше другого. Просто так получилось.”
Назначение Риккардо Мути новым музыкальным руководителем ЧСО любезно согласился прокомментировать концертмейстер группы гобоев оркестра Евгений Изотов.
- Я очень доволен принятым решением и с нетерпением жду приезда Риккардо Мути в Чикаго. Мути – феноменальный дирижер. У нас с ним сложились очень хорошие взаимоотношения. Как творческие, так и личностные. Мути – фигура харизматичная. В ЧСО очень много ярких личностей, и нам, скорее всего, не подошел бы просто хороший дирижер, который со временем вырос бы и стал достоин оркестра. В этом отношении фигура Мути равновелика самому оркестру. Надеюсь, что наш “медовый месяц”, начатый в сентябре, продолжится на долгие годы.
- Вы ожидали этого решения?
- Я удивлен, что это решение произошло так быстро. Мы думали, что подождем до следующего года. Но, видимо, Дебора Кард использовала нашу русскую поговорку “Куй железо, пока горячо”.
- Как проходил процесс выбора кандидата?
- Процесс выбора кандидата занял четыре года. После того, что произошло в Филадельфийском оркестре, когда Кристоф Эшенбах не нашел взаимопонимания с коллективом, менеджеры больших оркестров стали внимательнее прислушиваться к мнению музыкантов. История в Филадельфии стала серьезным предупреждением для администрации. В конечном счете нам, музыкантам, работать с дирижером. В ЧСО был создан Комитет по поиску нового музыкального руководителя. Этот Комитет тесно работал с администрацией оркестра. После встречи с каждым дирижером у нас проводился опрос музыкантов по многим критериям. Это была тщательная и долгая работа. И на фоне других дирижеров Риккардо Мути был самым предпочтительным выбором.
- В эпоху Баренбойма Чикаго познакомился с яркими молодыми солистами – звездами первой величины. Максим Венгеров, Ланг Ланг, Николай Знайдер...- этот список можно продолжать. Увидим ли мы с приходом Мути новых талантливых артистов, которые прежде не жаловали Чикаго своим появлением?
- Хочется на это надеяться. Приход нового творческого лидера – это всегда новая эпоха. Мы всегда готовы познакомиться с новыми талантами уровня Максима Венгерова. Но это вопрос скорее к дирижеру. Мы очень много знаем о нем, но как сложатся взаимоотношения в процессе работы, не знает никто. В этом отношении наш выбор похож на выбор кандидата в президенты. Мы можем долго и тщательно изучать их биографии и слушать, что они говорят, но что они будут делать, остается загадкой. Все покажет время. Пока мы с воодушевлением ждем приезда маэстро.
А вот слова многолетнего концертмейстера Чикагского симфонического оркестра Сэмюэля Магада:
- Это - великолепное для оркестра назначение! Маэстро Мути – талантливый дирижер с великолепной харизмой. Музыканты оркестра очень любят его. Я видел несколько концертов ЧСО с Мути в прошлом году. Оркестр под его управлением играл просто прекрасно!”
- Этот выбор – заслуга менеджмента или музыкантов?
- Большую роль в назначении Мути сыграло мнение музыкантов оркестра. Музыканты счастливы работать с маэстро!
- Как вы считаете, это лучший выбор для оркестра?
- О да, лучшего варианта нельзя было представить. Это фантастический выбор! Я не думал, что маэстро Мути согласится приехать в Чикаго. Поздравляю Дебору Кард с тем, что ей удалось уговорить маэстро. Я очень доволен этим решением.
- Будут ли сделаны какие-нибудь изменения в репертуаре оркестра?
- Не думаю, что репертуар оркестра изменится. Риккардо Мути подвластна любая музыка. Он дирижирует оперой, исполняет классические симфонические произведения, современную музыку... Сегодня я смотрю в будущее гораздо оптимистичнее, чем несколько лет назад. Будущее оркестра в надежных руках!
- Но ведь Риккардо Мути не собирается переезжать в Чикаго. Он будет жить в Италии. Он будет приезжать и уезжать...
- Я думаю, сегодня это нормальное явление для больших оркестров. Мы не должны ожидать, что руководитель оркестра станет жить в одном квартале от Симфонического центра. Администрация оркестра хотела, чтобы Баренбойм жил в Чикаго все эти годы, но он не жил здесь, он жил в Берлине. Они хотели, чтобы Шолти жил здесь, но Шолти жил в Лондоне. Прошлые руководители окрестра не жили в Чикаго, и Мути не станет жить в Чикаго, но это не имеет значения. Мути будет приезжать, дирижировать десять недель в Чикаго, дирижировать оркестром на гастролях – этого вполне достаточно для дирижера ТАКОГО уровня и оркестра ТАКОГО уровня.
Гордость Италии, один из самых выдающихся дирижеров современности Риккардо Мути родился в Неаполе 28 июля 1941 года. Отец – врач и музыкант-любитель. Мать – певица. В семье рождались только мальчики: Риккардо был одним из пяти, и только он стал профессиональным музыкантом. (Остальные братья получили “нормальные” специальности: экономист, инженер, социолог, психиатр. Все братья живут в Италии.) Музыкальные способности проявились у Риккардо рано. Он легко поступил и с отличием окончил консерваторию Сан Пьетро а Маелла по классу фортепиано, дирижирования и композиции. Размышляя над тем, стоит ли ему становиться музыкантом-профессионалом, Мути изучал философию в университете Неаполя. Отдав предпочтение музыке, он решил, что одной консерватории ему недостаточно. Мути переезжает в Милан и поступает в консерваторию имени Джузеппе Верди, где учится под руководством Бруно Беттинелли по классу композиции и Антонино Вотто по классу дирижирования. Кроме них, своим учителем Мути называет друга и соратника Федерико Феллини, композитора Нино Роту. Впервые Мути привлек внимание критиков и публики в 1967 году, когда жюри дирижерского конкурса Гвидо Кантелли в Милане единодушно присудило ему первую премию. С этого момента карьера молодого музыканта стремительно пошла вверх. На следующий год он был назначен главным дирижером оркестра “Maggio Musicale Fiorentino” (этот пост дирижер занимал до 1980 года). В 1971 году Герберт фон Караян пригласил маэстро на Зальцбургский музыкальный фестиваль. Это выступление положило начало постоянному сотрудничеству Мути с этим фестивалем, которое продолжается и сегодня.
Для Америки дирижера открыл великий Юджин Орманди. Побывав на репетиции молодого итальянца, мэтр пригласил его отобедать с ним, а позднее предложил выступить с Филадельфийским симфоническим оркестром в качестве приглашенного дирижера. Американский дебют Риккардо Мути состоялся 27 октября 1972 года. Дебют Мути в качестве дирижера ЧСО прошел на фестивале в Равинии летом 1973 года. Потом, в марте 1975 года, он всего один раз появился на сцене Чикагского симфонического центра. После этого – перерыв длиной в тридцать два года!..
Впечатляет список оркестров, которыми руководил Риккардо Мути: Лондонский филармонический (1972-1982 годы; итальянский виртуоз сменил на этом посту Отто Клемперера), Филадельфийский симфонический оркестр (1980-1992 годы; этот оркестр достался ему из рук Юджина Орманди), оркестр “Filarmonica della Scala” театра “Ла Скала” (1986-2005 годы).
Когда 7 декабря 1986 года Мути впервые появился за дирижерским пультом миланского оперного театра (это была опера Дж.Верди “Набукко”), успех был так велик, что публика заставила повторить на бис знаменитый хор “Va, pensiero”, почитаемый в Италии как неофициальный гимн страны. Подобного не случалось в “Ла Скала” со времен Артуро Тосканини, полвека назад строго запретившего бисы. Казалось, Риккардо Мути ждет в “Ла Скала” безоблачная жизнь. Однако годы, проведенные в миланском театре, не были легкими для дирижера. То и дело вспыхивали разногласия между ним и политиками, между ним и профсоюзом оркестра.
В 1998 году оркестр объявил забастовку на премьере “Травиаты”, и Мути ничего не оставалось, как, извинившись перед публикой, самому сесть к роялю. Певцы допевали оперу под аккомпанемент рояля. В 2001 году ситуация повторилась на премьере “Фальстафа”. Спектакль был в последний момент отменен... В общем, обстоятельства сложились так, что дирижер вынужден был уйти. Мути говорит: “Причина моего ухода не была связана с музыкой и творчеством, конфликт лежал не в сфере искусства. Для меня стало невозможно продолжать работать в театре. Я провел там девятнадцать прекрасных лет, но потом наши пути разошлись”.
Скандальная отставка дирижера с поста руководителя оркестра “Ла Скала” в 2005 году лишь добавила популярности Мути. За ним стояли в очереди менеджеры крупнейших оркестров, а сам маэстро, упиваясь славой, наслаждался свободой. Так было почти три года. И вот – неожиданное, радостное для Чикаго известие.
Назначение Мути выглядит большой победой менеджмента оркестра, его администрации и прежде всего президента Деборы Кард. Нью-Йоркский филармонический оркестр пять лет безуспешно пытался уговорить Мути возглавить коллектив, но итальянский маэстро согласился лишь стать главным приглашенным дирижером. Его контракт с Нью-Йорком начинается в 2009 году. Но приглашенный дирижер – должность, скорее, номинальная и почетная. Подлинным хозяином в оркестре является главный дирижер или музыкальный руководитель. Так что в выборе между Нью-Йорком и Чикаго Мути предпочел Чикаго.
Удивительными выглядят слова дирижера о “понимании всего комплекса немузыкальных обязанностей, включая сбор средств и участие в общественных мероприятиях”. Именно эти, “немузыкальные” обязанности музыкального руководителя стали причиной разногласий Баренбойма с администрацией оркестра. Трудно поверить, что неистовый итальянец станет собирать деньги и представительствовать на скучных, но необходимых для казны оркестра мероприятиях, но уже само по себе это заявление говорит о многом. Мути сказал: “Я помню годы, проведенные в Филадельфии, и четко понимаю, что быть музыкальным руководителем американского оркестра не означает только исполнять музыку. Это значит – работать с общественностью”.
Риккардо Мути становится первым музыкальным руководителем-итальянцем за стосемнадцатилетнюю историю ЧСО. Кроме этого, когда он станет у руля оркестра, ему исполнится шестьдесят восемь лет. Он станет старейшим дирижером, возглавлявшим когда-либо чикагский оркестр. Фрицу Райнеру было шестьдесят четыре, когда он стал полновластным хозяином оркестра. Шолти занял этот пост в пятьдесят семь лет.
Контракт с Мути был подписан в Зальцбурге во второй половине дня 5 мая. Дебора Кард со смехом рассказывала музыкантам оркестра, как она не могла дождаться окончания обеда. Пока не принесли счет, Мути отказывался даже смотреть на контракт. Вот уж точно – итальянец на тысячу процентов! Ужин в Италии – дело серьезное, серьезнее любого контракта будет! (Кстати, Мути предпочитает итальянскую кухню любой другой, а в числе любимых ресторанов называет “Сан Пьетро” в Нью-Йорке и “Spiaggia” в Чикаго. То же и с машинами. Самые любимые – итальянские спортивные. Ну а про футбольный клуб и говорить не приходится – конечно, итальянский: “Наполи”.)
В момент подписания контракта Мути работал с молодежным оркестром “Луиджи Керубини” над оперой Паизиелло “Il Matrimonio inaspettato”, по-русски - “Неожиданный брак”. Так вот, журналисты немедленно откликнулись на символическое название оперы. Дирижер сказал: “Я не выбирал эту оперу по названию. Просто так совпало”. А одно из интервью после подписания контракта он заключил шуткой: “Вы знаете, что означает мой приход в Чикаго? Неожиданный брак!”
Музыканты ЧСО узнали о назначении Мути в тот же день. Их собрали в актовом зале Симфонического центра и объявили о подписанном накануне в Зальцбурге контракте. “Аплодисменты были бурными”, - поделился с корреспондентом “Нью-Йорк таймс” Евгений Изотов. Контрабасист Роб Кэссинджер добавил: “Всего несколько человек на планете можно назвать гигантами дирижирования. Риккардо Мути – один из них. Для меня будет огромной радостью предстоящая работа с ним”.
В своем заявлении для прессы Риккардо Мути заявил: “Я очень взволнован предстоящими событиями. Я уверен, что мы сможем работать вместе и сделать музыкальную жизнь Чикаго интереснее и разнообразнее... Мне не надо делать карьеру. Мне не надо никому доказывать, кто такой Мути. Я хочу посвятить себя музицированию с ЧСО и открыть глаза на музыку новому поколению слушателей. Имея за плечами сорокалетний опыт дирижирования, я знаю, что важно не количество проведенного с оркестром времени, а качество. Чикаго станет моей второй родиной. Мне бы очень хотелось, чтобы последняя в моей жизни “помолвка” с оркестром надолго запомнилась людям”.
Говоря о репертуаре оркестра, Мути отметил: “Мой репертуар варьируется между барокко и современной музыкой. Специализироваться на чем-либо одном – значит, ограничивать себя в другом. Великий оркестр должен уметь играть все, и ЧСО умеет играть любую музыку”.
Риккардо Мути станет десятым, юбилейным музыкальным руководителем ЧСО. Вспомним его знаменитых предшественников:
Теодор Томас – 1891-1905 годы; Фредерик Сток – 1905-1942 годы;
Дезире Дефо – 1943-47 годы; Артур Родзински – 1947-1948 годы;
Рафаэль Кубелик – 1950-1953 годы; Фриц Райнер – 1953-1962 годы;
Джин Мартинон – 1963-1968 годы; Георг Шолти – 1969-1991 годы;
Даниэль Баренбойм – 1991-2006 годы.
Впервые в истории ЧСО, начиная с осени 2006 года и до осени 2010 года в оркестре будет продолжаться двоевластие. Как сказал в беседе со мной Евгений Изотов: “Можно позавидовать любому оркестру, которому удастся заполучить в качестве временного дирижера фигуру уровня Хайтинка или Булеза. А в Чикаго работают они оба”. Главным дирижером ЧСО по-прежнему является прославленный голландский музыкант сэр Бернард Хайтинк, а Почетным дирижером оркестра – один из самых интересных композиторов XX века Пьер Булез.
Мути приступит к своим обязанностям в сентябре 2010 года. Согласно подписанному контракту, Мути будет дирижировать ЧСО как минимум десять недель в году в течение пяти лет, начиная с сезона 2010-11 годов. Кроме концертов в Чикаго, маэстро будет стоять во главе оркестра во время его гастрольных туров, проводить прослушивания музыкантов, определять репертуарную политику оркестра. До этого в сезоне 2009-2010 годов Мути пробудет с оркестром две недели. А еще раньше - 15-17 января 2009 года - состоится его выступление в Симфоническом центре. ЧСО под управлением Мути исполнит “Реквием” Дж.Верди. В числе солистов – звезды мировой оперной сцены Барбара Фриттоли, Ольга Бородина, Ильдар Абдразаков.
2 июня Мути прилетит в Чикаго для встречи с музыкантами оркестра.
Итак, в великий оркестр приходит великий дирижер. Риккардо Мути придирчив, требователен и строг во всем, что касается работы. Он готов часами сидеть над одной музыкальной фразой, добиваясь совершенства. Иногда его называют тираном, но это не так. “В моем возрасте мне не нужно уже бороться за власть или успех. Я просто хочу профессионально заниматься любимым делом,” - подчеркивает дирижер. А вот что говорит о нем Мария Гулегина: “Мути для меня - идеальный маэстро. Он не только разбирает с певцами партию, но и учит жизни. Он никогда не выпячивает себя - просто делает все для музыки и для композитора. Я ему верю”.
Риккардо Мути дирижирует по-разному: иногда довольствуясь лаконичными жестами, иногда широко, энергично, танцуя и приседая за пультом. Риккардо Мути - не только прекрасный дирижер, но и актер. За ним интересно наблюдать: позы, жесты, театральные движения – все тщательно отрепетировано и великолепно сыграно. И сам он – артистичный, изысканный, аристократичный...
Про Мути рассказывают удивительные вещи. Он сам готовит партии с солистами, не жалея времени на отделку мельчайших фраз, пока не добьется стилистической точности. Он является одним из главных популяризаторов музыки, часто выступает в университетах и по телевидению с лекциями. Он доводит публику до гомерического хохота ироничными пересказами и комментариями старинных либретто, а попутно в доступной форме разъясняет проблемы стиля и драматургии классических произведений.
Жена Риккардо Мути Кристина Маццавилани – певица, создатель и руководитель музыкального фестиваля в Равенне (Италия). У них трое детей. Сыновья не пошли по стопам родителей: Франческо стал архитектором, Доменико – юристом. Зато дочь – красавица Чара - стала актрисой и певицей. Шесть месяцев назад Риккардо Мути стал дедушкой – у Франческо и Сюзанны появился первенец. В честь деда его назвали Риккардо.
Мути с женой живут в Равенне и на вилле в Анифе – маленьком австрийском городке недалеко от Зальцбурга.
Что изменится в музыкальной жизни Чикаго после появления Мути? Ответ на этот вопрос мы узнаем только через два года, но уже сегодня можно сказать: жить в Чикаго станет интересней!
11 мая 2008 года
Еще в начале сентября прошлого года Мути категорически опровергал любые предположения о возможности его назначения на пост музыкального руководителя не только Чикагского, но и любого другого американского оркестра. Он гордо заявлял журналистам: “Я на ноль процентов американец, на сто процентов европеец и на тысячу процентов итальянец”. Его тон изменился после месяца, проведенного с Чикагским оркестром. Две недели Мути дирижировал концертами в Симфоническом центре и две недели провел с оркестром в Европе.
Дебора Кард рассказала журналистам, что она впервые встретилась с маэстро Мути в начале 2005 года. Речь тогда шла о появлении дирижера на подиуме Чикагского оркестра в качестве гостя. “Мы не можем говорить ни о чем, прежде чем маэстро не поработает с оркестром”, - сказала тогда Кард. После этого переговоры, которые гобоист Майкл Хенок назвал “соблазнением маэстро”, продолжались еще в нескольких городах, куда упрямая и настырная президентша приезжала встречаться с Мути. Когда в сентябре 2006 года итальянский дирижер отменил запланированные концерты с ЧСО, согласившись в это же время продолжить свое сотрудничество с Нью-Йорком, стало казаться, что из затеи “соблазнения” ничего не выйдет. Но Кард не оставляла своих попыток и сумела убедить дирижера приехать в начале этого сезона. И тут возникла, как говорят все музыканты в один голос, “любовь с первого взгляда”. Президент ЧСО сказала, что все разговоры о высокомерии Мути и его нежелании занимать какой-либо пост оказались не соответствующими действительности. Приехав в Чикаго, Мути был очарован радушным приемом, который ему устроили музыканты, члены администрации и спонсоры оркестра. Но и тогда многие в коллективе не верили, что Мути согласится возглавить ЧСО. Сам дирижер признается: “Мое согласие возглавить оркестр пришло не сразу. Но Чикаго смог растопить мое черствое сердце”.
Мути назвал ЧСО “идеальной машиной, с одинаковым мастерством исполняющей масштабные произведения, такие, как Третья симфония Прокофьева или “Поэма экстаза” Скрябина (эти произведения ЧСО под управлением Мути исполнял в сентябре 2007 года), и камерные интимные сочинения Шуберта”. “Когда я покинул “Ла Скалу”, - продолжает дирижер, - я думал, что для меня настало время абсолютной свободы. Как птица, я наслаждался этим чувством и был счастлив. Но и птица, бывает, после полета находит дерево и задерживается на нем, не думая об остальных деревьях. Это не значит, что одно дерево лучше другого. Просто так получилось.”
Назначение Риккардо Мути новым музыкальным руководителем ЧСО любезно согласился прокомментировать концертмейстер группы гобоев оркестра Евгений Изотов.
- Я очень доволен принятым решением и с нетерпением жду приезда Риккардо Мути в Чикаго. Мути – феноменальный дирижер. У нас с ним сложились очень хорошие взаимоотношения. Как творческие, так и личностные. Мути – фигура харизматичная. В ЧСО очень много ярких личностей, и нам, скорее всего, не подошел бы просто хороший дирижер, который со временем вырос бы и стал достоин оркестра. В этом отношении фигура Мути равновелика самому оркестру. Надеюсь, что наш “медовый месяц”, начатый в сентябре, продолжится на долгие годы.
- Вы ожидали этого решения?
- Я удивлен, что это решение произошло так быстро. Мы думали, что подождем до следующего года. Но, видимо, Дебора Кард использовала нашу русскую поговорку “Куй железо, пока горячо”.
- Как проходил процесс выбора кандидата?
- Процесс выбора кандидата занял четыре года. После того, что произошло в Филадельфийском оркестре, когда Кристоф Эшенбах не нашел взаимопонимания с коллективом, менеджеры больших оркестров стали внимательнее прислушиваться к мнению музыкантов. История в Филадельфии стала серьезным предупреждением для администрации. В конечном счете нам, музыкантам, работать с дирижером. В ЧСО был создан Комитет по поиску нового музыкального руководителя. Этот Комитет тесно работал с администрацией оркестра. После встречи с каждым дирижером у нас проводился опрос музыкантов по многим критериям. Это была тщательная и долгая работа. И на фоне других дирижеров Риккардо Мути был самым предпочтительным выбором.
- В эпоху Баренбойма Чикаго познакомился с яркими молодыми солистами – звездами первой величины. Максим Венгеров, Ланг Ланг, Николай Знайдер...- этот список можно продолжать. Увидим ли мы с приходом Мути новых талантливых артистов, которые прежде не жаловали Чикаго своим появлением?
- Хочется на это надеяться. Приход нового творческого лидера – это всегда новая эпоха. Мы всегда готовы познакомиться с новыми талантами уровня Максима Венгерова. Но это вопрос скорее к дирижеру. Мы очень много знаем о нем, но как сложатся взаимоотношения в процессе работы, не знает никто. В этом отношении наш выбор похож на выбор кандидата в президенты. Мы можем долго и тщательно изучать их биографии и слушать, что они говорят, но что они будут делать, остается загадкой. Все покажет время. Пока мы с воодушевлением ждем приезда маэстро.
А вот слова многолетнего концертмейстера Чикагского симфонического оркестра Сэмюэля Магада:
- Это - великолепное для оркестра назначение! Маэстро Мути – талантливый дирижер с великолепной харизмой. Музыканты оркестра очень любят его. Я видел несколько концертов ЧСО с Мути в прошлом году. Оркестр под его управлением играл просто прекрасно!”
- Этот выбор – заслуга менеджмента или музыкантов?
- Большую роль в назначении Мути сыграло мнение музыкантов оркестра. Музыканты счастливы работать с маэстро!
- Как вы считаете, это лучший выбор для оркестра?
- О да, лучшего варианта нельзя было представить. Это фантастический выбор! Я не думал, что маэстро Мути согласится приехать в Чикаго. Поздравляю Дебору Кард с тем, что ей удалось уговорить маэстро. Я очень доволен этим решением.
- Будут ли сделаны какие-нибудь изменения в репертуаре оркестра?
- Не думаю, что репертуар оркестра изменится. Риккардо Мути подвластна любая музыка. Он дирижирует оперой, исполняет классические симфонические произведения, современную музыку... Сегодня я смотрю в будущее гораздо оптимистичнее, чем несколько лет назад. Будущее оркестра в надежных руках!
- Но ведь Риккардо Мути не собирается переезжать в Чикаго. Он будет жить в Италии. Он будет приезжать и уезжать...
- Я думаю, сегодня это нормальное явление для больших оркестров. Мы не должны ожидать, что руководитель оркестра станет жить в одном квартале от Симфонического центра. Администрация оркестра хотела, чтобы Баренбойм жил в Чикаго все эти годы, но он не жил здесь, он жил в Берлине. Они хотели, чтобы Шолти жил здесь, но Шолти жил в Лондоне. Прошлые руководители окрестра не жили в Чикаго, и Мути не станет жить в Чикаго, но это не имеет значения. Мути будет приезжать, дирижировать десять недель в Чикаго, дирижировать оркестром на гастролях – этого вполне достаточно для дирижера ТАКОГО уровня и оркестра ТАКОГО уровня.
Гордость Италии, один из самых выдающихся дирижеров современности Риккардо Мути родился в Неаполе 28 июля 1941 года. Отец – врач и музыкант-любитель. Мать – певица. В семье рождались только мальчики: Риккардо был одним из пяти, и только он стал профессиональным музыкантом. (Остальные братья получили “нормальные” специальности: экономист, инженер, социолог, психиатр. Все братья живут в Италии.) Музыкальные способности проявились у Риккардо рано. Он легко поступил и с отличием окончил консерваторию Сан Пьетро а Маелла по классу фортепиано, дирижирования и композиции. Размышляя над тем, стоит ли ему становиться музыкантом-профессионалом, Мути изучал философию в университете Неаполя. Отдав предпочтение музыке, он решил, что одной консерватории ему недостаточно. Мути переезжает в Милан и поступает в консерваторию имени Джузеппе Верди, где учится под руководством Бруно Беттинелли по классу композиции и Антонино Вотто по классу дирижирования. Кроме них, своим учителем Мути называет друга и соратника Федерико Феллини, композитора Нино Роту. Впервые Мути привлек внимание критиков и публики в 1967 году, когда жюри дирижерского конкурса Гвидо Кантелли в Милане единодушно присудило ему первую премию. С этого момента карьера молодого музыканта стремительно пошла вверх. На следующий год он был назначен главным дирижером оркестра “Maggio Musicale Fiorentino” (этот пост дирижер занимал до 1980 года). В 1971 году Герберт фон Караян пригласил маэстро на Зальцбургский музыкальный фестиваль. Это выступление положило начало постоянному сотрудничеству Мути с этим фестивалем, которое продолжается и сегодня.
Для Америки дирижера открыл великий Юджин Орманди. Побывав на репетиции молодого итальянца, мэтр пригласил его отобедать с ним, а позднее предложил выступить с Филадельфийским симфоническим оркестром в качестве приглашенного дирижера. Американский дебют Риккардо Мути состоялся 27 октября 1972 года. Дебют Мути в качестве дирижера ЧСО прошел на фестивале в Равинии летом 1973 года. Потом, в марте 1975 года, он всего один раз появился на сцене Чикагского симфонического центра. После этого – перерыв длиной в тридцать два года!..
Впечатляет список оркестров, которыми руководил Риккардо Мути: Лондонский филармонический (1972-1982 годы; итальянский виртуоз сменил на этом посту Отто Клемперера), Филадельфийский симфонический оркестр (1980-1992 годы; этот оркестр достался ему из рук Юджина Орманди), оркестр “Filarmonica della Scala” театра “Ла Скала” (1986-2005 годы).
Когда 7 декабря 1986 года Мути впервые появился за дирижерским пультом миланского оперного театра (это была опера Дж.Верди “Набукко”), успех был так велик, что публика заставила повторить на бис знаменитый хор “Va, pensiero”, почитаемый в Италии как неофициальный гимн страны. Подобного не случалось в “Ла Скала” со времен Артуро Тосканини, полвека назад строго запретившего бисы. Казалось, Риккардо Мути ждет в “Ла Скала” безоблачная жизнь. Однако годы, проведенные в миланском театре, не были легкими для дирижера. То и дело вспыхивали разногласия между ним и политиками, между ним и профсоюзом оркестра.
В 1998 году оркестр объявил забастовку на премьере “Травиаты”, и Мути ничего не оставалось, как, извинившись перед публикой, самому сесть к роялю. Певцы допевали оперу под аккомпанемент рояля. В 2001 году ситуация повторилась на премьере “Фальстафа”. Спектакль был в последний момент отменен... В общем, обстоятельства сложились так, что дирижер вынужден был уйти. Мути говорит: “Причина моего ухода не была связана с музыкой и творчеством, конфликт лежал не в сфере искусства. Для меня стало невозможно продолжать работать в театре. Я провел там девятнадцать прекрасных лет, но потом наши пути разошлись”.
Скандальная отставка дирижера с поста руководителя оркестра “Ла Скала” в 2005 году лишь добавила популярности Мути. За ним стояли в очереди менеджеры крупнейших оркестров, а сам маэстро, упиваясь славой, наслаждался свободой. Так было почти три года. И вот – неожиданное, радостное для Чикаго известие.
Назначение Мути выглядит большой победой менеджмента оркестра, его администрации и прежде всего президента Деборы Кард. Нью-Йоркский филармонический оркестр пять лет безуспешно пытался уговорить Мути возглавить коллектив, но итальянский маэстро согласился лишь стать главным приглашенным дирижером. Его контракт с Нью-Йорком начинается в 2009 году. Но приглашенный дирижер – должность, скорее, номинальная и почетная. Подлинным хозяином в оркестре является главный дирижер или музыкальный руководитель. Так что в выборе между Нью-Йорком и Чикаго Мути предпочел Чикаго.
Удивительными выглядят слова дирижера о “понимании всего комплекса немузыкальных обязанностей, включая сбор средств и участие в общественных мероприятиях”. Именно эти, “немузыкальные” обязанности музыкального руководителя стали причиной разногласий Баренбойма с администрацией оркестра. Трудно поверить, что неистовый итальянец станет собирать деньги и представительствовать на скучных, но необходимых для казны оркестра мероприятиях, но уже само по себе это заявление говорит о многом. Мути сказал: “Я помню годы, проведенные в Филадельфии, и четко понимаю, что быть музыкальным руководителем американского оркестра не означает только исполнять музыку. Это значит – работать с общественностью”.
Риккардо Мути становится первым музыкальным руководителем-итальянцем за стосемнадцатилетнюю историю ЧСО. Кроме этого, когда он станет у руля оркестра, ему исполнится шестьдесят восемь лет. Он станет старейшим дирижером, возглавлявшим когда-либо чикагский оркестр. Фрицу Райнеру было шестьдесят четыре, когда он стал полновластным хозяином оркестра. Шолти занял этот пост в пятьдесят семь лет.
Контракт с Мути был подписан в Зальцбурге во второй половине дня 5 мая. Дебора Кард со смехом рассказывала музыкантам оркестра, как она не могла дождаться окончания обеда. Пока не принесли счет, Мути отказывался даже смотреть на контракт. Вот уж точно – итальянец на тысячу процентов! Ужин в Италии – дело серьезное, серьезнее любого контракта будет! (Кстати, Мути предпочитает итальянскую кухню любой другой, а в числе любимых ресторанов называет “Сан Пьетро” в Нью-Йорке и “Spiaggia” в Чикаго. То же и с машинами. Самые любимые – итальянские спортивные. Ну а про футбольный клуб и говорить не приходится – конечно, итальянский: “Наполи”.)
В момент подписания контракта Мути работал с молодежным оркестром “Луиджи Керубини” над оперой Паизиелло “Il Matrimonio inaspettato”, по-русски - “Неожиданный брак”. Так вот, журналисты немедленно откликнулись на символическое название оперы. Дирижер сказал: “Я не выбирал эту оперу по названию. Просто так совпало”. А одно из интервью после подписания контракта он заключил шуткой: “Вы знаете, что означает мой приход в Чикаго? Неожиданный брак!”
Музыканты ЧСО узнали о назначении Мути в тот же день. Их собрали в актовом зале Симфонического центра и объявили о подписанном накануне в Зальцбурге контракте. “Аплодисменты были бурными”, - поделился с корреспондентом “Нью-Йорк таймс” Евгений Изотов. Контрабасист Роб Кэссинджер добавил: “Всего несколько человек на планете можно назвать гигантами дирижирования. Риккардо Мути – один из них. Для меня будет огромной радостью предстоящая работа с ним”.
В своем заявлении для прессы Риккардо Мути заявил: “Я очень взволнован предстоящими событиями. Я уверен, что мы сможем работать вместе и сделать музыкальную жизнь Чикаго интереснее и разнообразнее... Мне не надо делать карьеру. Мне не надо никому доказывать, кто такой Мути. Я хочу посвятить себя музицированию с ЧСО и открыть глаза на музыку новому поколению слушателей. Имея за плечами сорокалетний опыт дирижирования, я знаю, что важно не количество проведенного с оркестром времени, а качество. Чикаго станет моей второй родиной. Мне бы очень хотелось, чтобы последняя в моей жизни “помолвка” с оркестром надолго запомнилась людям”.
Говоря о репертуаре оркестра, Мути отметил: “Мой репертуар варьируется между барокко и современной музыкой. Специализироваться на чем-либо одном – значит, ограничивать себя в другом. Великий оркестр должен уметь играть все, и ЧСО умеет играть любую музыку”.
Риккардо Мути станет десятым, юбилейным музыкальным руководителем ЧСО. Вспомним его знаменитых предшественников:
Теодор Томас – 1891-1905 годы; Фредерик Сток – 1905-1942 годы;
Дезире Дефо – 1943-47 годы; Артур Родзински – 1947-1948 годы;
Рафаэль Кубелик – 1950-1953 годы; Фриц Райнер – 1953-1962 годы;
Джин Мартинон – 1963-1968 годы; Георг Шолти – 1969-1991 годы;
Даниэль Баренбойм – 1991-2006 годы.
Впервые в истории ЧСО, начиная с осени 2006 года и до осени 2010 года в оркестре будет продолжаться двоевластие. Как сказал в беседе со мной Евгений Изотов: “Можно позавидовать любому оркестру, которому удастся заполучить в качестве временного дирижера фигуру уровня Хайтинка или Булеза. А в Чикаго работают они оба”. Главным дирижером ЧСО по-прежнему является прославленный голландский музыкант сэр Бернард Хайтинк, а Почетным дирижером оркестра – один из самых интересных композиторов XX века Пьер Булез.
Мути приступит к своим обязанностям в сентябре 2010 года. Согласно подписанному контракту, Мути будет дирижировать ЧСО как минимум десять недель в году в течение пяти лет, начиная с сезона 2010-11 годов. Кроме концертов в Чикаго, маэстро будет стоять во главе оркестра во время его гастрольных туров, проводить прослушивания музыкантов, определять репертуарную политику оркестра. До этого в сезоне 2009-2010 годов Мути пробудет с оркестром две недели. А еще раньше - 15-17 января 2009 года - состоится его выступление в Симфоническом центре. ЧСО под управлением Мути исполнит “Реквием” Дж.Верди. В числе солистов – звезды мировой оперной сцены Барбара Фриттоли, Ольга Бородина, Ильдар Абдразаков.
2 июня Мути прилетит в Чикаго для встречи с музыкантами оркестра.
Итак, в великий оркестр приходит великий дирижер. Риккардо Мути придирчив, требователен и строг во всем, что касается работы. Он готов часами сидеть над одной музыкальной фразой, добиваясь совершенства. Иногда его называют тираном, но это не так. “В моем возрасте мне не нужно уже бороться за власть или успех. Я просто хочу профессионально заниматься любимым делом,” - подчеркивает дирижер. А вот что говорит о нем Мария Гулегина: “Мути для меня - идеальный маэстро. Он не только разбирает с певцами партию, но и учит жизни. Он никогда не выпячивает себя - просто делает все для музыки и для композитора. Я ему верю”.
Риккардо Мути дирижирует по-разному: иногда довольствуясь лаконичными жестами, иногда широко, энергично, танцуя и приседая за пультом. Риккардо Мути - не только прекрасный дирижер, но и актер. За ним интересно наблюдать: позы, жесты, театральные движения – все тщательно отрепетировано и великолепно сыграно. И сам он – артистичный, изысканный, аристократичный...
Про Мути рассказывают удивительные вещи. Он сам готовит партии с солистами, не жалея времени на отделку мельчайших фраз, пока не добьется стилистической точности. Он является одним из главных популяризаторов музыки, часто выступает в университетах и по телевидению с лекциями. Он доводит публику до гомерического хохота ироничными пересказами и комментариями старинных либретто, а попутно в доступной форме разъясняет проблемы стиля и драматургии классических произведений.
Жена Риккардо Мути Кристина Маццавилани – певица, создатель и руководитель музыкального фестиваля в Равенне (Италия). У них трое детей. Сыновья не пошли по стопам родителей: Франческо стал архитектором, Доменико – юристом. Зато дочь – красавица Чара - стала актрисой и певицей. Шесть месяцев назад Риккардо Мути стал дедушкой – у Франческо и Сюзанны появился первенец. В честь деда его назвали Риккардо.
Мути с женой живут в Равенне и на вилле в Анифе – маленьком австрийском городке недалеко от Зальцбурга.
Что изменится в музыкальной жизни Чикаго после появления Мути? Ответ на этот вопрос мы узнаем только через два года, но уже сегодня можно сказать: жить в Чикаго станет интересней!
11 мая 2008 года
Владимир Спиваков: “ноты – это закодированные эмоции”
Разговор с музыкантом перед концертом в Чикаго
Чикаго в ожидании встречи с блистательным скрипачом и дирижером Владимиром Спиваковым и его камерным оркестром “Виртуозы Москвы”. Впервые за долгие годы концерт “Виртуозов...” пройдет в лучшем симфоническом зале города – Чикагском симфоническом центре. Мне удалось поговорить с маэстро незадолго до начала его американского тура. Спиваков находился в Мэдисоне и в ожидании своего коллектива работал с местным симфоническим оркестром. На вопрос о “Виртуозах...” он с улыбкой сказал: ““Gold From Russia”, как было написано в одной афише, скоро прилетит”.
О программе концерта мы говорили недавно с пианисткой Ольгой Керн, но мне было интересно, что ответит маэстро, поэтому я повторил свой вопрос.
- Вы представляете в Чикаго очень неожиданную программу. Почему вы решили объединить в одном концерте композиторов разных эпох и стилей: Шенберга, Гайдна, Шостаковича, Пьяццолу?
- У Бродского есть замечательная мысль: “Время, столкнувшись с памятью, узнает о своем бесправии...” Время бессильно перед великими сочинениями, и великие сочинения разных времен прекрасно сосуществуют в одном концерте. Изумительная пианистка Ольга Керн захотела исполнить в одной программе концерты Гайдна и Шостаковича. Потом мы добавили в программу Пьяццолу и Шенберга. Секстет для струнных “Просветленная ночь” Арнольда Шенберга – абсолютный музыкальный шедевр, доступный для понимания. Там ведь рассказывается обычная история любви. Женщина оказывается беременной не от того, с кем она встречается, но благородный мужчина говорит: “Я тебя люблю и приму ребенка как своего”.
Секстет для струнных “Просветленная ночь” создан Шенбергом в 1899 году по поэме Рихарда Демеля “Женщина и мир”. Побывавший на премьере автор писал композитору, что вначале “пытался следить за мотивами текста, но вскоре забыл об этом, будучи очарованным музыкой”.
- В разговоре со мной Ольга Керн пообещала, что на концерте будут сюрпризы, но не рассказала, какие. Может быть, вы приоткроете тайну?
- Нет. Сюрприз есть сюрприз.
- Ваши концерты не обходятся без “бисов”. Услышим ли мы нечто подобное в Чикаго?
- Конечно. После хорошего обеда (или ужина) всегда должен быть десерт... Говоря о концерте, я хочу добавить, что в нем примет участие аккордеонист Никита Власов. Он - лауреат Первой премии международного конкурса аккордеонистов в Нью-Йорке “Золотой аккордеон”. Его невероятные способности проявились в раннем детстве. Уже в два года он узнавал музыкальные произведения, с шести лет занимается на аккордеоне. Десять лет талантливый музыкант поддерживается нашим Детским благотворительным фондом. В концерте 18 мая он исполнит с оркестром Два танго Пьяццолы.
Благодаря участию Владимира Спивакова и Детского благотворительного фонда родители Власова переехали с одаренным мальчиком в Нижний Новгород, и девятилетний Никита получил возможность заниматься в Нижегородской консерватории. Никита Власов – один из восьми тысяч талантливых детей, получивших бескорыстную помощь от Детского благотворительного фонда Спивакова. Этот фонд существует почти пятнадцать лет. Он проводит концерты, фестивали, выставки, выделяет средства на медицину и образование, помогает сиротским приютам, детским клиническим больницам... Но, наверно, самое главное в деятельности фонда то, что он оказывает адресную помощь, - помогает заплатить родителям за обучение ребенка, приобрести хороший инструмент, оплачивает медицинские операции, когда это необходимо. Спиваков говорит: “Я убежден: ощущение счастья дается человеку именно через возможность делиться, выйти из круга своего “я” и чувствовать, что ты можешь сделать кого-то счастливым. Я хочу, чтобы дети верили в чудо!” Узнав, что я из Минска, Владимир Теодорович сказал:
- В Беларуси есть отделение нашего Фонда. В Минске живет изумительный мальчик Иван Каризна - виолончелист, продолжатель традиций Ростроповича. Ему шестнадцать лет. Из них восемь лет Ивану помогает наш Фонд. Я уговорил одного богатого человека купить мальчику очень хороший инструмент.
- Владимир Теодорович, времена изменились. В музыку пришли законы коммерции. Как вам сегодня живется? Как работается?
- Я живу полнокровной жизнью. Продолжаю давать сольные концерты, гастролировать по России и миру. Скоро исполнится тридцать лет “Виртуозам Москвы”. Сейчас у меня свой большой оркестр – Национальный филармонический оркестр России (НФОР). Он был создан по прямому указанию президента. Полтора года назад у нас был с ними большой тур по Америке. Мы сыграли тридцать два концерта, и везде были полные залы.
- Почему вы решили взять в руки дирижерскую палочку?
- Когда-то учитель Рихтера и Гилельса Генрих Густавович Нейгауз заметил, что в каждом хорошем пианисте должен сидеть дирижер. Так вот я думаю, что в каждом хорошем музыканте должен сидеть дирижер. У кого это чувство развито, тому надо учиться. Мне интересно дирижирование. Пять лет я учился этому искусству у замечательного профессора Израиля Гусмана. Мне повезло, я играл практически со всеми великими дирижерами, дирижировал многими симфоническими оркестрами и даже получал предложение занять пост главного дирижера как в Европе, так и в Америке. Я могу гордиться тем, что дружил с Бернстайном и получил от него в подарок дирижерскую палочку. Это мой талисман.
- Я читал, что ваш дебют в качестве дирижера состоялся в 1979 году в Равинии. Вы помните подробности этого концерта?
- Во время учебы я уговорил своего импресарио, вице-президента “Коламбиа Артист“ Сэма Нифолда устроить мне пробный концерт с оркестром. Так он мне ни больше ни меньше устроил концерт с Чикагским симфоническим и сказал при этом: “Если ты провалишься, ты никогда больше нигде не сможешь дирижировать. Но если у тебя будет успех, то тебя ждет большое будущее как дирижера”. После концерта “Чикаго сан-таймс” написала: “Мы готовы постелить Спивакову красный ковер”. Был очень большой успех.
- Прекрасное начало карьеры!
- Потом началась война в Афганистане и все связи с Америкой на девять лет были прерваны. Так что продолжения в Чикаго не последовало. Ну ничего, зато я создал “Виртуозы..”!
- Как родилось название оркестра?
- Название родилось по аналогии с другими коллективами. “Виртуозы Рима”, “Виртуозы Чикаго”, кстати, “Виртуозы Праги”, “Виртуозы Лондона”. Конечно, название бесило чиновников. “Что это за безобразие? Что они себе позволяют?” – говорили они. Нас вычеркивали из радиопередач, выгоняли с телевидения...
- Мне кажется, создание “Виртуозов...” чем-то похоже на создание “Современника”. То же студийное братство, те же репетиции по ночам...
- Конечно. Репетировали в кочегарках, клубах, по ночам, потому что не было помещений. Но мы были счастливы, мы хотели музицировать, и нам было неважно, где.
- Сохраняется ли сегодня в оркестре эта атмосфера?
- Сегодня в оркестре уже второй состав. Первый постарел, многим музыкантам под семьдесят. Большинство из них осталось в Испании, где мы работали несколько лет под патронажем фонда принца Астурийского Филиппа. Молодежная часть музыкантов захотела вернуться в Москву. По приезде мы устроили большой конкурс и набрали новый состав. Поскольку имя “Виртуозы Москвы” – достойное имя, к нам пришли замечательные молодые музыканты, с которыми я работаю больше двенадцати лет. Они сейчас играют не хуже, чем старый состав.
- Сегодня, оглядываясь назад, вам не кажется, что отъезд оркестра в Испанию, в “красивый, тихий, сытный кошмар с чистым воздухом”, как написала ваша супруга, был ошибкой?
- Нет, не кажется. Это не было ошибкой. Вспомните то время, 1990 год. У меня был талон с фотографией и надписью: “Спиваков Владимир Теодорович. Имеет двух детей: Татьяну и Катерину. Полагается триста граммов масла и два килограмма сахара”. Отъезд в Испанию помог сохранить оркестр. Многие остались там и сейчас работают в испанских оркестрах. Но если бы не Испания, все бы разъехались.
- А у вас никогда не возникало мысли остаться?
- Нет, я не мыслю себя без России. Я слишком прирос к русской культуре.
- У вас всегда был свой зритель – особенный, интеллигентный, образованный. Сохранился ли он сегодня?
- Да, у нас есть свой зритель. У нас всегда на концертах переполненные залы. Во всех странах. До сих пор, независимо от степени сложности программы. “Виртуозы...” стали частью жизни очень многих людей, которых мы привели к классической музыке. Ноты – это ведь не просто черные точечки на бумаге. Ноты – это закодированные человеческие эмоции. Музыка доступна всем. В бывшем Советском Союзе все формы религии были запрещены. Мы не могли спокойно прийти в церковь, костел, синагогу. Поэтому для многих людей, для интеллигенции поход на концерт был чем-то вроде похода в храм. Музыка, искусство, литература заменяли людям религию.
- Как вы считаете, сегодня это чувство утеряно или по-прежнему есть понимание музыки как религии?
- Думаю, что не совсем утеряно. Здесь многое зависит от исполнителей, которые должны поддерживать это ощущение.
- Как вы думаете, является ли музыкант только передаточным звеном от композитора к слушателям или музыкант, в вашем понимании, - это личность, по-своему интерпретирующая замысел композитора?
- И то, и другое. Если вы посмотрите иллюстрации Кузьмина к “Евгению Онегину” или Добужинского к Достоевскому, или Фаворского к “Гамлету”, то вы поймете, что это уже не совсем Пушкин, не совсем Достоевский, не совсем Шекспир. Когда Марина Цветаева переводила на французский язык Пушкина, она же тоже не дословно переводила. Понятно, что в переводе многое теряется, поэтому нужен адекватный перевод. Цветаева уловила музыку Пушкина. Так же и музыкант – важно уловить дух произведения и выразить его в игре. К счастью, у нас были и есть великие музыканты-личности.
- Об одном из таких музыкантов я хотел бы с вами поговорить. 27 апреля была первая годовщина смерти Мстислава Леопольдовича Ростроповича. Вы не раз общались с ним, играли в совместных концертах. Что вам вспоминается сегодня об этом человеке?
- Ростропович всегда был для меня образцом, примером для подражания. Я приходил в девятнадцатый класс Московской консерватории и слушал его занятия. Тогда у него училась гениальная виолончелистка Жаклин Дю Пре. Она страдала рассеянным склерозом и рано ушла из жизни. Она играла на виолончели, а Ростропович, в совершенстве владеющий роялем, аккомпанировал ей. Это был такой театр, он ТАК рассказывал о музыке, он давал такую пищу для размышлений, для развития фантазии! Ростропович – совершенно уникальный человек. В этом году во французском городе Кольмаре в двадцатый раз пройдет музыкальный фестиваль, который я веду в качестве артистического директора. Юбилейный фестиваль посвящен как раз Славе Ростроповичу. Устроить фестиваль его памяти - мой долг перед ним. За несколько лет до смерти он приезжал в Кольмар и бесплатно сыграл концерт. Он мне сказал: “Мой гонорар съест весь бюджет фестиваля”. После концерта я ему предложил сделать на выбор любые программы и провести фестиваль. Подобные фестивали проводили у меня Джесси Норман и Кшиштоф Пендерецкий. Слава ответил: “Вот когда я уйду из жизни, сделай фестиваль в мою честь”. Это я и делаю сейчас.
- Как вам удалось малозаметный провинциальный фестиваль превратить в один из лучших и престижнейших фестивалей мирового уровня?
- Мне кажется, что фестиваль должен иметь какую-то идею. Массовые фестивали только называются фестивалями, а на самом деле напоминают “Ceasar Salad”. Кольмар - старинный город с красивыми, похожими на торты домами, место само по себе замечательное. Мы играем в церкви XVII века с изумительной акустикой. Ее обновили. Кстати, не без помощи американцев. Первые фестивали проходили практически под открытым небом. Там были дыры в крыше, через которые просачивалась вода, и в дождь люди сидели и слушали музыку под зонтиками. Со временем церковь была отреставрирована. Сегодня зал вмещает почти тысячу человек. Для французских музыкантов Кольмар - это музыкальный оазис. Они считают для себя за честь приехать и выступить там. В фестивале участвуют и “Виртуозы...”, и НФОР, и лучшие инструменталисты из разных стран. В этом году приедут друзья, коллеги и ученики Ростроповича.
- Ваш учитель Юрий Янкелевич считал, что ваше увлечение живописью мешает музыке. Если бы не он, так бы и шли параллельно в вашей жизни музыка и живопись?
- Нет. Оба эти занятия требуют полной концентрации. Для того, чтобы быть хорошим живописцем, нужно все время заниматься. А это не так просто. К сожалению, в сутках всего двадцать четыре часа.
- Вы сегодня продолжаете заниматься живописью?
- Нет. Я раньше коллекционировал живопись, но сейчас это делать невозможно. Все стоит дикие деньги.
- На какой скрипке вы играете?
- Я играю на скрипке работы Страдивари. Это не моя скрипка, она мне передана в пожизненное пользование. При наших гонорарах, особенно в советское время, когда девяносто пять процентов доходов отбирало государство, купить хороший инструмент было невозможно.
- Огромное значение в жизни у вас занимает поэзия, литература. Можно полюбопытствовать, какая книга лежит у вас на книжном столе?
- Я сразу читаю много книг подряд, поэтому как-то выделять сложно. Очень люблю поэзию, считаю поэзию высшим достижением языка. Слежу за новыми интересными писателями. Читаю Игоря Сахновского, Михаила Шишкина. Недавно прочитал новый роман Сорокина “День опричника”. Достойное сочинение. Слежу за творчеством Татьяны Толстой, Людмилы Улицкой. Интересуюсь философской литературой, читаю Ильина, Бердяева, Флоренского.
- Как у вас хватает времени следить за литературой?
- Перед сном почитать книгу – это мой ритуал.
- У вас три дочери...
Спиваков прервал меня, не дав закончить:
- Четыре. Моя сестра умерла, и мы взяли к себе ее дочку. Так что у меня четыре дочери и сын от первого брака. А пять дней назад (Наша беседа состоялась 25 апреля. – Прим. автора) у нас была серебряная свадьба с моей супругой Сати.
- Поздравляю вас. Вы – замечательная пара!
- Спасибо.
- Расскажите, пожалуйста, чем занимаются ваши дети.
- Они все занимаются музыкой, но никого я не принуждал ни к чему. Я считаю, что дети должны проживать не нашу жизнь, а свою собственную, и мешать им в этом не нужно. Они все широко образованы, знают четыре языка, прекрасно разбираются в музыке. Старшая дочь пошла по линии кино. Она пишет сценарии, начала снимать документальные фильмы. Средняя хочет быть актрисой, учится на искусствоведческом факультете в Лувре и посещает самую лучшую драматическую студию во Франции. Младшая – ей тринадцать лет - занимается на рояле и поет.
- Спасибо, Владимир Теодорович, за интересную беседу. Не смею отнимать у вас драгоценное время. С нетерпением ждем вас в Чикаго! До встречи!
- Спасибо. Постараемся оправдать ваши ожидания.
Наша справка. Концерт Камерного оркестра “Виртуозы Москвы” под управлением Владимира Спивакова состоится 18 мая 2008 года в Чикагском симфоническом центре по адресу: 220 S. Michigan Ave, Chicago, IL 60604. Билеты можно заказать по телефону (312) 294-3000 или зарезервировать на Интернет-сайте http://www.cso.org/.
4 мая 2008 года
Чикаго в ожидании встречи с блистательным скрипачом и дирижером Владимиром Спиваковым и его камерным оркестром “Виртуозы Москвы”. Впервые за долгие годы концерт “Виртуозов...” пройдет в лучшем симфоническом зале города – Чикагском симфоническом центре. Мне удалось поговорить с маэстро незадолго до начала его американского тура. Спиваков находился в Мэдисоне и в ожидании своего коллектива работал с местным симфоническим оркестром. На вопрос о “Виртуозах...” он с улыбкой сказал: ““Gold From Russia”, как было написано в одной афише, скоро прилетит”.
О программе концерта мы говорили недавно с пианисткой Ольгой Керн, но мне было интересно, что ответит маэстро, поэтому я повторил свой вопрос.
- Вы представляете в Чикаго очень неожиданную программу. Почему вы решили объединить в одном концерте композиторов разных эпох и стилей: Шенберга, Гайдна, Шостаковича, Пьяццолу?
- У Бродского есть замечательная мысль: “Время, столкнувшись с памятью, узнает о своем бесправии...” Время бессильно перед великими сочинениями, и великие сочинения разных времен прекрасно сосуществуют в одном концерте. Изумительная пианистка Ольга Керн захотела исполнить в одной программе концерты Гайдна и Шостаковича. Потом мы добавили в программу Пьяццолу и Шенберга. Секстет для струнных “Просветленная ночь” Арнольда Шенберга – абсолютный музыкальный шедевр, доступный для понимания. Там ведь рассказывается обычная история любви. Женщина оказывается беременной не от того, с кем она встречается, но благородный мужчина говорит: “Я тебя люблю и приму ребенка как своего”.
Секстет для струнных “Просветленная ночь” создан Шенбергом в 1899 году по поэме Рихарда Демеля “Женщина и мир”. Побывавший на премьере автор писал композитору, что вначале “пытался следить за мотивами текста, но вскоре забыл об этом, будучи очарованным музыкой”.
- В разговоре со мной Ольга Керн пообещала, что на концерте будут сюрпризы, но не рассказала, какие. Может быть, вы приоткроете тайну?
- Нет. Сюрприз есть сюрприз.
- Ваши концерты не обходятся без “бисов”. Услышим ли мы нечто подобное в Чикаго?
- Конечно. После хорошего обеда (или ужина) всегда должен быть десерт... Говоря о концерте, я хочу добавить, что в нем примет участие аккордеонист Никита Власов. Он - лауреат Первой премии международного конкурса аккордеонистов в Нью-Йорке “Золотой аккордеон”. Его невероятные способности проявились в раннем детстве. Уже в два года он узнавал музыкальные произведения, с шести лет занимается на аккордеоне. Десять лет талантливый музыкант поддерживается нашим Детским благотворительным фондом. В концерте 18 мая он исполнит с оркестром Два танго Пьяццолы.
Благодаря участию Владимира Спивакова и Детского благотворительного фонда родители Власова переехали с одаренным мальчиком в Нижний Новгород, и девятилетний Никита получил возможность заниматься в Нижегородской консерватории. Никита Власов – один из восьми тысяч талантливых детей, получивших бескорыстную помощь от Детского благотворительного фонда Спивакова. Этот фонд существует почти пятнадцать лет. Он проводит концерты, фестивали, выставки, выделяет средства на медицину и образование, помогает сиротским приютам, детским клиническим больницам... Но, наверно, самое главное в деятельности фонда то, что он оказывает адресную помощь, - помогает заплатить родителям за обучение ребенка, приобрести хороший инструмент, оплачивает медицинские операции, когда это необходимо. Спиваков говорит: “Я убежден: ощущение счастья дается человеку именно через возможность делиться, выйти из круга своего “я” и чувствовать, что ты можешь сделать кого-то счастливым. Я хочу, чтобы дети верили в чудо!” Узнав, что я из Минска, Владимир Теодорович сказал:
- В Беларуси есть отделение нашего Фонда. В Минске живет изумительный мальчик Иван Каризна - виолончелист, продолжатель традиций Ростроповича. Ему шестнадцать лет. Из них восемь лет Ивану помогает наш Фонд. Я уговорил одного богатого человека купить мальчику очень хороший инструмент.
- Владимир Теодорович, времена изменились. В музыку пришли законы коммерции. Как вам сегодня живется? Как работается?
- Я живу полнокровной жизнью. Продолжаю давать сольные концерты, гастролировать по России и миру. Скоро исполнится тридцать лет “Виртуозам Москвы”. Сейчас у меня свой большой оркестр – Национальный филармонический оркестр России (НФОР). Он был создан по прямому указанию президента. Полтора года назад у нас был с ними большой тур по Америке. Мы сыграли тридцать два концерта, и везде были полные залы.
- Почему вы решили взять в руки дирижерскую палочку?
- Когда-то учитель Рихтера и Гилельса Генрих Густавович Нейгауз заметил, что в каждом хорошем пианисте должен сидеть дирижер. Так вот я думаю, что в каждом хорошем музыканте должен сидеть дирижер. У кого это чувство развито, тому надо учиться. Мне интересно дирижирование. Пять лет я учился этому искусству у замечательного профессора Израиля Гусмана. Мне повезло, я играл практически со всеми великими дирижерами, дирижировал многими симфоническими оркестрами и даже получал предложение занять пост главного дирижера как в Европе, так и в Америке. Я могу гордиться тем, что дружил с Бернстайном и получил от него в подарок дирижерскую палочку. Это мой талисман.
- Я читал, что ваш дебют в качестве дирижера состоялся в 1979 году в Равинии. Вы помните подробности этого концерта?
- Во время учебы я уговорил своего импресарио, вице-президента “Коламбиа Артист“ Сэма Нифолда устроить мне пробный концерт с оркестром. Так он мне ни больше ни меньше устроил концерт с Чикагским симфоническим и сказал при этом: “Если ты провалишься, ты никогда больше нигде не сможешь дирижировать. Но если у тебя будет успех, то тебя ждет большое будущее как дирижера”. После концерта “Чикаго сан-таймс” написала: “Мы готовы постелить Спивакову красный ковер”. Был очень большой успех.
- Прекрасное начало карьеры!
- Потом началась война в Афганистане и все связи с Америкой на девять лет были прерваны. Так что продолжения в Чикаго не последовало. Ну ничего, зато я создал “Виртуозы..”!
- Как родилось название оркестра?
- Название родилось по аналогии с другими коллективами. “Виртуозы Рима”, “Виртуозы Чикаго”, кстати, “Виртуозы Праги”, “Виртуозы Лондона”. Конечно, название бесило чиновников. “Что это за безобразие? Что они себе позволяют?” – говорили они. Нас вычеркивали из радиопередач, выгоняли с телевидения...
- Мне кажется, создание “Виртуозов...” чем-то похоже на создание “Современника”. То же студийное братство, те же репетиции по ночам...
- Конечно. Репетировали в кочегарках, клубах, по ночам, потому что не было помещений. Но мы были счастливы, мы хотели музицировать, и нам было неважно, где.
- Сохраняется ли сегодня в оркестре эта атмосфера?
- Сегодня в оркестре уже второй состав. Первый постарел, многим музыкантам под семьдесят. Большинство из них осталось в Испании, где мы работали несколько лет под патронажем фонда принца Астурийского Филиппа. Молодежная часть музыкантов захотела вернуться в Москву. По приезде мы устроили большой конкурс и набрали новый состав. Поскольку имя “Виртуозы Москвы” – достойное имя, к нам пришли замечательные молодые музыканты, с которыми я работаю больше двенадцати лет. Они сейчас играют не хуже, чем старый состав.
- Сегодня, оглядываясь назад, вам не кажется, что отъезд оркестра в Испанию, в “красивый, тихий, сытный кошмар с чистым воздухом”, как написала ваша супруга, был ошибкой?
- Нет, не кажется. Это не было ошибкой. Вспомните то время, 1990 год. У меня был талон с фотографией и надписью: “Спиваков Владимир Теодорович. Имеет двух детей: Татьяну и Катерину. Полагается триста граммов масла и два килограмма сахара”. Отъезд в Испанию помог сохранить оркестр. Многие остались там и сейчас работают в испанских оркестрах. Но если бы не Испания, все бы разъехались.
- А у вас никогда не возникало мысли остаться?
- Нет, я не мыслю себя без России. Я слишком прирос к русской культуре.
- У вас всегда был свой зритель – особенный, интеллигентный, образованный. Сохранился ли он сегодня?
- Да, у нас есть свой зритель. У нас всегда на концертах переполненные залы. Во всех странах. До сих пор, независимо от степени сложности программы. “Виртуозы...” стали частью жизни очень многих людей, которых мы привели к классической музыке. Ноты – это ведь не просто черные точечки на бумаге. Ноты – это закодированные человеческие эмоции. Музыка доступна всем. В бывшем Советском Союзе все формы религии были запрещены. Мы не могли спокойно прийти в церковь, костел, синагогу. Поэтому для многих людей, для интеллигенции поход на концерт был чем-то вроде похода в храм. Музыка, искусство, литература заменяли людям религию.
- Как вы считаете, сегодня это чувство утеряно или по-прежнему есть понимание музыки как религии?
- Думаю, что не совсем утеряно. Здесь многое зависит от исполнителей, которые должны поддерживать это ощущение.
- Как вы думаете, является ли музыкант только передаточным звеном от композитора к слушателям или музыкант, в вашем понимании, - это личность, по-своему интерпретирующая замысел композитора?
- И то, и другое. Если вы посмотрите иллюстрации Кузьмина к “Евгению Онегину” или Добужинского к Достоевскому, или Фаворского к “Гамлету”, то вы поймете, что это уже не совсем Пушкин, не совсем Достоевский, не совсем Шекспир. Когда Марина Цветаева переводила на французский язык Пушкина, она же тоже не дословно переводила. Понятно, что в переводе многое теряется, поэтому нужен адекватный перевод. Цветаева уловила музыку Пушкина. Так же и музыкант – важно уловить дух произведения и выразить его в игре. К счастью, у нас были и есть великие музыканты-личности.
- Об одном из таких музыкантов я хотел бы с вами поговорить. 27 апреля была первая годовщина смерти Мстислава Леопольдовича Ростроповича. Вы не раз общались с ним, играли в совместных концертах. Что вам вспоминается сегодня об этом человеке?
- Ростропович всегда был для меня образцом, примером для подражания. Я приходил в девятнадцатый класс Московской консерватории и слушал его занятия. Тогда у него училась гениальная виолончелистка Жаклин Дю Пре. Она страдала рассеянным склерозом и рано ушла из жизни. Она играла на виолончели, а Ростропович, в совершенстве владеющий роялем, аккомпанировал ей. Это был такой театр, он ТАК рассказывал о музыке, он давал такую пищу для размышлений, для развития фантазии! Ростропович – совершенно уникальный человек. В этом году во французском городе Кольмаре в двадцатый раз пройдет музыкальный фестиваль, который я веду в качестве артистического директора. Юбилейный фестиваль посвящен как раз Славе Ростроповичу. Устроить фестиваль его памяти - мой долг перед ним. За несколько лет до смерти он приезжал в Кольмар и бесплатно сыграл концерт. Он мне сказал: “Мой гонорар съест весь бюджет фестиваля”. После концерта я ему предложил сделать на выбор любые программы и провести фестиваль. Подобные фестивали проводили у меня Джесси Норман и Кшиштоф Пендерецкий. Слава ответил: “Вот когда я уйду из жизни, сделай фестиваль в мою честь”. Это я и делаю сейчас.
- Как вам удалось малозаметный провинциальный фестиваль превратить в один из лучших и престижнейших фестивалей мирового уровня?
- Мне кажется, что фестиваль должен иметь какую-то идею. Массовые фестивали только называются фестивалями, а на самом деле напоминают “Ceasar Salad”. Кольмар - старинный город с красивыми, похожими на торты домами, место само по себе замечательное. Мы играем в церкви XVII века с изумительной акустикой. Ее обновили. Кстати, не без помощи американцев. Первые фестивали проходили практически под открытым небом. Там были дыры в крыше, через которые просачивалась вода, и в дождь люди сидели и слушали музыку под зонтиками. Со временем церковь была отреставрирована. Сегодня зал вмещает почти тысячу человек. Для французских музыкантов Кольмар - это музыкальный оазис. Они считают для себя за честь приехать и выступить там. В фестивале участвуют и “Виртуозы...”, и НФОР, и лучшие инструменталисты из разных стран. В этом году приедут друзья, коллеги и ученики Ростроповича.
- Ваш учитель Юрий Янкелевич считал, что ваше увлечение живописью мешает музыке. Если бы не он, так бы и шли параллельно в вашей жизни музыка и живопись?
- Нет. Оба эти занятия требуют полной концентрации. Для того, чтобы быть хорошим живописцем, нужно все время заниматься. А это не так просто. К сожалению, в сутках всего двадцать четыре часа.
- Вы сегодня продолжаете заниматься живописью?
- Нет. Я раньше коллекционировал живопись, но сейчас это делать невозможно. Все стоит дикие деньги.
- На какой скрипке вы играете?
- Я играю на скрипке работы Страдивари. Это не моя скрипка, она мне передана в пожизненное пользование. При наших гонорарах, особенно в советское время, когда девяносто пять процентов доходов отбирало государство, купить хороший инструмент было невозможно.
- Огромное значение в жизни у вас занимает поэзия, литература. Можно полюбопытствовать, какая книга лежит у вас на книжном столе?
- Я сразу читаю много книг подряд, поэтому как-то выделять сложно. Очень люблю поэзию, считаю поэзию высшим достижением языка. Слежу за новыми интересными писателями. Читаю Игоря Сахновского, Михаила Шишкина. Недавно прочитал новый роман Сорокина “День опричника”. Достойное сочинение. Слежу за творчеством Татьяны Толстой, Людмилы Улицкой. Интересуюсь философской литературой, читаю Ильина, Бердяева, Флоренского.
- Как у вас хватает времени следить за литературой?
- Перед сном почитать книгу – это мой ритуал.
- У вас три дочери...
Спиваков прервал меня, не дав закончить:
- Четыре. Моя сестра умерла, и мы взяли к себе ее дочку. Так что у меня четыре дочери и сын от первого брака. А пять дней назад (Наша беседа состоялась 25 апреля. – Прим. автора) у нас была серебряная свадьба с моей супругой Сати.
- Поздравляю вас. Вы – замечательная пара!
- Спасибо.
- Расскажите, пожалуйста, чем занимаются ваши дети.
- Они все занимаются музыкой, но никого я не принуждал ни к чему. Я считаю, что дети должны проживать не нашу жизнь, а свою собственную, и мешать им в этом не нужно. Они все широко образованы, знают четыре языка, прекрасно разбираются в музыке. Старшая дочь пошла по линии кино. Она пишет сценарии, начала снимать документальные фильмы. Средняя хочет быть актрисой, учится на искусствоведческом факультете в Лувре и посещает самую лучшую драматическую студию во Франции. Младшая – ей тринадцать лет - занимается на рояле и поет.
- Спасибо, Владимир Теодорович, за интересную беседу. Не смею отнимать у вас драгоценное время. С нетерпением ждем вас в Чикаго! До встречи!
- Спасибо. Постараемся оправдать ваши ожидания.
Наша справка. Концерт Камерного оркестра “Виртуозы Москвы” под управлением Владимира Спивакова состоится 18 мая 2008 года в Чикагском симфоническом центре по адресу: 220 S. Michigan Ave, Chicago, IL 60604. Билеты можно заказать по телефону (312) 294-3000 или зарезервировать на Интернет-сайте http://www.cso.org/.
4 мая 2008 года
7 апр. 2008 г.
В добрый путь, “Атриум”!
Интервью с руководителями театра перед московскими гастролями
“Москва. Как много в этом звуке...” Культурная столица мира, интереснейший город, в котором происходит невероятное количество событий, Москва, как магнит, притягивает к себе все лучшее, яркое, талантливое. От серости будней, от одиночества, в поисках лучшей жизни, в погоне за успехом, популярностью, славой – рецепт один: в Москву, в Москву, в Москву! Едут в столицу актеры и режиссеры, художники и музыканты. Едут на других посмотреть и себя показать. Спектакли, концерты, встречи... – в этом водовороте событий легко затеряться. Показать спектакль в Москве – Мекке театрального искусства – уже само по себе дорогого стоит! В Москве искушенный зритель. Москва знает, что такое настоящее искусство и умеет отличать подлинное от подделки. Так что в Москве выступать трудно, но очень-очень почетно.
20 и 21 мая в Москве в театре “Школа современной пьесы” состоятся гастроли чикагского русского репертуарного театра “Атриум”. Чтобы узнать подробности предстоящей поездки и новости о театре, я отправился к руководителям “Атриума” Вячеславу Кагановичу и Евгению Колкевичу.
- Ребята, вам не страшно?
- (В.К.) Страшно.
- (Е.К.) Очень страшно. Для нас ведь это очень большая ответственность.
- (В.К.) Не посрамить Соединенные Штаты... (Смеются.).
- (Е.К.) Это историческое событие в жизни не только театра, не только Чикаго, но и русскоязычной Америки. Эта акция происходит впервые в истории взаимоотношений России и Америки. Оттуда сюда коллективы приезжают часто. Кто-то привозит халтуру, кто-то - действительно достойные спектакли. Но русский репертуарный театр из США едет на гастроли в Россию впервые в истории!
- Расскажите, пожалуйста, кто был инициатором поездки.
- (В.К.) Эта история началась с приезда Михаила Михайловича Козакова в Чикаго. Мастер не только провел творческий вечер и пообщался со зрителями, но и посмотрел видеозапись нашего спектакля “Посвящается Вам”. Он хлопал, кричал “Браво”, а по окончании спектакля сказал, что лучшего прочтения Окуджавы в своей жизни не видел. Такая похвала из уст такого Мастера дорогого стоит! Козаков попросил копию спектакля и увез ее в Москву. Когда я был в Москве, я позвонил ему. Михаил Михайлович сказал: “Вам надо встретиться с Йосиком”. Йосик – это главный режиссер театра “Школа современной пьесы” Иосиф Райхельгауз. Иосиф Леонидович, видимо, рассчитывал потратить на меня минут десять. Вместо этого он просидел со мной полтора часа. Он задавал вопросы и после каждого ответа восклицал: “Невероятно! Не понимаю! Не может быть!” А кто, как не Райхельгауз, знает и понимает театр изнутри, его ежедневную жизнь?! В конце нашей встречи он пригласил “Атриум” принять участие в Фестивале памяти Окуджавы. На этом, наверно, можно было бы поставить точку. Мы получили приглашение от Райхельгауза принять участие в московском фестивале – чего еще желать! Я приехал в Чикаго и на общем собрании рассказал актерам об этом приглашении. Я был уверен, что все скажут: “Нет, куда нам, нам это не по силам...“ И вдруг коллектив единогласно сказал: “Едем! Если денег не заработаем, поедем за свой счет. На такие приглашения нужно отвечать. Такого шанса может больше не быть”. И мы с Женей с благословения коллектива взялись за работу.
- (Е.К.) Самым большим и главным спонсором является наш зритель. Благодаря нашему зрителю театр выжил. Только и исключительно благодаря нашему зрителю мы в состоянии делать новые спектакли и показывать старые. К сожалению, наши бизнесмены, за очень небольшим исключением, не интересуются нашим театром.
- (В.К.) Обидно, что компания “Аэрофлот”, к которой за спонсорской помощью обратился театр, не только ничем не помогла, но и заставила театр понести дополнительные расходы. “Аэрофлот” сильно подвел театр.
- (Е.К.) Те, кто помогают театру, помогают сохранению русской культуры в Америке. Ведь наши дети, если они не будут ходить в русский театр, уже будут другими. Есть опасность, что русское искусство, русские традиции уйдут вместе с нашим поколением.
- (В.К.) Мы хотели для второго спектакля искать другую площадку, но Райхельгауз сам предложил выступить у него в театре дважды. “Атриум” стал единственным коллективом, которому Райхельгауз выделил два дня. Мы очень обрадовались, поскольку это снимает много проблем.
- (Е.К.) Благодаря нам Фестиваль памяти Окуджавы стал международным... А потом мы боимся, что зрителей придет так много, что зал не вместит всех желающих... (Смеются.)
- (В.К.) На спектакль придет человек, с которого все началось, - Михаил Михайлович Козаков. Придут актеры театра “Школа современной пьесы”. Когда в Чикаго был Константин Аркадьевич Райкин, он оставил мне свой номер телефона и сказал, что если будет в Москве и не будет занят, то придет посмотреть наш спектакль. Придут наши режиссеры – Тупиков, Белякович, Офенгейм. Но, конечно, в первую очередь нам важно, что к нам придут москвичи – люди, которые любят и помнят Булата.
- Но ведь рядовой зритель вас в Москве не знает. Нужна реклама.
- (В.К.) Рекламой театра в Москве занимается доверенное лицо Олега Митяева. У меня есть приглашение от Нателлы Болтянской выступить в прямом эфире “Эха Москвы”. Это будет предположительно в первых числах мая. Митяев приведет меня на радио “Шансон“. Так что реклама будет. Уже полным ходом идет продажа билетов.
- (Е.К.) Мы хотим показать москвичам, что в Чикаго, в этой, как сказал Швыдкой, “меркантильной Америке”, существуют еще динозавры, которые занимаются русской культурой. Мы вряд ли переломим менталитет и взгляды простых людей, но нам хочется доказать, что и за океаном есть духовные ценности, которыми мы гордимся.
- На афише спектакля написано: “Третья, московская версия “Посвящается Вам!”” Чем вызвана необходимость создания новой версии?
- (Е.К.) Каждая версия спектакля проживает на сцене какую-то жизнь. “Посвящается Вам” отыгран в Чикаго восемнадцать раз, мы выезжали с ним в другие города Америки. Предстоящая поездка в Москву заставила нас более критично посмотреть на нашу постановку и поднять ее на качественно новый уровень. Мы начали “чистить” спектакль, и в процессе работы появилось много новых идей.
- (В.К.) Женя с автором сценария Аликом Фрейманом внесли много изменений в спектакль. В новой версии добавились стихи Окуджавы, старые песни зазвучали по-другому, изменились сценография и связки между песнями, появилось пять новых песен...
- Какие это песни?
- (Е.К.) “Солнышко сияет, музыка играет...”, “Капли датского короля”, “Песенка об Арбате” (“Ах, Арбат, мой Арбат”), “Дерзость, или разговор перед боем” (“Господин лейтенат, что это вы хмуры?”), “Главная песенка” (“Наверное, самую лучшую на этой земной стороне...”). Вводя новые песни, мы старались сохранить и развить тот эмоциональный заряд, который существует в спектакле.
Из разговора с автором сценической композиции Александром Фрейманом я узнал, что вместо арбатской песни Окуджавы, с которой раньше начинался спектакль, сейчас в исполнении Булата Шалвовича звучит песня “Надежды маленький оркестрик”. Лейтмотивом спектакля становится тема надежды – основная тема в творчестве Окуджавы.
- (В.К.) Спектакль живет и изменяется – это нормальное явление. Одна и та же песня вызывает разные ассоциации – это тоже нормально. Окуджава многогранен. Например, как по новому воспринимается сегодня песня “Ночной разговор”! Мы поем ее в еврейском блоке.
- Хотя эта песня совсем не эмигрантская...
- (В.К.) Совсем не эмигрантская, но когда подается определенный посыл, то слова “И снова он едет один без дороги во тьму” воспринимаются по-новому. Это же те мысли, о которых думали все мы. Куда я лечу, что будет со мной там, на чужбине? “На ясный огонь, моя радость, на ясный огонь, Езжай на огонь, моя радость, найдешь без труда.” В этом контексте песня получает совсем другое настроение, акценты расставляются по-иному...
- (Е.К.) Мы добавили четыре строчки Окуджавы: “Москва, ты не веришь слезам - это время проверило. Железное мужество, сила и стойкость во всем... Но если бы ты в наши слезы однажды поверила, Ни нам, ни тебе не пришлось бы грустить о былом”. А потом идет “Песенка о Моцарте“ с такими словами: “Моцарт на старенькой скрипке играет, Моцарт играет, а скрипка поет. Моцарт отечества не выбирает - Просто играет всю жизнь напролет”. В контексте еврейского блока песня звучит совсем по-другому. А в прошлой версии в этом месте звучала “Грузинская песня” (“Виноградную косточку в теплую землю зарою...”).
- (В.К.) Даже Чехова ставят каждый раз по-другому. Мне рассказали, что в спектакле “Вишневый сад” в постановке Кирилла Серебренникова дядя Ваня поет “Беловежскую пущу”... Новая редакция спектакля – это не попытка его адаптации для Москвы, это - попытка развития и улучшения спектакля.
- То есть московская версия создается не только для Москвы? Вы не вернетесь к старой постановке?
- (Е.К.) Ни в коем случае. Актерам-участникам спектакля очень нужна свежая струя, свежая кровь, свежее дыхание.
- Свежая кровь нужна и зрителям. Мне не хватает в театре как раз притока свежей крови. Из года в год мы видим на сцене одни и те же лица. Есть опасность превращения “Атриума” в некий закрытый клуб. Почему вы не приглашаете в театр новых актеров?
- (Хором.) Как это не приглашаем? Мы объявляли по радио, что нам нужны актеры. Объявляли и не раз. Но к нам никто не приходит. Актеров нет.
- Извините, господа руководители, но я отвечу словами Станиславского: “Не верю!” Актеры есть. Если к вам не приходят, значит, плохо зовете.
- (Е.К.) Хорошо. Записывай наше обращение. Дорогие актеры Чикаго! Друзья! Приходите к нам в театр, поговорите с нами, послушайте, что мы предлагаем, предложите что-нибудь сами. Давайте встретимся, давайте обсудим. Мы сегодня открыты для всех. И не только для профессиональных актеров, но также для тех, кто чувствует в себе актерскую жилку
- (В.К.) Нам нужны не только актеры. Нам нужен человек, который бы развивал наш Интернет-сайт. Нам нужен человек, который бы отвечал за то, что в Америке называют “public relations”. Приходите к нам – нам нужны талантливые, знающие, понимающие люди.
- Слава, мог ли ты когда-нибудь предположить, что твоя идея о создании театра не просто осуществится, но из компании студийцев-единомышленников вы станете Театром, что лучшие российские актеры и режиссеры станут проявлять к вам такой огромный интерес и приглашать на гастроли в Москву?
- (В.К.) Я не только мечтал об этом. Я в этом был уверен. Я был уверен, что если за это дело возьмутся люди, близкие нам по духу, успех гарантирован.
- А мог ли музыкант, дирижер Евгений Колкевич представить себе, что он когда-нибудь вернется в Москву актером и руководителем театра?
- (Е.К.) Я, в отличие от Славы, понятия не имел, что “подвальный междусобойчик” приведет к тому, что возникнет настоящий, серьезный театр, что на премьеру мы будем снимать пять тысячных залов и что я приеду в Москву не как музыкант и дирижер, а как актер. Когда я уезжал, мне многие говорили: “Что ты там будешь делать?” Я рад, что скоро смогу показать результаты моего труда. Я еду в Москву на высоком эмоциональном подъеме.
- (В.К.) Для меня огромное счастье, что “Атриум” помог нашим профессионалам – мы их так называем, потому что они закончили театральные институты и в прошлой жизни работали в театре - вернуться к любимой профессии. Оля и Олег Осташевы, Марина Смолина - приехав в Америку, они поставили на своей профессии крест. А сегодня вновь выходят на сцену. Для меня счастье, что вернулся в профессию ленинградский актер Дима Рено. Уезжая в Америку, он прощался со сценой навсегда. Благодаря “Атриуму” он снова почувствовал запах кулис и понял, что не может жить без театра. Дима Рено вернулся в родной город, стал востребованным актером. Сегодня он активно работает в театре на Литейном, снимается в кино, записывается на радио.
- Поездка в Москву – это предел мечтаний или всего лишь еще один шаг по пути вперед?
- (Е.К.) Мы не мечтаем – мы работаем. И приглашение в Москву у нас не единственное. Мы готовились к гастролям в Израиле, уже продумывали график выступлений, но помешала война. Дина Рубина сказала про “Посвящается Вам” словами Козакова: “Это должен увидеть Израиль”.
- (В.К.) Мы ведь получили еще одно приглашение. При Союзе театральных деятелей России уже четвертый год существует Центр поддержки русского театра за рубежом Я был у координатора проектов этого Центра Натальи Старосельской. Мы получили от нее приглашение в Саранск на ежегодный Международный театральный фестиваль “Соотечественники” – фестиваль русскоязычных театров. Все расходы по пребыванию театра в России берет на себя приглашающая сторона. Мы оплачиваем только проезд до Москвы и обратно.
- В Саранск, где были печально известные мордовские лагеря?
- (В.К.) Да. Нас пригласили туда, куда ссылали лучших людей страны. Сережа Никитин, когда узнал о приглашении, сказал: “Если вы поедете выступать у Райхельгауза, это будет очень престижно для Райхельгауза: к нему приехал коллектив из Америки. Если вы поедете выступать в Саранск, о вас моментально узнает весь театральный мир России”. В этом году мы не успели. Может быть, в следующем...
- Давайте заведем ежегодную традицию – весной “Атриум” отправляется на гастроли: в Москву, в Мордовию, в Израиль, далее – везде...
- Поживем-увидим...
- Москва – это одна неделя. Что дальше, господа руководители? Чем порадуете чикагцев?
- Если будут залы, летом будем играть спектакли. А 25 и 26 октября состоится премьера. Какой спектакль - пока не скажем. Мы люди суеверные.
- Назовите хотя бы имя режиссера.
- В конце августа к нам приезжает Андрей Леонидович Тупиков и мы начинаем новую работу.
- Ну что ж, желаю вам успешной поездки, полных залов, умной, понимающей и доброжелательной публики. Будем за вас болеть! В добрый путь, “Атриум”!
Наша справка. Премьера новой версии спектакля “Посвящается Вам” в театре “Атриум” состоится 12 апреля в 7.00 pm на сцене “Northbrook theatre” по адресу: 3323 Walters Ave., Northbrook. Билеты можно зарезервировать по телефону 847-729-6001. Дополнительную информацию вы найдете на сайте “Атриума”: http://www.atriumtheatre.org/.
Московская премьера “Посвящается Вам” состоится 20 и 21 мая в театре “Школа современной пьесы” по адресу: улица Неглинная, дом 29/14. Проезд до станций метро “Трубная” или “Цветной бульвар”. Дополнительную информацию вы найдете на сайте театра: http://www.neglinka29.ru.
“Москва. Как много в этом звуке...” Культурная столица мира, интереснейший город, в котором происходит невероятное количество событий, Москва, как магнит, притягивает к себе все лучшее, яркое, талантливое. От серости будней, от одиночества, в поисках лучшей жизни, в погоне за успехом, популярностью, славой – рецепт один: в Москву, в Москву, в Москву! Едут в столицу актеры и режиссеры, художники и музыканты. Едут на других посмотреть и себя показать. Спектакли, концерты, встречи... – в этом водовороте событий легко затеряться. Показать спектакль в Москве – Мекке театрального искусства – уже само по себе дорогого стоит! В Москве искушенный зритель. Москва знает, что такое настоящее искусство и умеет отличать подлинное от подделки. Так что в Москве выступать трудно, но очень-очень почетно.
20 и 21 мая в Москве в театре “Школа современной пьесы” состоятся гастроли чикагского русского репертуарного театра “Атриум”. Чтобы узнать подробности предстоящей поездки и новости о театре, я отправился к руководителям “Атриума” Вячеславу Кагановичу и Евгению Колкевичу.
- Ребята, вам не страшно?
- (В.К.) Страшно.
- (Е.К.) Очень страшно. Для нас ведь это очень большая ответственность.
- (В.К.) Не посрамить Соединенные Штаты... (Смеются.).
- (Е.К.) Это историческое событие в жизни не только театра, не только Чикаго, но и русскоязычной Америки. Эта акция происходит впервые в истории взаимоотношений России и Америки. Оттуда сюда коллективы приезжают часто. Кто-то привозит халтуру, кто-то - действительно достойные спектакли. Но русский репертуарный театр из США едет на гастроли в Россию впервые в истории!
- Расскажите, пожалуйста, кто был инициатором поездки.
- (В.К.) Эта история началась с приезда Михаила Михайловича Козакова в Чикаго. Мастер не только провел творческий вечер и пообщался со зрителями, но и посмотрел видеозапись нашего спектакля “Посвящается Вам”. Он хлопал, кричал “Браво”, а по окончании спектакля сказал, что лучшего прочтения Окуджавы в своей жизни не видел. Такая похвала из уст такого Мастера дорогого стоит! Козаков попросил копию спектакля и увез ее в Москву. Когда я был в Москве, я позвонил ему. Михаил Михайлович сказал: “Вам надо встретиться с Йосиком”. Йосик – это главный режиссер театра “Школа современной пьесы” Иосиф Райхельгауз. Иосиф Леонидович, видимо, рассчитывал потратить на меня минут десять. Вместо этого он просидел со мной полтора часа. Он задавал вопросы и после каждого ответа восклицал: “Невероятно! Не понимаю! Не может быть!” А кто, как не Райхельгауз, знает и понимает театр изнутри, его ежедневную жизнь?! В конце нашей встречи он пригласил “Атриум” принять участие в Фестивале памяти Окуджавы. На этом, наверно, можно было бы поставить точку. Мы получили приглашение от Райхельгауза принять участие в московском фестивале – чего еще желать! Я приехал в Чикаго и на общем собрании рассказал актерам об этом приглашении. Я был уверен, что все скажут: “Нет, куда нам, нам это не по силам...“ И вдруг коллектив единогласно сказал: “Едем! Если денег не заработаем, поедем за свой счет. На такие приглашения нужно отвечать. Такого шанса может больше не быть”. И мы с Женей с благословения коллектива взялись за работу.
- (Е.К.) Самым большим и главным спонсором является наш зритель. Благодаря нашему зрителю театр выжил. Только и исключительно благодаря нашему зрителю мы в состоянии делать новые спектакли и показывать старые. К сожалению, наши бизнесмены, за очень небольшим исключением, не интересуются нашим театром.
- (В.К.) Обидно, что компания “Аэрофлот”, к которой за спонсорской помощью обратился театр, не только ничем не помогла, но и заставила театр понести дополнительные расходы. “Аэрофлот” сильно подвел театр.
- (Е.К.) Те, кто помогают театру, помогают сохранению русской культуры в Америке. Ведь наши дети, если они не будут ходить в русский театр, уже будут другими. Есть опасность, что русское искусство, русские традиции уйдут вместе с нашим поколением.
- (В.К.) Мы хотели для второго спектакля искать другую площадку, но Райхельгауз сам предложил выступить у него в театре дважды. “Атриум” стал единственным коллективом, которому Райхельгауз выделил два дня. Мы очень обрадовались, поскольку это снимает много проблем.
- (Е.К.) Благодаря нам Фестиваль памяти Окуджавы стал международным... А потом мы боимся, что зрителей придет так много, что зал не вместит всех желающих... (Смеются.)
- (В.К.) На спектакль придет человек, с которого все началось, - Михаил Михайлович Козаков. Придут актеры театра “Школа современной пьесы”. Когда в Чикаго был Константин Аркадьевич Райкин, он оставил мне свой номер телефона и сказал, что если будет в Москве и не будет занят, то придет посмотреть наш спектакль. Придут наши режиссеры – Тупиков, Белякович, Офенгейм. Но, конечно, в первую очередь нам важно, что к нам придут москвичи – люди, которые любят и помнят Булата.
- Но ведь рядовой зритель вас в Москве не знает. Нужна реклама.
- (В.К.) Рекламой театра в Москве занимается доверенное лицо Олега Митяева. У меня есть приглашение от Нателлы Болтянской выступить в прямом эфире “Эха Москвы”. Это будет предположительно в первых числах мая. Митяев приведет меня на радио “Шансон“. Так что реклама будет. Уже полным ходом идет продажа билетов.
- (Е.К.) Мы хотим показать москвичам, что в Чикаго, в этой, как сказал Швыдкой, “меркантильной Америке”, существуют еще динозавры, которые занимаются русской культурой. Мы вряд ли переломим менталитет и взгляды простых людей, но нам хочется доказать, что и за океаном есть духовные ценности, которыми мы гордимся.
- На афише спектакля написано: “Третья, московская версия “Посвящается Вам!”” Чем вызвана необходимость создания новой версии?
- (Е.К.) Каждая версия спектакля проживает на сцене какую-то жизнь. “Посвящается Вам” отыгран в Чикаго восемнадцать раз, мы выезжали с ним в другие города Америки. Предстоящая поездка в Москву заставила нас более критично посмотреть на нашу постановку и поднять ее на качественно новый уровень. Мы начали “чистить” спектакль, и в процессе работы появилось много новых идей.
- (В.К.) Женя с автором сценария Аликом Фрейманом внесли много изменений в спектакль. В новой версии добавились стихи Окуджавы, старые песни зазвучали по-другому, изменились сценография и связки между песнями, появилось пять новых песен...
- Какие это песни?
- (Е.К.) “Солнышко сияет, музыка играет...”, “Капли датского короля”, “Песенка об Арбате” (“Ах, Арбат, мой Арбат”), “Дерзость, или разговор перед боем” (“Господин лейтенат, что это вы хмуры?”), “Главная песенка” (“Наверное, самую лучшую на этой земной стороне...”). Вводя новые песни, мы старались сохранить и развить тот эмоциональный заряд, который существует в спектакле.
Из разговора с автором сценической композиции Александром Фрейманом я узнал, что вместо арбатской песни Окуджавы, с которой раньше начинался спектакль, сейчас в исполнении Булата Шалвовича звучит песня “Надежды маленький оркестрик”. Лейтмотивом спектакля становится тема надежды – основная тема в творчестве Окуджавы.
- (В.К.) Спектакль живет и изменяется – это нормальное явление. Одна и та же песня вызывает разные ассоциации – это тоже нормально. Окуджава многогранен. Например, как по новому воспринимается сегодня песня “Ночной разговор”! Мы поем ее в еврейском блоке.
- Хотя эта песня совсем не эмигрантская...
- (В.К.) Совсем не эмигрантская, но когда подается определенный посыл, то слова “И снова он едет один без дороги во тьму” воспринимаются по-новому. Это же те мысли, о которых думали все мы. Куда я лечу, что будет со мной там, на чужбине? “На ясный огонь, моя радость, на ясный огонь, Езжай на огонь, моя радость, найдешь без труда.” В этом контексте песня получает совсем другое настроение, акценты расставляются по-иному...
- (Е.К.) Мы добавили четыре строчки Окуджавы: “Москва, ты не веришь слезам - это время проверило. Железное мужество, сила и стойкость во всем... Но если бы ты в наши слезы однажды поверила, Ни нам, ни тебе не пришлось бы грустить о былом”. А потом идет “Песенка о Моцарте“ с такими словами: “Моцарт на старенькой скрипке играет, Моцарт играет, а скрипка поет. Моцарт отечества не выбирает - Просто играет всю жизнь напролет”. В контексте еврейского блока песня звучит совсем по-другому. А в прошлой версии в этом месте звучала “Грузинская песня” (“Виноградную косточку в теплую землю зарою...”).
- (В.К.) Даже Чехова ставят каждый раз по-другому. Мне рассказали, что в спектакле “Вишневый сад” в постановке Кирилла Серебренникова дядя Ваня поет “Беловежскую пущу”... Новая редакция спектакля – это не попытка его адаптации для Москвы, это - попытка развития и улучшения спектакля.
- То есть московская версия создается не только для Москвы? Вы не вернетесь к старой постановке?
- (Е.К.) Ни в коем случае. Актерам-участникам спектакля очень нужна свежая струя, свежая кровь, свежее дыхание.
- Свежая кровь нужна и зрителям. Мне не хватает в театре как раз притока свежей крови. Из года в год мы видим на сцене одни и те же лица. Есть опасность превращения “Атриума” в некий закрытый клуб. Почему вы не приглашаете в театр новых актеров?
- (Хором.) Как это не приглашаем? Мы объявляли по радио, что нам нужны актеры. Объявляли и не раз. Но к нам никто не приходит. Актеров нет.
- Извините, господа руководители, но я отвечу словами Станиславского: “Не верю!” Актеры есть. Если к вам не приходят, значит, плохо зовете.
- (Е.К.) Хорошо. Записывай наше обращение. Дорогие актеры Чикаго! Друзья! Приходите к нам в театр, поговорите с нами, послушайте, что мы предлагаем, предложите что-нибудь сами. Давайте встретимся, давайте обсудим. Мы сегодня открыты для всех. И не только для профессиональных актеров, но также для тех, кто чувствует в себе актерскую жилку
- (В.К.) Нам нужны не только актеры. Нам нужен человек, который бы развивал наш Интернет-сайт. Нам нужен человек, который бы отвечал за то, что в Америке называют “public relations”. Приходите к нам – нам нужны талантливые, знающие, понимающие люди.
- Слава, мог ли ты когда-нибудь предположить, что твоя идея о создании театра не просто осуществится, но из компании студийцев-единомышленников вы станете Театром, что лучшие российские актеры и режиссеры станут проявлять к вам такой огромный интерес и приглашать на гастроли в Москву?
- (В.К.) Я не только мечтал об этом. Я в этом был уверен. Я был уверен, что если за это дело возьмутся люди, близкие нам по духу, успех гарантирован.
- А мог ли музыкант, дирижер Евгений Колкевич представить себе, что он когда-нибудь вернется в Москву актером и руководителем театра?
- (Е.К.) Я, в отличие от Славы, понятия не имел, что “подвальный междусобойчик” приведет к тому, что возникнет настоящий, серьезный театр, что на премьеру мы будем снимать пять тысячных залов и что я приеду в Москву не как музыкант и дирижер, а как актер. Когда я уезжал, мне многие говорили: “Что ты там будешь делать?” Я рад, что скоро смогу показать результаты моего труда. Я еду в Москву на высоком эмоциональном подъеме.
- (В.К.) Для меня огромное счастье, что “Атриум” помог нашим профессионалам – мы их так называем, потому что они закончили театральные институты и в прошлой жизни работали в театре - вернуться к любимой профессии. Оля и Олег Осташевы, Марина Смолина - приехав в Америку, они поставили на своей профессии крест. А сегодня вновь выходят на сцену. Для меня счастье, что вернулся в профессию ленинградский актер Дима Рено. Уезжая в Америку, он прощался со сценой навсегда. Благодаря “Атриуму” он снова почувствовал запах кулис и понял, что не может жить без театра. Дима Рено вернулся в родной город, стал востребованным актером. Сегодня он активно работает в театре на Литейном, снимается в кино, записывается на радио.
- Поездка в Москву – это предел мечтаний или всего лишь еще один шаг по пути вперед?
- (Е.К.) Мы не мечтаем – мы работаем. И приглашение в Москву у нас не единственное. Мы готовились к гастролям в Израиле, уже продумывали график выступлений, но помешала война. Дина Рубина сказала про “Посвящается Вам” словами Козакова: “Это должен увидеть Израиль”.
- (В.К.) Мы ведь получили еще одно приглашение. При Союзе театральных деятелей России уже четвертый год существует Центр поддержки русского театра за рубежом Я был у координатора проектов этого Центра Натальи Старосельской. Мы получили от нее приглашение в Саранск на ежегодный Международный театральный фестиваль “Соотечественники” – фестиваль русскоязычных театров. Все расходы по пребыванию театра в России берет на себя приглашающая сторона. Мы оплачиваем только проезд до Москвы и обратно.
- В Саранск, где были печально известные мордовские лагеря?
- (В.К.) Да. Нас пригласили туда, куда ссылали лучших людей страны. Сережа Никитин, когда узнал о приглашении, сказал: “Если вы поедете выступать у Райхельгауза, это будет очень престижно для Райхельгауза: к нему приехал коллектив из Америки. Если вы поедете выступать в Саранск, о вас моментально узнает весь театральный мир России”. В этом году мы не успели. Может быть, в следующем...
- Давайте заведем ежегодную традицию – весной “Атриум” отправляется на гастроли: в Москву, в Мордовию, в Израиль, далее – везде...
- Поживем-увидим...
- Москва – это одна неделя. Что дальше, господа руководители? Чем порадуете чикагцев?
- Если будут залы, летом будем играть спектакли. А 25 и 26 октября состоится премьера. Какой спектакль - пока не скажем. Мы люди суеверные.
- Назовите хотя бы имя режиссера.
- В конце августа к нам приезжает Андрей Леонидович Тупиков и мы начинаем новую работу.
- Ну что ж, желаю вам успешной поездки, полных залов, умной, понимающей и доброжелательной публики. Будем за вас болеть! В добрый путь, “Атриум”!
Наша справка. Премьера новой версии спектакля “Посвящается Вам” в театре “Атриум” состоится 12 апреля в 7.00 pm на сцене “Northbrook theatre” по адресу: 3323 Walters Ave., Northbrook. Билеты можно зарезервировать по телефону 847-729-6001. Дополнительную информацию вы найдете на сайте “Атриума”: http://www.atriumtheatre.org/.
Московская премьера “Посвящается Вам” состоится 20 и 21 мая в театре “Школа современной пьесы” по адресу: улица Неглинная, дом 29/14. Проезд до станций метро “Трубная” или “Цветной бульвар”. Дополнительную информацию вы найдете на сайте театра: http://www.neglinka29.ru.
Подписаться на:
Сообщения (Atom)
