Broadway In Chicago: “Книга Мормона” и “Парни из Джерси”. Мюзиклы осени 2026 года. Часть II

Продолжаю рассказ о спектаклях нового сезона компании Broadway In Chicago.

В эти дни в Чикаго снова “Книга Мормона” (“The Book Of Mormon”). Режиссеры - Кейси Николау и Трей Паркер. Хореограф - Кейси Николау. Обладатель девяти премий “Тони” 2011 года, включая премии за лучший мюзикл, лучший сценарий и лучшую постановку, премии “Грэмми” за лучший альбом в области музыкального театра, лауреат New York Drama Critics Circle Award, Drama Desk Award и Drama League Award, лучший мюзикл столетия по версии критика газеты “The New York Times” Бена Брентли... Легендарный мюзикл придумали и создали три человека: Трей Паркер, Мэтт Стоун и Роберт Лопес. В мюзикле рассказывается о двух молодых миссионерах Церкви Иисуса Христа Святых последних дней, известной как Церковь мормонов. По уставу церкви, каждый молодой мормон в возрасте от девятнадцати до двадцати пяти лет обязан отработать два года за границей в качестве миссионера и таким образом пройти обряд послушания. Мормоны всегда ездят парами, они никогда не разлучаются и соблюдают обет целомудрия. Вот такая “сладкая парочка” - главные герои мюзикла - отправляется в Уганду обращать в настоящую веру местное население. А дальше начинаются их угандийские приключения, о которых рассказывать не стану. Скажу только, что скучно вам, уважаемые читатели, не будет. Формулировка одной из премий мюзиклу “Книга Мормона” звучала так: “За оригинальную религиозную сатиру”. Сатира, действительно, в этом мюзикле необычная. Как сказал композитор Александр Журбин: “Ничего более неполиткорректного на Бродвее еще не ставилось”. Создатели “Книги Мормона” Трей Паркер и Мэтт Стоун известны широкой публике по молодежному анимационному мюзиклу “Южный парк” (“South Park”), получившему четыре премии “Эмми”, а Роберт Лопес был одним из создателей мюзикла “Авеню Кю” (“Avenue Q”). Работа над “Книгой Мормона” продолжалась семь лет. Сначала речь шла о спектакле-биографии основателя движения мормонов Джозефа Смита, но впоследствии было решено главными героями сделать обычных миссионеров - приверженцев этой религии. Паркер и Стоун вложили собственные деньги в развитие этого проекта и даже переехали из Лос-Анджелеса в Нью-Йорк. На карту было поставлено все, и, как оказалось, игра стоила свеч! Премьера мюзикла с оглушительным успехом прошла на Бродвее в марте 2011 года, на создателей спектакля посыпались премии и награды. Cadillac Palace Theatre (151 W Randolph St, Chicago, IL 60601). Подробности - на сайте thebookofmormontour.com/.

С 10 по 22 ноября мы увидим еще один легендарный мюзикл “Парни из Джерси” (“Jersey Boys”), посвященный истории возникновения и становления знаменитой американской рок-н-ролльной группы The Four Seasons. Композитор - Боб Гаудио. Авторы либретто - Рик Эллис и лауреат премии “Тони” Маршалл Брикман. Автор стихов - Боб Кру. Режиссер  - двукратный лауреат премии “Тони” Дес Макануфф. Хореограф - Серджио Тружильо.

От улиц Нью-Джерси до Зала славы рок-н-ролла - таков славный путь группы Jersey Boys и солиста Фрэнки Валли. Их было четверо - молодых, зацикленных на музыке парней из Нью-Джерси. Они были безумно талантливы и мечтали о сцене. Первым среди равных был Фрэнки Валли. Его первый публичный концерт состоялся в 1951 году, в 1962 по песне “Sherry” певца уже знала вся Америка. Первый совместный альбом Валли и группы The Four Seasons вышел в 1967 году - почти шестьдесят лет назад! Их гармония на сцене была идеальной. Другое дело - что творилось вне сцены. Это была совсем другая история, и об этом тоже рассказывает мюзикл.

В спектакле прозвучат легендарные хиты группы The Four Seasons, среди которых - “Sherry”, “Big Girls Don’t Cry”, “Walk Like A Man”, “Can’t Take My Eyes Off You”, “December, 1963 (Oh What A Night)”, “Working My Way Back To You”.

Премьера мюзикла состоялась на Бродвее 6 ноября 2005 года. На день закрытия 15 января 2017 года спектакль был на двенадцатом месте среди самых долгоиграющих шоу в истории Бродвея. В ноябре 2017 года мюзикл вернулся на Бродвей с новой постановкой. Спектакль был удостоен премий “Тони” за лучший мюзикл и лучший световой дизайн, премии “Грэмми” за лучший музыкальный альбом (все награды - 2006 год), премии имени Лоуренса Оливье за лучший мюзикл (2009 год). Новый тур мюзикла по США приурочен к двадцатилетию со дня его создания. В 2014 году на экраны мира вышел снятый по мюзиклу одноименный фильм Клинта Иствуда. Говорят, вживаться в роль актеру Джону Ллойду Янгу помогал сам Фрэнки Валли. CIBC Theatre (18 W Monroe St, Chicago, IL 60603). Подробности - на сайте jerseyboysinfo.com/.

24-29 ноября. “Миссис Даутфайр” (“Mrs. Doubtfire”) Уэйна и Кери Киркпатрик по роману Кери Киркпатрик и Джона О'Фаррелла. Режиссер - четырехкратный лауреат премии “Тони” Джерри Закс. Помните милую историю о безработном актере, от которого ушла жена, но он, переодевшись в женское платье и назвавшись няней из Шотландии миссис Даутфайр, устроился к жене в качестве домработницы? В комедии Криса Коламбуса 1993 года в этой роли блистал Робин Уильямс, в роли суровой жены Миранды - Салли Филд. Фильму сопутствовал большой успех, он получил две премии “Золотой глобус”, в том числе - за лучший фильм в жанре “комедия или мюзикл”. Совсем скоро мы увидим театрально-музыкальную интерпретацию этой истории. Как и в случае со многими спектаклями, из-за пандемии бродвейская премьера “Миссис Даутфайр” была перенесена и состоялась 5 декабря 2021 года. Премьера на Вест-Энде прошла в июне 2023 года.

James M. Nederlander Theatre (24 W. Randolph St., Chicago, IL 60601). Подробности - на сайте doubtfirethemusical.com/.

24-29 ноября. “Щелкунчик в стиле хип-хоп” (“The Hip Hop Nutcracker”). Нас ждет новая версия “Щелкунчика”, объединяющая бессмертную музыку Чайковского с танцами в стиле хип-хоп. Хореограф - номинантка на премии “Тони” и Лоуренса Оливье Дженнифер Вебер. Как и в оригинале, в новом “Щелкунчике” Мэри и Щелкунчик отправляются в путешествие, сражаясь с бандой мышей и посещая Конфетенбург - страну пирожных и марципановых пирогов. Инновационные цифровые технологии и визуальные спецэффекты преображают традиционный ландшафт Германии XIX века в яркие звуки и декорации современного Нью-Йорка. Cadillac Palace Theatre (151 W Randolph St, Chicago, IL 60601). Подробности - на сайте www.hiphopnutcracker.com/.

До конца года нас ждет еще много интересного - спектакли Blue Man Group “A New Holiday Surprise” (24 ноября - 13 декабря), “The Unauthorized Hallmark(ish) Parody Musical” (8-13 декабря), “Dr. Seuss’ How the Grinch Stole Christmas! The Musical” (9-27 декабря), “Love Actually in Concert” (12 декабря), “Potted Potter” (15 декабря 2026 года - 3 января 2027 года), “Bluey’s Big Play” (18-20 декабря), “The Sound of Music” (22-27 декабря). Об этих спектаклях и многом другом я расскажу в следующий раз.

Nota bene! Билеты на спектакли компании “Бродвей в Чикаго” - по телефону 312-977-1717 или на сайте www.BroadwayInChicago.com.

Фотографии к статье:

Фото 1. Сцена из спектакля “Книга Мормона”. Фото - Джульетта Сервантес

Фото 2. Сцена из спектакля “Парни из Джерси”. Фото - Джереми Дениэл

Фото 3. Сцена из спектакля “Миссис Даутфайр”. Фото - Джоан Маркус

Фото 4. Сцена из спектакля “Щелкунчик в стиле хип-хоп”. Фото - Тимоти Норрис

“Тоска” в Carnegie Hall. Первая опера нового проекта

Только два дня - 13 и 15 ноября - в крупнейшем концертном зале Нью-Йорка Карнеги-холл (Carnegie Hall) пройдут концертные исполнения оперы Джакомо Пуччини “Тоска”. В главных партиях: Тоска - Марина Ребека, Каварадосси - Йонас Кауфман, Скарпиа - Людовик Тезье. Нью-Йоркским филармоническим оркестром дирижирует музыкальный руководитель Густаво Дудамель. Эти концерты обещают стать событием музыкальной жизни не только Нью-Йорка, но и всей Америки, и просто обречены на успех. Еще бы - мы услышим шедевр мировой оперы в исполнении “команды мечты” и одного из лучших симфонических оркестров под управлением харизматичного дирижера - нового музыкального руководителя.

Мысль о “Тоске” впервые появилась у Пуччини в 1889 году. Он попросил издателя Рикорди, занимавшегося его делами, поговорить с французским драматургом Виктором Сарду о разрешении использовать его драму в качестве основы либретто. Рикорди не отозвался на просьбу композитора. По-видимому, он считал, что знаменитый писатель не пожелает иметь дело с начинающим автором. Прошло семь лет, и в 1895 году Пуччини увидел пьесу “Тоска” на драматической сцене. Это было во время гастролей во Флоренции великой Сары Бернар, для которой пьеса и была написана. Желание создать оперу на этот сюжет охватило композитора с новой силой.

Пьеса “Тоска” рассказывает о событиях, развернувшихся в Риме вскоре после победы Наполеона в битве при Маренго в июне 1800 года - победы совершенно неожиданной, одержанной тогда, когда в Италии уже праздновали его поражение. У семьи Пуччини были свои воспоминания о наполеоновских войнах. Его дед Доменико - республиканец, живший в те годы, - трагически погиб в период реакционного переворота в 1815 году. Композитор вполне мог представить его на месте героев “Тоски”.

Была еще одна причина, по которой Пуччини столь энергично пытался получить разрешение у автора на использование пьесы в качестве основы либретто. Композитора неизменно вдохновляла возможность соперничества, соревнования. В “Манон Леско” он шел по стопам Массне, при создании “Богемы” столкнулся с Леонкавалло, над оперой “Тоска” уже начал работать композитор Франкетти. Настойчивость Пуччини была вознаграждена. По настоянию композитора издатель Рикорди расторг договор с Франкетти и заключил его с Пуччини, передав ему права на либретто. К 1896 году к сотрудничеству был привлечен постоянный помощник Пуччини Джакомо Джакоза. К тому времени первоначальные наметки либретто вызвали горячее одобрение Верди, которого особенно взволновал текст предсмертной арии Каварадосси. Наконец, весной 1899 года в Париже Пуччини встретился с Сарду и получил согласие на использование пьесы. Годом позже состоялась еще одна встреча композитора с драматургом, на которой были согласованы все изменения, внесенные в пьесу.

Премьера оперы состоялась 14 января 1900 года в Риме и прошла довольно успешно, хотя реакция публики не была однозначной. Лишь после нескольких спектаклей успех начал нарастать. Вскоре последовали постановки оперы в крупнейших европейских театрах и всемирная популярность героев, которая продолжается и сегодня.

Замечательная латышская певица Марина Ребека выступала в Метрополитен-опере (Нью-Йорк) в партиях Донны Анны и Донны Эльвиры в “Дон Жуане” В.А.Моцарта, Виолетты в “Травиате Дж.Верди, Матильды в “Вильгельме Телле” Дж.Россини, Нормы в “Норме” В.Беллини, после чего последовал долгий перерыв в девять лет. В музыкальную столицу Америки Марина возвращается в качестве абсолютной примадонны мировой оперной сцены. Позади - триумфы в Парижской опере, ведущих оперных театрах Швейцарии и Германии. В сезоне 2024-25 годов певица исполнила две знаковые партии в Ла Скала: Медею в опере Керубини (этой оперы не было в репертуаре миланского театра более шестидесяти лет) и Норму в опере Беллини (эта опера была поставлена после сорокавосьмилетнего перерыва). В обеих партиях Марине сопутствовал огромный успех.

В марте 2018 года Марина Ребека совместно с аргентинским звукоинженером Эдгардо Вертанесяном основала звукозаписывающую студию Prima Classic (primaclassic.com/). Последний релиз студии - запись оперы “Симон Бокканегра” Дж.Верди.

Марина Ребека красива, обаятельна, умна. Она глубоко чувствует оперу, серьезно подходит к репертуару. С ней интересно разговаривать, еще интересней - слушать. В разные годы я несколько раз беседовал с певицей. Вот лишь несколько фрагментов.

- Музыка - тот же разговор, где есть текст, интонация голоса, темп и ритм, которые передают внутреннее состояние героя. Плюс есть оркестр, который создает атмосферу. Я говорю про реализм в том смысле, что все должно быть оправданно. Конечно, на сцене никогда не будет так, как в жизни. Сцена, как лупа, увеличивает героев, их внешность, характеры, привычки. Мы должны быть лицом к залу, чтобы нас хорошо слышали. Мы зависим от дирижера, света, акустики... Конечно, от условностей нам не уйти, но, зная правила, понимаешь, как их правильно нарушать. В музыке нужно найти момент кульминации и понять, где начинается и где заканчивается момент агонии. Я помню, когда я только знакомилась с оперой, думала: ну как же можно в “Травиате” весь третий акт умирать? Когда ты больной, ты обманываешь себя и в какой-то момент начинаешь думать, что здоровый, а потом приходит реальность, которую нужно принять. Вот и в опере важно найти ощущение правдивости. Играть надо жизнь, а не долгую подготовку к смерти! В музыкальной школе есть такой предмет - “Форма”. В нем рассказывают о том, как построены музыкальные произведения. В опере то же самое. Надо понять ее структуру. Где происходит разлом, какие события, происходящие на сцене и за сценой, влияют на изменения образа героя? Вот об этом я думаю, работая над оперой.

- То есть главное для вас - выразить мысль композитора?

- Это - стержень, на который можно нанизать все на свете. Главное - музыка, текст, ритм и искреннее чувство. Дальше - можно делать что угодно, хоть поместить действие в сумасшедший дом. Но главное - оправдать музыку и текст. Если я их не оправдаю, то все будет нечестно, неискренне, а этого я не люблю. Поэтому я многих героинь не берусь петь. Мне не близка Сомнамбула, я не пою Эльвиру в опере Беллини “Пуритане”. Я не понимаю, как можно сойти с ума, а потом прийти в сознание. На концерте солистов Лирик-оперы в парке “Миллениум” в Чикаго я пела Джильду (третий акт “Риголетто”), но мне она не близка. Я найду краски в ее образе, если понадобится ее спеть, но она - не моя героиня. Мои образы более сложные. Пожалуй, мне больше удается играть и петь сильных женщин.

- Как меняется голос в зависимости от того, какой инструмент солирует в оркестре?

- Меняются эмоции в голосе. Гобой - ощущение одиночества, томления, грусти. Труба - что-то сильное, торжественное, взывающее к действию. Не зря у кастратов были соревнования с трубой. Скрипка - любовь, нежность, сердечность. Флейта - странное ощущение нереальности или чего-то хрупкого. В сценах сумасшествия часто солирует флейта... Я совершенно не согласна с людьми, которые говорят: “Верните нам эту или ту певицу”. Вы послушайте, как они поют? Гениальные голоса, но постоянное portamento. У Верди есть указания на portamento, но у Моцарта portamento нет! У Моцарта этого делать нельзя, это стилистически неправильно. Но в прошлом это делалось постоянно и в операх Моцарта, и в операх Доницетти. Эту моду создавали самые великие певцы! Откуда появились так называемые штампы? Например, почему все считают, что Лючия - партия для высокого лирического сопрано? Мало кто знает, что в партии Лючии нет ни одной ноты выше “до”. Партия выигрышная и актерски, и вокально. Сазерленд, Каллас - певицы, у которых были очень хорошие верхние ноты, - решили “разукрасить” эту партию, чтобы показать свой высокий регистр и способности. Так появились всеми любимые и узнаваемые каденции. Сейчас то, что они записали, считается традицией. Когда ты это не поешь, люди считают, что ты не поешь все ноты. Мало кто знает, что этих нот действительно нет в партитуре! Это штампы, традиция - называйте как угодно! Или Джильда. Темп (Марина начинает медленно напевать): “Caro nome che il mio con” - как будто старушка идет. Но там ведь Allegro moderato! Ария написана для девушки, которая задыхается от своих чувств. (Марина показывает, как должна исполняться эта ария.) Медленное исполнение совершенно не соответствует характеру героини.

- Маэстро Риккардо Мути рассказывал, что останавливал певцов, которые хотели показать свое верхнее “до” там, где его не должно быть.

- Правильно. Я согласна с маэстро. Он всего лишь следует тому, что написано в партитуре. Еще один пример - ми бемоль в партии Виолетты в “Травиате”. Эта нота неоправданна. Каждая нота подразумевает под собой определенные эмоции. Ми бемоль - либо ужас, как в сцене сумасшествия Лючии, либо безумная радость. Но у Виолетты нет радости. Она - усталая, больная женщина, которая говорит: “Ah! Fors’e lui...” (“Может быть, это он...”). Она не уверена, что это он. Она решила попробовать, но ни в коем случае не броситься в омут. Это - усталость от жизни, которая была до сих пор, желание отдаться любви, но никак не уверенность, не счастье, не радость. Петь ми бемоль начала Каллас, и с тех пор все считают, что это необходимо. Я с этим совершенно не согласна. У Верди этой ноты нет... Люди хотят традиций. Они слушают записи и считают, что разбираются в опере. Мне писали, что в партии сопрано в Маленькой торжественной мессе Россини (“Petite Messe Solennelle”) я пою не то, что написано в нотах. Но в нотах какого издания? В первом и втором изданиях Ricordi были ошибки по сравнению с манускриптом. Когда мы делали нашу запись с Антонио Паппано, мы взяли издание, в котором использовались почти все знаки с манускрипта, и у нас была копия манускрипта. Всю свою партию я пела исключительно по манускрипту. Следила за всем, включая знаки препинания. Таково было желание автора. Почему мы должны трактовать это иначе? Есть случаи, когда это сделать можно. Когда я исполняю Россини, я являюсь вместе с ним сочинителем музыки. Но я сочиняю колоратуры исключительно под мой голос, сочиняю так, как понимаю этот образ. Это допустимо. А вот что недопустимо - брать музыку композитора и менять акценты, делать остановки, ставить allegro и forte, где их нет и они неоправданны. Это неуважение по отношению к композитору и его замыслу.

В Нью-Йорк Марина прилетит из Милана, где в Ла Скала в эти дни исполняет партию Маргариты в опере “Фауст” Ш.Гуно. В ближайших планах певицы - партии Амелии в “Бале-маскараде” Дж.Верди в Венской опере, Нормы в “Норме” В.Беллини в театре Реал (Мадрид), Елизаветы Валуа в “Дон Карлосе” Дж.Верди в Дрезденской опере, Леоноры в “Трубадуре” Дж.Верди в Римской опере, турне с Йонасом Кауфманом по городам Германии, Австрии и Франции.

В Карнеги-холл Марина дебютировала в 2011 году в партии Анаиды в опере “Моисей и Фараон” Дж.Россини. Впереди на этой сцене ее ждет дебют в партии Тоски. На мой вопрос о предстоящих выступлениях певица ответила: “Тоску мне предлагали многие театры. Я не соглашалась, потому что считала, что не готова. Из пуччиниевских партий у меня пока были Мими и Мюзетта в “Богеме”, Баттерфляй в “Мадам Баттерфляй”, Лиу в “Турандот”. За пуччиниевские партии я стараюсь браться очень осторожно... В партии Тоски важнее всего личность героини. Тоска должна быть Женщиной в первую очередь. Ревнивая женщина, влюбленная женщина, которая не всегда умеет просчитывать ходы. Это не Елизавета и не Мария Стюарт. Тоска действует по велению сердца и говорит, что думает. Скарпиа ее разыгрывает, играет с ней и, конечно, не ожидает, что она способна на убийство... Тоска - важный для меня персонаж. Я много лет (мои лучшие годы) провела в Риме. Я очень люблю этот город. Наверно, Рим - мой любимый город на этой планете. Для меня Тоска ассоциируется с Римом, оперой, пением... Я не возвращалась в Нью-Йорк после того, как в Метрополитен-опере с большим успехом спела Норму. Девять лет прошло. Долго, да... Наверно, меня уже подзабыли. А возвращаюсь я в новом амплуа, новом репертуаре. Голос изменился, и это нормально. Сейчас я пою в “Бале-маскараде”, “Аиде”, “Отелло”, “Набукко”... Тоска для меня стала немного ближе. Это будет мой дебют, и я очень этого жду”.

Сейчас уже многие забыли, что дебют прославленного немецкого тенора Йонаса Кауфмана на американской оперной сцене состоялся в Лирик-опере Чикаго. Было это в сезоне 2001-02 годов в партии Кассио в памятной многим постановке “Отелло” Дж.Верди, где Дездемону пела Рене Флеминг. После этого Кауфман появлялся в чикагском театре еще трижды: он пел Альфреда в “Травиате” Дж.Верди в 2003 году, Де Грие в “Манон” Ж.Массне в 2008 году (его партнершей выступила неподражаемая Натали Дессе) и в совместном концерте с Рене Флеминг. В Метрополитен-опере певец дебютировал в 2006 году с партией Альфреда в “Травиате” Дж.Верди. В нью-йоркском театре Кауфмана слышали в партиях Тамино (“Волшебная флейта” В.А.Моцарта), Хозе (“Кармен” Ж.Бизе),. Зигмунда (“Валькирия” Р.Вагнера), Парсифаля (“Парсифаль” Р.Вагнера), Фауста (“Фауст” Ш.Гуно) и, конечно, Каварадосси (“Тоска” Дж.Пуччини). Многим памятен его сольный концерт в МЕТ в 2011 году. В театре был аншлаг, равный которому был только на концертах великого Лучано Паваротти. Последний раз в МЕТ Кауфман выступал в 2018 году, в Карнеги-холл - в сольном концерте в 2021 году. Некоторое время назад у Кауфмана были проблемы с голосом, он часто отменял концерты и спектакли, но в последнее время вернулся к активной концертной деятельности. 8 октября певец открыл сезон в Карнеги-холл. Он солировал в концерте Берлинского филармонического оркестра под управлением Кирилла Петренко. Кауфман исполнил арии из опер “Арлезианка” Ф.Чилеа, “Федора” У.Джордано, “Паяцы” Р.Леонкавалло. На ноябрьские концерты он прилетит из Вены, где в эти дни исполняет партию Отелло в одноименной опере Дж.Верди.

В партии коварного Скарпиа - один из лучших баритонов нашего времени Людовик Тезье. Он родился в Марселе, учился в Парижской консерватории. Громкая международная карьера певца началась в оперных театрах Люцерна и Лиона. В Метрополитен-опере дебютировал в 2002 году с партией Эскамильо (“Кармен” Ж.Бизе). В этом сезоне он споет в МЕТ Риголетто (“Риголетто” Дж.Верди). В октябре 2022 года с Кауфманом Тезье записал альбом “Insieme - Opera Duets” (студия Sony Classical). В Нью-Йорк Тезье прилетит из Палермо, где в эти дни в Teatro Massimo исполняет партию Риголетто.

После шестнадцати сезонов в Лос-Анджелесском филармоническом оркестре в сентябре этого года маэстро Густаво Дудамель стал двадцать девятым музыкальным руководителем Нью-Йоркского филармонического оркестра. 30 сентября состоялся инаугурационный концерт оркестра под управлением харизматичного маэстро. Ожидания от его прихода очень большие, и маэстро начал свой контракт на высокой ноте. Уже через неделю после начала сезона оркестр с маэстро отправился в тур по городам Европы. С 9 по 22 октября оркестр дал десять концертов в Париже, Барселоне, Мадриде, Берлине, Гамбурге, Вене. Впереди - совместный проект Нью-Йоркского филармонического оркестра и Карнеги-холл. На протяжении пяти лет каждый год в Карнеги-холл будет ставиться опера в концертном исполнении. Первой в проекте и в истории Карнеги-холл станет “Тоска”.

Маэстро Риккардо Мути говорит: “Исполнение оперы симфоническим оркестром - фундамент, на котором строится остальная музыка. Это дает возможность оркестру расти в профессиональном отношении. Музыканты слушают, взаимодействуют, понимают друг друга, оркестр и солисты действуют сообща, сливаясь в музыке”. Очень надеюсь, что так будет на предстоящих концертах в Нью-Йорке. Не пропустите!

Nota bene! Билеты на все концерты в Карнеги-холл - на сайте carnegiehall.org, по телефону 212-247-7800 или в кассе (Carnegie Hall Box Office, 57th Street and Seventh Avenue, New York, NY 10019).

Фотографии к статье:

Фото 1. Марина Ребека. Фото - Дарио Акоста

Фото 2. Йонас Кауфман и Людовик Тезье. Фото - wikipedia.org

Фото 3. Густаво Дудамель дирижирует Лос-Анджелесским филармоническим оркестром. Фото - Дэнни Клинч

Бурлеска и Йо Йо Ма. Чикагский симфонический центр, 1-14 ноября 2026 года

1 ноября, 3.00 pm. В первом концерте сольной фортепианной серии сезона 2026-27 годов мы услышим победителя XVIII Международного конкурса пианистов имени Ф.Шопена (2021 год) Брюса Лю. В программе: этюд “Фанфары” из Первой книги этюдов Д.Лигети, Четырнадцатая (“Лунная”) и Двадцать первая (“Аврора”) сонаты Л.ван Бетховена, Два ноктюрна Ф.Шопена, фрагмент Alborada del gracioso из цикла “Отражения” М.Равеля, “Грезы” К.Дебюсси, миниатюра “Glossa sobre Au clair de la lune” Ф.Момпоу, фрагмент El Puerto из сюиты “Иберия”, книга 1 И.Альбениса, Испанская рапсодия Ф.Листа.

Брюс Лю родился в Париже в семье выходцев из Китая. Когда мальчику не было еще шести лет, семья переехала в Канаду и поселилась в Монреале. Брюс играет на фортепиано с восьми лет. Выпускник Монреальской консерватории, учился в Монреальском университете. В газетах писали, что на конкурсе Шопена в 2021 году Лю поразил судей “феноменальной техникой и звуковой изобретательностью”. Дирижер и музыковед Кшиштоф Стефаньский сказал: “Брюсу Лю не нужно было использовать правую педаль, чтобы получить плавный, мягкий звук. Он может вытащить все из самой клавиатуры”. В 2024 году Лю с большим успехом дебютировал в сольной фортепианной серии в Симфоническом центре. В июле 2025 года пианист впервые выступил с ЧСО и впервые - на Музыкальном фестивале Равиния. Лю солировал в “Рапсодии на тему Паганини” С.Рахманинова (дирижер - Марин Олсоп).

В основе предстоящего концерта - новый альбом Брюса Лю “Lunaris”, вышедший 7 августа на студии Deutsche Grammophon. Пианист как бы совершает путешествие в мир воображения и сферу трансцендентного, исполняя одни из самых знаковых фортепианных сочинений в истории музыки. Лю выстраивает программу вокруг двух легендарных сонат Бетховена: “Лунная” и “Аврора”. В программе соседствуют знаковые фортепианные сочинения и подлинные жемчужины, известные лишь немногим. Ноктюрн Шопена, “Грезы” Дебюсси, Прелюдия ми минор Баха (в переложении А.Зилоти) дополняются шедеврами Федерико Момпоу, Агнес Обель и Дьердя Лигети. Завершается альбом гипнотической пьесой “Сон” Джона Кейджа. Пианист говорит: “После музыкального путешествия, которое предлагает этот альбом, “Сон” воспринимается как место, где гравитация исчезает. Я выбрал пьесу в качестве финальной, потому что она не ставит точку в путешествии, а оставляет его открытым”.

Впереди в сольной фортепианной серии - концерты Лукаса Штерната (6 декабря), Рудольфа Бухбиндера (10 января 2027 года), Митсуко Учиды (31 января 2027 года), Лейфа Ове Андснеса (21 марта 2027 года), Юйцзя Ван (в русском написании ее имени путаница, часто встречается другое - Юджа Ванг; 11 апреля 2027 года), Евгения Кисина (25 апреля 2027 года), Петра Андершевского (9 мая 2027 года).

5 и 7 ноября, 7.30 pm; 6 ноября, 1.30 pm; 8 ноября, 3.00 pm. В программе Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО): прелюдия к опере “Парсифаль” Р.Вагнера, Бурлеска для фортепиано с оркестром Р.Штрауса (солист - Мао Фудзита), Пятая симфония Л.ван Бетховена. Дирижер - немецкий маэстро польского происхождения Марек Яновский.

Бурлеска для фортепиано с оркестром - сочинение раннего Рихарда Штрауса. Он сочинил его в 1885 году, работая дирижером в Мейнингенском придворном оркестре, и посвятил руководителю оркестра Гансу фон Бюлову. Премьера состоялась 21 июня 1890 года в Айзенахе, первым исполнителем стал французский пианист Эжен д’Альбер. В 1947 году Бурлеска вошла в программу последнего выступления Штрауса в качестве дирижера.

Двадцативосьмилетний японский пианист Мао Фудзита родился в Токио. Занимается фортепиано с трех лет. Учился в Токийском музыкальном колледже. Первый международный успех пришел к нему в 2010 году, когда он завоевал премию на Международном конкурсе World Classic (Тайвань). Лауреат Серебряной медали Международного конкурса имени Чайковского (2019 год). Живет в Берлине с 2022 года, занимается у Кирилла Герштейна. Эксклюзивный артист Sony Classical. Его дебют в Карнеги-холл состоялся в январе 2023 года, дебютный сольный фортепианный концерт в Симфоническом центре - в марте 2025 года.

11 ноября, 7.30 pm. В программе ЧСО: оркестровая сюита “Четыре танца” из балета “Эстансия” А.Хинастеры, Первый виолончельный концерт Д.Шостаковича (солист - Йо Йо Ма),  оркестровая сюита “Симфонические танцы” С.Рахманинова. Дирижер - Карлос Мигуэль Прието.

Да-да, уважаемые читатели, только один день в этом сезоне мы услышим игру замечательного виолончелиста Йо Йо Ма. Он солирует в Первом виолончельном концерте Д.Шостаковича.

Отец Альберто Хинастеры (1916-1983) был каталонцем, мать - итальянкой. Будущий композитор родился и вырос в Буэнос-Айресе, окончил там консерваторию, занимался у Аарона Копланда в США и большую часть жизни провел в Женеве. В историю музыки вошел как аргентинский композитор, хотя сам всегда подчеркивал свое каталонское происхождение и хотел, чтобы его фамилию произносили по-каталонски - Жинастера. Балет “Эстансия” (“Estancia”, 1941) относится к раннему периоду творчества композитора, когда он увлекался народными мелодиями и танцевальной музыкой. Впоследствии Хинастера стал сочинять усложненные композиции и оперы. В нью-йоркской постановке его первой оперы “Дон Родриго” (1964) главную партию исполнил Пласидо Доминго. Было это в 1966 году, Доминго тогда никто не знал.

Выпускник Принстонского и Гарвардского университетов Прието является музыкальным руководителем сразу четырех оркестров: Национального симфонического оркестра Мексики, оркестра Минерия в его родном Мехико, Луизианского филармонического оркестра (Новый Орлеан) и Orchestra of the Americas (Вашингтон). За 75 минут до начала концертов состоятся тридцатиминутные беседы музыковеда Робби Эллиса об исполняемых произведениях.

13 и 14 ноября, 7.30 pm. В эти два дня ЧСО под управлением Джакомо Байроса исполняет произведения Эндрю Берда. Певец, композитор, мультиинструменталист, номинант на премию “Грэмми” Берд родился и вырос в Чикаго. Выпустил семнадцать альбомов. Активно гастролирует по всему миру. Последний раз в большом Чикаго выступал в сентябре 2021 года на Музыкальном фестивале Равиния. В концерте принимали участие группа Bowl of Fire и блюз-гитарист Джимбо Матус. В Симфоническом оркестре Берд выступает впервые. Таким образом он отмечает двадцатилетие своего нашумевшего альбома “The Mysterious Production of Eggs” (2005). В концерте прозвучат джазовые, фолк и поп-композиции из этого альбома в оркестровых аранжировках, а также Сюита из композиций Берда, выбранных им за почти тридцать лет композиторской деятельности.

Джакомо Байрос - американский маэстро португальского происхождения. Родился в Лиссабоне. Свою музыкальную карьеру начал с игры на тубе. Выпускник Джульярдской школы, с 2004 по 2007 год был концертмейстером секции туб в Сингапурском симфоническом оркестре. Выступал, записывался и гастролировал по всему миру со многими оркестрами, включая Нью-Йоркский филармонический и ЧСО. Изучал дирижирование в Peabody Institute и на музыкальном фестивале в Аспене под руководством Роберта Спано. Среди его педагогов был Курт Мазур. Байрос - сооснователь и художественный руководитель оркестра Nu Deco Ensemble (Майами).

Nota bene! Билеты на концерты Чикагского симфонического центра - на сайте chicagosymphony.org/, по телефону 312-294-3000 или в кассе (220 South Michigan Avenue, Chicago, Il 60604).

Фотографии к статье:

Фото 1. Брюс Лю. Фото - Ravinia Festival

Фото 2. Мао Фудзита. Фото - Sony Classical

Фото 3. Йо Йо Ма. Фото - Тодд Розенберг

Lookingglass Theatre сегодня и завтра. “Ковальски” и новое руководство

В эти дни в чикагском Lookingglass Theatre идет спектакль “Ковальски” (“Kowalski”) по пьесе Грегга Острина. Режиссер - Колин Хэнлон. В ролях: Джонни Галеки (Теннесси Уильямс), Джейкоб Московиц (Марлон Брандо), Элисон Симмет (Марго Джонс), Рис Дос Сантос (Панчо), Элли Рикер (Джоу).

Провинстаун (штат Массачусетс). Лето 1947 года. Дом Теннесси Уильямса. Великий американский драматург только что написал свою новую пьесу “Трамвай “Желание”. Он показывает ее своей близкой подруге, режиссеру Марго Джонс. Она, не отрываясь, читает и объявляет автору, что пьеса перевернет американский театр. Автор слушает ее не без удовольствия, но сам не уверен в успехе... Так начинается спектакль, который рассказывает об исторической встрече Уильямса с молодым Марлоном Брандо. Уильямс искал актера на роль Стэнли Ковальски. После этой встречи вопрос был решен... Спектакль получился замечательный: яркий, живой, остроумный. Сочетая исторические факты с театральными домыслами, пьеса драматурга из Лос-Анджелеса Грегга Острина показывает, как началось творческое сотрудничество актера и драматурга. В спектакле их знакомство показано так. Брандо опоздал на три дня. Дверь в дом Уильямса была сломана, и актер, постучавшись дважды, открыл ее сам. Внутри никого не было, Брандо стал рассматривать предметы, “играть” с ними. Вошедший в комнату Уильямс принял его за грабителя, схватил сковородку и вскричал: “Кто вы такой?” Не сразу выяснилось, что адрес Уильямса дал молодому актеру режиссер Элиа Казан. А дальше начались словесные (и не только - вспомним сцену танца) дуэли, едкие замечания автора и ответы актера. “Можно опоздать на три дня к Торнтону Уайлдеру. Можно опоздать на три дня к Артуру Миллеру. Но нельзя опоздать на три дня ко мне”, - гордо продекламировал Уильямс. Потом в дом зашла девушка по имени Джоу, Уильямс включился в игру с ней, стал провоцировать молодых на конфликт, по ходу дела внимательно наблюдая за ними, особенно - за Марлоном. В каком-то смысле они повторяли взаимоотношения его героев. Ведь в “Трамвае “Желание” Уильямс показал своего рода поединок между романтичной Бланш Дюбуа, воплощающей ранимую и утонченную женскую душу, и находящегося во власти животных инстинктов Стэнли Ковальски, олицетворяющего грубое мужское начало. Герои спектакля - натуры сильные, страстные, решительные. Уильямсу на сцене и в жизни была интересна природа человеческих взаимоотношений, находящихся в состоянии глубокого кризиса. Обнаженные человеческие эмоции играть трудно - здесь требуется полное слияние с персонажем, “до полной гибели, всерьез”. Маски сорваны, и люди больше не могут прятаться в удобных для них укрытиях. Они вынуждены жить в мире, окутанном ложью. Как говорит Брик - один из героев другой пьесы Уильямса “Кошка на рас

каленной крыше”: “Ложь - это система жизни, в которой мы живем. Виски - один выход, смерть - другой”. К сожалению, за семьдесят один год со времени написания пьесы “система жизни” не изменилась.

Мы не знаем, каковы были взаимоотношения Уильямса с его партнером Панчо и была ли у Брандо на самом деле девушка по имени Джоу. Мы этого не знаем и уже никогда не узнаем. Но мы точно знаем, что произошло потом, после того знаменательного вечера, о котором рассказывает спектакль. Двадцатитрехлетний Марлон Брандо получил роль Ковальски. Бланш Дюбуа сыграла тридцативосьмилетняя Джессика Тэнди. Премьера спектакля в постановке Элиа Казана состоялась в Ethel Barrymore Theatre на Бродвее 3 декабря 1947 года.

Критики в один голос предсказывали красивому, талантливому, обладавшему удивительной интуицией молодому Брандо большое будущее, считали его надеждой американского искусства. Они не ошиблись. Однако успешное выступление в этом спектакле лишило театр одного из лучших мастеров. Зато кинематографу повезло. Брандо ушел в Голливуд и появился на сцене лишь еще один раз, в 1953 году, в спектакле “Оружие и человек” по пьесе Бернарда Шоу. А пьесу “Трамвай “Желание” спустя четыре года Элиа Казан перенес на экран. Роль Бланш Дюбуа от Джессики Тэнди перешла к Вивьен Ли, а Брандо снова сыграл Ковальски. Импровизационная манера актера, его сексуальность и грубоватый юмор помогли созданию весьма необычного образа. Актер с полной отдачей проявил здесь не только природный талант, но и удивительную слитность с изображаемым персонажем. Брандо так вошел в роль, что многие начали думать, будто он сыграл в “Трамвае...” самого себя - грубого, жестокого хама, не лишенного садистских наклонностей. На самом же деле Брандо (особенно на первых порах) был чувствительным, мягким, застенчивым парнем. Интересно, что сам актер считал фильм “Трамвай “Желание” “поверхностной и унылой картиной” и был удивлен его успехом у публики. Со съемками этого фильма связано одно важное изменение внешности актера. Об этом рассказал один из наиболее известных американских фотографов Сэм Шоу: “Марлон обладал идеальной красотой и стеснялся своей привлекательной внешности. Он хотел какого-то, хотя бы небольшого несовершенства. Во время съемок “Трамвая “Желание” он подрался с актером, и тот врезал ему по носу. Это был счастливейший день в жизни Марлона - теперь он мог красоваться со сломанным носом. Оказалось, что перелом пошел на пользу Брандо - с тех пор это был действительно великолепный нос”. Картину ждал огромный успех у критиков и зрителей. Фильм получил Специальный приз на VII Венецианском МКФ в 1951 году и четыре премии “Оскар” в 1952: за лучшую женскую роль (Вивьен Ли), за лучшие женскую и мужскую роли второго плана (Ким Хантер и Карл Молден) и за лучшие декорации. Марлон Брандо и Элиа Казан были номинированы на “Оскар”, но премии не получили.

Добавлю, что за пьесу “Трамвай Желание” Уильямс получил Пулитцеровскую премию.

В спектакле Lookingglass Theatre Роль Марлона Брандо исполняет восходящая звезда американского театра и кино Джейкоб Московиц, знакомый по сериалам “Миллениум” (“Y2K”, 2024) и “Эль” (“Elle”, 2026). Но, конечно, главным в дуэте Уильямс-Брандо стал исполнитель роли Уильямса - номинант на премии “Эмми” и “Золотой глобус” Джонни Галеки. Он великолепно показал всю сложность характера Уильямса: его болезненное самолюбие и вместе с тем уязвимость, нарочитую наглость и нежность, незащищенность. Актер устроил из своей роли настоящий бенефис, и спектакль получился таким во многом благодаря ему. Надеюсь, эта работа принесет ему все главные театральные награды.

Джонни Галеки родился в Бельгии в американской семье. Когда ему было три года, семья переехала в Оук Парк (пригород Чикаго). В семь лет Галеки впервые вышел на театральную сцену (было это в чикагском Goodman Theatre), в одиннадцать был номинирован на театральную премию, в двенадцать - дебютировал в кино (“Одна ночь из жизни Джимми Рирдона”, “A Night in the Life of Jimmy Reardon”, 1988). Галеки активно снимался в кино и на телевидении, но настоящую славу принесла ему роль ученого-физика Леонарда Хофстедтера в сериале “Теория Большого взрыва” (“The Big Bang Theory”, CBS, 2007-19). После финального эпизода сериала Галеки взял паузу, которая растянулась почти на семь лет. Последней большой театральной работой актера стала роль в пьесе “The Little Dog Laughed” в нью-йоркском The James Earl Jones Theatre (бывший Cort Theatre). Было это в далеком 2006 году. Галеки получил за свою работу Theatre World Award for Outstanding Broadway Debut, а вскоре принял предложение от продюсеров “Теории Большого взрыва”. Двадцать лет спустя актер вернулся на подмостки сцены. Галеки говорит: “Звезды так сошлись. Пьеса Грегга, видение Колина и ощущение, что после семи лет тихого наблюдения за жизнью я наконец-то нашел что-то новое, что смогу привнести в свою работу. Добавьте к этому удовольствие воплотить на сцене одного из своих кумиров. Сказать “нет” такому проекту было невозможно”.

Спектакль поставил маститый Колин Хэнлон. Среди его режиссерских работ - спектакли на Бродвее “Falsettos”, “Rent”, “Wicked”, “In Transit”.

Мы увидели “Ковальски” после офф-бродвейской премьеры, получившей восторженные отзывы критиков. Они высоко оценили пьесу Грегга Острина и то, как в постановке раскрывается один из знаковых моментов в истории американского театра. Единодушны были и чикагские критики. Спектакль продлевали уже дважды, теперь он идет по 8 ноября 2026 года. Не пропустите!

Задержимся в уютном “Зазеркалье”, чтобы рассказать о переменах в руководстве театра. Закончился трехлетний контракт актрисы Кейси Фостер на посту руководительницы. Знакомьтесь: новые соруководители театра по художественной части - Эрика Рэтклифф и Дэвид Кэтлин.

Актриса театра с большим стажем Эрика Рэтклифф играла в спектаклях “Черный алмаз” (“Black Diamond”, сезон 2006-07 годов), “Вокруг света за 80 дней” (“Around the World in 80 Days”, сезон 2007-08 годов), “Питер Пэн (Пьеса)” (“Peter Pan (A Play)”, сезон 2010-11 годов), была драматургом и ассистенткой режиссера на спектакле “Фаддей и Слокам: Водевильное приключение” (“Thaddeus and Slocum: A Vaudeville Adventure”, сезон 2016-17 годов). Рэтклифф играла во многих американских театрах. Среди них - чикагские The Second City, Steppenwolf Theatre, Northlight Theatre, The House Theatre, Congo Square Theatre, а также Milwaukee Repertory Theater (Милуоки) и Pittsburgh Playwrights (Питтсбург). Рэтклифф была художественным руководителем Congo Square Theatre, литературным менеджером Чикагского шекспировского театра, продюсером программы Goodman Theatre’s 100 Free Acts of Theater.

Вся жизнь актера, режиссера и драматурга Дэвида Кэтлина связана с Lookingglass Theatre. Он - один из основателей и первый соруководитель театра, в разные годы занимал посты директора по развитию, с 2003 по 2010 год был художественным руководителем. Кэтлин известен своими литературными инсценировками. Именно ему принадлежит авторство замечательных спектаклей “Алиса в стране чудес” (“Lookingglass Alice”, премьера - 1988 год), “Икарус” (“Icarus”, сезон 2009-10 годов), “Моби Дик” (“Moby Dick”, сезон 2015-16 годов, спектакль получил четыре премии “Джефф”, включая главную - за лучшую постановку года), “Франкенштейн Мэри Шелли“ (“Mary Shelley’s Frankenstein”, сезон 2018-19 годов), “Дон Кихот” (“Circus Quixote”, сезон 2024-25 годов). Среди других режиссерских работ Кэтлина - спектакли “Метаморфозы” (“Metamorphosis”, сезон 1998-99 годов), “Черный алмаз” (“Black Diamond”, в соавторстве с Николь Брукс, сезон 2006-07 годов), “Маленький принц” (“The Little Prince”, премьера - сезон 2013-14 годов). Он принимает участие в проектах труппы Actors Gymnasium. Кэтлин - ассоциированный профессор, руководитель актерского отделения Северо-Западного университета.

Один из сооснователей театра, актер и режиссер Дэвид Швиммер назначен директором-продюсером. Швиммер известен далеко за пределами Чикаго и Америки благодаря своему участию в сериале “Друзья” (“Friends”, номинация на премию “Эмми”). Он родился в Нью-Йорке, вырос в Лос-Анджелесе, учился в Северо-Западном университете. Именно тогда, в 1988 году, он с друзьями-студентами Северо-Западного университета Евой Барр, Дэвидом Кэтлином, Джоем Грегори, Лоуренсом Дистази, Дэвидом Керснером, Томом Коксом и Эндрю Уайтом задумались о создании нового театра. Путь к нему шел через “кроличью нору” в “зазеркалье”. Первым спектаклем молодого коллектива стала инсценировка романа Льюиса Кэрролла “Алиса в стране чудес”. Уайт говорит: “Премьеру сыграли в помещении университета. Нас было шесть человек. Одна актриса играла Алису, пять актеров были заняты в остальных ролях. С этим спектаклем мы с успехом выступили на Edinburgh Fringe Festival. Это было волшебное чувство рождения театрального организма. Мы чувствовали себя в начале большого пути”. Швиммер активно участвовал в “рождении театрального организма”. Среди его актерских и режиссерских достижений - спектакли “Plantation!, “The Jungle”, “Big Lake Big City”, “Trust”, Our Town”, “West”, “The Master and Margarita”, “Eye of the Beholder”, “The Odyssey”, “The Idiot”, “Of One Blood”, совместная с Джоем Грегори адаптация романа Стадса Теркеля “Race”. Его последняя (пока) работа в Lookingglass - продюсерство спектакля “Beyond Caring” по пьесе А.Зелдина. В недавних интервью Швиммер много говорит о “перерождении” и “возрождении” театра. “Ковальски” - только первый шаг на этом пути.

Исполнительным директором Lookingglass Theatre стал многолетний член труппы, режиссер и продюсер Филип Р. Смит. Он связан с театром с 2000 года, в разное время занимал должности кастинг-директора, художественного руководителя, креативного директора, помогал с продюсированием более чем семидесяти пьес. Два последних года Смит работал заместителем директора по развитию Writers Theatre. Он сыграл ключевую роль в привлечении 1,3 млн долларов на постановку лучшего (пять премий “Джефф”) спектакля сезона 2025-26 годов “Леопольдштадт”.

Опытная руководительница и общественная деятельница Марси Масур стала Президентом совета директоров, одна из лучших рестораторов-женщин Динн Бейлис - Председателем совета директоров. Совместно с мужем Риком Бейлисом она открыла популярные в Чикаго рестораны Chicago's Frontera Grill и Topolobampo.

Сегодня в труппе театра - тридцать три человека. Перечислю их (наверняка многих из них вы знаете): Энтони Айронс, Атра Асду, Карим Бандили, Мара Блюменфельд, Уолтер Бриггс, Джей Николь Брукс, Джой Грегори, Ларри Дистази, Кевин Дуглас, Кристин Мэри Данфорд, Лора Исон, Мэттью К. Йи, Дэвид Керснар, Том Кокс, Дэвид Кэтлин, Луиза Лэмсон, Венди Матео, Дэн Остлинг, Андре Плюс, Эрика Рэтклифф, Джоуи Слотник, Фил Смит, Хайди Стиллман, Энди Уайт, Темпл Уильямс III, Трейси Уолш, Энтони Флеминг III, Рэймонд Фокс, Кейси Фостер, Даг Хара, Мэри Циммерман, Дэвид Швиммер, Сильвия Эрнандес-Дистази. В зависимости от репертуара дополнительно до пятнадцати человек каждый сезон приглашаются на определенные постановки. По установленной в первом сезоне традиции каждый член коллектива имеет право предложить пьесу для постановки и каждый голосует за постановку, предложенную другими.

“Ковальски” - первый спектакль тридцать восьмого сезона Lookingglass Theatre. В дальнейших планах театра - “Олененок” (“The Yearling”) по повести американской писательницы Марджори Роулингс в постановке лауреата премии “Тони”, члена труппы Мэри Циммерман и мировая премьера спектакля “Принц Хэл” (“Prince Hall”) по пьесе и в постановке члена труппы Джей Николь Брукс. 

Дэвид Швиммер оптимистичен в отношении будущего театра: “Я невероятно рад официально присоединиться к этой “команде мечты”. Для Lookingglass было бы невозможно найти более опытных, увлеченных, жизнерадостных и целеустремленных людей, готовых взять бразды правления в свои руки. Если процитировать Белую Королеву из книги “Алиса в Зазеркалье”, то эта команда не просто верит, что “до завтрака можно поверить в целых шесть чудес”, - она их совершает”.

Nota bene! Билеты на спектакли Lookingglass Theatre (163 E Pearson St, Chicago, IL 60611) - по телефону 312-337-0665 или на сайте www.lookingglasstheatre.org.

Фотографии к статье:

Фото 1. Джонни Галеки в спектакле “Ковальски”. Фото - Майкл Бросилоу

Фото 2. Джонни Галеки  и Джейкоб Московиц в спектакле “Ковальски”. Фото - Майкл Бросилоу

Фото 3-4. Сцены из спектакля “Ковальски”. Все фотографии - Майкл Бросилоу