...Поговорим о сказке. Поговорим об истории любви, верности и преданности со счастливым началом и счастливым концом. Поговорим о представлении “Цветущее дерево” на сцене Чикагского оперного театра (далее – ЧОТ), ибо новое сочинение американского композитора Джона Адамса менее всего похоже на оперу, хоть и называется таковой. Я бы, скорее, назвал “Цветущее дерево” красивым драматическим спектаклем с пением, танцами и пантомимой.
Действие спектакля начинается еще до того момента, когда гаснет свет. Пока зрители рассаживаются, на сцене уже сидят какие-то люди. В центре – Рассказчик (Сэнфорд Силван). Именно он поведает нам, что случится с прекрасной девушкой по имени Кумада (Наташа Джоул), когда она откроет в себе невероятный дар превращаться в цветущее дерево. Каждую неделю Кумада с сестрой убегала в лес и в тайне от матери совершала свой магический ритуал. Девушка превращалась в цветущее дерево, и цветы падали (хотел написать “к ее ногам”, но не все так просто...) к ногам девушки-дерева. Закончив волшебство, она с помощью сестры возвращалась в исходное (человеческое) состояние. Сестры собирали цветы, шли на базар, продавали их и складывали деньги в потайное место. Они собирали деньги для задыхающейся от непосильного труда матери. Однажды превращение Кумады в дерево увидел Принц (Ноа Стюарт). Как увидел он сие чудо, тотчас полюбил простую девушку и захотел жениться на ней, и попросил девушку превратиться в дерево для него, и пришла Кумада к Принцу во дворец, и стали они Женихом и Невестой, и превратилась Кумада в цветущее дерево, и занялись они любовью под сенью дерева ее...
Конец первого действия. Антракт.
(Диалог в антракте. Мужчина – даме.
- Не могу дождаться, что будет дальше.
- Надеюсь, они не разведутся.
- Как можно развестись с деревом?)
Во втором действии было много страданий. Из-за людского коварства Кумада не смогла вернуться в человеческое обличье, осталась деревом, без ручек и ножек, потеряла Принца, лишилась всего, кроме своего неповторимого голоса. Принц, потеряв любимую, затосковал, сердце его, как поведал нам Рассказчик, превратилось в камень. Ходил он по городам и весям, искал Кумаду, и люди не узнавали его. Так продолжалось минут тридцать сценического времени: они пели грустные песни и искали друг друга. Но – это мы помним еще по “Доброму человеку из Сезуана” - “Плохой конец заранее отброшен, Он должен, должен, должен быть хорошим...”. Принц нашел Кумаду, оковы дерева пали, Кумада превратилась в очаровательную женщину, и они стали жить-поживать и детей наживать. Вот и сказке-опере конец, а кто смотрел-слушал-читал – молодец.
Надо сказать, что, несмотря на мое ироничное отношение к сюжету, а особенно к бесконечным трансформациям девушка-дерево-девушка, опера мне понравилась. Приятная мелодичная музыка, в которой слышатся отзвуки тем Яначека и Сибелиуса, прекрасная сценография, оригинальное световое решение (в спектакле преобладает ярко красный цвет), и, конечно, хорошие голоса солистов... – все это заставляло, не отрываясь, следить за происходящими на сцене событиями. “Цветущее дерево“ особенно выигрывает в сравнении со скучной и тяжеловесной оперой “Доктор Атомик”, поставленной зимой этого года в Лирик-опере.
Поющих актеров в спектакле три: Кумада, Принц и Рассказчик. Все остальные лишь представляют слова Рассказчика.
В партии Кумады на американской оперной сцене дебютирует английская певица Наташа Джоул. Слушать ее – одно удовольствие: у нее глубокое, сильное, бархатное сопрано. Партия Кумады очень сложная – во втором действии Джоул, будучи деревом, поет сложнейшую арию лежа, плотно завернутая в шелковую ткань. Однако певица с честью выходит из трудного положения. Наташа Джоул регулярно выступает на оперных сценах Европы, постоянно сотрудничает с Глайндебурнской фестивальной оперой.
В партии Принца – нью-йоркский лирический тенор Ноа Стюарт, в партии Рассказчика – баритон Сэнфорд Силван. Это третья опера Адамса в репертуаре певца. Он пел в партиях Чу Ин-Лая в “Никсоне в Китае” и главную партию в “Смерти Клингхоффера”.
Надо сказать, что годы, проведенные генеральным директором ЧОТ Брайаном Дики в Глайндебурне, наложили отпечаток на его музыкальные вкусы и пристрастия. Он постоянно держит в поле зрения этот музыкальный фестиваль и приглашает в Чикаго по-настоящему ярких, молодых, талантливых певцов.
Кроме солистов, в “Цветущем дереве” участвует хор и девять танцоров.
“Цветущее дерево” – это сказка, а в сказке все должно быть красиво. И здесь ЧОТ полностью отвечает велениям жанра. Очень точно продумана каждая мизансцена, максимально использован каждый сантиметр сценического пространства, все сделано с большим вкусом, оригинально, необычно и красиво. Почти все сцены выглядят отдельными художественными произведениями, застывшими фотографиями. Выделю сценографа Джорджа Сауглайдса (после окончания работы в Чикаго он отправился в Зальцбург, где его ждет “Отелло” на летнем музыкальном фестивале) и дизайнера по свету Аарона Блака. Вообще, отдельные слова благодарности заслуживает вся постановочная группа спектакля. Здесь, что ни имя, то - явление. Режиссер Никола Рааб славится нестандартным подходом к новым и редко исполняемым произведениям. Она давно и плодотворно сотрудничает с ЧОТ. Ее последней работой в театре была постановка оперы Гектора Берлиоза “Беатрис и Бенедикт” в прошлом сезоне. В спектакле много танцев, которые поставил известный итальянский хореограф, директор Балетной школы при Венской опере, руководитель балетной труппы Венской оперы Ренато Занелла.
История создания “Цветущего дерева” такова. После крупных форм с политическим уклоном – опер “Никсон в Китае” и “Доктор Атомик” - Джону Адамсу захотелось сочинить что-нибудь камерное, лиричное, сказочное. Друг композитора, режиссер Питер Селларс предложил ему в качестве сюжета древнюю индийскую сказку о прекрасной девушке по имени Кумада. Адамса заворожила сказка, и с детской увлеченностью он принялся сочинять оперу. “Цветущее дерево” посвящено 250-летнему юбилею Моцарта, в этом сочинении использованы сюжетные темы моцартовской “Волшебной флейты”. В переводе сказки с хинди на английский Адамсу помог преподаватель Чикагского университета, специалист по индийской литературе Рамануян.
Мировая премьера “Цветущего дерева” состоялась в Вене 14 ноября 2006 года. Вслед за этим оперу услышали в Берлине, Сан-Франциско и Лондоне. Чикагские спектакли стали премьерой оперы на Среднем Западе и первой полноценной постановкой “Цветущего дерева” в Америке (в Сан-Франциско показали концертный вариант). На мировой премьере оперы в Вене побывал Брайан Дики. Он в полном смысле слова “заболел” этой оперой и сразу стал вести переговоры о постановке ее в Чикаго. Долго уговаривать Адамса Дики не пришлось. Композитор был так впечатлен постановкой его оперы “Никсон в Китае” в ЧОТ в 2006 году, что согласился не только представить ее в Чикаго, но и продирижировать первыми двумя спектаклями. На остальных трех спектаклях за дирижерским пультом Адамса сменила ассистентка Эса-Пеки Салонена в Лос-Анджелесском симфоническом оркестре, дирижер Джоана Карнейро.
Вскоре после Чикаго “Цветущее дерево” будет поставлено в Амстердаме. На лето 2009 года запланирована постановка оперы в Линкольн-центре в Нью-Йорке.
Так что в целом история прекрасной девушки по имени Кумада получилась. Полный зал и стоячая овация на премьере – лишнее тому подтверждение.
PS.
С 28 мая по 8 июня в ЧОТ можно будет услышать последнюю оперу этого сезона – оперу Георга Фридриха Генделя “Орландо”. Спектакли проходят на сцене Театра музыки и танца “Харрис” по адресу: 205 East Randolph Street, Chicago, IL 60602. Заказать билеты можно по телефону 312-704-8414 или на Интернет-сайте театра http://www.chicagooperatheater.org/.
25 мая 2008 года
1 июн. 2008 г.
Браво, “Campanella”!
Многим любителям хорового пения в Чикаго и пригородах хорошо известен детский хор “Campanella”. Основателем и бессменным руководителем хора является хормейстер Марианна Косая. В прошлой беседе со мной она рассказала историю возникновения хора: “Хор начался с двух девочек – моей дочери и ее подружки. Моей дочери было четыре годика, в таком возрасте в школу еще не принимают. А мне хотелось, чтобы ее музыкальные способности не пропали. Я начала с ней заниматься. Постепенно ко мне стали приходить новые дети, и из такого домашнего музицирования родился детский хор “Campanella””.
За восемь лет своего существования хор превратился в профессиональный детский коллектив. Он неоднократно выступал с концертами, участвовал в нескольких фестивалях и конкурсах, завоевывал призы и медали. Но того, что произошло в начале мая, в истории коллектива еще не было. На только что закончившемся музыкальном фестивале “Наследие” детский хор “Campanella” получил Золотую медаль! Поздравив руководителя хора Марианну Косую с этой победой, я попросил ее поделиться своими впечатлениями о конкурсе.
- Фестиваль хоров и оркестров “Наследие” проходит по всей Америке и Канаде, а также в Эдинбурге (Шотландия). На фестивале существуют детская и юношеская программы. В детской программе участвуют, в основном, дети средних и старших классов, реже – дети начальной школы. Хоры не только поют перед строгими судьями, но и репетируют вместе отдельную программу, с которой потом, в заключительном концерте, выступает сборный Хор из двухсот человек. Каждому хору необходимо исполнить четыре произведения из разряда обязательной программы, одно из которых должно быть a cappella. Судьи выставляют оценки каждому хору по многим параметрам: по чистоте, эмоциональности исполнения, фразировке, снятию дыхания, подбору репертуара... Учитываются при этом самые тонкие нюансы исполнения. Потом с хорами начинают заниматься дирижеры-педагоги из известных хоровых коллективов, профессора университетов... Они работают с хорами, тактично указывая на ошибки. Занятия записываются, и каждый судья выдает аудиозапись со своими комментариями. После окончания фестиваля для детей устраивается банкет. На торжественной церемонии происходит вручение призов. Каждый хор оценивается соответствующим количеством баллов. От девяноста до ста баллов – “золото”. “Золотые” лауреаты проходят на следующий этап фестиваля, где участвуют лучшие хоры со всей страны. Хор “Campanella” участвовал в фестивале, проходившем в Болинбруке в помещении “Brooks Middle School”. В этом году в фестивале приняло участие двадцать два хоровых коллектива. Среди них были не только классические хоры. На фестивале выступали шоу-хор, джаз-хор, ансамбли. Все хоры были составлены из учеников старших классов. Средняя школа была представлена четырьмя хорами, а дети младших классов были только у нас. По результатам конкурса мы получили Золотую медаль, а это значит, что мы проходим на фестиваль лучших коллективов. Кроме этого, мы получили медаль и трофей с надписью “Выдающийся хор”. Из получивших золото тоже отбирали лучших, и мы попали в тройку самых лучших хоров. Этот трофей – самая высокая награда, присуждаемая на фестивале.
- Браво, Марина! Браво, “Campanella”! Как дети реагировали на победу?
- Дети много работали, волновались перед выступлением и очень радовались победе. Я им говорила: “Вот увидите, придет награда за ваш тяжелый труд”. Они не верили, а когда победили, были просто счастливы. Одна девочка бежала за мной со слезами и повторяла: “Большое спасибо, большое спасибо...” А дети постарше подходили к малышам и изумлялись: “Не понимаем, как вы – такие маленькие – победили нас, больших”. (Смеется.)
- Какие произведения входили в программу?
- Мы исполнили четыре произведения, из которых три - русские: “Здравствуй, гостья Зима” Рейнгольда Глиэра, “Пришла весна” Александра Гречанинова и “Крылатые качели” Евгения Крылатова. Песня Крылатова растопила сердца членов жюри! Кроме того, в программу входил канон Шуберта “Прекрасный май”, который мы исполнили a cappella по-английски.
- Впечатляет разброс произведений: от Гречанинова до Крылатова!
- Да, мы представили русскую классическую музыку, западную классическую музыку и современную популярную музыку.
- В каком составе вы выступали?
- В концертный состав хора входят семнадцать человек. Возраст участников хора - от семи до двенадцати с половиной лет. В основном, в хоре пели восьми-десятилетние дети. Судьи были поражены чистотой интонирования. В нашем выступлении они отметили, что хор обладает очень красивым звуком и идеальной чистотой. Видно, что дети чувствуют каждую ноту! Я начинаю работу с трех-пятилетними детьми. В общей сложности, в хоре занимаются сорок человек. Они разделены на несколько групп, из которых формируется концертный состав.
- Где у вас база? Где вы репетируете?
- Снимаем залы, где получится. Несколько лет я снимала зал в Норсбруке. Но нам не совсем подходит это помещение, потому что там плохая акустика. В этом году я нашла церковь с очень хорошей акустикой, и мы долгое время там репетировали. Каждый год приходится заново решать эту проблему.
- Фестиваль закончен. Что дальше?
- Теперь мы будем готовиться к новому фестивалю. Там будут совсем другие условия проведения. Сначала мы покажем свою программу, потом каждый хормейстер поработает со своим хором, а затем все соберутся на сводную репетицию и изучат новую программу. Ее выдают заранее, за полгода, чтобы было время для подготовки. Сводный хор репетирует четыре произведения и выносит их на большую сцену. Например, в Чикаго этот концерт проходит в Симфоническом центре с участием лучшего юношеского оркестра по результатам конкурса прошлого года.
- Ну что ж, от всей души поздравляю тебя с большой победой и желаю дальнейших творческих успехов. Будем болеть за вас!
PS.
Хор “Campanella” открыт для новых молодых талантов. Всем желающим просьба обращаться по телефону 847-361-7989.
За восемь лет своего существования хор превратился в профессиональный детский коллектив. Он неоднократно выступал с концертами, участвовал в нескольких фестивалях и конкурсах, завоевывал призы и медали. Но того, что произошло в начале мая, в истории коллектива еще не было. На только что закончившемся музыкальном фестивале “Наследие” детский хор “Campanella” получил Золотую медаль! Поздравив руководителя хора Марианну Косую с этой победой, я попросил ее поделиться своими впечатлениями о конкурсе.
- Фестиваль хоров и оркестров “Наследие” проходит по всей Америке и Канаде, а также в Эдинбурге (Шотландия). На фестивале существуют детская и юношеская программы. В детской программе участвуют, в основном, дети средних и старших классов, реже – дети начальной школы. Хоры не только поют перед строгими судьями, но и репетируют вместе отдельную программу, с которой потом, в заключительном концерте, выступает сборный Хор из двухсот человек. Каждому хору необходимо исполнить четыре произведения из разряда обязательной программы, одно из которых должно быть a cappella. Судьи выставляют оценки каждому хору по многим параметрам: по чистоте, эмоциональности исполнения, фразировке, снятию дыхания, подбору репертуара... Учитываются при этом самые тонкие нюансы исполнения. Потом с хорами начинают заниматься дирижеры-педагоги из известных хоровых коллективов, профессора университетов... Они работают с хорами, тактично указывая на ошибки. Занятия записываются, и каждый судья выдает аудиозапись со своими комментариями. После окончания фестиваля для детей устраивается банкет. На торжественной церемонии происходит вручение призов. Каждый хор оценивается соответствующим количеством баллов. От девяноста до ста баллов – “золото”. “Золотые” лауреаты проходят на следующий этап фестиваля, где участвуют лучшие хоры со всей страны. Хор “Campanella” участвовал в фестивале, проходившем в Болинбруке в помещении “Brooks Middle School”. В этом году в фестивале приняло участие двадцать два хоровых коллектива. Среди них были не только классические хоры. На фестивале выступали шоу-хор, джаз-хор, ансамбли. Все хоры были составлены из учеников старших классов. Средняя школа была представлена четырьмя хорами, а дети младших классов были только у нас. По результатам конкурса мы получили Золотую медаль, а это значит, что мы проходим на фестиваль лучших коллективов. Кроме этого, мы получили медаль и трофей с надписью “Выдающийся хор”. Из получивших золото тоже отбирали лучших, и мы попали в тройку самых лучших хоров. Этот трофей – самая высокая награда, присуждаемая на фестивале.
- Браво, Марина! Браво, “Campanella”! Как дети реагировали на победу?
- Дети много работали, волновались перед выступлением и очень радовались победе. Я им говорила: “Вот увидите, придет награда за ваш тяжелый труд”. Они не верили, а когда победили, были просто счастливы. Одна девочка бежала за мной со слезами и повторяла: “Большое спасибо, большое спасибо...” А дети постарше подходили к малышам и изумлялись: “Не понимаем, как вы – такие маленькие – победили нас, больших”. (Смеется.)
- Какие произведения входили в программу?
- Мы исполнили четыре произведения, из которых три - русские: “Здравствуй, гостья Зима” Рейнгольда Глиэра, “Пришла весна” Александра Гречанинова и “Крылатые качели” Евгения Крылатова. Песня Крылатова растопила сердца членов жюри! Кроме того, в программу входил канон Шуберта “Прекрасный май”, который мы исполнили a cappella по-английски.
- Впечатляет разброс произведений: от Гречанинова до Крылатова!
- Да, мы представили русскую классическую музыку, западную классическую музыку и современную популярную музыку.
- В каком составе вы выступали?
- В концертный состав хора входят семнадцать человек. Возраст участников хора - от семи до двенадцати с половиной лет. В основном, в хоре пели восьми-десятилетние дети. Судьи были поражены чистотой интонирования. В нашем выступлении они отметили, что хор обладает очень красивым звуком и идеальной чистотой. Видно, что дети чувствуют каждую ноту! Я начинаю работу с трех-пятилетними детьми. В общей сложности, в хоре занимаются сорок человек. Они разделены на несколько групп, из которых формируется концертный состав.
- Где у вас база? Где вы репетируете?
- Снимаем залы, где получится. Несколько лет я снимала зал в Норсбруке. Но нам не совсем подходит это помещение, потому что там плохая акустика. В этом году я нашла церковь с очень хорошей акустикой, и мы долгое время там репетировали. Каждый год приходится заново решать эту проблему.
- Фестиваль закончен. Что дальше?
- Теперь мы будем готовиться к новому фестивалю. Там будут совсем другие условия проведения. Сначала мы покажем свою программу, потом каждый хормейстер поработает со своим хором, а затем все соберутся на сводную репетицию и изучат новую программу. Ее выдают заранее, за полгода, чтобы было время для подготовки. Сводный хор репетирует четыре произведения и выносит их на большую сцену. Например, в Чикаго этот концерт проходит в Симфоническом центре с участием лучшего юношеского оркестра по результатам конкурса прошлого года.
- Ну что ж, от всей души поздравляю тебя с большой победой и желаю дальнейших творческих успехов. Будем болеть за вас!
PS.
Хор “Campanella” открыт для новых молодых талантов. Всем желающим просьба обращаться по телефону 847-361-7989.
12 мая 2008 г.
Риккардо Мути становится у руля Чикагского симфонического оркестра
Свершилось! После почти четырехлетнего поиска подходящей кандидатуры президент Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО) Дебора Кард объявила, что новым музыкальным руководителем коллектива станет всемирно известный итальянский дирижер маэстро Риккардо Мути.
Еще в начале сентября прошлого года Мути категорически опровергал любые предположения о возможности его назначения на пост музыкального руководителя не только Чикагского, но и любого другого американского оркестра. Он гордо заявлял журналистам: “Я на ноль процентов американец, на сто процентов европеец и на тысячу процентов итальянец”. Его тон изменился после месяца, проведенного с Чикагским оркестром. Две недели Мути дирижировал концертами в Симфоническом центре и две недели провел с оркестром в Европе.
Дебора Кард рассказала журналистам, что она впервые встретилась с маэстро Мути в начале 2005 года. Речь тогда шла о появлении дирижера на подиуме Чикагского оркестра в качестве гостя. “Мы не можем говорить ни о чем, прежде чем маэстро не поработает с оркестром”, - сказала тогда Кард. После этого переговоры, которые гобоист Майкл Хенок назвал “соблазнением маэстро”, продолжались еще в нескольких городах, куда упрямая и настырная президентша приезжала встречаться с Мути. Когда в сентябре 2006 года итальянский дирижер отменил запланированные концерты с ЧСО, согласившись в это же время продолжить свое сотрудничество с Нью-Йорком, стало казаться, что из затеи “соблазнения” ничего не выйдет. Но Кард не оставляла своих попыток и сумела убедить дирижера приехать в начале этого сезона. И тут возникла, как говорят все музыканты в один голос, “любовь с первого взгляда”. Президент ЧСО сказала, что все разговоры о высокомерии Мути и его нежелании занимать какой-либо пост оказались не соответствующими действительности. Приехав в Чикаго, Мути был очарован радушным приемом, который ему устроили музыканты, члены администрации и спонсоры оркестра. Но и тогда многие в коллективе не верили, что Мути согласится возглавить ЧСО. Сам дирижер признается: “Мое согласие возглавить оркестр пришло не сразу. Но Чикаго смог растопить мое черствое сердце”.
Мути назвал ЧСО “идеальной машиной, с одинаковым мастерством исполняющей масштабные произведения, такие, как Третья симфония Прокофьева или “Поэма экстаза” Скрябина (эти произведения ЧСО под управлением Мути исполнял в сентябре 2007 года), и камерные интимные сочинения Шуберта”. “Когда я покинул “Ла Скалу”, - продолжает дирижер, - я думал, что для меня настало время абсолютной свободы. Как птица, я наслаждался этим чувством и был счастлив. Но и птица, бывает, после полета находит дерево и задерживается на нем, не думая об остальных деревьях. Это не значит, что одно дерево лучше другого. Просто так получилось.”
Назначение Риккардо Мути новым музыкальным руководителем ЧСО любезно согласился прокомментировать концертмейстер группы гобоев оркестра Евгений Изотов.
- Я очень доволен принятым решением и с нетерпением жду приезда Риккардо Мути в Чикаго. Мути – феноменальный дирижер. У нас с ним сложились очень хорошие взаимоотношения. Как творческие, так и личностные. Мути – фигура харизматичная. В ЧСО очень много ярких личностей, и нам, скорее всего, не подошел бы просто хороший дирижер, который со временем вырос бы и стал достоин оркестра. В этом отношении фигура Мути равновелика самому оркестру. Надеюсь, что наш “медовый месяц”, начатый в сентябре, продолжится на долгие годы.
- Вы ожидали этого решения?
- Я удивлен, что это решение произошло так быстро. Мы думали, что подождем до следующего года. Но, видимо, Дебора Кард использовала нашу русскую поговорку “Куй железо, пока горячо”.
- Как проходил процесс выбора кандидата?
- Процесс выбора кандидата занял четыре года. После того, что произошло в Филадельфийском оркестре, когда Кристоф Эшенбах не нашел взаимопонимания с коллективом, менеджеры больших оркестров стали внимательнее прислушиваться к мнению музыкантов. История в Филадельфии стала серьезным предупреждением для администрации. В конечном счете нам, музыкантам, работать с дирижером. В ЧСО был создан Комитет по поиску нового музыкального руководителя. Этот Комитет тесно работал с администрацией оркестра. После встречи с каждым дирижером у нас проводился опрос музыкантов по многим критериям. Это была тщательная и долгая работа. И на фоне других дирижеров Риккардо Мути был самым предпочтительным выбором.
- В эпоху Баренбойма Чикаго познакомился с яркими молодыми солистами – звездами первой величины. Максим Венгеров, Ланг Ланг, Николай Знайдер...- этот список можно продолжать. Увидим ли мы с приходом Мути новых талантливых артистов, которые прежде не жаловали Чикаго своим появлением?
- Хочется на это надеяться. Приход нового творческого лидера – это всегда новая эпоха. Мы всегда готовы познакомиться с новыми талантами уровня Максима Венгерова. Но это вопрос скорее к дирижеру. Мы очень много знаем о нем, но как сложатся взаимоотношения в процессе работы, не знает никто. В этом отношении наш выбор похож на выбор кандидата в президенты. Мы можем долго и тщательно изучать их биографии и слушать, что они говорят, но что они будут делать, остается загадкой. Все покажет время. Пока мы с воодушевлением ждем приезда маэстро.
А вот слова многолетнего концертмейстера Чикагского симфонического оркестра Сэмюэля Магада:
- Это - великолепное для оркестра назначение! Маэстро Мути – талантливый дирижер с великолепной харизмой. Музыканты оркестра очень любят его. Я видел несколько концертов ЧСО с Мути в прошлом году. Оркестр под его управлением играл просто прекрасно!”
- Этот выбор – заслуга менеджмента или музыкантов?
- Большую роль в назначении Мути сыграло мнение музыкантов оркестра. Музыканты счастливы работать с маэстро!
- Как вы считаете, это лучший выбор для оркестра?
- О да, лучшего варианта нельзя было представить. Это фантастический выбор! Я не думал, что маэстро Мути согласится приехать в Чикаго. Поздравляю Дебору Кард с тем, что ей удалось уговорить маэстро. Я очень доволен этим решением.
- Будут ли сделаны какие-нибудь изменения в репертуаре оркестра?
- Не думаю, что репертуар оркестра изменится. Риккардо Мути подвластна любая музыка. Он дирижирует оперой, исполняет классические симфонические произведения, современную музыку... Сегодня я смотрю в будущее гораздо оптимистичнее, чем несколько лет назад. Будущее оркестра в надежных руках!
- Но ведь Риккардо Мути не собирается переезжать в Чикаго. Он будет жить в Италии. Он будет приезжать и уезжать...
- Я думаю, сегодня это нормальное явление для больших оркестров. Мы не должны ожидать, что руководитель оркестра станет жить в одном квартале от Симфонического центра. Администрация оркестра хотела, чтобы Баренбойм жил в Чикаго все эти годы, но он не жил здесь, он жил в Берлине. Они хотели, чтобы Шолти жил здесь, но Шолти жил в Лондоне. Прошлые руководители окрестра не жили в Чикаго, и Мути не станет жить в Чикаго, но это не имеет значения. Мути будет приезжать, дирижировать десять недель в Чикаго, дирижировать оркестром на гастролях – этого вполне достаточно для дирижера ТАКОГО уровня и оркестра ТАКОГО уровня.
Гордость Италии, один из самых выдающихся дирижеров современности Риккардо Мути родился в Неаполе 28 июля 1941 года. Отец – врач и музыкант-любитель. Мать – певица. В семье рождались только мальчики: Риккардо был одним из пяти, и только он стал профессиональным музыкантом. (Остальные братья получили “нормальные” специальности: экономист, инженер, социолог, психиатр. Все братья живут в Италии.) Музыкальные способности проявились у Риккардо рано. Он легко поступил и с отличием окончил консерваторию Сан Пьетро а Маелла по классу фортепиано, дирижирования и композиции. Размышляя над тем, стоит ли ему становиться музыкантом-профессионалом, Мути изучал философию в университете Неаполя. Отдав предпочтение музыке, он решил, что одной консерватории ему недостаточно. Мути переезжает в Милан и поступает в консерваторию имени Джузеппе Верди, где учится под руководством Бруно Беттинелли по классу композиции и Антонино Вотто по классу дирижирования. Кроме них, своим учителем Мути называет друга и соратника Федерико Феллини, композитора Нино Роту. Впервые Мути привлек внимание критиков и публики в 1967 году, когда жюри дирижерского конкурса Гвидо Кантелли в Милане единодушно присудило ему первую премию. С этого момента карьера молодого музыканта стремительно пошла вверх. На следующий год он был назначен главным дирижером оркестра “Maggio Musicale Fiorentino” (этот пост дирижер занимал до 1980 года). В 1971 году Герберт фон Караян пригласил маэстро на Зальцбургский музыкальный фестиваль. Это выступление положило начало постоянному сотрудничеству Мути с этим фестивалем, которое продолжается и сегодня.
Для Америки дирижера открыл великий Юджин Орманди. Побывав на репетиции молодого итальянца, мэтр пригласил его отобедать с ним, а позднее предложил выступить с Филадельфийским симфоническим оркестром в качестве приглашенного дирижера. Американский дебют Риккардо Мути состоялся 27 октября 1972 года. Дебют Мути в качестве дирижера ЧСО прошел на фестивале в Равинии летом 1973 года. Потом, в марте 1975 года, он всего один раз появился на сцене Чикагского симфонического центра. После этого – перерыв длиной в тридцать два года!..
Впечатляет список оркестров, которыми руководил Риккардо Мути: Лондонский филармонический (1972-1982 годы; итальянский виртуоз сменил на этом посту Отто Клемперера), Филадельфийский симфонический оркестр (1980-1992 годы; этот оркестр достался ему из рук Юджина Орманди), оркестр “Filarmonica della Scala” театра “Ла Скала” (1986-2005 годы).
Когда 7 декабря 1986 года Мути впервые появился за дирижерским пультом миланского оперного театра (это была опера Дж.Верди “Набукко”), успех был так велик, что публика заставила повторить на бис знаменитый хор “Va, pensiero”, почитаемый в Италии как неофициальный гимн страны. Подобного не случалось в “Ла Скала” со времен Артуро Тосканини, полвека назад строго запретившего бисы. Казалось, Риккардо Мути ждет в “Ла Скала” безоблачная жизнь. Однако годы, проведенные в миланском театре, не были легкими для дирижера. То и дело вспыхивали разногласия между ним и политиками, между ним и профсоюзом оркестра.
В 1998 году оркестр объявил забастовку на премьере “Травиаты”, и Мути ничего не оставалось, как, извинившись перед публикой, самому сесть к роялю. Певцы допевали оперу под аккомпанемент рояля. В 2001 году ситуация повторилась на премьере “Фальстафа”. Спектакль был в последний момент отменен... В общем, обстоятельства сложились так, что дирижер вынужден был уйти. Мути говорит: “Причина моего ухода не была связана с музыкой и творчеством, конфликт лежал не в сфере искусства. Для меня стало невозможно продолжать работать в театре. Я провел там девятнадцать прекрасных лет, но потом наши пути разошлись”.
Скандальная отставка дирижера с поста руководителя оркестра “Ла Скала” в 2005 году лишь добавила популярности Мути. За ним стояли в очереди менеджеры крупнейших оркестров, а сам маэстро, упиваясь славой, наслаждался свободой. Так было почти три года. И вот – неожиданное, радостное для Чикаго известие.
Назначение Мути выглядит большой победой менеджмента оркестра, его администрации и прежде всего президента Деборы Кард. Нью-Йоркский филармонический оркестр пять лет безуспешно пытался уговорить Мути возглавить коллектив, но итальянский маэстро согласился лишь стать главным приглашенным дирижером. Его контракт с Нью-Йорком начинается в 2009 году. Но приглашенный дирижер – должность, скорее, номинальная и почетная. Подлинным хозяином в оркестре является главный дирижер или музыкальный руководитель. Так что в выборе между Нью-Йорком и Чикаго Мути предпочел Чикаго.
Удивительными выглядят слова дирижера о “понимании всего комплекса немузыкальных обязанностей, включая сбор средств и участие в общественных мероприятиях”. Именно эти, “немузыкальные” обязанности музыкального руководителя стали причиной разногласий Баренбойма с администрацией оркестра. Трудно поверить, что неистовый итальянец станет собирать деньги и представительствовать на скучных, но необходимых для казны оркестра мероприятиях, но уже само по себе это заявление говорит о многом. Мути сказал: “Я помню годы, проведенные в Филадельфии, и четко понимаю, что быть музыкальным руководителем американского оркестра не означает только исполнять музыку. Это значит – работать с общественностью”.
Риккардо Мути становится первым музыкальным руководителем-итальянцем за стосемнадцатилетнюю историю ЧСО. Кроме этого, когда он станет у руля оркестра, ему исполнится шестьдесят восемь лет. Он станет старейшим дирижером, возглавлявшим когда-либо чикагский оркестр. Фрицу Райнеру было шестьдесят четыре, когда он стал полновластным хозяином оркестра. Шолти занял этот пост в пятьдесят семь лет.
Контракт с Мути был подписан в Зальцбурге во второй половине дня 5 мая. Дебора Кард со смехом рассказывала музыкантам оркестра, как она не могла дождаться окончания обеда. Пока не принесли счет, Мути отказывался даже смотреть на контракт. Вот уж точно – итальянец на тысячу процентов! Ужин в Италии – дело серьезное, серьезнее любого контракта будет! (Кстати, Мути предпочитает итальянскую кухню любой другой, а в числе любимых ресторанов называет “Сан Пьетро” в Нью-Йорке и “Spiaggia” в Чикаго. То же и с машинами. Самые любимые – итальянские спортивные. Ну а про футбольный клуб и говорить не приходится – конечно, итальянский: “Наполи”.)
В момент подписания контракта Мути работал с молодежным оркестром “Луиджи Керубини” над оперой Паизиелло “Il Matrimonio inaspettato”, по-русски - “Неожиданный брак”. Так вот, журналисты немедленно откликнулись на символическое название оперы. Дирижер сказал: “Я не выбирал эту оперу по названию. Просто так совпало”. А одно из интервью после подписания контракта он заключил шуткой: “Вы знаете, что означает мой приход в Чикаго? Неожиданный брак!”
Музыканты ЧСО узнали о назначении Мути в тот же день. Их собрали в актовом зале Симфонического центра и объявили о подписанном накануне в Зальцбурге контракте. “Аплодисменты были бурными”, - поделился с корреспондентом “Нью-Йорк таймс” Евгений Изотов. Контрабасист Роб Кэссинджер добавил: “Всего несколько человек на планете можно назвать гигантами дирижирования. Риккардо Мути – один из них. Для меня будет огромной радостью предстоящая работа с ним”.
В своем заявлении для прессы Риккардо Мути заявил: “Я очень взволнован предстоящими событиями. Я уверен, что мы сможем работать вместе и сделать музыкальную жизнь Чикаго интереснее и разнообразнее... Мне не надо делать карьеру. Мне не надо никому доказывать, кто такой Мути. Я хочу посвятить себя музицированию с ЧСО и открыть глаза на музыку новому поколению слушателей. Имея за плечами сорокалетний опыт дирижирования, я знаю, что важно не количество проведенного с оркестром времени, а качество. Чикаго станет моей второй родиной. Мне бы очень хотелось, чтобы последняя в моей жизни “помолвка” с оркестром надолго запомнилась людям”.
Говоря о репертуаре оркестра, Мути отметил: “Мой репертуар варьируется между барокко и современной музыкой. Специализироваться на чем-либо одном – значит, ограничивать себя в другом. Великий оркестр должен уметь играть все, и ЧСО умеет играть любую музыку”.
Риккардо Мути станет десятым, юбилейным музыкальным руководителем ЧСО. Вспомним его знаменитых предшественников:
Теодор Томас – 1891-1905 годы; Фредерик Сток – 1905-1942 годы;
Дезире Дефо – 1943-47 годы; Артур Родзински – 1947-1948 годы;
Рафаэль Кубелик – 1950-1953 годы; Фриц Райнер – 1953-1962 годы;
Джин Мартинон – 1963-1968 годы; Георг Шолти – 1969-1991 годы;
Даниэль Баренбойм – 1991-2006 годы.
Впервые в истории ЧСО, начиная с осени 2006 года и до осени 2010 года в оркестре будет продолжаться двоевластие. Как сказал в беседе со мной Евгений Изотов: “Можно позавидовать любому оркестру, которому удастся заполучить в качестве временного дирижера фигуру уровня Хайтинка или Булеза. А в Чикаго работают они оба”. Главным дирижером ЧСО по-прежнему является прославленный голландский музыкант сэр Бернард Хайтинк, а Почетным дирижером оркестра – один из самых интересных композиторов XX века Пьер Булез.
Мути приступит к своим обязанностям в сентябре 2010 года. Согласно подписанному контракту, Мути будет дирижировать ЧСО как минимум десять недель в году в течение пяти лет, начиная с сезона 2010-11 годов. Кроме концертов в Чикаго, маэстро будет стоять во главе оркестра во время его гастрольных туров, проводить прослушивания музыкантов, определять репертуарную политику оркестра. До этого в сезоне 2009-2010 годов Мути пробудет с оркестром две недели. А еще раньше - 15-17 января 2009 года - состоится его выступление в Симфоническом центре. ЧСО под управлением Мути исполнит “Реквием” Дж.Верди. В числе солистов – звезды мировой оперной сцены Барбара Фриттоли, Ольга Бородина, Ильдар Абдразаков.
2 июня Мути прилетит в Чикаго для встречи с музыкантами оркестра.
Итак, в великий оркестр приходит великий дирижер. Риккардо Мути придирчив, требователен и строг во всем, что касается работы. Он готов часами сидеть над одной музыкальной фразой, добиваясь совершенства. Иногда его называют тираном, но это не так. “В моем возрасте мне не нужно уже бороться за власть или успех. Я просто хочу профессионально заниматься любимым делом,” - подчеркивает дирижер. А вот что говорит о нем Мария Гулегина: “Мути для меня - идеальный маэстро. Он не только разбирает с певцами партию, но и учит жизни. Он никогда не выпячивает себя - просто делает все для музыки и для композитора. Я ему верю”.
Риккардо Мути дирижирует по-разному: иногда довольствуясь лаконичными жестами, иногда широко, энергично, танцуя и приседая за пультом. Риккардо Мути - не только прекрасный дирижер, но и актер. За ним интересно наблюдать: позы, жесты, театральные движения – все тщательно отрепетировано и великолепно сыграно. И сам он – артистичный, изысканный, аристократичный...
Про Мути рассказывают удивительные вещи. Он сам готовит партии с солистами, не жалея времени на отделку мельчайших фраз, пока не добьется стилистической точности. Он является одним из главных популяризаторов музыки, часто выступает в университетах и по телевидению с лекциями. Он доводит публику до гомерического хохота ироничными пересказами и комментариями старинных либретто, а попутно в доступной форме разъясняет проблемы стиля и драматургии классических произведений.
Жена Риккардо Мути Кристина Маццавилани – певица, создатель и руководитель музыкального фестиваля в Равенне (Италия). У них трое детей. Сыновья не пошли по стопам родителей: Франческо стал архитектором, Доменико – юристом. Зато дочь – красавица Чара - стала актрисой и певицей. Шесть месяцев назад Риккардо Мути стал дедушкой – у Франческо и Сюзанны появился первенец. В честь деда его назвали Риккардо.
Мути с женой живут в Равенне и на вилле в Анифе – маленьком австрийском городке недалеко от Зальцбурга.
Что изменится в музыкальной жизни Чикаго после появления Мути? Ответ на этот вопрос мы узнаем только через два года, но уже сегодня можно сказать: жить в Чикаго станет интересней!
11 мая 2008 года
Еще в начале сентября прошлого года Мути категорически опровергал любые предположения о возможности его назначения на пост музыкального руководителя не только Чикагского, но и любого другого американского оркестра. Он гордо заявлял журналистам: “Я на ноль процентов американец, на сто процентов европеец и на тысячу процентов итальянец”. Его тон изменился после месяца, проведенного с Чикагским оркестром. Две недели Мути дирижировал концертами в Симфоническом центре и две недели провел с оркестром в Европе.
Дебора Кард рассказала журналистам, что она впервые встретилась с маэстро Мути в начале 2005 года. Речь тогда шла о появлении дирижера на подиуме Чикагского оркестра в качестве гостя. “Мы не можем говорить ни о чем, прежде чем маэстро не поработает с оркестром”, - сказала тогда Кард. После этого переговоры, которые гобоист Майкл Хенок назвал “соблазнением маэстро”, продолжались еще в нескольких городах, куда упрямая и настырная президентша приезжала встречаться с Мути. Когда в сентябре 2006 года итальянский дирижер отменил запланированные концерты с ЧСО, согласившись в это же время продолжить свое сотрудничество с Нью-Йорком, стало казаться, что из затеи “соблазнения” ничего не выйдет. Но Кард не оставляла своих попыток и сумела убедить дирижера приехать в начале этого сезона. И тут возникла, как говорят все музыканты в один голос, “любовь с первого взгляда”. Президент ЧСО сказала, что все разговоры о высокомерии Мути и его нежелании занимать какой-либо пост оказались не соответствующими действительности. Приехав в Чикаго, Мути был очарован радушным приемом, который ему устроили музыканты, члены администрации и спонсоры оркестра. Но и тогда многие в коллективе не верили, что Мути согласится возглавить ЧСО. Сам дирижер признается: “Мое согласие возглавить оркестр пришло не сразу. Но Чикаго смог растопить мое черствое сердце”.
Мути назвал ЧСО “идеальной машиной, с одинаковым мастерством исполняющей масштабные произведения, такие, как Третья симфония Прокофьева или “Поэма экстаза” Скрябина (эти произведения ЧСО под управлением Мути исполнял в сентябре 2007 года), и камерные интимные сочинения Шуберта”. “Когда я покинул “Ла Скалу”, - продолжает дирижер, - я думал, что для меня настало время абсолютной свободы. Как птица, я наслаждался этим чувством и был счастлив. Но и птица, бывает, после полета находит дерево и задерживается на нем, не думая об остальных деревьях. Это не значит, что одно дерево лучше другого. Просто так получилось.”
Назначение Риккардо Мути новым музыкальным руководителем ЧСО любезно согласился прокомментировать концертмейстер группы гобоев оркестра Евгений Изотов.
- Я очень доволен принятым решением и с нетерпением жду приезда Риккардо Мути в Чикаго. Мути – феноменальный дирижер. У нас с ним сложились очень хорошие взаимоотношения. Как творческие, так и личностные. Мути – фигура харизматичная. В ЧСО очень много ярких личностей, и нам, скорее всего, не подошел бы просто хороший дирижер, который со временем вырос бы и стал достоин оркестра. В этом отношении фигура Мути равновелика самому оркестру. Надеюсь, что наш “медовый месяц”, начатый в сентябре, продолжится на долгие годы.
- Вы ожидали этого решения?
- Я удивлен, что это решение произошло так быстро. Мы думали, что подождем до следующего года. Но, видимо, Дебора Кард использовала нашу русскую поговорку “Куй железо, пока горячо”.
- Как проходил процесс выбора кандидата?
- Процесс выбора кандидата занял четыре года. После того, что произошло в Филадельфийском оркестре, когда Кристоф Эшенбах не нашел взаимопонимания с коллективом, менеджеры больших оркестров стали внимательнее прислушиваться к мнению музыкантов. История в Филадельфии стала серьезным предупреждением для администрации. В конечном счете нам, музыкантам, работать с дирижером. В ЧСО был создан Комитет по поиску нового музыкального руководителя. Этот Комитет тесно работал с администрацией оркестра. После встречи с каждым дирижером у нас проводился опрос музыкантов по многим критериям. Это была тщательная и долгая работа. И на фоне других дирижеров Риккардо Мути был самым предпочтительным выбором.
- В эпоху Баренбойма Чикаго познакомился с яркими молодыми солистами – звездами первой величины. Максим Венгеров, Ланг Ланг, Николай Знайдер...- этот список можно продолжать. Увидим ли мы с приходом Мути новых талантливых артистов, которые прежде не жаловали Чикаго своим появлением?
- Хочется на это надеяться. Приход нового творческого лидера – это всегда новая эпоха. Мы всегда готовы познакомиться с новыми талантами уровня Максима Венгерова. Но это вопрос скорее к дирижеру. Мы очень много знаем о нем, но как сложатся взаимоотношения в процессе работы, не знает никто. В этом отношении наш выбор похож на выбор кандидата в президенты. Мы можем долго и тщательно изучать их биографии и слушать, что они говорят, но что они будут делать, остается загадкой. Все покажет время. Пока мы с воодушевлением ждем приезда маэстро.
А вот слова многолетнего концертмейстера Чикагского симфонического оркестра Сэмюэля Магада:
- Это - великолепное для оркестра назначение! Маэстро Мути – талантливый дирижер с великолепной харизмой. Музыканты оркестра очень любят его. Я видел несколько концертов ЧСО с Мути в прошлом году. Оркестр под его управлением играл просто прекрасно!”
- Этот выбор – заслуга менеджмента или музыкантов?
- Большую роль в назначении Мути сыграло мнение музыкантов оркестра. Музыканты счастливы работать с маэстро!
- Как вы считаете, это лучший выбор для оркестра?
- О да, лучшего варианта нельзя было представить. Это фантастический выбор! Я не думал, что маэстро Мути согласится приехать в Чикаго. Поздравляю Дебору Кард с тем, что ей удалось уговорить маэстро. Я очень доволен этим решением.
- Будут ли сделаны какие-нибудь изменения в репертуаре оркестра?
- Не думаю, что репертуар оркестра изменится. Риккардо Мути подвластна любая музыка. Он дирижирует оперой, исполняет классические симфонические произведения, современную музыку... Сегодня я смотрю в будущее гораздо оптимистичнее, чем несколько лет назад. Будущее оркестра в надежных руках!
- Но ведь Риккардо Мути не собирается переезжать в Чикаго. Он будет жить в Италии. Он будет приезжать и уезжать...
- Я думаю, сегодня это нормальное явление для больших оркестров. Мы не должны ожидать, что руководитель оркестра станет жить в одном квартале от Симфонического центра. Администрация оркестра хотела, чтобы Баренбойм жил в Чикаго все эти годы, но он не жил здесь, он жил в Берлине. Они хотели, чтобы Шолти жил здесь, но Шолти жил в Лондоне. Прошлые руководители окрестра не жили в Чикаго, и Мути не станет жить в Чикаго, но это не имеет значения. Мути будет приезжать, дирижировать десять недель в Чикаго, дирижировать оркестром на гастролях – этого вполне достаточно для дирижера ТАКОГО уровня и оркестра ТАКОГО уровня.
Гордость Италии, один из самых выдающихся дирижеров современности Риккардо Мути родился в Неаполе 28 июля 1941 года. Отец – врач и музыкант-любитель. Мать – певица. В семье рождались только мальчики: Риккардо был одним из пяти, и только он стал профессиональным музыкантом. (Остальные братья получили “нормальные” специальности: экономист, инженер, социолог, психиатр. Все братья живут в Италии.) Музыкальные способности проявились у Риккардо рано. Он легко поступил и с отличием окончил консерваторию Сан Пьетро а Маелла по классу фортепиано, дирижирования и композиции. Размышляя над тем, стоит ли ему становиться музыкантом-профессионалом, Мути изучал философию в университете Неаполя. Отдав предпочтение музыке, он решил, что одной консерватории ему недостаточно. Мути переезжает в Милан и поступает в консерваторию имени Джузеппе Верди, где учится под руководством Бруно Беттинелли по классу композиции и Антонино Вотто по классу дирижирования. Кроме них, своим учителем Мути называет друга и соратника Федерико Феллини, композитора Нино Роту. Впервые Мути привлек внимание критиков и публики в 1967 году, когда жюри дирижерского конкурса Гвидо Кантелли в Милане единодушно присудило ему первую премию. С этого момента карьера молодого музыканта стремительно пошла вверх. На следующий год он был назначен главным дирижером оркестра “Maggio Musicale Fiorentino” (этот пост дирижер занимал до 1980 года). В 1971 году Герберт фон Караян пригласил маэстро на Зальцбургский музыкальный фестиваль. Это выступление положило начало постоянному сотрудничеству Мути с этим фестивалем, которое продолжается и сегодня.
Для Америки дирижера открыл великий Юджин Орманди. Побывав на репетиции молодого итальянца, мэтр пригласил его отобедать с ним, а позднее предложил выступить с Филадельфийским симфоническим оркестром в качестве приглашенного дирижера. Американский дебют Риккардо Мути состоялся 27 октября 1972 года. Дебют Мути в качестве дирижера ЧСО прошел на фестивале в Равинии летом 1973 года. Потом, в марте 1975 года, он всего один раз появился на сцене Чикагского симфонического центра. После этого – перерыв длиной в тридцать два года!..
Впечатляет список оркестров, которыми руководил Риккардо Мути: Лондонский филармонический (1972-1982 годы; итальянский виртуоз сменил на этом посту Отто Клемперера), Филадельфийский симфонический оркестр (1980-1992 годы; этот оркестр достался ему из рук Юджина Орманди), оркестр “Filarmonica della Scala” театра “Ла Скала” (1986-2005 годы).
Когда 7 декабря 1986 года Мути впервые появился за дирижерским пультом миланского оперного театра (это была опера Дж.Верди “Набукко”), успех был так велик, что публика заставила повторить на бис знаменитый хор “Va, pensiero”, почитаемый в Италии как неофициальный гимн страны. Подобного не случалось в “Ла Скала” со времен Артуро Тосканини, полвека назад строго запретившего бисы. Казалось, Риккардо Мути ждет в “Ла Скала” безоблачная жизнь. Однако годы, проведенные в миланском театре, не были легкими для дирижера. То и дело вспыхивали разногласия между ним и политиками, между ним и профсоюзом оркестра.
В 1998 году оркестр объявил забастовку на премьере “Травиаты”, и Мути ничего не оставалось, как, извинившись перед публикой, самому сесть к роялю. Певцы допевали оперу под аккомпанемент рояля. В 2001 году ситуация повторилась на премьере “Фальстафа”. Спектакль был в последний момент отменен... В общем, обстоятельства сложились так, что дирижер вынужден был уйти. Мути говорит: “Причина моего ухода не была связана с музыкой и творчеством, конфликт лежал не в сфере искусства. Для меня стало невозможно продолжать работать в театре. Я провел там девятнадцать прекрасных лет, но потом наши пути разошлись”.
Скандальная отставка дирижера с поста руководителя оркестра “Ла Скала” в 2005 году лишь добавила популярности Мути. За ним стояли в очереди менеджеры крупнейших оркестров, а сам маэстро, упиваясь славой, наслаждался свободой. Так было почти три года. И вот – неожиданное, радостное для Чикаго известие.
Назначение Мути выглядит большой победой менеджмента оркестра, его администрации и прежде всего президента Деборы Кард. Нью-Йоркский филармонический оркестр пять лет безуспешно пытался уговорить Мути возглавить коллектив, но итальянский маэстро согласился лишь стать главным приглашенным дирижером. Его контракт с Нью-Йорком начинается в 2009 году. Но приглашенный дирижер – должность, скорее, номинальная и почетная. Подлинным хозяином в оркестре является главный дирижер или музыкальный руководитель. Так что в выборе между Нью-Йорком и Чикаго Мути предпочел Чикаго.
Удивительными выглядят слова дирижера о “понимании всего комплекса немузыкальных обязанностей, включая сбор средств и участие в общественных мероприятиях”. Именно эти, “немузыкальные” обязанности музыкального руководителя стали причиной разногласий Баренбойма с администрацией оркестра. Трудно поверить, что неистовый итальянец станет собирать деньги и представительствовать на скучных, но необходимых для казны оркестра мероприятиях, но уже само по себе это заявление говорит о многом. Мути сказал: “Я помню годы, проведенные в Филадельфии, и четко понимаю, что быть музыкальным руководителем американского оркестра не означает только исполнять музыку. Это значит – работать с общественностью”.
Риккардо Мути становится первым музыкальным руководителем-итальянцем за стосемнадцатилетнюю историю ЧСО. Кроме этого, когда он станет у руля оркестра, ему исполнится шестьдесят восемь лет. Он станет старейшим дирижером, возглавлявшим когда-либо чикагский оркестр. Фрицу Райнеру было шестьдесят четыре, когда он стал полновластным хозяином оркестра. Шолти занял этот пост в пятьдесят семь лет.
Контракт с Мути был подписан в Зальцбурге во второй половине дня 5 мая. Дебора Кард со смехом рассказывала музыкантам оркестра, как она не могла дождаться окончания обеда. Пока не принесли счет, Мути отказывался даже смотреть на контракт. Вот уж точно – итальянец на тысячу процентов! Ужин в Италии – дело серьезное, серьезнее любого контракта будет! (Кстати, Мути предпочитает итальянскую кухню любой другой, а в числе любимых ресторанов называет “Сан Пьетро” в Нью-Йорке и “Spiaggia” в Чикаго. То же и с машинами. Самые любимые – итальянские спортивные. Ну а про футбольный клуб и говорить не приходится – конечно, итальянский: “Наполи”.)
В момент подписания контракта Мути работал с молодежным оркестром “Луиджи Керубини” над оперой Паизиелло “Il Matrimonio inaspettato”, по-русски - “Неожиданный брак”. Так вот, журналисты немедленно откликнулись на символическое название оперы. Дирижер сказал: “Я не выбирал эту оперу по названию. Просто так совпало”. А одно из интервью после подписания контракта он заключил шуткой: “Вы знаете, что означает мой приход в Чикаго? Неожиданный брак!”
Музыканты ЧСО узнали о назначении Мути в тот же день. Их собрали в актовом зале Симфонического центра и объявили о подписанном накануне в Зальцбурге контракте. “Аплодисменты были бурными”, - поделился с корреспондентом “Нью-Йорк таймс” Евгений Изотов. Контрабасист Роб Кэссинджер добавил: “Всего несколько человек на планете можно назвать гигантами дирижирования. Риккардо Мути – один из них. Для меня будет огромной радостью предстоящая работа с ним”.
В своем заявлении для прессы Риккардо Мути заявил: “Я очень взволнован предстоящими событиями. Я уверен, что мы сможем работать вместе и сделать музыкальную жизнь Чикаго интереснее и разнообразнее... Мне не надо делать карьеру. Мне не надо никому доказывать, кто такой Мути. Я хочу посвятить себя музицированию с ЧСО и открыть глаза на музыку новому поколению слушателей. Имея за плечами сорокалетний опыт дирижирования, я знаю, что важно не количество проведенного с оркестром времени, а качество. Чикаго станет моей второй родиной. Мне бы очень хотелось, чтобы последняя в моей жизни “помолвка” с оркестром надолго запомнилась людям”.
Говоря о репертуаре оркестра, Мути отметил: “Мой репертуар варьируется между барокко и современной музыкой. Специализироваться на чем-либо одном – значит, ограничивать себя в другом. Великий оркестр должен уметь играть все, и ЧСО умеет играть любую музыку”.
Риккардо Мути станет десятым, юбилейным музыкальным руководителем ЧСО. Вспомним его знаменитых предшественников:
Теодор Томас – 1891-1905 годы; Фредерик Сток – 1905-1942 годы;
Дезире Дефо – 1943-47 годы; Артур Родзински – 1947-1948 годы;
Рафаэль Кубелик – 1950-1953 годы; Фриц Райнер – 1953-1962 годы;
Джин Мартинон – 1963-1968 годы; Георг Шолти – 1969-1991 годы;
Даниэль Баренбойм – 1991-2006 годы.
Впервые в истории ЧСО, начиная с осени 2006 года и до осени 2010 года в оркестре будет продолжаться двоевластие. Как сказал в беседе со мной Евгений Изотов: “Можно позавидовать любому оркестру, которому удастся заполучить в качестве временного дирижера фигуру уровня Хайтинка или Булеза. А в Чикаго работают они оба”. Главным дирижером ЧСО по-прежнему является прославленный голландский музыкант сэр Бернард Хайтинк, а Почетным дирижером оркестра – один из самых интересных композиторов XX века Пьер Булез.
Мути приступит к своим обязанностям в сентябре 2010 года. Согласно подписанному контракту, Мути будет дирижировать ЧСО как минимум десять недель в году в течение пяти лет, начиная с сезона 2010-11 годов. Кроме концертов в Чикаго, маэстро будет стоять во главе оркестра во время его гастрольных туров, проводить прослушивания музыкантов, определять репертуарную политику оркестра. До этого в сезоне 2009-2010 годов Мути пробудет с оркестром две недели. А еще раньше - 15-17 января 2009 года - состоится его выступление в Симфоническом центре. ЧСО под управлением Мути исполнит “Реквием” Дж.Верди. В числе солистов – звезды мировой оперной сцены Барбара Фриттоли, Ольга Бородина, Ильдар Абдразаков.
2 июня Мути прилетит в Чикаго для встречи с музыкантами оркестра.
Итак, в великий оркестр приходит великий дирижер. Риккардо Мути придирчив, требователен и строг во всем, что касается работы. Он готов часами сидеть над одной музыкальной фразой, добиваясь совершенства. Иногда его называют тираном, но это не так. “В моем возрасте мне не нужно уже бороться за власть или успех. Я просто хочу профессионально заниматься любимым делом,” - подчеркивает дирижер. А вот что говорит о нем Мария Гулегина: “Мути для меня - идеальный маэстро. Он не только разбирает с певцами партию, но и учит жизни. Он никогда не выпячивает себя - просто делает все для музыки и для композитора. Я ему верю”.
Риккардо Мути дирижирует по-разному: иногда довольствуясь лаконичными жестами, иногда широко, энергично, танцуя и приседая за пультом. Риккардо Мути - не только прекрасный дирижер, но и актер. За ним интересно наблюдать: позы, жесты, театральные движения – все тщательно отрепетировано и великолепно сыграно. И сам он – артистичный, изысканный, аристократичный...
Про Мути рассказывают удивительные вещи. Он сам готовит партии с солистами, не жалея времени на отделку мельчайших фраз, пока не добьется стилистической точности. Он является одним из главных популяризаторов музыки, часто выступает в университетах и по телевидению с лекциями. Он доводит публику до гомерического хохота ироничными пересказами и комментариями старинных либретто, а попутно в доступной форме разъясняет проблемы стиля и драматургии классических произведений.
Жена Риккардо Мути Кристина Маццавилани – певица, создатель и руководитель музыкального фестиваля в Равенне (Италия). У них трое детей. Сыновья не пошли по стопам родителей: Франческо стал архитектором, Доменико – юристом. Зато дочь – красавица Чара - стала актрисой и певицей. Шесть месяцев назад Риккардо Мути стал дедушкой – у Франческо и Сюзанны появился первенец. В честь деда его назвали Риккардо.
Мути с женой живут в Равенне и на вилле в Анифе – маленьком австрийском городке недалеко от Зальцбурга.
Что изменится в музыкальной жизни Чикаго после появления Мути? Ответ на этот вопрос мы узнаем только через два года, но уже сегодня можно сказать: жить в Чикаго станет интересней!
11 мая 2008 года
Владимир Спиваков: “ноты – это закодированные эмоции”
Разговор с музыкантом перед концертом в Чикаго
Чикаго в ожидании встречи с блистательным скрипачом и дирижером Владимиром Спиваковым и его камерным оркестром “Виртуозы Москвы”. Впервые за долгие годы концерт “Виртуозов...” пройдет в лучшем симфоническом зале города – Чикагском симфоническом центре. Мне удалось поговорить с маэстро незадолго до начала его американского тура. Спиваков находился в Мэдисоне и в ожидании своего коллектива работал с местным симфоническим оркестром. На вопрос о “Виртуозах...” он с улыбкой сказал: ““Gold From Russia”, как было написано в одной афише, скоро прилетит”.
О программе концерта мы говорили недавно с пианисткой Ольгой Керн, но мне было интересно, что ответит маэстро, поэтому я повторил свой вопрос.
- Вы представляете в Чикаго очень неожиданную программу. Почему вы решили объединить в одном концерте композиторов разных эпох и стилей: Шенберга, Гайдна, Шостаковича, Пьяццолу?
- У Бродского есть замечательная мысль: “Время, столкнувшись с памятью, узнает о своем бесправии...” Время бессильно перед великими сочинениями, и великие сочинения разных времен прекрасно сосуществуют в одном концерте. Изумительная пианистка Ольга Керн захотела исполнить в одной программе концерты Гайдна и Шостаковича. Потом мы добавили в программу Пьяццолу и Шенберга. Секстет для струнных “Просветленная ночь” Арнольда Шенберга – абсолютный музыкальный шедевр, доступный для понимания. Там ведь рассказывается обычная история любви. Женщина оказывается беременной не от того, с кем она встречается, но благородный мужчина говорит: “Я тебя люблю и приму ребенка как своего”.
Секстет для струнных “Просветленная ночь” создан Шенбергом в 1899 году по поэме Рихарда Демеля “Женщина и мир”. Побывавший на премьере автор писал композитору, что вначале “пытался следить за мотивами текста, но вскоре забыл об этом, будучи очарованным музыкой”.
- В разговоре со мной Ольга Керн пообещала, что на концерте будут сюрпризы, но не рассказала, какие. Может быть, вы приоткроете тайну?
- Нет. Сюрприз есть сюрприз.
- Ваши концерты не обходятся без “бисов”. Услышим ли мы нечто подобное в Чикаго?
- Конечно. После хорошего обеда (или ужина) всегда должен быть десерт... Говоря о концерте, я хочу добавить, что в нем примет участие аккордеонист Никита Власов. Он - лауреат Первой премии международного конкурса аккордеонистов в Нью-Йорке “Золотой аккордеон”. Его невероятные способности проявились в раннем детстве. Уже в два года он узнавал музыкальные произведения, с шести лет занимается на аккордеоне. Десять лет талантливый музыкант поддерживается нашим Детским благотворительным фондом. В концерте 18 мая он исполнит с оркестром Два танго Пьяццолы.
Благодаря участию Владимира Спивакова и Детского благотворительного фонда родители Власова переехали с одаренным мальчиком в Нижний Новгород, и девятилетний Никита получил возможность заниматься в Нижегородской консерватории. Никита Власов – один из восьми тысяч талантливых детей, получивших бескорыстную помощь от Детского благотворительного фонда Спивакова. Этот фонд существует почти пятнадцать лет. Он проводит концерты, фестивали, выставки, выделяет средства на медицину и образование, помогает сиротским приютам, детским клиническим больницам... Но, наверно, самое главное в деятельности фонда то, что он оказывает адресную помощь, - помогает заплатить родителям за обучение ребенка, приобрести хороший инструмент, оплачивает медицинские операции, когда это необходимо. Спиваков говорит: “Я убежден: ощущение счастья дается человеку именно через возможность делиться, выйти из круга своего “я” и чувствовать, что ты можешь сделать кого-то счастливым. Я хочу, чтобы дети верили в чудо!” Узнав, что я из Минска, Владимир Теодорович сказал:
- В Беларуси есть отделение нашего Фонда. В Минске живет изумительный мальчик Иван Каризна - виолончелист, продолжатель традиций Ростроповича. Ему шестнадцать лет. Из них восемь лет Ивану помогает наш Фонд. Я уговорил одного богатого человека купить мальчику очень хороший инструмент.
- Владимир Теодорович, времена изменились. В музыку пришли законы коммерции. Как вам сегодня живется? Как работается?
- Я живу полнокровной жизнью. Продолжаю давать сольные концерты, гастролировать по России и миру. Скоро исполнится тридцать лет “Виртуозам Москвы”. Сейчас у меня свой большой оркестр – Национальный филармонический оркестр России (НФОР). Он был создан по прямому указанию президента. Полтора года назад у нас был с ними большой тур по Америке. Мы сыграли тридцать два концерта, и везде были полные залы.
- Почему вы решили взять в руки дирижерскую палочку?
- Когда-то учитель Рихтера и Гилельса Генрих Густавович Нейгауз заметил, что в каждом хорошем пианисте должен сидеть дирижер. Так вот я думаю, что в каждом хорошем музыканте должен сидеть дирижер. У кого это чувство развито, тому надо учиться. Мне интересно дирижирование. Пять лет я учился этому искусству у замечательного профессора Израиля Гусмана. Мне повезло, я играл практически со всеми великими дирижерами, дирижировал многими симфоническими оркестрами и даже получал предложение занять пост главного дирижера как в Европе, так и в Америке. Я могу гордиться тем, что дружил с Бернстайном и получил от него в подарок дирижерскую палочку. Это мой талисман.
- Я читал, что ваш дебют в качестве дирижера состоялся в 1979 году в Равинии. Вы помните подробности этого концерта?
- Во время учебы я уговорил своего импресарио, вице-президента “Коламбиа Артист“ Сэма Нифолда устроить мне пробный концерт с оркестром. Так он мне ни больше ни меньше устроил концерт с Чикагским симфоническим и сказал при этом: “Если ты провалишься, ты никогда больше нигде не сможешь дирижировать. Но если у тебя будет успех, то тебя ждет большое будущее как дирижера”. После концерта “Чикаго сан-таймс” написала: “Мы готовы постелить Спивакову красный ковер”. Был очень большой успех.
- Прекрасное начало карьеры!
- Потом началась война в Афганистане и все связи с Америкой на девять лет были прерваны. Так что продолжения в Чикаго не последовало. Ну ничего, зато я создал “Виртуозы..”!
- Как родилось название оркестра?
- Название родилось по аналогии с другими коллективами. “Виртуозы Рима”, “Виртуозы Чикаго”, кстати, “Виртуозы Праги”, “Виртуозы Лондона”. Конечно, название бесило чиновников. “Что это за безобразие? Что они себе позволяют?” – говорили они. Нас вычеркивали из радиопередач, выгоняли с телевидения...
- Мне кажется, создание “Виртуозов...” чем-то похоже на создание “Современника”. То же студийное братство, те же репетиции по ночам...
- Конечно. Репетировали в кочегарках, клубах, по ночам, потому что не было помещений. Но мы были счастливы, мы хотели музицировать, и нам было неважно, где.
- Сохраняется ли сегодня в оркестре эта атмосфера?
- Сегодня в оркестре уже второй состав. Первый постарел, многим музыкантам под семьдесят. Большинство из них осталось в Испании, где мы работали несколько лет под патронажем фонда принца Астурийского Филиппа. Молодежная часть музыкантов захотела вернуться в Москву. По приезде мы устроили большой конкурс и набрали новый состав. Поскольку имя “Виртуозы Москвы” – достойное имя, к нам пришли замечательные молодые музыканты, с которыми я работаю больше двенадцати лет. Они сейчас играют не хуже, чем старый состав.
- Сегодня, оглядываясь назад, вам не кажется, что отъезд оркестра в Испанию, в “красивый, тихий, сытный кошмар с чистым воздухом”, как написала ваша супруга, был ошибкой?
- Нет, не кажется. Это не было ошибкой. Вспомните то время, 1990 год. У меня был талон с фотографией и надписью: “Спиваков Владимир Теодорович. Имеет двух детей: Татьяну и Катерину. Полагается триста граммов масла и два килограмма сахара”. Отъезд в Испанию помог сохранить оркестр. Многие остались там и сейчас работают в испанских оркестрах. Но если бы не Испания, все бы разъехались.
- А у вас никогда не возникало мысли остаться?
- Нет, я не мыслю себя без России. Я слишком прирос к русской культуре.
- У вас всегда был свой зритель – особенный, интеллигентный, образованный. Сохранился ли он сегодня?
- Да, у нас есть свой зритель. У нас всегда на концертах переполненные залы. Во всех странах. До сих пор, независимо от степени сложности программы. “Виртуозы...” стали частью жизни очень многих людей, которых мы привели к классической музыке. Ноты – это ведь не просто черные точечки на бумаге. Ноты – это закодированные человеческие эмоции. Музыка доступна всем. В бывшем Советском Союзе все формы религии были запрещены. Мы не могли спокойно прийти в церковь, костел, синагогу. Поэтому для многих людей, для интеллигенции поход на концерт был чем-то вроде похода в храм. Музыка, искусство, литература заменяли людям религию.
- Как вы считаете, сегодня это чувство утеряно или по-прежнему есть понимание музыки как религии?
- Думаю, что не совсем утеряно. Здесь многое зависит от исполнителей, которые должны поддерживать это ощущение.
- Как вы думаете, является ли музыкант только передаточным звеном от композитора к слушателям или музыкант, в вашем понимании, - это личность, по-своему интерпретирующая замысел композитора?
- И то, и другое. Если вы посмотрите иллюстрации Кузьмина к “Евгению Онегину” или Добужинского к Достоевскому, или Фаворского к “Гамлету”, то вы поймете, что это уже не совсем Пушкин, не совсем Достоевский, не совсем Шекспир. Когда Марина Цветаева переводила на французский язык Пушкина, она же тоже не дословно переводила. Понятно, что в переводе многое теряется, поэтому нужен адекватный перевод. Цветаева уловила музыку Пушкина. Так же и музыкант – важно уловить дух произведения и выразить его в игре. К счастью, у нас были и есть великие музыканты-личности.
- Об одном из таких музыкантов я хотел бы с вами поговорить. 27 апреля была первая годовщина смерти Мстислава Леопольдовича Ростроповича. Вы не раз общались с ним, играли в совместных концертах. Что вам вспоминается сегодня об этом человеке?
- Ростропович всегда был для меня образцом, примером для подражания. Я приходил в девятнадцатый класс Московской консерватории и слушал его занятия. Тогда у него училась гениальная виолончелистка Жаклин Дю Пре. Она страдала рассеянным склерозом и рано ушла из жизни. Она играла на виолончели, а Ростропович, в совершенстве владеющий роялем, аккомпанировал ей. Это был такой театр, он ТАК рассказывал о музыке, он давал такую пищу для размышлений, для развития фантазии! Ростропович – совершенно уникальный человек. В этом году во французском городе Кольмаре в двадцатый раз пройдет музыкальный фестиваль, который я веду в качестве артистического директора. Юбилейный фестиваль посвящен как раз Славе Ростроповичу. Устроить фестиваль его памяти - мой долг перед ним. За несколько лет до смерти он приезжал в Кольмар и бесплатно сыграл концерт. Он мне сказал: “Мой гонорар съест весь бюджет фестиваля”. После концерта я ему предложил сделать на выбор любые программы и провести фестиваль. Подобные фестивали проводили у меня Джесси Норман и Кшиштоф Пендерецкий. Слава ответил: “Вот когда я уйду из жизни, сделай фестиваль в мою честь”. Это я и делаю сейчас.
- Как вам удалось малозаметный провинциальный фестиваль превратить в один из лучших и престижнейших фестивалей мирового уровня?
- Мне кажется, что фестиваль должен иметь какую-то идею. Массовые фестивали только называются фестивалями, а на самом деле напоминают “Ceasar Salad”. Кольмар - старинный город с красивыми, похожими на торты домами, место само по себе замечательное. Мы играем в церкви XVII века с изумительной акустикой. Ее обновили. Кстати, не без помощи американцев. Первые фестивали проходили практически под открытым небом. Там были дыры в крыше, через которые просачивалась вода, и в дождь люди сидели и слушали музыку под зонтиками. Со временем церковь была отреставрирована. Сегодня зал вмещает почти тысячу человек. Для французских музыкантов Кольмар - это музыкальный оазис. Они считают для себя за честь приехать и выступить там. В фестивале участвуют и “Виртуозы...”, и НФОР, и лучшие инструменталисты из разных стран. В этом году приедут друзья, коллеги и ученики Ростроповича.
- Ваш учитель Юрий Янкелевич считал, что ваше увлечение живописью мешает музыке. Если бы не он, так бы и шли параллельно в вашей жизни музыка и живопись?
- Нет. Оба эти занятия требуют полной концентрации. Для того, чтобы быть хорошим живописцем, нужно все время заниматься. А это не так просто. К сожалению, в сутках всего двадцать четыре часа.
- Вы сегодня продолжаете заниматься живописью?
- Нет. Я раньше коллекционировал живопись, но сейчас это делать невозможно. Все стоит дикие деньги.
- На какой скрипке вы играете?
- Я играю на скрипке работы Страдивари. Это не моя скрипка, она мне передана в пожизненное пользование. При наших гонорарах, особенно в советское время, когда девяносто пять процентов доходов отбирало государство, купить хороший инструмент было невозможно.
- Огромное значение в жизни у вас занимает поэзия, литература. Можно полюбопытствовать, какая книга лежит у вас на книжном столе?
- Я сразу читаю много книг подряд, поэтому как-то выделять сложно. Очень люблю поэзию, считаю поэзию высшим достижением языка. Слежу за новыми интересными писателями. Читаю Игоря Сахновского, Михаила Шишкина. Недавно прочитал новый роман Сорокина “День опричника”. Достойное сочинение. Слежу за творчеством Татьяны Толстой, Людмилы Улицкой. Интересуюсь философской литературой, читаю Ильина, Бердяева, Флоренского.
- Как у вас хватает времени следить за литературой?
- Перед сном почитать книгу – это мой ритуал.
- У вас три дочери...
Спиваков прервал меня, не дав закончить:
- Четыре. Моя сестра умерла, и мы взяли к себе ее дочку. Так что у меня четыре дочери и сын от первого брака. А пять дней назад (Наша беседа состоялась 25 апреля. – Прим. автора) у нас была серебряная свадьба с моей супругой Сати.
- Поздравляю вас. Вы – замечательная пара!
- Спасибо.
- Расскажите, пожалуйста, чем занимаются ваши дети.
- Они все занимаются музыкой, но никого я не принуждал ни к чему. Я считаю, что дети должны проживать не нашу жизнь, а свою собственную, и мешать им в этом не нужно. Они все широко образованы, знают четыре языка, прекрасно разбираются в музыке. Старшая дочь пошла по линии кино. Она пишет сценарии, начала снимать документальные фильмы. Средняя хочет быть актрисой, учится на искусствоведческом факультете в Лувре и посещает самую лучшую драматическую студию во Франции. Младшая – ей тринадцать лет - занимается на рояле и поет.
- Спасибо, Владимир Теодорович, за интересную беседу. Не смею отнимать у вас драгоценное время. С нетерпением ждем вас в Чикаго! До встречи!
- Спасибо. Постараемся оправдать ваши ожидания.
Наша справка. Концерт Камерного оркестра “Виртуозы Москвы” под управлением Владимира Спивакова состоится 18 мая 2008 года в Чикагском симфоническом центре по адресу: 220 S. Michigan Ave, Chicago, IL 60604. Билеты можно заказать по телефону (312) 294-3000 или зарезервировать на Интернет-сайте http://www.cso.org/.
4 мая 2008 года
Чикаго в ожидании встречи с блистательным скрипачом и дирижером Владимиром Спиваковым и его камерным оркестром “Виртуозы Москвы”. Впервые за долгие годы концерт “Виртуозов...” пройдет в лучшем симфоническом зале города – Чикагском симфоническом центре. Мне удалось поговорить с маэстро незадолго до начала его американского тура. Спиваков находился в Мэдисоне и в ожидании своего коллектива работал с местным симфоническим оркестром. На вопрос о “Виртуозах...” он с улыбкой сказал: ““Gold From Russia”, как было написано в одной афише, скоро прилетит”.
О программе концерта мы говорили недавно с пианисткой Ольгой Керн, но мне было интересно, что ответит маэстро, поэтому я повторил свой вопрос.
- Вы представляете в Чикаго очень неожиданную программу. Почему вы решили объединить в одном концерте композиторов разных эпох и стилей: Шенберга, Гайдна, Шостаковича, Пьяццолу?
- У Бродского есть замечательная мысль: “Время, столкнувшись с памятью, узнает о своем бесправии...” Время бессильно перед великими сочинениями, и великие сочинения разных времен прекрасно сосуществуют в одном концерте. Изумительная пианистка Ольга Керн захотела исполнить в одной программе концерты Гайдна и Шостаковича. Потом мы добавили в программу Пьяццолу и Шенберга. Секстет для струнных “Просветленная ночь” Арнольда Шенберга – абсолютный музыкальный шедевр, доступный для понимания. Там ведь рассказывается обычная история любви. Женщина оказывается беременной не от того, с кем она встречается, но благородный мужчина говорит: “Я тебя люблю и приму ребенка как своего”.
Секстет для струнных “Просветленная ночь” создан Шенбергом в 1899 году по поэме Рихарда Демеля “Женщина и мир”. Побывавший на премьере автор писал композитору, что вначале “пытался следить за мотивами текста, но вскоре забыл об этом, будучи очарованным музыкой”.
- В разговоре со мной Ольга Керн пообещала, что на концерте будут сюрпризы, но не рассказала, какие. Может быть, вы приоткроете тайну?
- Нет. Сюрприз есть сюрприз.
- Ваши концерты не обходятся без “бисов”. Услышим ли мы нечто подобное в Чикаго?
- Конечно. После хорошего обеда (или ужина) всегда должен быть десерт... Говоря о концерте, я хочу добавить, что в нем примет участие аккордеонист Никита Власов. Он - лауреат Первой премии международного конкурса аккордеонистов в Нью-Йорке “Золотой аккордеон”. Его невероятные способности проявились в раннем детстве. Уже в два года он узнавал музыкальные произведения, с шести лет занимается на аккордеоне. Десять лет талантливый музыкант поддерживается нашим Детским благотворительным фондом. В концерте 18 мая он исполнит с оркестром Два танго Пьяццолы.
Благодаря участию Владимира Спивакова и Детского благотворительного фонда родители Власова переехали с одаренным мальчиком в Нижний Новгород, и девятилетний Никита получил возможность заниматься в Нижегородской консерватории. Никита Власов – один из восьми тысяч талантливых детей, получивших бескорыстную помощь от Детского благотворительного фонда Спивакова. Этот фонд существует почти пятнадцать лет. Он проводит концерты, фестивали, выставки, выделяет средства на медицину и образование, помогает сиротским приютам, детским клиническим больницам... Но, наверно, самое главное в деятельности фонда то, что он оказывает адресную помощь, - помогает заплатить родителям за обучение ребенка, приобрести хороший инструмент, оплачивает медицинские операции, когда это необходимо. Спиваков говорит: “Я убежден: ощущение счастья дается человеку именно через возможность делиться, выйти из круга своего “я” и чувствовать, что ты можешь сделать кого-то счастливым. Я хочу, чтобы дети верили в чудо!” Узнав, что я из Минска, Владимир Теодорович сказал:
- В Беларуси есть отделение нашего Фонда. В Минске живет изумительный мальчик Иван Каризна - виолончелист, продолжатель традиций Ростроповича. Ему шестнадцать лет. Из них восемь лет Ивану помогает наш Фонд. Я уговорил одного богатого человека купить мальчику очень хороший инструмент.
- Владимир Теодорович, времена изменились. В музыку пришли законы коммерции. Как вам сегодня живется? Как работается?
- Я живу полнокровной жизнью. Продолжаю давать сольные концерты, гастролировать по России и миру. Скоро исполнится тридцать лет “Виртуозам Москвы”. Сейчас у меня свой большой оркестр – Национальный филармонический оркестр России (НФОР). Он был создан по прямому указанию президента. Полтора года назад у нас был с ними большой тур по Америке. Мы сыграли тридцать два концерта, и везде были полные залы.
- Почему вы решили взять в руки дирижерскую палочку?
- Когда-то учитель Рихтера и Гилельса Генрих Густавович Нейгауз заметил, что в каждом хорошем пианисте должен сидеть дирижер. Так вот я думаю, что в каждом хорошем музыканте должен сидеть дирижер. У кого это чувство развито, тому надо учиться. Мне интересно дирижирование. Пять лет я учился этому искусству у замечательного профессора Израиля Гусмана. Мне повезло, я играл практически со всеми великими дирижерами, дирижировал многими симфоническими оркестрами и даже получал предложение занять пост главного дирижера как в Европе, так и в Америке. Я могу гордиться тем, что дружил с Бернстайном и получил от него в подарок дирижерскую палочку. Это мой талисман.
- Я читал, что ваш дебют в качестве дирижера состоялся в 1979 году в Равинии. Вы помните подробности этого концерта?
- Во время учебы я уговорил своего импресарио, вице-президента “Коламбиа Артист“ Сэма Нифолда устроить мне пробный концерт с оркестром. Так он мне ни больше ни меньше устроил концерт с Чикагским симфоническим и сказал при этом: “Если ты провалишься, ты никогда больше нигде не сможешь дирижировать. Но если у тебя будет успех, то тебя ждет большое будущее как дирижера”. После концерта “Чикаго сан-таймс” написала: “Мы готовы постелить Спивакову красный ковер”. Был очень большой успех.
- Прекрасное начало карьеры!
- Потом началась война в Афганистане и все связи с Америкой на девять лет были прерваны. Так что продолжения в Чикаго не последовало. Ну ничего, зато я создал “Виртуозы..”!
- Как родилось название оркестра?
- Название родилось по аналогии с другими коллективами. “Виртуозы Рима”, “Виртуозы Чикаго”, кстати, “Виртуозы Праги”, “Виртуозы Лондона”. Конечно, название бесило чиновников. “Что это за безобразие? Что они себе позволяют?” – говорили они. Нас вычеркивали из радиопередач, выгоняли с телевидения...
- Мне кажется, создание “Виртуозов...” чем-то похоже на создание “Современника”. То же студийное братство, те же репетиции по ночам...
- Конечно. Репетировали в кочегарках, клубах, по ночам, потому что не было помещений. Но мы были счастливы, мы хотели музицировать, и нам было неважно, где.
- Сохраняется ли сегодня в оркестре эта атмосфера?
- Сегодня в оркестре уже второй состав. Первый постарел, многим музыкантам под семьдесят. Большинство из них осталось в Испании, где мы работали несколько лет под патронажем фонда принца Астурийского Филиппа. Молодежная часть музыкантов захотела вернуться в Москву. По приезде мы устроили большой конкурс и набрали новый состав. Поскольку имя “Виртуозы Москвы” – достойное имя, к нам пришли замечательные молодые музыканты, с которыми я работаю больше двенадцати лет. Они сейчас играют не хуже, чем старый состав.
- Сегодня, оглядываясь назад, вам не кажется, что отъезд оркестра в Испанию, в “красивый, тихий, сытный кошмар с чистым воздухом”, как написала ваша супруга, был ошибкой?
- Нет, не кажется. Это не было ошибкой. Вспомните то время, 1990 год. У меня был талон с фотографией и надписью: “Спиваков Владимир Теодорович. Имеет двух детей: Татьяну и Катерину. Полагается триста граммов масла и два килограмма сахара”. Отъезд в Испанию помог сохранить оркестр. Многие остались там и сейчас работают в испанских оркестрах. Но если бы не Испания, все бы разъехались.
- А у вас никогда не возникало мысли остаться?
- Нет, я не мыслю себя без России. Я слишком прирос к русской культуре.
- У вас всегда был свой зритель – особенный, интеллигентный, образованный. Сохранился ли он сегодня?
- Да, у нас есть свой зритель. У нас всегда на концертах переполненные залы. Во всех странах. До сих пор, независимо от степени сложности программы. “Виртуозы...” стали частью жизни очень многих людей, которых мы привели к классической музыке. Ноты – это ведь не просто черные точечки на бумаге. Ноты – это закодированные человеческие эмоции. Музыка доступна всем. В бывшем Советском Союзе все формы религии были запрещены. Мы не могли спокойно прийти в церковь, костел, синагогу. Поэтому для многих людей, для интеллигенции поход на концерт был чем-то вроде похода в храм. Музыка, искусство, литература заменяли людям религию.
- Как вы считаете, сегодня это чувство утеряно или по-прежнему есть понимание музыки как религии?
- Думаю, что не совсем утеряно. Здесь многое зависит от исполнителей, которые должны поддерживать это ощущение.
- Как вы думаете, является ли музыкант только передаточным звеном от композитора к слушателям или музыкант, в вашем понимании, - это личность, по-своему интерпретирующая замысел композитора?
- И то, и другое. Если вы посмотрите иллюстрации Кузьмина к “Евгению Онегину” или Добужинского к Достоевскому, или Фаворского к “Гамлету”, то вы поймете, что это уже не совсем Пушкин, не совсем Достоевский, не совсем Шекспир. Когда Марина Цветаева переводила на французский язык Пушкина, она же тоже не дословно переводила. Понятно, что в переводе многое теряется, поэтому нужен адекватный перевод. Цветаева уловила музыку Пушкина. Так же и музыкант – важно уловить дух произведения и выразить его в игре. К счастью, у нас были и есть великие музыканты-личности.
- Об одном из таких музыкантов я хотел бы с вами поговорить. 27 апреля была первая годовщина смерти Мстислава Леопольдовича Ростроповича. Вы не раз общались с ним, играли в совместных концертах. Что вам вспоминается сегодня об этом человеке?
- Ростропович всегда был для меня образцом, примером для подражания. Я приходил в девятнадцатый класс Московской консерватории и слушал его занятия. Тогда у него училась гениальная виолончелистка Жаклин Дю Пре. Она страдала рассеянным склерозом и рано ушла из жизни. Она играла на виолончели, а Ростропович, в совершенстве владеющий роялем, аккомпанировал ей. Это был такой театр, он ТАК рассказывал о музыке, он давал такую пищу для размышлений, для развития фантазии! Ростропович – совершенно уникальный человек. В этом году во французском городе Кольмаре в двадцатый раз пройдет музыкальный фестиваль, который я веду в качестве артистического директора. Юбилейный фестиваль посвящен как раз Славе Ростроповичу. Устроить фестиваль его памяти - мой долг перед ним. За несколько лет до смерти он приезжал в Кольмар и бесплатно сыграл концерт. Он мне сказал: “Мой гонорар съест весь бюджет фестиваля”. После концерта я ему предложил сделать на выбор любые программы и провести фестиваль. Подобные фестивали проводили у меня Джесси Норман и Кшиштоф Пендерецкий. Слава ответил: “Вот когда я уйду из жизни, сделай фестиваль в мою честь”. Это я и делаю сейчас.
- Как вам удалось малозаметный провинциальный фестиваль превратить в один из лучших и престижнейших фестивалей мирового уровня?
- Мне кажется, что фестиваль должен иметь какую-то идею. Массовые фестивали только называются фестивалями, а на самом деле напоминают “Ceasar Salad”. Кольмар - старинный город с красивыми, похожими на торты домами, место само по себе замечательное. Мы играем в церкви XVII века с изумительной акустикой. Ее обновили. Кстати, не без помощи американцев. Первые фестивали проходили практически под открытым небом. Там были дыры в крыше, через которые просачивалась вода, и в дождь люди сидели и слушали музыку под зонтиками. Со временем церковь была отреставрирована. Сегодня зал вмещает почти тысячу человек. Для французских музыкантов Кольмар - это музыкальный оазис. Они считают для себя за честь приехать и выступить там. В фестивале участвуют и “Виртуозы...”, и НФОР, и лучшие инструменталисты из разных стран. В этом году приедут друзья, коллеги и ученики Ростроповича.
- Ваш учитель Юрий Янкелевич считал, что ваше увлечение живописью мешает музыке. Если бы не он, так бы и шли параллельно в вашей жизни музыка и живопись?
- Нет. Оба эти занятия требуют полной концентрации. Для того, чтобы быть хорошим живописцем, нужно все время заниматься. А это не так просто. К сожалению, в сутках всего двадцать четыре часа.
- Вы сегодня продолжаете заниматься живописью?
- Нет. Я раньше коллекционировал живопись, но сейчас это делать невозможно. Все стоит дикие деньги.
- На какой скрипке вы играете?
- Я играю на скрипке работы Страдивари. Это не моя скрипка, она мне передана в пожизненное пользование. При наших гонорарах, особенно в советское время, когда девяносто пять процентов доходов отбирало государство, купить хороший инструмент было невозможно.
- Огромное значение в жизни у вас занимает поэзия, литература. Можно полюбопытствовать, какая книга лежит у вас на книжном столе?
- Я сразу читаю много книг подряд, поэтому как-то выделять сложно. Очень люблю поэзию, считаю поэзию высшим достижением языка. Слежу за новыми интересными писателями. Читаю Игоря Сахновского, Михаила Шишкина. Недавно прочитал новый роман Сорокина “День опричника”. Достойное сочинение. Слежу за творчеством Татьяны Толстой, Людмилы Улицкой. Интересуюсь философской литературой, читаю Ильина, Бердяева, Флоренского.
- Как у вас хватает времени следить за литературой?
- Перед сном почитать книгу – это мой ритуал.
- У вас три дочери...
Спиваков прервал меня, не дав закончить:
- Четыре. Моя сестра умерла, и мы взяли к себе ее дочку. Так что у меня четыре дочери и сын от первого брака. А пять дней назад (Наша беседа состоялась 25 апреля. – Прим. автора) у нас была серебряная свадьба с моей супругой Сати.
- Поздравляю вас. Вы – замечательная пара!
- Спасибо.
- Расскажите, пожалуйста, чем занимаются ваши дети.
- Они все занимаются музыкой, но никого я не принуждал ни к чему. Я считаю, что дети должны проживать не нашу жизнь, а свою собственную, и мешать им в этом не нужно. Они все широко образованы, знают четыре языка, прекрасно разбираются в музыке. Старшая дочь пошла по линии кино. Она пишет сценарии, начала снимать документальные фильмы. Средняя хочет быть актрисой, учится на искусствоведческом факультете в Лувре и посещает самую лучшую драматическую студию во Франции. Младшая – ей тринадцать лет - занимается на рояле и поет.
- Спасибо, Владимир Теодорович, за интересную беседу. Не смею отнимать у вас драгоценное время. С нетерпением ждем вас в Чикаго! До встречи!
- Спасибо. Постараемся оправдать ваши ожидания.
Наша справка. Концерт Камерного оркестра “Виртуозы Москвы” под управлением Владимира Спивакова состоится 18 мая 2008 года в Чикагском симфоническом центре по адресу: 220 S. Michigan Ave, Chicago, IL 60604. Билеты можно заказать по телефону (312) 294-3000 или зарезервировать на Интернет-сайте http://www.cso.org/.
4 мая 2008 года
7 апр. 2008 г.
В добрый путь, “Атриум”!
Интервью с руководителями театра перед московскими гастролями
“Москва. Как много в этом звуке...” Культурная столица мира, интереснейший город, в котором происходит невероятное количество событий, Москва, как магнит, притягивает к себе все лучшее, яркое, талантливое. От серости будней, от одиночества, в поисках лучшей жизни, в погоне за успехом, популярностью, славой – рецепт один: в Москву, в Москву, в Москву! Едут в столицу актеры и режиссеры, художники и музыканты. Едут на других посмотреть и себя показать. Спектакли, концерты, встречи... – в этом водовороте событий легко затеряться. Показать спектакль в Москве – Мекке театрального искусства – уже само по себе дорогого стоит! В Москве искушенный зритель. Москва знает, что такое настоящее искусство и умеет отличать подлинное от подделки. Так что в Москве выступать трудно, но очень-очень почетно.
20 и 21 мая в Москве в театре “Школа современной пьесы” состоятся гастроли чикагского русского репертуарного театра “Атриум”. Чтобы узнать подробности предстоящей поездки и новости о театре, я отправился к руководителям “Атриума” Вячеславу Кагановичу и Евгению Колкевичу.
- Ребята, вам не страшно?
- (В.К.) Страшно.
- (Е.К.) Очень страшно. Для нас ведь это очень большая ответственность.
- (В.К.) Не посрамить Соединенные Штаты... (Смеются.).
- (Е.К.) Это историческое событие в жизни не только театра, не только Чикаго, но и русскоязычной Америки. Эта акция происходит впервые в истории взаимоотношений России и Америки. Оттуда сюда коллективы приезжают часто. Кто-то привозит халтуру, кто-то - действительно достойные спектакли. Но русский репертуарный театр из США едет на гастроли в Россию впервые в истории!
- Расскажите, пожалуйста, кто был инициатором поездки.
- (В.К.) Эта история началась с приезда Михаила Михайловича Козакова в Чикаго. Мастер не только провел творческий вечер и пообщался со зрителями, но и посмотрел видеозапись нашего спектакля “Посвящается Вам”. Он хлопал, кричал “Браво”, а по окончании спектакля сказал, что лучшего прочтения Окуджавы в своей жизни не видел. Такая похвала из уст такого Мастера дорогого стоит! Козаков попросил копию спектакля и увез ее в Москву. Когда я был в Москве, я позвонил ему. Михаил Михайлович сказал: “Вам надо встретиться с Йосиком”. Йосик – это главный режиссер театра “Школа современной пьесы” Иосиф Райхельгауз. Иосиф Леонидович, видимо, рассчитывал потратить на меня минут десять. Вместо этого он просидел со мной полтора часа. Он задавал вопросы и после каждого ответа восклицал: “Невероятно! Не понимаю! Не может быть!” А кто, как не Райхельгауз, знает и понимает театр изнутри, его ежедневную жизнь?! В конце нашей встречи он пригласил “Атриум” принять участие в Фестивале памяти Окуджавы. На этом, наверно, можно было бы поставить точку. Мы получили приглашение от Райхельгауза принять участие в московском фестивале – чего еще желать! Я приехал в Чикаго и на общем собрании рассказал актерам об этом приглашении. Я был уверен, что все скажут: “Нет, куда нам, нам это не по силам...“ И вдруг коллектив единогласно сказал: “Едем! Если денег не заработаем, поедем за свой счет. На такие приглашения нужно отвечать. Такого шанса может больше не быть”. И мы с Женей с благословения коллектива взялись за работу.
- (Е.К.) Самым большим и главным спонсором является наш зритель. Благодаря нашему зрителю театр выжил. Только и исключительно благодаря нашему зрителю мы в состоянии делать новые спектакли и показывать старые. К сожалению, наши бизнесмены, за очень небольшим исключением, не интересуются нашим театром.
- (В.К.) Обидно, что компания “Аэрофлот”, к которой за спонсорской помощью обратился театр, не только ничем не помогла, но и заставила театр понести дополнительные расходы. “Аэрофлот” сильно подвел театр.
- (Е.К.) Те, кто помогают театру, помогают сохранению русской культуры в Америке. Ведь наши дети, если они не будут ходить в русский театр, уже будут другими. Есть опасность, что русское искусство, русские традиции уйдут вместе с нашим поколением.
- (В.К.) Мы хотели для второго спектакля искать другую площадку, но Райхельгауз сам предложил выступить у него в театре дважды. “Атриум” стал единственным коллективом, которому Райхельгауз выделил два дня. Мы очень обрадовались, поскольку это снимает много проблем.
- (Е.К.) Благодаря нам Фестиваль памяти Окуджавы стал международным... А потом мы боимся, что зрителей придет так много, что зал не вместит всех желающих... (Смеются.)
- (В.К.) На спектакль придет человек, с которого все началось, - Михаил Михайлович Козаков. Придут актеры театра “Школа современной пьесы”. Когда в Чикаго был Константин Аркадьевич Райкин, он оставил мне свой номер телефона и сказал, что если будет в Москве и не будет занят, то придет посмотреть наш спектакль. Придут наши режиссеры – Тупиков, Белякович, Офенгейм. Но, конечно, в первую очередь нам важно, что к нам придут москвичи – люди, которые любят и помнят Булата.
- Но ведь рядовой зритель вас в Москве не знает. Нужна реклама.
- (В.К.) Рекламой театра в Москве занимается доверенное лицо Олега Митяева. У меня есть приглашение от Нателлы Болтянской выступить в прямом эфире “Эха Москвы”. Это будет предположительно в первых числах мая. Митяев приведет меня на радио “Шансон“. Так что реклама будет. Уже полным ходом идет продажа билетов.
- (Е.К.) Мы хотим показать москвичам, что в Чикаго, в этой, как сказал Швыдкой, “меркантильной Америке”, существуют еще динозавры, которые занимаются русской культурой. Мы вряд ли переломим менталитет и взгляды простых людей, но нам хочется доказать, что и за океаном есть духовные ценности, которыми мы гордимся.
- На афише спектакля написано: “Третья, московская версия “Посвящается Вам!”” Чем вызвана необходимость создания новой версии?
- (Е.К.) Каждая версия спектакля проживает на сцене какую-то жизнь. “Посвящается Вам” отыгран в Чикаго восемнадцать раз, мы выезжали с ним в другие города Америки. Предстоящая поездка в Москву заставила нас более критично посмотреть на нашу постановку и поднять ее на качественно новый уровень. Мы начали “чистить” спектакль, и в процессе работы появилось много новых идей.
- (В.К.) Женя с автором сценария Аликом Фрейманом внесли много изменений в спектакль. В новой версии добавились стихи Окуджавы, старые песни зазвучали по-другому, изменились сценография и связки между песнями, появилось пять новых песен...
- Какие это песни?
- (Е.К.) “Солнышко сияет, музыка играет...”, “Капли датского короля”, “Песенка об Арбате” (“Ах, Арбат, мой Арбат”), “Дерзость, или разговор перед боем” (“Господин лейтенат, что это вы хмуры?”), “Главная песенка” (“Наверное, самую лучшую на этой земной стороне...”). Вводя новые песни, мы старались сохранить и развить тот эмоциональный заряд, который существует в спектакле.
Из разговора с автором сценической композиции Александром Фрейманом я узнал, что вместо арбатской песни Окуджавы, с которой раньше начинался спектакль, сейчас в исполнении Булата Шалвовича звучит песня “Надежды маленький оркестрик”. Лейтмотивом спектакля становится тема надежды – основная тема в творчестве Окуджавы.
- (В.К.) Спектакль живет и изменяется – это нормальное явление. Одна и та же песня вызывает разные ассоциации – это тоже нормально. Окуджава многогранен. Например, как по новому воспринимается сегодня песня “Ночной разговор”! Мы поем ее в еврейском блоке.
- Хотя эта песня совсем не эмигрантская...
- (В.К.) Совсем не эмигрантская, но когда подается определенный посыл, то слова “И снова он едет один без дороги во тьму” воспринимаются по-новому. Это же те мысли, о которых думали все мы. Куда я лечу, что будет со мной там, на чужбине? “На ясный огонь, моя радость, на ясный огонь, Езжай на огонь, моя радость, найдешь без труда.” В этом контексте песня получает совсем другое настроение, акценты расставляются по-иному...
- (Е.К.) Мы добавили четыре строчки Окуджавы: “Москва, ты не веришь слезам - это время проверило. Железное мужество, сила и стойкость во всем... Но если бы ты в наши слезы однажды поверила, Ни нам, ни тебе не пришлось бы грустить о былом”. А потом идет “Песенка о Моцарте“ с такими словами: “Моцарт на старенькой скрипке играет, Моцарт играет, а скрипка поет. Моцарт отечества не выбирает - Просто играет всю жизнь напролет”. В контексте еврейского блока песня звучит совсем по-другому. А в прошлой версии в этом месте звучала “Грузинская песня” (“Виноградную косточку в теплую землю зарою...”).
- (В.К.) Даже Чехова ставят каждый раз по-другому. Мне рассказали, что в спектакле “Вишневый сад” в постановке Кирилла Серебренникова дядя Ваня поет “Беловежскую пущу”... Новая редакция спектакля – это не попытка его адаптации для Москвы, это - попытка развития и улучшения спектакля.
- То есть московская версия создается не только для Москвы? Вы не вернетесь к старой постановке?
- (Е.К.) Ни в коем случае. Актерам-участникам спектакля очень нужна свежая струя, свежая кровь, свежее дыхание.
- Свежая кровь нужна и зрителям. Мне не хватает в театре как раз притока свежей крови. Из года в год мы видим на сцене одни и те же лица. Есть опасность превращения “Атриума” в некий закрытый клуб. Почему вы не приглашаете в театр новых актеров?
- (Хором.) Как это не приглашаем? Мы объявляли по радио, что нам нужны актеры. Объявляли и не раз. Но к нам никто не приходит. Актеров нет.
- Извините, господа руководители, но я отвечу словами Станиславского: “Не верю!” Актеры есть. Если к вам не приходят, значит, плохо зовете.
- (Е.К.) Хорошо. Записывай наше обращение. Дорогие актеры Чикаго! Друзья! Приходите к нам в театр, поговорите с нами, послушайте, что мы предлагаем, предложите что-нибудь сами. Давайте встретимся, давайте обсудим. Мы сегодня открыты для всех. И не только для профессиональных актеров, но также для тех, кто чувствует в себе актерскую жилку
- (В.К.) Нам нужны не только актеры. Нам нужен человек, который бы развивал наш Интернет-сайт. Нам нужен человек, который бы отвечал за то, что в Америке называют “public relations”. Приходите к нам – нам нужны талантливые, знающие, понимающие люди.
- Слава, мог ли ты когда-нибудь предположить, что твоя идея о создании театра не просто осуществится, но из компании студийцев-единомышленников вы станете Театром, что лучшие российские актеры и режиссеры станут проявлять к вам такой огромный интерес и приглашать на гастроли в Москву?
- (В.К.) Я не только мечтал об этом. Я в этом был уверен. Я был уверен, что если за это дело возьмутся люди, близкие нам по духу, успех гарантирован.
- А мог ли музыкант, дирижер Евгений Колкевич представить себе, что он когда-нибудь вернется в Москву актером и руководителем театра?
- (Е.К.) Я, в отличие от Славы, понятия не имел, что “подвальный междусобойчик” приведет к тому, что возникнет настоящий, серьезный театр, что на премьеру мы будем снимать пять тысячных залов и что я приеду в Москву не как музыкант и дирижер, а как актер. Когда я уезжал, мне многие говорили: “Что ты там будешь делать?” Я рад, что скоро смогу показать результаты моего труда. Я еду в Москву на высоком эмоциональном подъеме.
- (В.К.) Для меня огромное счастье, что “Атриум” помог нашим профессионалам – мы их так называем, потому что они закончили театральные институты и в прошлой жизни работали в театре - вернуться к любимой профессии. Оля и Олег Осташевы, Марина Смолина - приехав в Америку, они поставили на своей профессии крест. А сегодня вновь выходят на сцену. Для меня счастье, что вернулся в профессию ленинградский актер Дима Рено. Уезжая в Америку, он прощался со сценой навсегда. Благодаря “Атриуму” он снова почувствовал запах кулис и понял, что не может жить без театра. Дима Рено вернулся в родной город, стал востребованным актером. Сегодня он активно работает в театре на Литейном, снимается в кино, записывается на радио.
- Поездка в Москву – это предел мечтаний или всего лишь еще один шаг по пути вперед?
- (Е.К.) Мы не мечтаем – мы работаем. И приглашение в Москву у нас не единственное. Мы готовились к гастролям в Израиле, уже продумывали график выступлений, но помешала война. Дина Рубина сказала про “Посвящается Вам” словами Козакова: “Это должен увидеть Израиль”.
- (В.К.) Мы ведь получили еще одно приглашение. При Союзе театральных деятелей России уже четвертый год существует Центр поддержки русского театра за рубежом Я был у координатора проектов этого Центра Натальи Старосельской. Мы получили от нее приглашение в Саранск на ежегодный Международный театральный фестиваль “Соотечественники” – фестиваль русскоязычных театров. Все расходы по пребыванию театра в России берет на себя приглашающая сторона. Мы оплачиваем только проезд до Москвы и обратно.
- В Саранск, где были печально известные мордовские лагеря?
- (В.К.) Да. Нас пригласили туда, куда ссылали лучших людей страны. Сережа Никитин, когда узнал о приглашении, сказал: “Если вы поедете выступать у Райхельгауза, это будет очень престижно для Райхельгауза: к нему приехал коллектив из Америки. Если вы поедете выступать в Саранск, о вас моментально узнает весь театральный мир России”. В этом году мы не успели. Может быть, в следующем...
- Давайте заведем ежегодную традицию – весной “Атриум” отправляется на гастроли: в Москву, в Мордовию, в Израиль, далее – везде...
- Поживем-увидим...
- Москва – это одна неделя. Что дальше, господа руководители? Чем порадуете чикагцев?
- Если будут залы, летом будем играть спектакли. А 25 и 26 октября состоится премьера. Какой спектакль - пока не скажем. Мы люди суеверные.
- Назовите хотя бы имя режиссера.
- В конце августа к нам приезжает Андрей Леонидович Тупиков и мы начинаем новую работу.
- Ну что ж, желаю вам успешной поездки, полных залов, умной, понимающей и доброжелательной публики. Будем за вас болеть! В добрый путь, “Атриум”!
Наша справка. Премьера новой версии спектакля “Посвящается Вам” в театре “Атриум” состоится 12 апреля в 7.00 pm на сцене “Northbrook theatre” по адресу: 3323 Walters Ave., Northbrook. Билеты можно зарезервировать по телефону 847-729-6001. Дополнительную информацию вы найдете на сайте “Атриума”: http://www.atriumtheatre.org/.
Московская премьера “Посвящается Вам” состоится 20 и 21 мая в театре “Школа современной пьесы” по адресу: улица Неглинная, дом 29/14. Проезд до станций метро “Трубная” или “Цветной бульвар”. Дополнительную информацию вы найдете на сайте театра: http://www.neglinka29.ru.
“Москва. Как много в этом звуке...” Культурная столица мира, интереснейший город, в котором происходит невероятное количество событий, Москва, как магнит, притягивает к себе все лучшее, яркое, талантливое. От серости будней, от одиночества, в поисках лучшей жизни, в погоне за успехом, популярностью, славой – рецепт один: в Москву, в Москву, в Москву! Едут в столицу актеры и режиссеры, художники и музыканты. Едут на других посмотреть и себя показать. Спектакли, концерты, встречи... – в этом водовороте событий легко затеряться. Показать спектакль в Москве – Мекке театрального искусства – уже само по себе дорогого стоит! В Москве искушенный зритель. Москва знает, что такое настоящее искусство и умеет отличать подлинное от подделки. Так что в Москве выступать трудно, но очень-очень почетно.
20 и 21 мая в Москве в театре “Школа современной пьесы” состоятся гастроли чикагского русского репертуарного театра “Атриум”. Чтобы узнать подробности предстоящей поездки и новости о театре, я отправился к руководителям “Атриума” Вячеславу Кагановичу и Евгению Колкевичу.
- Ребята, вам не страшно?
- (В.К.) Страшно.
- (Е.К.) Очень страшно. Для нас ведь это очень большая ответственность.
- (В.К.) Не посрамить Соединенные Штаты... (Смеются.).
- (Е.К.) Это историческое событие в жизни не только театра, не только Чикаго, но и русскоязычной Америки. Эта акция происходит впервые в истории взаимоотношений России и Америки. Оттуда сюда коллективы приезжают часто. Кто-то привозит халтуру, кто-то - действительно достойные спектакли. Но русский репертуарный театр из США едет на гастроли в Россию впервые в истории!
- Расскажите, пожалуйста, кто был инициатором поездки.
- (В.К.) Эта история началась с приезда Михаила Михайловича Козакова в Чикаго. Мастер не только провел творческий вечер и пообщался со зрителями, но и посмотрел видеозапись нашего спектакля “Посвящается Вам”. Он хлопал, кричал “Браво”, а по окончании спектакля сказал, что лучшего прочтения Окуджавы в своей жизни не видел. Такая похвала из уст такого Мастера дорогого стоит! Козаков попросил копию спектакля и увез ее в Москву. Когда я был в Москве, я позвонил ему. Михаил Михайлович сказал: “Вам надо встретиться с Йосиком”. Йосик – это главный режиссер театра “Школа современной пьесы” Иосиф Райхельгауз. Иосиф Леонидович, видимо, рассчитывал потратить на меня минут десять. Вместо этого он просидел со мной полтора часа. Он задавал вопросы и после каждого ответа восклицал: “Невероятно! Не понимаю! Не может быть!” А кто, как не Райхельгауз, знает и понимает театр изнутри, его ежедневную жизнь?! В конце нашей встречи он пригласил “Атриум” принять участие в Фестивале памяти Окуджавы. На этом, наверно, можно было бы поставить точку. Мы получили приглашение от Райхельгауза принять участие в московском фестивале – чего еще желать! Я приехал в Чикаго и на общем собрании рассказал актерам об этом приглашении. Я был уверен, что все скажут: “Нет, куда нам, нам это не по силам...“ И вдруг коллектив единогласно сказал: “Едем! Если денег не заработаем, поедем за свой счет. На такие приглашения нужно отвечать. Такого шанса может больше не быть”. И мы с Женей с благословения коллектива взялись за работу.
- (Е.К.) Самым большим и главным спонсором является наш зритель. Благодаря нашему зрителю театр выжил. Только и исключительно благодаря нашему зрителю мы в состоянии делать новые спектакли и показывать старые. К сожалению, наши бизнесмены, за очень небольшим исключением, не интересуются нашим театром.
- (В.К.) Обидно, что компания “Аэрофлот”, к которой за спонсорской помощью обратился театр, не только ничем не помогла, но и заставила театр понести дополнительные расходы. “Аэрофлот” сильно подвел театр.
- (Е.К.) Те, кто помогают театру, помогают сохранению русской культуры в Америке. Ведь наши дети, если они не будут ходить в русский театр, уже будут другими. Есть опасность, что русское искусство, русские традиции уйдут вместе с нашим поколением.
- (В.К.) Мы хотели для второго спектакля искать другую площадку, но Райхельгауз сам предложил выступить у него в театре дважды. “Атриум” стал единственным коллективом, которому Райхельгауз выделил два дня. Мы очень обрадовались, поскольку это снимает много проблем.
- (Е.К.) Благодаря нам Фестиваль памяти Окуджавы стал международным... А потом мы боимся, что зрителей придет так много, что зал не вместит всех желающих... (Смеются.)
- (В.К.) На спектакль придет человек, с которого все началось, - Михаил Михайлович Козаков. Придут актеры театра “Школа современной пьесы”. Когда в Чикаго был Константин Аркадьевич Райкин, он оставил мне свой номер телефона и сказал, что если будет в Москве и не будет занят, то придет посмотреть наш спектакль. Придут наши режиссеры – Тупиков, Белякович, Офенгейм. Но, конечно, в первую очередь нам важно, что к нам придут москвичи – люди, которые любят и помнят Булата.
- Но ведь рядовой зритель вас в Москве не знает. Нужна реклама.
- (В.К.) Рекламой театра в Москве занимается доверенное лицо Олега Митяева. У меня есть приглашение от Нателлы Болтянской выступить в прямом эфире “Эха Москвы”. Это будет предположительно в первых числах мая. Митяев приведет меня на радио “Шансон“. Так что реклама будет. Уже полным ходом идет продажа билетов.
- (Е.К.) Мы хотим показать москвичам, что в Чикаго, в этой, как сказал Швыдкой, “меркантильной Америке”, существуют еще динозавры, которые занимаются русской культурой. Мы вряд ли переломим менталитет и взгляды простых людей, но нам хочется доказать, что и за океаном есть духовные ценности, которыми мы гордимся.
- На афише спектакля написано: “Третья, московская версия “Посвящается Вам!”” Чем вызвана необходимость создания новой версии?
- (Е.К.) Каждая версия спектакля проживает на сцене какую-то жизнь. “Посвящается Вам” отыгран в Чикаго восемнадцать раз, мы выезжали с ним в другие города Америки. Предстоящая поездка в Москву заставила нас более критично посмотреть на нашу постановку и поднять ее на качественно новый уровень. Мы начали “чистить” спектакль, и в процессе работы появилось много новых идей.
- (В.К.) Женя с автором сценария Аликом Фрейманом внесли много изменений в спектакль. В новой версии добавились стихи Окуджавы, старые песни зазвучали по-другому, изменились сценография и связки между песнями, появилось пять новых песен...
- Какие это песни?
- (Е.К.) “Солнышко сияет, музыка играет...”, “Капли датского короля”, “Песенка об Арбате” (“Ах, Арбат, мой Арбат”), “Дерзость, или разговор перед боем” (“Господин лейтенат, что это вы хмуры?”), “Главная песенка” (“Наверное, самую лучшую на этой земной стороне...”). Вводя новые песни, мы старались сохранить и развить тот эмоциональный заряд, который существует в спектакле.
Из разговора с автором сценической композиции Александром Фрейманом я узнал, что вместо арбатской песни Окуджавы, с которой раньше начинался спектакль, сейчас в исполнении Булата Шалвовича звучит песня “Надежды маленький оркестрик”. Лейтмотивом спектакля становится тема надежды – основная тема в творчестве Окуджавы.
- (В.К.) Спектакль живет и изменяется – это нормальное явление. Одна и та же песня вызывает разные ассоциации – это тоже нормально. Окуджава многогранен. Например, как по новому воспринимается сегодня песня “Ночной разговор”! Мы поем ее в еврейском блоке.
- Хотя эта песня совсем не эмигрантская...
- (В.К.) Совсем не эмигрантская, но когда подается определенный посыл, то слова “И снова он едет один без дороги во тьму” воспринимаются по-новому. Это же те мысли, о которых думали все мы. Куда я лечу, что будет со мной там, на чужбине? “На ясный огонь, моя радость, на ясный огонь, Езжай на огонь, моя радость, найдешь без труда.” В этом контексте песня получает совсем другое настроение, акценты расставляются по-иному...
- (Е.К.) Мы добавили четыре строчки Окуджавы: “Москва, ты не веришь слезам - это время проверило. Железное мужество, сила и стойкость во всем... Но если бы ты в наши слезы однажды поверила, Ни нам, ни тебе не пришлось бы грустить о былом”. А потом идет “Песенка о Моцарте“ с такими словами: “Моцарт на старенькой скрипке играет, Моцарт играет, а скрипка поет. Моцарт отечества не выбирает - Просто играет всю жизнь напролет”. В контексте еврейского блока песня звучит совсем по-другому. А в прошлой версии в этом месте звучала “Грузинская песня” (“Виноградную косточку в теплую землю зарою...”).
- (В.К.) Даже Чехова ставят каждый раз по-другому. Мне рассказали, что в спектакле “Вишневый сад” в постановке Кирилла Серебренникова дядя Ваня поет “Беловежскую пущу”... Новая редакция спектакля – это не попытка его адаптации для Москвы, это - попытка развития и улучшения спектакля.
- То есть московская версия создается не только для Москвы? Вы не вернетесь к старой постановке?
- (Е.К.) Ни в коем случае. Актерам-участникам спектакля очень нужна свежая струя, свежая кровь, свежее дыхание.
- Свежая кровь нужна и зрителям. Мне не хватает в театре как раз притока свежей крови. Из года в год мы видим на сцене одни и те же лица. Есть опасность превращения “Атриума” в некий закрытый клуб. Почему вы не приглашаете в театр новых актеров?
- (Хором.) Как это не приглашаем? Мы объявляли по радио, что нам нужны актеры. Объявляли и не раз. Но к нам никто не приходит. Актеров нет.
- Извините, господа руководители, но я отвечу словами Станиславского: “Не верю!” Актеры есть. Если к вам не приходят, значит, плохо зовете.
- (Е.К.) Хорошо. Записывай наше обращение. Дорогие актеры Чикаго! Друзья! Приходите к нам в театр, поговорите с нами, послушайте, что мы предлагаем, предложите что-нибудь сами. Давайте встретимся, давайте обсудим. Мы сегодня открыты для всех. И не только для профессиональных актеров, но также для тех, кто чувствует в себе актерскую жилку
- (В.К.) Нам нужны не только актеры. Нам нужен человек, который бы развивал наш Интернет-сайт. Нам нужен человек, который бы отвечал за то, что в Америке называют “public relations”. Приходите к нам – нам нужны талантливые, знающие, понимающие люди.
- Слава, мог ли ты когда-нибудь предположить, что твоя идея о создании театра не просто осуществится, но из компании студийцев-единомышленников вы станете Театром, что лучшие российские актеры и режиссеры станут проявлять к вам такой огромный интерес и приглашать на гастроли в Москву?
- (В.К.) Я не только мечтал об этом. Я в этом был уверен. Я был уверен, что если за это дело возьмутся люди, близкие нам по духу, успех гарантирован.
- А мог ли музыкант, дирижер Евгений Колкевич представить себе, что он когда-нибудь вернется в Москву актером и руководителем театра?
- (Е.К.) Я, в отличие от Славы, понятия не имел, что “подвальный междусобойчик” приведет к тому, что возникнет настоящий, серьезный театр, что на премьеру мы будем снимать пять тысячных залов и что я приеду в Москву не как музыкант и дирижер, а как актер. Когда я уезжал, мне многие говорили: “Что ты там будешь делать?” Я рад, что скоро смогу показать результаты моего труда. Я еду в Москву на высоком эмоциональном подъеме.
- (В.К.) Для меня огромное счастье, что “Атриум” помог нашим профессионалам – мы их так называем, потому что они закончили театральные институты и в прошлой жизни работали в театре - вернуться к любимой профессии. Оля и Олег Осташевы, Марина Смолина - приехав в Америку, они поставили на своей профессии крест. А сегодня вновь выходят на сцену. Для меня счастье, что вернулся в профессию ленинградский актер Дима Рено. Уезжая в Америку, он прощался со сценой навсегда. Благодаря “Атриуму” он снова почувствовал запах кулис и понял, что не может жить без театра. Дима Рено вернулся в родной город, стал востребованным актером. Сегодня он активно работает в театре на Литейном, снимается в кино, записывается на радио.
- Поездка в Москву – это предел мечтаний или всего лишь еще один шаг по пути вперед?
- (Е.К.) Мы не мечтаем – мы работаем. И приглашение в Москву у нас не единственное. Мы готовились к гастролям в Израиле, уже продумывали график выступлений, но помешала война. Дина Рубина сказала про “Посвящается Вам” словами Козакова: “Это должен увидеть Израиль”.
- (В.К.) Мы ведь получили еще одно приглашение. При Союзе театральных деятелей России уже четвертый год существует Центр поддержки русского театра за рубежом Я был у координатора проектов этого Центра Натальи Старосельской. Мы получили от нее приглашение в Саранск на ежегодный Международный театральный фестиваль “Соотечественники” – фестиваль русскоязычных театров. Все расходы по пребыванию театра в России берет на себя приглашающая сторона. Мы оплачиваем только проезд до Москвы и обратно.
- В Саранск, где были печально известные мордовские лагеря?
- (В.К.) Да. Нас пригласили туда, куда ссылали лучших людей страны. Сережа Никитин, когда узнал о приглашении, сказал: “Если вы поедете выступать у Райхельгауза, это будет очень престижно для Райхельгауза: к нему приехал коллектив из Америки. Если вы поедете выступать в Саранск, о вас моментально узнает весь театральный мир России”. В этом году мы не успели. Может быть, в следующем...
- Давайте заведем ежегодную традицию – весной “Атриум” отправляется на гастроли: в Москву, в Мордовию, в Израиль, далее – везде...
- Поживем-увидим...
- Москва – это одна неделя. Что дальше, господа руководители? Чем порадуете чикагцев?
- Если будут залы, летом будем играть спектакли. А 25 и 26 октября состоится премьера. Какой спектакль - пока не скажем. Мы люди суеверные.
- Назовите хотя бы имя режиссера.
- В конце августа к нам приезжает Андрей Леонидович Тупиков и мы начинаем новую работу.
- Ну что ж, желаю вам успешной поездки, полных залов, умной, понимающей и доброжелательной публики. Будем за вас болеть! В добрый путь, “Атриум”!
Наша справка. Премьера новой версии спектакля “Посвящается Вам” в театре “Атриум” состоится 12 апреля в 7.00 pm на сцене “Northbrook theatre” по адресу: 3323 Walters Ave., Northbrook. Билеты можно зарезервировать по телефону 847-729-6001. Дополнительную информацию вы найдете на сайте “Атриума”: http://www.atriumtheatre.org/.
Московская премьера “Посвящается Вам” состоится 20 и 21 мая в театре “Школа современной пьесы” по адресу: улица Неглинная, дом 29/14. Проезд до станций метро “Трубная” или “Цветной бульвар”. Дополнительную информацию вы найдете на сайте театра: http://www.neglinka29.ru.
Все балеты в гости к нам
Весна в Чикаго – время “большого” балета. Каждый год в это время в город приезжают ведущие балетные труппы мира. Не стал исключением и этот год. После триумфальных гастролей Грузинского и Пермского балетов Чикаго увидит две лучшие американские балетные труппы - Американский театр балета и Американский театр танца Алвина Эйли.
Встреча с классикой
Американский балетный театр (далее – АБТ) хорошо знаком чикагским любителям балетного искусства. Только за последние годы мы увидели такие балеты, как “Жизель” и “Корсар” А.Адана, “Ромео и Джульетта” С.Прокофьева. АБТ не ограничивается классическими постановками – с театром в разные годы сотрудничали крупнейшие современные балетмейстеры Твила Тарп, Кларк Типпет, Марк Моррис. Но для гастролей в Чикаго театр неизменно выбирает классику. На этот раз мы увидим жемчужину мирового балетного искусства - балет Петра Ильича Чайковского “Спящая красавица”. По изяществу и разнообразию танцев, по мелодичности музыки этот балет не имеет себе равных. “Спящая красавица” - сокровищница хореографических шедевров, где каждый исполнитель и каждый зритель может найти что-то на свой вкус. Премьера балета в постановке Мариуса Петипа состоялась в Мариинском театре 3 января 1890 года. “Спящая...” сразу завоевала всемирную популярность. Сколько постановок было за это время - классических и современных, традиционных и скандальных, детских и только мужских!.. На протяжении XX века балетмейстеры не переставали модернизировать этот балет. На гастролях в Чикаго будет представлена еще одна новая редакция “Спящей...”. На этот раз - в постановке артистического директора театра Кевина Маккензи, бывшей балерины АБТ Гелси Киркланд и Майкла Чернова. Премьера этой постановки состоялась в Нью-Йорке весной прошлого года. После этого театр внес некоторые изменения в постановку и костюмы. В Чикаго новая “Спящая...” показывается впервые. Мы увидим семь представлений балета с 9 по 13 апреля на сцене Лирик-оперы. В сегодняшнем составе АБТ нет ни одной ярко выраженной звезды, поэтому на этот раз театр показывает семь примерно равных по составу пар - исполнителей партий принцессы Аврора и принца Дезире.
9 апреля (среда), 7.30 pm. Торжественное открытие гастролей. В главных партиях: Самара Рейс и Хозе Мануэль Карено.
10 апреля (четверг), 2.00 pm. В главных партиях: Мишель Уайлс и Дэвид Холберг.
10 апреля (четверг), 7.30 pm. В главных партиях: Сара Рейн и Херман Корнео.
11 апреля (пятница), 8.00 pm. В главных партиях: Джули Кент и Марчело Гомес.
12 апреля (суббота), 2.00 pm. В главных партиях: Джиллиан Мерфи и Эйтан Стифел.
12 апреля (суббота), 8.00 pm. В главных партиях: Ирина Дворовенко и Максим Белоцерковский.
13 апреля (воскресенье), 2.00 pm. В главных партиях: Палома Херрера и Анхел Коррела.
Адрес чикагской Лирик-оперы: 20 North Wacker Drive, Chicago, IL 60606
Билеты можно заказать по Интернету (www.ticketmaster.com), по телефону - (312) 902-1500 или приобрести в кассе театра.
Американский модерн
В отличие от АБТ, знакомящего Чикаго с новыми прочтениями классических постановок, Американский театр танца Алвина Эйли представляет спектакли, соединяющие классические традиции с современными американскими и африканскими танцами. Украшением труппы являются солисты-мужчины – яркие, прыгучие, сильные. Таким был и отец-основатель театра Алвин Эйли. Он родился в маленьком техасском городке в рабочей семье. Переехав в детстве в Лос-Анджелес, робкий, застенчивый Эйли неожиданно начинает заниматься танцами. Он был невероятно атлетичен, и вскоре к нему пришли первые успехи. Эйли получил прекрасное образование, его учителем был хореограф и танцор Лестер Хортон. Эйли начинал работу в труппах Калифорнии и Нью-Йорка, участвовал в бродвейских спектаклях и готовился к созданию собственного танцевального коллектива. В 1958 году Эйли пригласил к себе семь танцоров и стал с нуля создавать новую труппу. С первых лет его коллектив (название “Американский театр танца” появится позднее) проводил много времени в дороге, посещая маленькие города и показывая свои постановки огромному количеству людей, которые никогда до этого не видели танцевальных спектаклей. Эйли стремился донести искусство танца до самых простых людей, мнением которых он дорожил зачастую больше, чем мнением высоколобых критиков. Труппа Эйли побывала в странах Юго-Восточной Азии, Австралии, Европы, Африки. В 1970 году коллектив стал первой американской балетной труппой, побывавшей на гастролях в СССР за пятьдесят лет. До него, в двадцатые годы, в СССР гастролировала Айседора Дункан. После выступления труппы Эйли в Ленинграде артистам устроили двадцатиминутную овацию.
В 1969 году при театре Эйли создал специальную балетную Школу. В ней студенты изучают историю искусства балета и современного танца, технику танца, танцевальные композиции и театральный дизайн.
За годы работы с коллективом Эйли поставил около пятидесяти балетов. Его творения до сих пор идут на сценах АБТ, Парижской оперы, Лондонского фестивального балета, Королевского датского балета. Алвин Эйли - доктор искусств Принстонского университета, лауреат Премии мира ООН и медали президента США за выдающиеся достижения в искусстве. Закончив танцевать в 1965 году, Эйли сосредоточился на хореографической, административной и финансовой деятельности. Он умер в 1989 году в возрасте пятидесяти восьми лет. Последние девятнадцать лет театром руководит его любимая ученица, в прошлом – ведущая балерина театра Джудит Джеймисон.
В 2006 году театр уже гастролировал в Чикаго. Он показывал разные программы, состоящие, в основном, из одноактных балетов.
Событием нынешних гастролях станет балет легендарного Мориса Бежара “Петрушка” на музыку И.Стравинского. Французский хореограф по-новому прочитал традиционную фокинскую постановку этого балета. Театр представляет возобновление одной из своих самых ранних работ – спектакля “Путь поезда Феби Сноу” в постановке танцовщика и хореографа Тэлли Битти. Мы увидим также одноактный балет Эйли “Цветы”, посвященный трагической судьбе певицы Дженис Джоплин, умершей от злоупотребления алкоголем и наркотиками. В балете звучат композиции певицы, а также песни групп “Пинк Флойд” и “Блайнд Фэйс”.Наряду со старыми постановками Чикаго увидит и новые. В их числе - балет Роберта Баттла “Разворот” на музыку Густава Чарпентиера. Арию композитора специально для Американского театра танца записала Леонтин Прайс. Премьера спектакля состоялась в 2005 году.
Еще мы увидим балет Алвина Эйли “Ночное создание”, посвященный Дюку Эллингтону, “Отражения” – балет для одного танцора на музыку Эллингтона, “Рутина” – в этом балете звучат композиции Рэя Чарльза и Брендона Маккана, “Любовные истории” – хореографическая аллегория Джудит Джеймисон, созданная ею в соавторстве с пионером хип-хопа Робертом Бэттлом на музыку Стива Уандера.
Заключительным аккордом всех спектаклей станет исполнение легендарного одноактного балета “Откровения”, поставленного Эйли в 1960 году и давно вошедшего в разряд классики балетного искусства XX века. “Откровения” – это серия афроамериканских религиозных обрядов. В их числе - групповая молитва (“I've Been Buked”), церемония ритуального крещения (“Wade in the Water”), момент причастия (“I Wanna Be Ready”), дуэт священника и прихожанина (“Fix Me, Jesus”) и финальное торжественное пение евангелия (“Rocka My Soul in the Bosom of Abraham”). В качестве музыкальной основы спектакля Эйли использовал негритянские спиричуэлс и госпелс.
Нынешние гастроли театра проходят в юбилейный год – год пятидесятилетия театра. Надо сказать, что традиции, заложенные Эйли, живы до сих пор. Что-то невероятное происходит на спектаклях этого театра: зрители настолько подпадают под мощную энергетику солистов, кордебалет танцует так зажигательно и вдохновенно, что, кажется, магия танца уносит вас в заоблачные дали, и вы готовы мчаться с артистами на край света! Кураж, взрывная сила эмоций, животная пластичность и атлетизм - таковы отличительные черты этого коллектива. Незадолго до смерти Эйли сказал в одном из интервью: “Я стараюсь показать миру, что мы все одинаковы и неважно, какого цвета наша кожа. Важно только качество нашей работы”. Качество работы театра и сегодня остается высочайшим. Если кто-то из вас, уважаемые читатели, еще не были на спектаклях этого театра, - сходите и посмотрите! В театре танца Алвина Эйли достаточно побывать один раз, чтобы стать его горячим поклонником и возвращаться в него снова и снова.
Спектакли пройдут с 16 по 20 апреля на сцене театра “Аудиториум”.
16 апреля (среда), 7.30 pm. “Петрушка”, “Цветы”, “Откровения”.
17 апреля (четверг), 7.30 pm. “Петрушка”, “Путь поезда Феби Сноу”, “Откровения”.
18 апреля (пятница), 11.00 am. “В седло”, “Откровения”.
18 апреля (пятница), 8.00 pm. “Ночное создание”, “Поступь”, “Путь Феби Сноу”, “Откровения”.
19 апреля (суббота), 2.00 pm. “Любовные истории”, “Отражения”, “Рутина”, “Откровения”.
19 апреля (суббота), 8.00 pm. “Петрушка”, “Цветы”, “Разворот”, “Откровения”.
20 апреля (воскресенье), 3.00 pm. “Любовные истории”, “Отражения ”, “Рутина”, “Откровения”.
Адрес театра “Аудиториум”: 50 E. Congress Parkway, Chicago, IL 60605.
Билеты можно заказать по Интернету (www.ticketmaster.com), по телефону (312) 902-1500 или приобрести в кассе театра.
Встреча с классикой
Американский балетный театр (далее – АБТ) хорошо знаком чикагским любителям балетного искусства. Только за последние годы мы увидели такие балеты, как “Жизель” и “Корсар” А.Адана, “Ромео и Джульетта” С.Прокофьева. АБТ не ограничивается классическими постановками – с театром в разные годы сотрудничали крупнейшие современные балетмейстеры Твила Тарп, Кларк Типпет, Марк Моррис. Но для гастролей в Чикаго театр неизменно выбирает классику. На этот раз мы увидим жемчужину мирового балетного искусства - балет Петра Ильича Чайковского “Спящая красавица”. По изяществу и разнообразию танцев, по мелодичности музыки этот балет не имеет себе равных. “Спящая красавица” - сокровищница хореографических шедевров, где каждый исполнитель и каждый зритель может найти что-то на свой вкус. Премьера балета в постановке Мариуса Петипа состоялась в Мариинском театре 3 января 1890 года. “Спящая...” сразу завоевала всемирную популярность. Сколько постановок было за это время - классических и современных, традиционных и скандальных, детских и только мужских!.. На протяжении XX века балетмейстеры не переставали модернизировать этот балет. На гастролях в Чикаго будет представлена еще одна новая редакция “Спящей...”. На этот раз - в постановке артистического директора театра Кевина Маккензи, бывшей балерины АБТ Гелси Киркланд и Майкла Чернова. Премьера этой постановки состоялась в Нью-Йорке весной прошлого года. После этого театр внес некоторые изменения в постановку и костюмы. В Чикаго новая “Спящая...” показывается впервые. Мы увидим семь представлений балета с 9 по 13 апреля на сцене Лирик-оперы. В сегодняшнем составе АБТ нет ни одной ярко выраженной звезды, поэтому на этот раз театр показывает семь примерно равных по составу пар - исполнителей партий принцессы Аврора и принца Дезире.
9 апреля (среда), 7.30 pm. Торжественное открытие гастролей. В главных партиях: Самара Рейс и Хозе Мануэль Карено.
10 апреля (четверг), 2.00 pm. В главных партиях: Мишель Уайлс и Дэвид Холберг.
10 апреля (четверг), 7.30 pm. В главных партиях: Сара Рейн и Херман Корнео.
11 апреля (пятница), 8.00 pm. В главных партиях: Джули Кент и Марчело Гомес.
12 апреля (суббота), 2.00 pm. В главных партиях: Джиллиан Мерфи и Эйтан Стифел.
12 апреля (суббота), 8.00 pm. В главных партиях: Ирина Дворовенко и Максим Белоцерковский.
13 апреля (воскресенье), 2.00 pm. В главных партиях: Палома Херрера и Анхел Коррела.
Адрес чикагской Лирик-оперы: 20 North Wacker Drive, Chicago, IL 60606
Билеты можно заказать по Интернету (www.ticketmaster.com), по телефону - (312) 902-1500 или приобрести в кассе театра.
Американский модерн
В отличие от АБТ, знакомящего Чикаго с новыми прочтениями классических постановок, Американский театр танца Алвина Эйли представляет спектакли, соединяющие классические традиции с современными американскими и африканскими танцами. Украшением труппы являются солисты-мужчины – яркие, прыгучие, сильные. Таким был и отец-основатель театра Алвин Эйли. Он родился в маленьком техасском городке в рабочей семье. Переехав в детстве в Лос-Анджелес, робкий, застенчивый Эйли неожиданно начинает заниматься танцами. Он был невероятно атлетичен, и вскоре к нему пришли первые успехи. Эйли получил прекрасное образование, его учителем был хореограф и танцор Лестер Хортон. Эйли начинал работу в труппах Калифорнии и Нью-Йорка, участвовал в бродвейских спектаклях и готовился к созданию собственного танцевального коллектива. В 1958 году Эйли пригласил к себе семь танцоров и стал с нуля создавать новую труппу. С первых лет его коллектив (название “Американский театр танца” появится позднее) проводил много времени в дороге, посещая маленькие города и показывая свои постановки огромному количеству людей, которые никогда до этого не видели танцевальных спектаклей. Эйли стремился донести искусство танца до самых простых людей, мнением которых он дорожил зачастую больше, чем мнением высоколобых критиков. Труппа Эйли побывала в странах Юго-Восточной Азии, Австралии, Европы, Африки. В 1970 году коллектив стал первой американской балетной труппой, побывавшей на гастролях в СССР за пятьдесят лет. До него, в двадцатые годы, в СССР гастролировала Айседора Дункан. После выступления труппы Эйли в Ленинграде артистам устроили двадцатиминутную овацию.
В 1969 году при театре Эйли создал специальную балетную Школу. В ней студенты изучают историю искусства балета и современного танца, технику танца, танцевальные композиции и театральный дизайн.
За годы работы с коллективом Эйли поставил около пятидесяти балетов. Его творения до сих пор идут на сценах АБТ, Парижской оперы, Лондонского фестивального балета, Королевского датского балета. Алвин Эйли - доктор искусств Принстонского университета, лауреат Премии мира ООН и медали президента США за выдающиеся достижения в искусстве. Закончив танцевать в 1965 году, Эйли сосредоточился на хореографической, административной и финансовой деятельности. Он умер в 1989 году в возрасте пятидесяти восьми лет. Последние девятнадцать лет театром руководит его любимая ученица, в прошлом – ведущая балерина театра Джудит Джеймисон.
В 2006 году театр уже гастролировал в Чикаго. Он показывал разные программы, состоящие, в основном, из одноактных балетов.
Событием нынешних гастролях станет балет легендарного Мориса Бежара “Петрушка” на музыку И.Стравинского. Французский хореограф по-новому прочитал традиционную фокинскую постановку этого балета. Театр представляет возобновление одной из своих самых ранних работ – спектакля “Путь поезда Феби Сноу” в постановке танцовщика и хореографа Тэлли Битти. Мы увидим также одноактный балет Эйли “Цветы”, посвященный трагической судьбе певицы Дженис Джоплин, умершей от злоупотребления алкоголем и наркотиками. В балете звучат композиции певицы, а также песни групп “Пинк Флойд” и “Блайнд Фэйс”.Наряду со старыми постановками Чикаго увидит и новые. В их числе - балет Роберта Баттла “Разворот” на музыку Густава Чарпентиера. Арию композитора специально для Американского театра танца записала Леонтин Прайс. Премьера спектакля состоялась в 2005 году.
Еще мы увидим балет Алвина Эйли “Ночное создание”, посвященный Дюку Эллингтону, “Отражения” – балет для одного танцора на музыку Эллингтона, “Рутина” – в этом балете звучат композиции Рэя Чарльза и Брендона Маккана, “Любовные истории” – хореографическая аллегория Джудит Джеймисон, созданная ею в соавторстве с пионером хип-хопа Робертом Бэттлом на музыку Стива Уандера.
Заключительным аккордом всех спектаклей станет исполнение легендарного одноактного балета “Откровения”, поставленного Эйли в 1960 году и давно вошедшего в разряд классики балетного искусства XX века. “Откровения” – это серия афроамериканских религиозных обрядов. В их числе - групповая молитва (“I've Been Buked”), церемония ритуального крещения (“Wade in the Water”), момент причастия (“I Wanna Be Ready”), дуэт священника и прихожанина (“Fix Me, Jesus”) и финальное торжественное пение евангелия (“Rocka My Soul in the Bosom of Abraham”). В качестве музыкальной основы спектакля Эйли использовал негритянские спиричуэлс и госпелс.
Нынешние гастроли театра проходят в юбилейный год – год пятидесятилетия театра. Надо сказать, что традиции, заложенные Эйли, живы до сих пор. Что-то невероятное происходит на спектаклях этого театра: зрители настолько подпадают под мощную энергетику солистов, кордебалет танцует так зажигательно и вдохновенно, что, кажется, магия танца уносит вас в заоблачные дали, и вы готовы мчаться с артистами на край света! Кураж, взрывная сила эмоций, животная пластичность и атлетизм - таковы отличительные черты этого коллектива. Незадолго до смерти Эйли сказал в одном из интервью: “Я стараюсь показать миру, что мы все одинаковы и неважно, какого цвета наша кожа. Важно только качество нашей работы”. Качество работы театра и сегодня остается высочайшим. Если кто-то из вас, уважаемые читатели, еще не были на спектаклях этого театра, - сходите и посмотрите! В театре танца Алвина Эйли достаточно побывать один раз, чтобы стать его горячим поклонником и возвращаться в него снова и снова.
Спектакли пройдут с 16 по 20 апреля на сцене театра “Аудиториум”.
16 апреля (среда), 7.30 pm. “Петрушка”, “Цветы”, “Откровения”.
17 апреля (четверг), 7.30 pm. “Петрушка”, “Путь поезда Феби Сноу”, “Откровения”.
18 апреля (пятница), 11.00 am. “В седло”, “Откровения”.
18 апреля (пятница), 8.00 pm. “Ночное создание”, “Поступь”, “Путь Феби Сноу”, “Откровения”.
19 апреля (суббота), 2.00 pm. “Любовные истории”, “Отражения”, “Рутина”, “Откровения”.
19 апреля (суббота), 8.00 pm. “Петрушка”, “Цветы”, “Разворот”, “Откровения”.
20 апреля (воскресенье), 3.00 pm. “Любовные истории”, “Отражения ”, “Рутина”, “Откровения”.
Адрес театра “Аудиториум”: 50 E. Congress Parkway, Chicago, IL 60605.
Билеты можно заказать по Интернету (www.ticketmaster.com), по телефону (312) 902-1500 или приобрести в кассе театра.
9 мар. 2008 г.
“Евгений Онегин” в Лирик-опере
Вторую неделю на сцене чикагской Лирик-оперы идет шедевр Пушкина и Чайковского, опера “Евгений Онегин” – спектакль яркий, живой, необычайно сильный по эмоциональному воздействию. Для постановки Роберта Карсена сцена Лирик-оперы кажется слишком большой – спектакль в полном соответствии с замыслом композитора получился камерным. Кленовые листья, одинокие фигуры героев, мечты о счастье, которое “было так возможно”, и щемящая тоска, присутствующая в музыке Чайковского с первой ноты... Давно в Лирик-опере мы не видели такого сильного состава участников. Мне повезло: во время репетиций и после премьеры я встретился с исполнителями главных партий. Перед вами – фрагменты наших бесед.
Дина Кузнецова - Татьяна
Главная героиня “Евгения Онегина” – Татьяна Ларина. Чайковский мог бы назвать оперу ее именем, поскольку именно ей отданы лучшие, вдохновеннейшие страницы музыки. Партия Татьяны стала настоящим триумфом замечательной певицы и актрисы Дины Кузнецовой. Редкий по красоте и тембру звучания, взволнованный голос певицы полон эмоциональных контрастов, достигая в финале высокой степени драматизма. В партии Татьяны Кузнецова демонстрирует не только прекрасный голос, но и огромный драматический талант. На протяжении трех часов спектакля она проживает целую жизнь, превращаясь от мечтательной девочки и любящей девушки, наделенной “воображением мятежным” и “сердцем пламенным и нежным”, до умудренной опытом и разочарованной в любви верной жены. В каких-то моментах героиня Кузнецовой кажется мягче, нежнее, беззащитнее ее предшественниц-исполнительниц этой партии, в каких-то - решительней. Как хорошо передает Кузнецова смятение Татьяны, ее робость и вместе с тем отчаянную решимость в сцене письма, а ведь передать всю гамму чувств, обуревающих Татьяну, - это подвластно далеко не всем! Как разнообразно показывает певица переходы от задумчивости к веселью, от сомнения к безудержной решимости испытать судьбу и открыться Онегину! К концу спектакля неузнаваемо меняется пластика актрисы, ее прическа, манера поведения, выражение лица, глаз. Мне кажется, именно игра Кузнецовой задала высокую драматическую планку для остальных участников спектакля.
На встречу с певицей я пришел с книгой Вишневской “Галина. История жизни“. Для Вишневской Татьяна всегда была “самым верным и преданным другом”. Реакция Дины Кузнецовой была мгновенной:
- Я эту книжку знаю наизусть! Я штудировала ее, когда только начинала заниматься вокалом. Вишневская – великая женщина! Королева!
- Помните, как ее учил Борис Покровский: “...письмо Татьяны: не рассуждая, села в санки, да с высокой, крутой горы – вниз! А опомнилась уже внизу... Вот так Татьяна написала письмо, отправила Онегину и только тогда поняла, что она сделала...”. У вас в сцене письма возникало именно это чувство?
- Я старалась. (Смеется.) Я помню слова Покровского, как надо двигаться. В спектакле много движения. Постановка Карсена простая, стильная и вместе с тем не совсем современная.
- Расскажите, пожалуйста, о ваших коллегах по сцене.
- Единственный, с кем я пела раньше, - Франк (Исполнитель партии Ленского Франк Лопардо. – Прим. автора.). Мы пели с ним в “Риголетто”. Франк - замечательный коллега. Я его очень люблю. Перед Ленским он усердно трудился над русским языком, и у него прекрасно получилось. С остальными певцами я впервые встретилась в Чикаго. Более приятного, вдохновляющего состава трудно себе представить! Замечательно работается с Эндрю Дэвисом. С ним очень удобно петь. Он дирижировал этой оперой, прекрасно ее знает, и у него нет шаблона – вот только так и никак иначе. Мне кажется, он очень свежо читает оркестровый текст.
- Как вы готовились к партии Татьяны?
- Прежде всего прочитала “Евгения Онегина” и поразилась, насколько все-таки гениальные стихи. Опять же, пыталась избавиться от шаблонов. Зато это такой кайф – петь на русском языке! Я романсы пою на русском довольно много, а с русской оперой сталкиваюсь впервые.
- Дебют удался. Мне кажется, вы – идеальная Татьяна и идеальная пара с Хворостовским. Вы делаете нескучную Татьяну. Сколько мы видели престарелых Татьян, которым не веришь. А вашей Татьяне веришь.
- Спасибо. Это очень важная для меня партия.
Дина Кузнецова родилась и выросла в Москве. C детства будущая певица играла на фортепиано. Закончила Мерзляковское училище, но поступать в Московскую консерваторию не стала. Говорит, что хотела быть музыкантом, но не пианисткой. После года работы аккомпаниатором в Щукинском училище Дина приехала в Америку и... поступила в консерваторию Оберлин в Кливленде. Так началась ее новая жизнь.
- Слушая вас, хочется сказать: “Так не бывает!” Все так просто... Сколько вам было лет, когда вы приехали в Америку?
- Девятнадцать. Я приехала погостить у родственников, и они устроили мне прослушивание в консерватории. Я поехала в Оберлин, сдала экзамены, получила стипендию и стала учиться.
- Почему такой неожиданный поворот судьбы – от фортепиано к вокалу?
- Я всегда любила вокальную музыку. Ходила в Гоголевскую библиотеку, слушала “Аиду”... Я немного пела и играла чуть-чуть под гитару, и никаких мыслей, что когда-нибудь стану вокалисткой, у меня не было. На третьем курсе консерватории в Оберлине параллельно с фортепиано начала брать уроки вокала у замечательного педагога Мэри Шиллер – она сейчас преподает в Кливленде. Когда на третьем курсе стало что-то получаться, сразу забросила рояль и решила, что вокальное пение - единственное, что я люблю, хочу и буду делать. Вот тогда я как раз штудировала Вишневскую, обливаясь по ночам слезами...
- А как вы оказались в Школе оперного пения при Лирик-опере?
- Как все молодые певцы, ходила, прослушивалась. Мне повезло: выдающаяся певица Мерилин Хорн пригласила меня на летнюю программу в Музыкальную академию в Санта-Барбару. Там меня услышал руководитель Центра оперного пения при Лирик-опере Ричард Перлман. Он пригласил меня прослушиваться в Чикаго. Я приехала. Меня взяли. Так я оказалась в Чикаго.
- С тех пор вас считают здесь своей.
- И я считаю себя здесь своей.
Первой главной партией на сцене чикагского театра у Кузнецовой была партия Лисички в “Приключениях лисички-плутовки” Л.Яначека. В прошлых сезонах она пела Джильду в “Риголетто” Дж.Верди и Джульетту в “Ромео и Джульетте” Ш.Гуно. Дебют певицы в партии Татьяны знаменует новый поворот в ее карьере – овладение русским оперным репертуаром. Надеюсь, в будущем она предстанет перед зрителями в новых ярких образах.
Дмитрий Хворостовский - Онегин
Подлинным событием чикагского спектакля стало участие в нем прекрасного русского баритона Дмитрия Хворостовского. Уникальный по тембру и энергетике голос, прекрасные внешние данные, актерские данные - Хворостовский обладает всеми необходимыми атрибутами настоящей звезды. Партия Онегина – фирменная партия баритона, он как будто создан для нее. Холеный и холодный денди – таким мы встречаем Хворостовского в первом акте “Онегина”. А вот в последнем певец абсолютно перевоплощается, и вместо избалованного аристократа, высокомерно читающего Татьяне проповеди, мы видим пылающего страстью влюбленного человека. Хворостовский хорошо отзывается о постановке Роберта Карсена:
- Это, пожалуй, одна из немногих западных постановок, которые отвечают нашим традиционным представлениям об Онегине Пушкина и Чайковского. В ней существует определенный баланс, в ней есть и простор, и театральная аура, где все внимание сконцентрировано на главных героях драмы.
- Может ли западный режиссер, пусть даже самый талантливый, в полной мере понять русскую душу?
- Нет, но этого и не нужно. Наоборот, западное прочтение того, что привычно нам, дает свежую струю, определенное направление для развития, для нового прочтения. Для меня, как для артиста ищущего, это благотворно сказывается на работе. Чем глубже работаешь над одной и той же ролью или партией, тем становится интересней, тем больше возникает вопросов. Сегодня мне в сто раз интереснее петь Онегина, чем это было двадцать лет назад.
- Можно ли сказать, что ваш образ Онегина сегодня ближе к пушкинскому?
- Мне хотелось бы, чтобы он был ближе. Пушкин изменился и в моих глазах, в моем представлении с тех пор, как я начал петь Онегина. Пушкин стал более современным, более европейским. Как настоящий гений, он применим абсолютно к любому времени. Он всегда будоражит и всегда интересен. Онегин в опере – это в меньшей степени Онегин Пушкина, чем Онегин Чайковского. И от соответствующего сплетения Пушкина и Чайковского рождается что-то совершенно уникальное.
- Как вы оцениваете уровень Лирик-оперы в сравнении с другими театрами?
- Лирик-опера – домашний театр. Здесь всегда ратуют и болеют за артистов. Лирик-опера называлась американской Скалой. Традиции настоящего итальянского пения были начаты прежде всего здесь, и публика была воспитана на лучших представителях итальянского оперного пения. Для меня петь в этом театре очень почетно. Меня радуют традиции, которые продолжает сохранять Лирик-опера. Во многих театрах, особенно американских, это уже давно исчезло, а во многих и не было никогда. В Чикаго я всегда любил и люблю выступать.
- В опере вы достигли всего. Есть неспетые партии, о которых вы мечтаете?
- Я не всего достиг. У меня еще достаточно длинная дорога и масса интересных идей в опере. Я не стремлюсь торопить события и не стремлюсь объять необъятное, как это делают многие мои коллеги. Каждая из моих ролей дается мне тяжелым и кропотливым трудом. Это большой путь исканий. Поэтому мои роли - такие, как Онегин, Жермон, Симон Бокканегра - странствуют со мной на протяжении всей моей жизни. Было бы здорово, если бы когда-нибудь я смог позволить себе спеть “Бориса Годунова” в той или иной постановке. Может быть, в кино. Меня очень волнует эта роль и эта музыка. Мне кажется, найдется, что сказать, что привнести нового в эту роль.
- То, что вы говорите, очень интересно, потому что в какой-то момент мне показалось, что вы охладели к опере. Вы стали петь военные песни, романсы...
- Нет, мне не скучно в опере. Просто все больше появляется животрепещущих проектов на злобу дня.
- Кстати, о “животрепещущих проектах”. Как вы относитесь к осовремениванию классических опер? Что вы можете сказать про “нового” “Евгения Онегина” в Баварской опере, где Онегин и Ленский показаны геями?
- Я должен был участвовать в этой постановке в октябре-ноябре, но разорвал контракт. Мое отношение абсолютно негативное. Когда происходит опошление, неуважение или откровенное оскорбление наших традиций, такое нельзя так оставлять. Традиции нужно защищать.
- Какое счастье, что в Чикаго мы видим совсем другую оперу!
- В Америке такое вряд ли возможно.
- Но не возникает ли в Америке, с вашей точки зрения, другого перекоса – в сторону излишнего консерватизма и даже архаизма?
- Потому что люди, дающие деньги, привыкли видеть классику, привыкли видеть то, что им понятно. Деньги диктуют политику. Кто поддерживает оперный театр в Америке? Люди достаточно пожилые со своими устоявшимися вкусами. Сейчас, правда, происходит обновление оперного жанра.
- Вы чувствуете разницу между публикой в России и в Америке?
- Музыка в России не есть элемент всеобщего “entertainment”а, как в Америке. Для русских людей классическое искусство остается святыней. Это - не просто жевательная резинка. Это – то, ради чего люди живут. Я помню начало девяностых годов: годы бедности и... переполненные залы в России. Люди жаждут искусства. Этого нигде никогда не было – только в России.
Нино Сургуладзе - Ольга
Она создана для этой роли. Она, как пушкинская Ольга, “беззаботна и шаловлива”, ее “ребенком все зовут”. У нее прекрасное меццо-сопрано, она молода, красива, умна, талантлива. Знакомьтесь: в партии Ольги на американской оперной сцене дебютирует Нино Сургуладзе. Дмитрий Хворостовский сказал о ней так: “Нино Сургуладзе – очень тонкая артистка с потрясающим голосом и школой”.
Она родилась в Тбилиси в семье биологов. Популярность пришла к ней в одиннадцать лет. Помните трогательный рассказ о дружбе дельфинихи Метичары с девочкой Нинико? Фильм назывался “Метичара – зверь морской” (1988), и главную роль в нем исполняла маленькая Нино. Девочка сыграла в кино, училась в Школе искусств и ничто не предвещало, что она станет оперной певицей. С оперой Нино познакомилась благодаря папиной коллекции пластинок. Но опера была дома, а в грузинском ансамбле, солисткой которого была Нино (она успевала все!), она пела джаз и мюзиклы, в том числе “Пеппи-длинный чулок”. В составе ансамбля Сургуладзе побывала на гастролях в Америке. Среди штатов была и Джорджия, Нино выступила даже на телевидении в Атланте. “Путешествие было великолепным – первый раз я увидела другой мир!” – вспоминает певица. В 1992 году Сургуладзе снялась в фильме Ланы Гогоберидзе “Вальс на Печоре”. Казалось, ее ждет карьера кинозвезды. Но потом как-то все само собой исчезло. Два года Сургуладзе готовилась стать журналисткой, а потом неожиданно для многих поступила в Тбилисскую консерваторию. Уроки вокала давались ей нелегко, но магия оперы захватила Нино: “Мне понравилось, жизнь стала интересной!” В доме Софико Чиаурели Нино встретилась с Еленой Образцовой. Прима благословила юную Нинико. С 1995 по 2001 годы будущая певица выиграла несколько вокальных конкурсов. Среди побед молодой певицы назову Первую премию на 43-м международном певческом конкурсе в Тулузе и несколько премий на представительном конкурсе “Vinas” в Барселоне, в том числе – стажировка в “Ла Скала”. В двадцать один год, не зная языка, Нино отправилась покорять Италию. За время учебы в прославленном миланском оперном театре Сургуладзе участвовала в двенадцати спектаклях. “Одной из первых дебютных партий в “Ла Скала” стала партия сына Бориса Федора в “Борисе Годунове”, - говорит певица и со смехом добавляет. - Для мужских партий пришлось купить специальный парик.” Там же, в Милане она спела свою первую Ольгу. Спектаклем дирижировал Владимир Юровский. А дальше – стандартная карьера звезды: концерты, спектакли, гастроли... Перечислю только последние работы певицы: Фенена в опере Дж.Верди “Набукко” в Вероне, Кармен в Неаполе, Никлаус в “Сказках Гофмана” Ж.Оффенбаха в Гамбурге. Мой список дополняет Нино:
- Я пела в Барселоне в “Катерине Измайловой”, пела “Фальстафа” в “Ла Скала” с маэстро Мути, открывала сезон в “Моисее и фараоне”...
- Вы сразу попали в святая святых. Говорят, труднее всего петь в Италии, а вы начали с Италии.
- Да, там петь тяжело. Итальянцы с молоком матери впитывают классическую оперу. Я пела в Милане, Бари, Неаполе. Самым сложным театром в смысле публики считается оперный театр в Парме. Там тебя могут в прямом смысле просто обозвать какими-то страшными словами. Там и многим большим звездам достается. А я в Парме дебютировала в партии Маргариты в “Фаусте” Берлиоза. Это было страшно, но, слава Богу, все хорошо прошло, и они меня еще раз пригласили.
- Что, действительно каждый итальянец знает все оперы наизусть?
- Не все, но очень многие. Как-то на “Кармен” был полный зал студентов. Они аплодировали, активно принимали участие в спектакле, эмоционально воспринимали его. Я была очень рада, потому что в такие моменты я чувствую, что у оперы есть будущее.
- То, что вы из бывшего Советского Союза, мешает или помогает вам?
- Я думаю, что помогает. Мы, люди из СССР, много чего видели и плохого, и хорошего. У нас психика намного сильнее. Маленькие проблемы и стрессы на нас действуют не так, как на людей, выросших в более обеспеченном мире.
- В каком репертуаре вам интереснее всего?
- Бельканто. Французский и итальянский репертуар. Верди, Беллини, Россини, Бизе. Пуччини пока не пробовала. Я бы очень хотела спеть Эболи в “Дон Карлосе” Верди, Далилу в “Самсоне и Далиле” К.Сен-Санса. Мне однажды маэстро Мути сказал: “Не надо петь все сразу. Пока пойте Моцарта”. Все надо делать по порядку, не форсируя.
- Где вам уютней выступать?
- Мне очень нравится Италия, понравилось петь в Англии на Глайденбурнском фестивале. Мне больше по душе теплые зрители. Я должна чувствовать притяжение зала. Если этого нет, чуда не происходит. Я себя чувствую дома там, где есть хороший театр. В Чикаго я первый раз и чувствую себя, как дома.
Виталий Ковалев - Гремин
Отдельное спасибо Петру Ильичу Чайковскому за создание образа князя Гремина. Жаль, правда, что он подарил князю всего одну арию. Слушая прекрасного баса Виталия Ковалева, хотелось, чтобы его герой пел бесконечно! С другой стороны, ария-то у Гремина одна, зато какая – “Любви все возрасты покорны...”! Лирическому голосу Ковалева есть где разгуляться. Певец спел свою небольшую партию так проникновенно, так нежно, так глубоко, что действительно веришь, как много радостного и светлого внесла в его жизнь Татьяна. Бархатный голос Ковалева звучал одинаково красиво во всех регистрах. Особенно удалась певцу теплая кантилена.
У Виталия Ковалева в “Онегине” – двойной дебют: он впервые выступает в Лирик-опере и впервые исполняет партию Гремина. Я спросил певца, почему.
- Так получилось, что я сразу погрузился в итальянский репертуар: Верди, Пуччини, Доницетти. Недавно стал осваивать немецкие оперы. “Евгений Онегин” – одна из первых русских опер, в которых я участвую.
Традиционные постановки Ковалев предпочитает современным:
- Я не представляю себе “Волшебную флейту” или “Дон Карлос” в джинсах и футболках. Мне, как зрителю, хочется отключиться от нашей действительности и погрузиться в ту, прошлую жизнь. Может быть, из-за этого я отдаю предпочтение контрактам в Америке. “Евгений Онегин” в Лирик-опере выигрывает за счет хорошего вокального состава. Просто заслушиваешься, пока ждешь своего выхода! Я очень рад, что русская опера вернулась в Чикаго.
Виталий Ковалев родился в красивом зеленом украинском городе Черкасы. Служил в армии на Севере, работал пожарником. “Если бы кто-нибудь тогда сказал, что я буду оперным певцом, я бы посчитал этого человека величайшим шутником. Я учился восемь лет в музыкальной школе, играл на фортепиано, но о пении никогда не думал. Хотя друзья советовали”. После одной страшной аварии работу пришлось оставить. И вот тогда-то Ковалев вспомнил про советы друзей и решил попробовать. Он стал петь в хоре и устраивать концерты для туристов, приезжающих из Европы. На одном из таких концертов в 1991 году его услышала любительница оперы из Швейцарии Ренате Грюниг. Вернувшись в Берн, она, по словам Ковалева, “довольно настойчиво” уговаривала директора оперного театра, чтобы он пригласил певца.
- Директор долго отказывался, но после настойчивого давления женщины пригласил меня на прослушивание. Я ехал наобум. Ни опыта, ни языка, ни денег. Если бы я знал, с какими трудностями встречусь, может быть, не поехал бы. Не раз возникало желание собрать чемодан и поехать домой. Иногда возникала зависть к тем молодым людям, родители которых оплачивают обучение, а они не хотят учиться. А когда у тебя в кармане пять долларов на неделю, особо не разгонишься.
- Вы сразу стали петь в опере?
- Я поступил в Бернскую консерваторию. На прослушивании пел арию Гремина.
- Природная красота и обаяние вашего голоса сделали свое дело.
- Мой педагог сказал: “Сейчас из медведя будем делать вокалиста”. Голос был сильный, но школы никакой не было. С 1995 по 1998 годы из меня делали вокалиста.
Победа на конкурсе Пласидо Доминго “Operalia”изменила жизнь Ковалева, открыв перед ним двери крупнейших оперных театров мира. Сегодня в репертуаре певца – более сорока партий в классических и современных операх. Он живет в швейцарском городе Сант Галлен, недалеко от границы с Австрией и Германией. Правда, “живет” – громко сказано. Там живет его семья: жена Дорин и пятилетний Виталий-младший. (Ковалев смеется: “Имя придумала жена”.) А сам певец бывает дома редко, максимум – семь-восемь недель в год. В сезоне 2004-2005 годов Ковалев пел в течение одного сезона в шести постановках МЕТа! Сегодня певец подписывает контракты уже на 2011 год. Только что вернулся из Вены. Снимался в фильме-опере “Богема” с Нетребко, Виллазоном и... собственным сыном. Во втором акте у Виталия-младшего небольшая роль. Так что последний раз семью видел в Вене. “Все постепенно образовалось”, - говорит певец.
Праздник продолжается - шедевр Петра Ильича Чайковского “Евгений Онегин” идет в Лирик-опере до конца марта!
9 марта 2008 года
Дина Кузнецова - Татьяна
Главная героиня “Евгения Онегина” – Татьяна Ларина. Чайковский мог бы назвать оперу ее именем, поскольку именно ей отданы лучшие, вдохновеннейшие страницы музыки. Партия Татьяны стала настоящим триумфом замечательной певицы и актрисы Дины Кузнецовой. Редкий по красоте и тембру звучания, взволнованный голос певицы полон эмоциональных контрастов, достигая в финале высокой степени драматизма. В партии Татьяны Кузнецова демонстрирует не только прекрасный голос, но и огромный драматический талант. На протяжении трех часов спектакля она проживает целую жизнь, превращаясь от мечтательной девочки и любящей девушки, наделенной “воображением мятежным” и “сердцем пламенным и нежным”, до умудренной опытом и разочарованной в любви верной жены. В каких-то моментах героиня Кузнецовой кажется мягче, нежнее, беззащитнее ее предшественниц-исполнительниц этой партии, в каких-то - решительней. Как хорошо передает Кузнецова смятение Татьяны, ее робость и вместе с тем отчаянную решимость в сцене письма, а ведь передать всю гамму чувств, обуревающих Татьяну, - это подвластно далеко не всем! Как разнообразно показывает певица переходы от задумчивости к веселью, от сомнения к безудержной решимости испытать судьбу и открыться Онегину! К концу спектакля неузнаваемо меняется пластика актрисы, ее прическа, манера поведения, выражение лица, глаз. Мне кажется, именно игра Кузнецовой задала высокую драматическую планку для остальных участников спектакля.
На встречу с певицей я пришел с книгой Вишневской “Галина. История жизни“. Для Вишневской Татьяна всегда была “самым верным и преданным другом”. Реакция Дины Кузнецовой была мгновенной:
- Я эту книжку знаю наизусть! Я штудировала ее, когда только начинала заниматься вокалом. Вишневская – великая женщина! Королева!
- Помните, как ее учил Борис Покровский: “...письмо Татьяны: не рассуждая, села в санки, да с высокой, крутой горы – вниз! А опомнилась уже внизу... Вот так Татьяна написала письмо, отправила Онегину и только тогда поняла, что она сделала...”. У вас в сцене письма возникало именно это чувство?
- Я старалась. (Смеется.) Я помню слова Покровского, как надо двигаться. В спектакле много движения. Постановка Карсена простая, стильная и вместе с тем не совсем современная.
- Расскажите, пожалуйста, о ваших коллегах по сцене.
- Единственный, с кем я пела раньше, - Франк (Исполнитель партии Ленского Франк Лопардо. – Прим. автора.). Мы пели с ним в “Риголетто”. Франк - замечательный коллега. Я его очень люблю. Перед Ленским он усердно трудился над русским языком, и у него прекрасно получилось. С остальными певцами я впервые встретилась в Чикаго. Более приятного, вдохновляющего состава трудно себе представить! Замечательно работается с Эндрю Дэвисом. С ним очень удобно петь. Он дирижировал этой оперой, прекрасно ее знает, и у него нет шаблона – вот только так и никак иначе. Мне кажется, он очень свежо читает оркестровый текст.
- Как вы готовились к партии Татьяны?
- Прежде всего прочитала “Евгения Онегина” и поразилась, насколько все-таки гениальные стихи. Опять же, пыталась избавиться от шаблонов. Зато это такой кайф – петь на русском языке! Я романсы пою на русском довольно много, а с русской оперой сталкиваюсь впервые.
- Дебют удался. Мне кажется, вы – идеальная Татьяна и идеальная пара с Хворостовским. Вы делаете нескучную Татьяну. Сколько мы видели престарелых Татьян, которым не веришь. А вашей Татьяне веришь.
- Спасибо. Это очень важная для меня партия.
Дина Кузнецова родилась и выросла в Москве. C детства будущая певица играла на фортепиано. Закончила Мерзляковское училище, но поступать в Московскую консерваторию не стала. Говорит, что хотела быть музыкантом, но не пианисткой. После года работы аккомпаниатором в Щукинском училище Дина приехала в Америку и... поступила в консерваторию Оберлин в Кливленде. Так началась ее новая жизнь.
- Слушая вас, хочется сказать: “Так не бывает!” Все так просто... Сколько вам было лет, когда вы приехали в Америку?
- Девятнадцать. Я приехала погостить у родственников, и они устроили мне прослушивание в консерватории. Я поехала в Оберлин, сдала экзамены, получила стипендию и стала учиться.
- Почему такой неожиданный поворот судьбы – от фортепиано к вокалу?
- Я всегда любила вокальную музыку. Ходила в Гоголевскую библиотеку, слушала “Аиду”... Я немного пела и играла чуть-чуть под гитару, и никаких мыслей, что когда-нибудь стану вокалисткой, у меня не было. На третьем курсе консерватории в Оберлине параллельно с фортепиано начала брать уроки вокала у замечательного педагога Мэри Шиллер – она сейчас преподает в Кливленде. Когда на третьем курсе стало что-то получаться, сразу забросила рояль и решила, что вокальное пение - единственное, что я люблю, хочу и буду делать. Вот тогда я как раз штудировала Вишневскую, обливаясь по ночам слезами...
- А как вы оказались в Школе оперного пения при Лирик-опере?
- Как все молодые певцы, ходила, прослушивалась. Мне повезло: выдающаяся певица Мерилин Хорн пригласила меня на летнюю программу в Музыкальную академию в Санта-Барбару. Там меня услышал руководитель Центра оперного пения при Лирик-опере Ричард Перлман. Он пригласил меня прослушиваться в Чикаго. Я приехала. Меня взяли. Так я оказалась в Чикаго.
- С тех пор вас считают здесь своей.
- И я считаю себя здесь своей.
Первой главной партией на сцене чикагского театра у Кузнецовой была партия Лисички в “Приключениях лисички-плутовки” Л.Яначека. В прошлых сезонах она пела Джильду в “Риголетто” Дж.Верди и Джульетту в “Ромео и Джульетте” Ш.Гуно. Дебют певицы в партии Татьяны знаменует новый поворот в ее карьере – овладение русским оперным репертуаром. Надеюсь, в будущем она предстанет перед зрителями в новых ярких образах.
Дмитрий Хворостовский - Онегин
Подлинным событием чикагского спектакля стало участие в нем прекрасного русского баритона Дмитрия Хворостовского. Уникальный по тембру и энергетике голос, прекрасные внешние данные, актерские данные - Хворостовский обладает всеми необходимыми атрибутами настоящей звезды. Партия Онегина – фирменная партия баритона, он как будто создан для нее. Холеный и холодный денди – таким мы встречаем Хворостовского в первом акте “Онегина”. А вот в последнем певец абсолютно перевоплощается, и вместо избалованного аристократа, высокомерно читающего Татьяне проповеди, мы видим пылающего страстью влюбленного человека. Хворостовский хорошо отзывается о постановке Роберта Карсена:
- Это, пожалуй, одна из немногих западных постановок, которые отвечают нашим традиционным представлениям об Онегине Пушкина и Чайковского. В ней существует определенный баланс, в ней есть и простор, и театральная аура, где все внимание сконцентрировано на главных героях драмы.
- Может ли западный режиссер, пусть даже самый талантливый, в полной мере понять русскую душу?
- Нет, но этого и не нужно. Наоборот, западное прочтение того, что привычно нам, дает свежую струю, определенное направление для развития, для нового прочтения. Для меня, как для артиста ищущего, это благотворно сказывается на работе. Чем глубже работаешь над одной и той же ролью или партией, тем становится интересней, тем больше возникает вопросов. Сегодня мне в сто раз интереснее петь Онегина, чем это было двадцать лет назад.
- Можно ли сказать, что ваш образ Онегина сегодня ближе к пушкинскому?
- Мне хотелось бы, чтобы он был ближе. Пушкин изменился и в моих глазах, в моем представлении с тех пор, как я начал петь Онегина. Пушкин стал более современным, более европейским. Как настоящий гений, он применим абсолютно к любому времени. Он всегда будоражит и всегда интересен. Онегин в опере – это в меньшей степени Онегин Пушкина, чем Онегин Чайковского. И от соответствующего сплетения Пушкина и Чайковского рождается что-то совершенно уникальное.
- Как вы оцениваете уровень Лирик-оперы в сравнении с другими театрами?
- Лирик-опера – домашний театр. Здесь всегда ратуют и болеют за артистов. Лирик-опера называлась американской Скалой. Традиции настоящего итальянского пения были начаты прежде всего здесь, и публика была воспитана на лучших представителях итальянского оперного пения. Для меня петь в этом театре очень почетно. Меня радуют традиции, которые продолжает сохранять Лирик-опера. Во многих театрах, особенно американских, это уже давно исчезло, а во многих и не было никогда. В Чикаго я всегда любил и люблю выступать.
- В опере вы достигли всего. Есть неспетые партии, о которых вы мечтаете?
- Я не всего достиг. У меня еще достаточно длинная дорога и масса интересных идей в опере. Я не стремлюсь торопить события и не стремлюсь объять необъятное, как это делают многие мои коллеги. Каждая из моих ролей дается мне тяжелым и кропотливым трудом. Это большой путь исканий. Поэтому мои роли - такие, как Онегин, Жермон, Симон Бокканегра - странствуют со мной на протяжении всей моей жизни. Было бы здорово, если бы когда-нибудь я смог позволить себе спеть “Бориса Годунова” в той или иной постановке. Может быть, в кино. Меня очень волнует эта роль и эта музыка. Мне кажется, найдется, что сказать, что привнести нового в эту роль.
- То, что вы говорите, очень интересно, потому что в какой-то момент мне показалось, что вы охладели к опере. Вы стали петь военные песни, романсы...
- Нет, мне не скучно в опере. Просто все больше появляется животрепещущих проектов на злобу дня.
- Кстати, о “животрепещущих проектах”. Как вы относитесь к осовремениванию классических опер? Что вы можете сказать про “нового” “Евгения Онегина” в Баварской опере, где Онегин и Ленский показаны геями?
- Я должен был участвовать в этой постановке в октябре-ноябре, но разорвал контракт. Мое отношение абсолютно негативное. Когда происходит опошление, неуважение или откровенное оскорбление наших традиций, такое нельзя так оставлять. Традиции нужно защищать.
- Какое счастье, что в Чикаго мы видим совсем другую оперу!
- В Америке такое вряд ли возможно.
- Но не возникает ли в Америке, с вашей точки зрения, другого перекоса – в сторону излишнего консерватизма и даже архаизма?
- Потому что люди, дающие деньги, привыкли видеть классику, привыкли видеть то, что им понятно. Деньги диктуют политику. Кто поддерживает оперный театр в Америке? Люди достаточно пожилые со своими устоявшимися вкусами. Сейчас, правда, происходит обновление оперного жанра.
- Вы чувствуете разницу между публикой в России и в Америке?
- Музыка в России не есть элемент всеобщего “entertainment”а, как в Америке. Для русских людей классическое искусство остается святыней. Это - не просто жевательная резинка. Это – то, ради чего люди живут. Я помню начало девяностых годов: годы бедности и... переполненные залы в России. Люди жаждут искусства. Этого нигде никогда не было – только в России.
Нино Сургуладзе - Ольга
Она создана для этой роли. Она, как пушкинская Ольга, “беззаботна и шаловлива”, ее “ребенком все зовут”. У нее прекрасное меццо-сопрано, она молода, красива, умна, талантлива. Знакомьтесь: в партии Ольги на американской оперной сцене дебютирует Нино Сургуладзе. Дмитрий Хворостовский сказал о ней так: “Нино Сургуладзе – очень тонкая артистка с потрясающим голосом и школой”.
Она родилась в Тбилиси в семье биологов. Популярность пришла к ней в одиннадцать лет. Помните трогательный рассказ о дружбе дельфинихи Метичары с девочкой Нинико? Фильм назывался “Метичара – зверь морской” (1988), и главную роль в нем исполняла маленькая Нино. Девочка сыграла в кино, училась в Школе искусств и ничто не предвещало, что она станет оперной певицей. С оперой Нино познакомилась благодаря папиной коллекции пластинок. Но опера была дома, а в грузинском ансамбле, солисткой которого была Нино (она успевала все!), она пела джаз и мюзиклы, в том числе “Пеппи-длинный чулок”. В составе ансамбля Сургуладзе побывала на гастролях в Америке. Среди штатов была и Джорджия, Нино выступила даже на телевидении в Атланте. “Путешествие было великолепным – первый раз я увидела другой мир!” – вспоминает певица. В 1992 году Сургуладзе снялась в фильме Ланы Гогоберидзе “Вальс на Печоре”. Казалось, ее ждет карьера кинозвезды. Но потом как-то все само собой исчезло. Два года Сургуладзе готовилась стать журналисткой, а потом неожиданно для многих поступила в Тбилисскую консерваторию. Уроки вокала давались ей нелегко, но магия оперы захватила Нино: “Мне понравилось, жизнь стала интересной!” В доме Софико Чиаурели Нино встретилась с Еленой Образцовой. Прима благословила юную Нинико. С 1995 по 2001 годы будущая певица выиграла несколько вокальных конкурсов. Среди побед молодой певицы назову Первую премию на 43-м международном певческом конкурсе в Тулузе и несколько премий на представительном конкурсе “Vinas” в Барселоне, в том числе – стажировка в “Ла Скала”. В двадцать один год, не зная языка, Нино отправилась покорять Италию. За время учебы в прославленном миланском оперном театре Сургуладзе участвовала в двенадцати спектаклях. “Одной из первых дебютных партий в “Ла Скала” стала партия сына Бориса Федора в “Борисе Годунове”, - говорит певица и со смехом добавляет. - Для мужских партий пришлось купить специальный парик.” Там же, в Милане она спела свою первую Ольгу. Спектаклем дирижировал Владимир Юровский. А дальше – стандартная карьера звезды: концерты, спектакли, гастроли... Перечислю только последние работы певицы: Фенена в опере Дж.Верди “Набукко” в Вероне, Кармен в Неаполе, Никлаус в “Сказках Гофмана” Ж.Оффенбаха в Гамбурге. Мой список дополняет Нино:
- Я пела в Барселоне в “Катерине Измайловой”, пела “Фальстафа” в “Ла Скала” с маэстро Мути, открывала сезон в “Моисее и фараоне”...
- Вы сразу попали в святая святых. Говорят, труднее всего петь в Италии, а вы начали с Италии.
- Да, там петь тяжело. Итальянцы с молоком матери впитывают классическую оперу. Я пела в Милане, Бари, Неаполе. Самым сложным театром в смысле публики считается оперный театр в Парме. Там тебя могут в прямом смысле просто обозвать какими-то страшными словами. Там и многим большим звездам достается. А я в Парме дебютировала в партии Маргариты в “Фаусте” Берлиоза. Это было страшно, но, слава Богу, все хорошо прошло, и они меня еще раз пригласили.
- Что, действительно каждый итальянец знает все оперы наизусть?
- Не все, но очень многие. Как-то на “Кармен” был полный зал студентов. Они аплодировали, активно принимали участие в спектакле, эмоционально воспринимали его. Я была очень рада, потому что в такие моменты я чувствую, что у оперы есть будущее.
- То, что вы из бывшего Советского Союза, мешает или помогает вам?
- Я думаю, что помогает. Мы, люди из СССР, много чего видели и плохого, и хорошего. У нас психика намного сильнее. Маленькие проблемы и стрессы на нас действуют не так, как на людей, выросших в более обеспеченном мире.
- В каком репертуаре вам интереснее всего?
- Бельканто. Французский и итальянский репертуар. Верди, Беллини, Россини, Бизе. Пуччини пока не пробовала. Я бы очень хотела спеть Эболи в “Дон Карлосе” Верди, Далилу в “Самсоне и Далиле” К.Сен-Санса. Мне однажды маэстро Мути сказал: “Не надо петь все сразу. Пока пойте Моцарта”. Все надо делать по порядку, не форсируя.
- Где вам уютней выступать?
- Мне очень нравится Италия, понравилось петь в Англии на Глайденбурнском фестивале. Мне больше по душе теплые зрители. Я должна чувствовать притяжение зала. Если этого нет, чуда не происходит. Я себя чувствую дома там, где есть хороший театр. В Чикаго я первый раз и чувствую себя, как дома.
Виталий Ковалев - Гремин
Отдельное спасибо Петру Ильичу Чайковскому за создание образа князя Гремина. Жаль, правда, что он подарил князю всего одну арию. Слушая прекрасного баса Виталия Ковалева, хотелось, чтобы его герой пел бесконечно! С другой стороны, ария-то у Гремина одна, зато какая – “Любви все возрасты покорны...”! Лирическому голосу Ковалева есть где разгуляться. Певец спел свою небольшую партию так проникновенно, так нежно, так глубоко, что действительно веришь, как много радостного и светлого внесла в его жизнь Татьяна. Бархатный голос Ковалева звучал одинаково красиво во всех регистрах. Особенно удалась певцу теплая кантилена.
У Виталия Ковалева в “Онегине” – двойной дебют: он впервые выступает в Лирик-опере и впервые исполняет партию Гремина. Я спросил певца, почему.
- Так получилось, что я сразу погрузился в итальянский репертуар: Верди, Пуччини, Доницетти. Недавно стал осваивать немецкие оперы. “Евгений Онегин” – одна из первых русских опер, в которых я участвую.
Традиционные постановки Ковалев предпочитает современным:
- Я не представляю себе “Волшебную флейту” или “Дон Карлос” в джинсах и футболках. Мне, как зрителю, хочется отключиться от нашей действительности и погрузиться в ту, прошлую жизнь. Может быть, из-за этого я отдаю предпочтение контрактам в Америке. “Евгений Онегин” в Лирик-опере выигрывает за счет хорошего вокального состава. Просто заслушиваешься, пока ждешь своего выхода! Я очень рад, что русская опера вернулась в Чикаго.
Виталий Ковалев родился в красивом зеленом украинском городе Черкасы. Служил в армии на Севере, работал пожарником. “Если бы кто-нибудь тогда сказал, что я буду оперным певцом, я бы посчитал этого человека величайшим шутником. Я учился восемь лет в музыкальной школе, играл на фортепиано, но о пении никогда не думал. Хотя друзья советовали”. После одной страшной аварии работу пришлось оставить. И вот тогда-то Ковалев вспомнил про советы друзей и решил попробовать. Он стал петь в хоре и устраивать концерты для туристов, приезжающих из Европы. На одном из таких концертов в 1991 году его услышала любительница оперы из Швейцарии Ренате Грюниг. Вернувшись в Берн, она, по словам Ковалева, “довольно настойчиво” уговаривала директора оперного театра, чтобы он пригласил певца.
- Директор долго отказывался, но после настойчивого давления женщины пригласил меня на прослушивание. Я ехал наобум. Ни опыта, ни языка, ни денег. Если бы я знал, с какими трудностями встречусь, может быть, не поехал бы. Не раз возникало желание собрать чемодан и поехать домой. Иногда возникала зависть к тем молодым людям, родители которых оплачивают обучение, а они не хотят учиться. А когда у тебя в кармане пять долларов на неделю, особо не разгонишься.
- Вы сразу стали петь в опере?
- Я поступил в Бернскую консерваторию. На прослушивании пел арию Гремина.
- Природная красота и обаяние вашего голоса сделали свое дело.
- Мой педагог сказал: “Сейчас из медведя будем делать вокалиста”. Голос был сильный, но школы никакой не было. С 1995 по 1998 годы из меня делали вокалиста.
Победа на конкурсе Пласидо Доминго “Operalia”изменила жизнь Ковалева, открыв перед ним двери крупнейших оперных театров мира. Сегодня в репертуаре певца – более сорока партий в классических и современных операх. Он живет в швейцарском городе Сант Галлен, недалеко от границы с Австрией и Германией. Правда, “живет” – громко сказано. Там живет его семья: жена Дорин и пятилетний Виталий-младший. (Ковалев смеется: “Имя придумала жена”.) А сам певец бывает дома редко, максимум – семь-восемь недель в год. В сезоне 2004-2005 годов Ковалев пел в течение одного сезона в шести постановках МЕТа! Сегодня певец подписывает контракты уже на 2011 год. Только что вернулся из Вены. Снимался в фильме-опере “Богема” с Нетребко, Виллазоном и... собственным сыном. Во втором акте у Виталия-младшего небольшая роль. Так что последний раз семью видел в Вене. “Все постепенно образовалось”, - говорит певец.
Праздник продолжается - шедевр Петра Ильича Чайковского “Евгений Онегин” идет в Лирик-опере до конца марта!
9 марта 2008 года
За кулисами сцены, или вокруг “Евгения Онегина”
Наблюдать за репетициями спектакля, доложу я вам, уважаемые читатели, и видеть, “из какого сора растут [они], не ведая стыда”, бывает даже интереснее, чем оценивать готовый результат. А когда речь идет о знакомых с детства пушкинских строках и музыке Чайковского, когда увиденное накладывается на собственные образы, ассоциации, сравнения, то на происходящее на сцене смотришь не отстраненным взглядом холодного зрителя, а волнуясь и сопереживая. Признаться, давненько в театре я не испытывал такого душевного подъема, как в последнюю перед премьерой неделю в Лирик-опере. Гениальные стихи Пушкина, гениальная музыка Чайковского, встречи с замечательными артистами, душевная, домашняя атмосфера, царившая в театре, - все сошлось, все соединилось в спектакле “Евгений Онегин”. Мне повезло - я присутствовал на нескольких репетициях этой оперы, смотрел, как ставят декорации, как гримируются артисты, как работают технические службы театра. Скажу сразу: увиденное произвело на меня неизгладимое впечатление. Лирик-опера работает как хорошо отлаженная профессиональная машина. Никакой суеты и лишних движений. Каждый знает свое место, каждый выполняет свою работу.
Режиссера-постановщика Роберта Карсена в Чикаго нет. Возобновлением его спектакля занимается режиссер Паола Суоцци. Она работала ассистентом режиссера в Сан-Францисской опере, с 2005 года служит артистическим директором Шекспировской компании в Милуоки. “Евгений Онегин” – дебют Паолы на сцене Лирик-оперы. (Спасибо ей за то, что разрешила мне присутствовать на репетициях. Без ее любезного согласия не было бы этой статьи.) Она приехала в Чикаго с маленьким ребенком. Во время репетиций ребенок иногда оставался под чьим-то присмотром, а она, останавливая аккомпаниатора (я наблюдал за сценической репетицией без оркестра), энергично выбегала на сцену и делала замечания. Когда ребенок не хотел оставаться с чужими, она брала его на руки и шла на сцену с ним.
Больше всего ей приходилось работать с хором. Дважды отрабатывалась сцена, начинающаяся словами: “Скоры ноженьки со походушки”. И дальше: “Уж как по мосту-мосточку, по калиновым досочкам...” Я слушал хор крестьян и думал, что и носителю языка трудно произнести такое, а тут – американцы! Акцент, конечно, существует, но чувствовалось, что над русским языком много работали. Впрочем, работа с хором – это дело хормейстера. Особенность сценической репетиции с фортепиано состоит в другом – в отработке мизансцен. Паола Суоцци отрабатывала выход хора на сцену, расставляла мужчин и женщин, показывала движения и танцы. На такой репетиции особое внимание уделяется движениям, декорациям, реквизиту. В начале репетиции рабочие сцены аккуратно раскладывали кленовые листья. Они – лейтмотив спектакля, они сопровождают героев на протяжении всего действия.
К Паоле приставлены два ассистента. Они записывают ее замечания, неотступно следуя за ней. Иногда она не выходила на сцену, а общалась с ассистентами по телефону, а они уже, следуя ее замечаниям, работали с участниками спектакля.
Сэр Эндрю Дэвис – дирижер спектакля и музыкальный руководитель театра – не вмешивается в репетиционный процесс. Во время работы режиссера с артистами он разговаривал с музыкантами и просматривал партитуру. Сэр Дэвис был первым, кого я встретил, подойдя к дверям театра. Он стоял на улице и курил. Я поздоровался, он радостно ответил. Я представился. Услышав мое имя и название газеты, которую вы сейчас читаете, на его лице засияла такая счастливая улыбка, как будто он всю жизнь ждал того дня, когда журналист русской газеты посетит, наконец, его репетицию. Он не раз дирижировал “Евгением Онегиным”, прекрасно знает партитуру, влюблен в музыку Чайковского и надеется, что спектакль получится. Обменявшись со мной несколькими фразами, он стремительно удалился. Всегда живой, энергичный, жизнерадостный. В театре его называют уважительно – Маэстро!
А с генеральным директором театра Уильямом Мэйсоном (в театре он для всех просто Билл) я встретился в зрительном зале. Более отзывчивого и благодарного зрителя трудно себе представить! Он просидел три часа на обычной технической репетиции, влюбленными глазами смотрел на артистов, аплодировал солистам после каждой арии. Было такое впечатление, что сидит не чиновник, не директор театра, а оперный фанат, единственная радость которого – услышать любимую арию или любимого артиста. Я смотрел на него и радовался живучести традиций... Хотел написать “отцов-основателей”, но нет: оперному Чикаго везло на инициативных женщин! В начале двадцатых годов XX века сопрано Мэри Гарден являлась директором оперной компании. Именно женщине обязана своим появлением на свет Лирик-опера – ее создала Кэрол Фокс. Именно женщина определяла ее направление и в дальнейшем - после смерти Фокс на протяжении шестнадцати лет театр возглавляла Ардис Крейник. Так что про “отцов...” умолчу.
Уильям Мэйсон в полном смысле этого слова вырос в Лирик-опере. В первые три сезона в театре, еще учась в школе, он пел в детском хоре, а после окончания учебы прошел все ступеньки административной лестницы. И вот одиннадцатый год Мэйсон служит генеральным директором. Уходя на пенсию, в своем прощальном слове Крейник отметила, что “невозможно придумать лучшую кандидатуру, на которую я могла бы оставить оперу”. Действительно, вся жизнь Мэйсона неразрывно связана с Лирик-оперой, и, конечно, нет более пристрастного зрителя, чем он.
Уникальный коллектив собрался в театре и уникальные руководители! Оперные фанатики и энтузиасты, они думают в первую очередь о театре, о городе, о зрителях и только потом – о себе. И в этом тоже видна преемственность традиций. На этапе зарождения театра дирижер Никола Рескиньо урезал себе зарплату, когда становился за дирижерский пульт, а Кэрол Фокс и ее единомышленник, торговец недвижимостью и фанат оперы Лоуренс Келли не только не брали денег из театральной кассы, но и сами вкладывали туда свои личные сбережения. Сегодня, к счастью, финансовое положение оперы стабильно и такие жертвы не требуются.
Вообще, доброжелательная атмосфера, домашняя обстановка, простота в отношениях в Лирик-опере поражает всех. Об этом в один голос говорили мне самые прославленные артисты – Лариса Дядькова, Владимир Галузин, Дмитрий Хворостовский, Дина Кузнецова, Нино Сургуладзе, Виталий Ковалев. В этом театре чувствуешь себя уютно, в нем нет привычной удаленности руководства от артистов. Этим Лирик-опера выгодно отличается от других, ведущих театров мира.
Техническая репетиция проходила так. На сцене расположились все участники спектакля. В первом ряду – солисты. За ними – хор. Прогоняется вся опера целиком, с оркестром. Теперь уже Паола Суоцци не вмешивается, замечания делает только маэстро Дэвис.
Я попал на первую такую репетицию. Дирижер представил солистов. Хор с радостью встретил их. Солисты познакомились друг с другом. Дина Кузнецова (Татьяна) из всего состава участников работала только с Франком Лопардо (Ленский). В прошлом сезоне они образовали прекрасную пару в “Риголетто”: Кузнецова – Джильда, Лопардо – Герцог. Дмитрий Хворостовский хорошо знаком с Нино Сургуладзе. Они пели в “Онегине” в “Ковент-гардене”: он был Онегиным, она – Ольгой. Первые репетиции прошли без Хворостовского. Он простудился и задержался в Москве. Приехал накануне, был смертельно уставший, но, как обычно, шутил и был в центре внимания. Я спросил у него после репетиции: “Вы легко находите контакт с коллегами-исполнителями?” Он ответил: “На сцене – да. Во время репетиций я очень коммуникабельный, люблю пошутить. Я как-то уже за много лет избрал для себя определенную манеру поведения, в которой мне легко и другим со мной легко”. Хворостовский невероятно обаятелен, он излучает положительную энергетику, создает вокруг себя особую ауру, снимает напряжение. На сцене у него всегда хорошее настроение. Эту постановку он хорошо знает: прошлой зимой он пел в Метрополитен-опере с Рене Флеминг. А здесь партнерши свои, почти родные. Артист явно наслаждается ролью покорителя женских сердец, шутит, гримасничает и веселится. “Замолчите... иль я убью вас!..” – с намеренно игривой интонацией пропевает он свою фразу, и все присутствующие смеются.
В этой компании Дина Кузнецова волнуется больше остальных. Еще бы – первая Татьяна в ее жизни и первое обращение к Чайковскому! Певица говорит: “Я давно мечтала об этой партии и счастлива, что Лирик-опера предложила мне ее спеть. Чикаго я воспринимаю как свой дом. Я здесь работала два года в качестве стажера, потом несколько раз возвращалась обратно. Мне очень удобно и приятно выступать именно в этом оперном театре”. После технической репетиции мы побеседовали с ней недолго – ей предстояла еще репетиция смены костюмов. Я попросил певицу рассказать поподробнее об этом. “Поскольку смены костюмов между картинами очень быстрые, а костюмы очень сложные, то сейчас мы будем репетировать смену костюмов. У меня есть на это восемьдесят секунд. Я убегаю со сцены в ближайший лифт. Там меня ждут два человека. Они меня развязывают и расшнуровывают – все эти рюшечки, веревочки, корсет – и одевают другой костюм и другие туфли. Будем репетировать скорость с секундомером!”
На репетиции аплодисменты звучат гораздо чаще замечаний. Но вот Дэвис останавливает оркестр и обращается к Хору: “Можно сделать эту фразу еще более праздничной?” “Куда уж праздничней, - думаю я, - на сцене и так – сплошной пир духа.” Но реплика Дэвиса не остается без внимания. На сцену поднимается хормейстер театра Дональд Налли и что-то объясняет хористам. Налли работает с хором первый сезон. До прихода в Лирик-оперу он был хормейстером Национальной оперы Уэльса.
Между сценами объявляется короткий перерыв. Дэвис бежит на перекур, остальные – в кафетерий. Первая фраза Дэвиса после перерыва – оркестру: “Просыпайтесь!”
После сцены дуэли убитый Ленский-Лопардо поднялся со стула, приставил указательный палец к виску, что-то сказал Дэвису и ушел. Для Лопардо на сегодня все закончилось...
Вот так, с остановками, шутками и прибаутками прогнали всю оперу. “Позор!.. Тоска!.. О, жалкий жребий мой!” – пропел Хворостовский и выразительно посмотрел на часы. Время репетиции закончилось. До премьеры оставалось ровно шесть дней...
Кстати, ежегодно Лирик-опера проводит экскурсии по ту сторону сцены для всех желающих. В течение двух часов вам покажут то, что никогда не видит зритель: как поднимается занавес, как выбирается парик, как накладывается грим... Вы пройдете по сцене, увидите хранилище оружия и набор париков, костюмерный цех, грим-уборные и еще много интересного... Все, что вы хотели узнать о Лирик-опере! Экскурсии пройдут только три дня: 2, 16 и 29 марта 2008 года. Справки и заказ билетов по телефону 312-827-5657 и на сайте Лирик-оперы http://www.lyricopera.org/events/backstage.asp
PS.
Выражаю благодарность пресс-атташе Лирик-оперы Джеку Циммерману и менеджеру Магде Крансе за помощь в подготовке этой статьи.
Режиссера-постановщика Роберта Карсена в Чикаго нет. Возобновлением его спектакля занимается режиссер Паола Суоцци. Она работала ассистентом режиссера в Сан-Францисской опере, с 2005 года служит артистическим директором Шекспировской компании в Милуоки. “Евгений Онегин” – дебют Паолы на сцене Лирик-оперы. (Спасибо ей за то, что разрешила мне присутствовать на репетициях. Без ее любезного согласия не было бы этой статьи.) Она приехала в Чикаго с маленьким ребенком. Во время репетиций ребенок иногда оставался под чьим-то присмотром, а она, останавливая аккомпаниатора (я наблюдал за сценической репетицией без оркестра), энергично выбегала на сцену и делала замечания. Когда ребенок не хотел оставаться с чужими, она брала его на руки и шла на сцену с ним.
Больше всего ей приходилось работать с хором. Дважды отрабатывалась сцена, начинающаяся словами: “Скоры ноженьки со походушки”. И дальше: “Уж как по мосту-мосточку, по калиновым досочкам...” Я слушал хор крестьян и думал, что и носителю языка трудно произнести такое, а тут – американцы! Акцент, конечно, существует, но чувствовалось, что над русским языком много работали. Впрочем, работа с хором – это дело хормейстера. Особенность сценической репетиции с фортепиано состоит в другом – в отработке мизансцен. Паола Суоцци отрабатывала выход хора на сцену, расставляла мужчин и женщин, показывала движения и танцы. На такой репетиции особое внимание уделяется движениям, декорациям, реквизиту. В начале репетиции рабочие сцены аккуратно раскладывали кленовые листья. Они – лейтмотив спектакля, они сопровождают героев на протяжении всего действия.
К Паоле приставлены два ассистента. Они записывают ее замечания, неотступно следуя за ней. Иногда она не выходила на сцену, а общалась с ассистентами по телефону, а они уже, следуя ее замечаниям, работали с участниками спектакля.
Сэр Эндрю Дэвис – дирижер спектакля и музыкальный руководитель театра – не вмешивается в репетиционный процесс. Во время работы режиссера с артистами он разговаривал с музыкантами и просматривал партитуру. Сэр Дэвис был первым, кого я встретил, подойдя к дверям театра. Он стоял на улице и курил. Я поздоровался, он радостно ответил. Я представился. Услышав мое имя и название газеты, которую вы сейчас читаете, на его лице засияла такая счастливая улыбка, как будто он всю жизнь ждал того дня, когда журналист русской газеты посетит, наконец, его репетицию. Он не раз дирижировал “Евгением Онегиным”, прекрасно знает партитуру, влюблен в музыку Чайковского и надеется, что спектакль получится. Обменявшись со мной несколькими фразами, он стремительно удалился. Всегда живой, энергичный, жизнерадостный. В театре его называют уважительно – Маэстро!
А с генеральным директором театра Уильямом Мэйсоном (в театре он для всех просто Билл) я встретился в зрительном зале. Более отзывчивого и благодарного зрителя трудно себе представить! Он просидел три часа на обычной технической репетиции, влюбленными глазами смотрел на артистов, аплодировал солистам после каждой арии. Было такое впечатление, что сидит не чиновник, не директор театра, а оперный фанат, единственная радость которого – услышать любимую арию или любимого артиста. Я смотрел на него и радовался живучести традиций... Хотел написать “отцов-основателей”, но нет: оперному Чикаго везло на инициативных женщин! В начале двадцатых годов XX века сопрано Мэри Гарден являлась директором оперной компании. Именно женщине обязана своим появлением на свет Лирик-опера – ее создала Кэрол Фокс. Именно женщина определяла ее направление и в дальнейшем - после смерти Фокс на протяжении шестнадцати лет театр возглавляла Ардис Крейник. Так что про “отцов...” умолчу.
Уильям Мэйсон в полном смысле этого слова вырос в Лирик-опере. В первые три сезона в театре, еще учась в школе, он пел в детском хоре, а после окончания учебы прошел все ступеньки административной лестницы. И вот одиннадцатый год Мэйсон служит генеральным директором. Уходя на пенсию, в своем прощальном слове Крейник отметила, что “невозможно придумать лучшую кандидатуру, на которую я могла бы оставить оперу”. Действительно, вся жизнь Мэйсона неразрывно связана с Лирик-оперой, и, конечно, нет более пристрастного зрителя, чем он.
Уникальный коллектив собрался в театре и уникальные руководители! Оперные фанатики и энтузиасты, они думают в первую очередь о театре, о городе, о зрителях и только потом – о себе. И в этом тоже видна преемственность традиций. На этапе зарождения театра дирижер Никола Рескиньо урезал себе зарплату, когда становился за дирижерский пульт, а Кэрол Фокс и ее единомышленник, торговец недвижимостью и фанат оперы Лоуренс Келли не только не брали денег из театральной кассы, но и сами вкладывали туда свои личные сбережения. Сегодня, к счастью, финансовое положение оперы стабильно и такие жертвы не требуются.
Вообще, доброжелательная атмосфера, домашняя обстановка, простота в отношениях в Лирик-опере поражает всех. Об этом в один голос говорили мне самые прославленные артисты – Лариса Дядькова, Владимир Галузин, Дмитрий Хворостовский, Дина Кузнецова, Нино Сургуладзе, Виталий Ковалев. В этом театре чувствуешь себя уютно, в нем нет привычной удаленности руководства от артистов. Этим Лирик-опера выгодно отличается от других, ведущих театров мира.
Техническая репетиция проходила так. На сцене расположились все участники спектакля. В первом ряду – солисты. За ними – хор. Прогоняется вся опера целиком, с оркестром. Теперь уже Паола Суоцци не вмешивается, замечания делает только маэстро Дэвис.
Я попал на первую такую репетицию. Дирижер представил солистов. Хор с радостью встретил их. Солисты познакомились друг с другом. Дина Кузнецова (Татьяна) из всего состава участников работала только с Франком Лопардо (Ленский). В прошлом сезоне они образовали прекрасную пару в “Риголетто”: Кузнецова – Джильда, Лопардо – Герцог. Дмитрий Хворостовский хорошо знаком с Нино Сургуладзе. Они пели в “Онегине” в “Ковент-гардене”: он был Онегиным, она – Ольгой. Первые репетиции прошли без Хворостовского. Он простудился и задержался в Москве. Приехал накануне, был смертельно уставший, но, как обычно, шутил и был в центре внимания. Я спросил у него после репетиции: “Вы легко находите контакт с коллегами-исполнителями?” Он ответил: “На сцене – да. Во время репетиций я очень коммуникабельный, люблю пошутить. Я как-то уже за много лет избрал для себя определенную манеру поведения, в которой мне легко и другим со мной легко”. Хворостовский невероятно обаятелен, он излучает положительную энергетику, создает вокруг себя особую ауру, снимает напряжение. На сцене у него всегда хорошее настроение. Эту постановку он хорошо знает: прошлой зимой он пел в Метрополитен-опере с Рене Флеминг. А здесь партнерши свои, почти родные. Артист явно наслаждается ролью покорителя женских сердец, шутит, гримасничает и веселится. “Замолчите... иль я убью вас!..” – с намеренно игривой интонацией пропевает он свою фразу, и все присутствующие смеются.
В этой компании Дина Кузнецова волнуется больше остальных. Еще бы – первая Татьяна в ее жизни и первое обращение к Чайковскому! Певица говорит: “Я давно мечтала об этой партии и счастлива, что Лирик-опера предложила мне ее спеть. Чикаго я воспринимаю как свой дом. Я здесь работала два года в качестве стажера, потом несколько раз возвращалась обратно. Мне очень удобно и приятно выступать именно в этом оперном театре”. После технической репетиции мы побеседовали с ней недолго – ей предстояла еще репетиция смены костюмов. Я попросил певицу рассказать поподробнее об этом. “Поскольку смены костюмов между картинами очень быстрые, а костюмы очень сложные, то сейчас мы будем репетировать смену костюмов. У меня есть на это восемьдесят секунд. Я убегаю со сцены в ближайший лифт. Там меня ждут два человека. Они меня развязывают и расшнуровывают – все эти рюшечки, веревочки, корсет – и одевают другой костюм и другие туфли. Будем репетировать скорость с секундомером!”
На репетиции аплодисменты звучат гораздо чаще замечаний. Но вот Дэвис останавливает оркестр и обращается к Хору: “Можно сделать эту фразу еще более праздничной?” “Куда уж праздничней, - думаю я, - на сцене и так – сплошной пир духа.” Но реплика Дэвиса не остается без внимания. На сцену поднимается хормейстер театра Дональд Налли и что-то объясняет хористам. Налли работает с хором первый сезон. До прихода в Лирик-оперу он был хормейстером Национальной оперы Уэльса.
Между сценами объявляется короткий перерыв. Дэвис бежит на перекур, остальные – в кафетерий. Первая фраза Дэвиса после перерыва – оркестру: “Просыпайтесь!”
После сцены дуэли убитый Ленский-Лопардо поднялся со стула, приставил указательный палец к виску, что-то сказал Дэвису и ушел. Для Лопардо на сегодня все закончилось...
Вот так, с остановками, шутками и прибаутками прогнали всю оперу. “Позор!.. Тоска!.. О, жалкий жребий мой!” – пропел Хворостовский и выразительно посмотрел на часы. Время репетиции закончилось. До премьеры оставалось ровно шесть дней...
Кстати, ежегодно Лирик-опера проводит экскурсии по ту сторону сцены для всех желающих. В течение двух часов вам покажут то, что никогда не видит зритель: как поднимается занавес, как выбирается парик, как накладывается грим... Вы пройдете по сцене, увидите хранилище оружия и набор париков, костюмерный цех, грим-уборные и еще много интересного... Все, что вы хотели узнать о Лирик-опере! Экскурсии пройдут только три дня: 2, 16 и 29 марта 2008 года. Справки и заказ билетов по телефону 312-827-5657 и на сайте Лирик-оперы http://www.lyricopera.org/events/backstage.asp
PS.
Выражаю благодарность пресс-атташе Лирик-оперы Джеку Циммерману и менеджеру Магде Крансе за помощь в подготовке этой статьи.
Подписаться на:
Сообщения (Atom)
