Ольга Лерман: “Жить и радоваться жизни!” Разговор с актрисой

Компания “Stage Russia HD” (продюсер – Эдди Аронофф) продолжает кинопоказы лучших спектаклей театров Москвы на экранах Америки. 28 января в Эванстоне (пригород Чикаго) состоится кинопоказ спектакля Московского театра имени Вахтангова “Анна Каренина”. Главную роль в спектакле исполняет Ольга Лерман. В эксклюзивном интервью вашему корреспонденту актриса рассказывает о работе с режиссерами, о любимом театре и о том, как из мира балета она попала на драматическую сцену.

Краткая биографическая справка. Ольга Лерман – российская актриса театра и кино. Лауреат театральных премий “Золотой лист”, “Хрустальная Турандот”, “МК”. В 2011 году окончила Театральное училище имени Б.Щукина (курс Ю.Нифонтова). В том же году принята в труппу Театра имени Вахтангова. Играет в спектаклях: “Анна Каренина”, “Бег”, “Берег женщин”, “Евгений Онегин”, “Отелло”, “Пристань”, “Ревнивая к себе самой”.

• С января по экранам Америки, Канады, странах Европы пойдет “гулять” ваша Анна Каренина. Когда вы обговаривали концепцию спектакля с режиссером Анжеликой Холиной, вы уже знали, что он будет без слов, или на начальном этапе шла речь о некоем симбиозе музыки и слова?
• Анжелика Холина поставила в театре Вахтангова “Берег женщин” – первый спектакль без слов. Я прекрасно понимала, что нас ожидает подобная стилистика: пластический спектакль для драматических актеров. Я не уверена, что тогда была готова к обсуждению концепции. Это была моя первая главная роль в театре. Я слушала, запоминала, работала над ролью.
• Вы сразу получили роль Анны?
• Репетировала я одна. Холина не сказала, что я буду играть. Она сказала, что “меня попробует”. Постепенно пробы переросли в полноценные репетиции...
• Как вас заметила Анжелика?
• Этот вопрос лучше задать Анжелике. Мне трудно сказать. Может быть, сказалось мое балетное прошлое...

“Все, что случайно, то прекрасно”

• Здесь по всем законам драматургии мы должны вернуться на энное количество лет назад и рассказать о вашем прошлом. Я читал, что вы из актерской семьи...
• Да, папа работал в Бакинском театре русской драмы, мама и мой второй отец продолжают там работать... Я случайно родилась в России. Моя бабушка жила в Ставропольском крае. Мама гостила у нее во время беременности и не успела вернуться в Баку, потому что я торопилась жить. Потом был период, когда меня отправляли к бабушке на пару лет, поэтому первый и второй классы я проучилась в России. А так до шестнадцати лет жила в Азербайджане, в Баку.  
• Ваши родные - из мира драматического театра. Как у вас появился интерес к балету?
• В театре, где работали родители, в каком-то из спектаклей танцевала балерина. Когда я ее увидела, мне так понравилось, что я попросила родителей попробовать. Мама меня поддержала, отчим тоже. Я поступила в Бакинское хореографическое училище. С удовольствием училась... До восьмого класса.
• А потом разлюбили балет?
• Прислушалась к себе и поняла, что этого не хочу. Это было не мое... Я хотела убежать из училища, но мама сказала: “Надо заканчивать”. В шестнадцать лет я переехала в Россию. Хотела быть поближе к бабушке, а самое близкое Хореографическое училище было в Краснодаре. Последние два года я училась там на народном отделении. Мама поддерживала все мои сумасшедшие поступки, кивками головы говоря: “Ну давай, давай попробуем”...  
• Могли ли вы тогда предположить, что ваши балетные навыки вам пригодятся в драматическом театре?!
• Конечно, нет. В 2007 году я закончила училище, поступила в театральный вуз, думала, что с балетом - все. Но оказалось, что первый год я почти не говорила в театре - только танцевала. Все получилось случайно, а все, что случайно, то прекрасно.
• Поступление - отдельная тема. Вы приехали поступать конкретно в Школу-студию МХТ?
• У меня там училась подруга. Она мне много рассказывала об учебе, я слушала, мне нравилось. Она мне советовала показываться везде, но, конечно, я хотела в Школу МХТ. Я поступала на курс Романа Козака и Дмитрия Брусникина. Тогда еще был жив Козак.
• На чем вы сорвались?
• Я “слетела” на конкурсе. Подробности не помню. Что-то было смешное, связанное с танцами. Меня попросили станцевать, а я же была уверена, что умею. Это же понятно. Как-то там неудачно развела руками... Впечатлила комиссию своим танцем. Они, наверно, подумали, что я какая-то неумеха... В общем, не поступила.
• Щуки в планах еще не было?
• Нет, я готовилась уезжать из Москвы. Почти собрала чемоданы... в голове. Подруга уговорила, что срочно надо идти в Щуку. Я ее послушала и не жалею.

“Моя мечта – играть роли шутов, арлекинов...”

• Что вы сегодня вспоминаете о годах вашей учебы?
• Мне было интересно, но, наверное, в силу какой-то юной глупости я многое упускала. Сейчас я это понимаю. Я училась на курсе Юрия Борисовича Нифонтова. У нас были прекрасные педагоги: Ирина Анатольевна Пахомова - по актерскому мастерству, Юрий Михайлович Авшаров, Александр Константинович Граве (мы их немного застали), Вячеслав Иванов, по сценической речи - Елена Ласкавая и Маргарита Радциг. Молодые, энергичные... Наверно, переломным моментом для меня была встреча с Александром Анатольевичем Коручековым. Он мне говорил какие-то вещи, которые в меня на последнем курсе “попали”... Большое счастье для актера - встретить на своем пути замечательных педагогов.
• А потом вы пришли в театр и начали с “чистого листа”?
• Конечно, театр – это новая школа. Актер должен на каждую репетицию приходить, как с “чистого листа”. Иначе не получится. Иначе прошлый жизненный и профессиональный багаж потопит все. Молодой актер после института должен, как губка, все впитывать... Еще многое зависит от театра. Мне в этом смысле повезло. Я пока училась, уже работала в театре Сатиры, играла Малыша в легендарном спектакле “Малыш и Карлсон, который живет на крыше”. У меня была практика работы в репертуарном театре. Молодой артист, попадающий в эту систему, должен постараться не утонуть и иметь возможность свободно плавать.

• Как вас нашли в театре Сатиры?
• Актриса Света Малюкова забеременела, нужен был новый Малыш. А наш руководитель курса Юрий Нифонтов работает в театре Сатиры. Его попросили порекомендовать студентов. Я периодически пробовала играть мальчиков на “наблюдениях”, в этюдах, вот он и предложил меня. Это был хороший профессиональный опыт для меня. Мне нравилось, что я совмещаю институт и театр и узнаю свою профессию с новой, “практической” стороны.
• Малыш – травестийная роль. Вы себя хорошо чувствовали в этом амплуа?
• Я вообще себя чувствую комфортно в таких ролях. Моя мечта – играть роли шутов, арлекинов... Мне это очень нравится. В сериале “Красавчик” у меня была тоже травестийная роль. Это был мой дебют в кино. Я была уверена, что это – мое амплуа, эти роли. А в театре Вахтангова я стала играть другие роли, и мне это тоже очень-очень нравится.
• Малыш с одной стороны, и Анна, Татьяна, Дездемона – с другой. Роли с двух разных планет!
• Ну да, и тем не менее... Детские спектакли – прекрасный опыт. Перед детьми играть нелегко. Дети – самый настоящий зритель. Их нельзя обмануть, они чувствуют малейшую фальшь. Если попытаться где-то передохнуть, дети отключатся, и - все, доверие потеряно.
• Учась в Щукинском училище, вы играли на сцене театра Сатиры. Вахтанговского театра в планах еще не было. Если бы вам предложили остаться в театре Сатиры, остались бы?
• Не знаю, что было бы. Я никогда так не думаю. Я воспринимаю то, что со мной происходит здесь и сейчас, получаю от этого опыт и удовольствие. А что было бы? Было бы что-нибудь другое. Другая жизнь.
• Правда ли, что вы попали в Вахтанговский театр благодаря Галине Львовне Коноваловой?

• Александр Анатольевич Коручеков поставил на нашем курсе спектакль “Незаученная комедия” на тему commedia dell'arte. Мы сами придумывали пьесу на основе классической канвы комедии масок. Я играла две роли: Арлекина и Яростную Влюбленную (есть такой термин в commedia dell'arte). К нам приходили актеры, режиссеры... Однажды пришла Галина Львовна Коновалова. Осталась после спектакля, долго разговаривала с нами, мы все трепетали. Потом мне позвонили из театра и сказали, что Галина Львовна хочет со мной поговорить. Она спросила, не хочу ли я показаться в театре Вахтангова. Я, если честно, никогда об этом не думала. То, что я видела в театре Вахтангова на тот момент, не произвело на меня особого впечатления. Не могу сказать, что была в восторге и мечтала попасть туда.
• А от каких спектаклей вы были в восторге?
• Я тогда “болела” театрами Сергея Женовача, Юрия Погребничко, “Сатириконом”. Мне очень нравились спектакли в этих театрах, и до сих пор я хожу к ним, вдохновляюсь. В отношении театра Вахтангова я не проявляла инициативу. Галина Львовна мне еще раз позвонила, сказала, что надо показаться, устроила показ. Показывались еще ребята, в том числе – с моего курса. Показались мы плохо. Нервничали, плохо играли. Театр Вахтангова, эти стены... - все давило на нас. Мы все ужасно сделали, а в итоге я оказалась в театре.
• Этот ужасный, по вашим словам, показ был при Туминасе?
• Да, он смотрел всех.
• И потом позвал вас?
• Не сразу. Мне позвонили из театра и попросили придти. “Римас Владимирович хочет с вами поговорить.” Туминас сказал: “Я хочу вас взять в театр. Пока не знаю, какие роли вам предложить. Выбор за вами. Подумайте”. Я обещала подумать. Тут же позвонила Галина Львовна и сказала, что думать нечего, надо соглашаться.
• То есть вы пришли в театр не на конкретную роль, а просто в театр. Туминас ничего конкретного вам не предложил...
• Ничего не предложил, ничего не обещал. Мы с ним хорошо поговорили, были честны друг с другом. Я рассказала про себя, попросила его, если буду долго сидеть без ролей, позволить мне двинуться в другую сторону. Он сказал: “Да, конечно. Это ваш выбор”. Я первые полгода в театре ничего не делала. Первыми работами были роли в спектаклях “Пристань” и “Берег женщин”. Я до сих пор работаю в “Пристани”. Прекрасно, что, имея такие роли, как Анна Каренина, Татьяна и Дездемона, я по-прежнему могу переставлять стул в “Пристани”.
• Судя по этим словам, звездной болезнью вы еще не заразились.
• Надеюсь, этого со мной никогда не произойдет. Если это случится, я дам “деру”.
• Но все-таки взлет ваш фантастический: из “кордебалета” в “Пристани” (будем говорить балетным языком) – к Анне Карениной!
• Это заслуга режиссера Анжелики Холиной. Она мне помогала, оберегала меня. Она очень много мне дала за время наших репетиций.

“Мы скорее играем, чем танцуем”

• Как вы работали с режиссером? Анжелика показывала вам движения или объясняла на словах, как делать, а вы импровизировали?
• По-разному. Она и показывала, и говорила: “Попробуй здесь вот так”, и я делала как-то по-своему. Что-то ей нравилось, что-то – нет. Запомнился такой момент. После того, как Вронский уходит в оперный театр (во втором акте), в спектакле идет сцена с музыкой. К тому времени мы прошли большой этап, поставили первый акт. Анжелика мне говорит: “Придумай что-нибудь. Покажи, как здесь может быть”. Я придумала и показала... Мы работали вместе. Она хотела понять, что я чувствую в образе Анны Карениной. Это очень здорово. Когда артисту дают возможность придумывать и фантазировать, открываются его новые уровни... Я маленького роста. Рядом все очень высокие: и Вронский, и Каренин, даже Китти выше меня. В какой-то момент я стала на полупальцы. Анжелика спросила, смогу ли я простоять на полупальцах весь спектакль. Я попробовала, и у меня получилось. Так и пошло: Каренина на полупальцах... Этот спектакль уже ставился в Литве, только с балетными артистами. Тот же хореограф – Анжелика Холина, тот же сценограф – Мариус Яцовскис. Конечно, мы многое поменяли. Даже я со всеми профессиональными навыками не смогу в полном объеме сделать так, как делают балетные артисты.
• Холина говорила, что не ставила перед собой задачу охватить весь роман. В спектакле восемь сцен - восемь фрагментов из романа. Зрители поймут, о чем идет речь, или требуются пояснения?
• Мы спектакль играли на Кубе, и все все поняли. Я думаю, в Америке наверняка поймут. Какие-то родственные связи могут быть непонятны для тех, кто не читал роман. Например, что Стива – брат Анны, а Долли – ее невестка. Но само действие понятно без дополнительных пояснений.
• Можно ли сравнить спектакли Холиной с балетными композициями Пины Бауш и Бориса Эйфмана?
• Я думаю, что Бауш и Эйфман – это все-таки балет. Авангардный, современный, не классический, но балет. Тому, что делает Анжелика Холина в театре Вахтангова, можно дать определение “Танцевальный спектакль с драматическими артистами”. Это немного другой жанр, популярный сегодня в Москве. В театре Пушкина играют спектакли без слов “Жанна Д’Арк”, “Дама с камелиями”, “Материнское поле”, в театре на Малой Бронной тоже идут танцевальные спектакли. Меня номинировали на “Золотую маску” в категории “Современный танец” и вписали в один ряд с Дианой Вишневой и другими балеринами. Мне было так стыдно.

• Вам-то за что? Это устроители премии не знали, в какую категорию вас поместить...
• Мне казалось, что это просто ужас какой-то: в одной номинации стоят имена балерины Вишневой и актрисы Лерман. Это все сродни тому, что, как сейчас модно, в кино снимаются не артисты, а спортсмены или модели, а артисты идут на телевидение кататься на коньках или участвовать в каких-то танцевальных передачах! Все это далеко от того, чем действительно должны заниматься все эти люди! Я, безусловно, считаю, что надо быть разносторонне развитым человеком, но нужно потратить много сил и времени, чтобы это вышло на профессиональный уровень.
• Как вам кажется, музыка Шнитке в полной мере отражает переживания Анны и других героев романа? Она адекватна роману Толстого?
• Сейчас я даже не представляю, как может быть по-другому. Возможно, это не музыка Толстого, но музыка Анны Карениной, ее души, ее внутренней трагедии. У нас звучит не только Шнитке, но и Малер, и Чайковский (ария Татьяны из “Евгения Онегина”). Я думаю, музыка в нашем спектакле очень органична. Она на своем месте.
• Готовясь к роли, вы пересматривали фильмы, спектакли с вашими предшественницами?
• Я делала все: перечитала роман, еще несколько произведений Толстого и о Толстом, пересмотрела все фильмы, балеты, в том числе балет с Плисецкой и – вживую – балет Эйфмана. Разве что не слушала опер, потому что их нет.
• Спектаклю “Анна Каренина” больше четырех лет. Он меняется со временем?
• Анжелика приезжала, корректировала отдельные сцены, но мы сами ничего не меняем, нет. Рисунок спектакля остается неизменным. Меняются люди. За это время ввелись новые актеры, а с новыми партнерами всегда получается немного по-новому.
• О партнерах. Каренин - Евгений Князев. Не могу представить Евгения Владимировича танцующим...
• Он не танцует – он играет. Мы все тоже стараемся не танцевать. Все-таки мы – драматические артисты. Мы скорее играем, чем танцуем. Мы как будто обманываем зрителя... Анжелика интересно построила его роль. Он местами очень статичен, и Евгению Владимировичу это очень подходит. Он такой большой, горячий, а она его попросила быть холодным и статичным. Он тоже себя искал в этой роли.
• Для него было сюрпризом приглашение в спектакль?
• Он не ожидал. Чтобы его заманить к нам, мы ему показали сцену, которой заканчивается первый акт. Анжелика играла Каренина, я – Анну. Ему понравилось. Он потом говорил в интервью, что услышал в этой сцене внутри себя какие-то слова из Толстого. Ему захотелось поучаствовать в нашей игре... Вронский - Дмитрий Соломыкин. Первая проба была с ним. Так мы и остались до конца вместе и выпустили этот спектакль. Дима отлучался на пару месяцев по состоянию здоровья. Нас здорово выручил артист Дмитрий Ендальцев. Спектакль продолжал жить... Артисты уходят, приходят новые, и все продолжается опять. Как в жизни! Сейчас Дима Соломыкин вернулся, и в кино покажут вариант с ним.

• “Анна Каренина” в кино – это хорошая идея? Насколько спектакль будет смотреться в кино?
• Смотря как будет снято. Это уже не зависит от постановки и актеров. Я не имею возможности быть в Лондоне, зато много смотрю английские спектакли в кино. Они все прекрасно сняты. Надеюсь, и наш будет смотреться хорошо. Вообще, кинопоказы – это здорово. Всегда интересно наблюдать за актерами, видеть новые постановки, узнавать, в каком направлении движется мировой театр. Думаю, американским зрителям будет интересно.
• Премьера “Анны Карениной” состоялась в апреле 2012 года. Успех, признание критиков, “Хрустальная Турандот”... Вы сами ожидали такого успеха?
• Нет, для меня это было неожиданностью.

“Дальше будет труднее”

• “Наутро она проснулась знаменитой”. Эта фраза про вас?
• Нет. После Карениной я проснулась с ощущением, что дальше будет труднее. Когда ты медленно идешь к чему-то, то набиваешь шишки, падаешь, устаешь, идешь дальше, а когда ты быстро взлетаешь, больно падать и вставать гораздо сложнее. Я, скорее, проснулась со страхом.
• Оля, это правда, что Людмила Максакова подарила вам шкатулку, которая принадлежала Цецилии Мансуровой?
• Да, после премьеры Людмила Васильевна рассказала, что когда она играла Анну Каренину, Цецилия Львовна подарила ей шкатулку, и она хочет передарить ее мне. Это было для меня очень волнительно. В шкатулке лежит монета с петровских времен. Я храню в ней серьги, в которых играю в спектакле.
• Талисман?
• Я, вообще, не очень верю в какие-то приметы. Не сажусь на текст роли, когда он падает... Я – человек, к вещам не привязывающийся. Но вот эта шкатулка всегда со мной во время спектакля. Мне было приятно, что Людмила Васильевна сделала мне такой символичный подарок.
• Ваша вторая классическая героиня - Татьяна Ларина. Я видел “Онегина” - потрясающий, волшебный спектакль! В Америке показали вариант с Евгенией Крегжде. Мы с ней подробно говорили об этом спектакле. Она сказала, что спектакль с ней и с вами – два совершенно разных спектакля. Вы согласны с этим?
• Да, конечно. Я репетировала Татьяну и выпускала спектакль. Женя появилась позже. Когда новый человек входит в структуру уже готового спектакля, спектакль меняется. Это абсолютно естественная вещь. Я согласна. У нас разные Татьяны.
• Какие идеи вы принесли в спектакль? Эпизод с кроватью?
• Это была идея Туминаса. Он придумал. Выбежал на сцену и стал таскать кровать, кричать, что влюблен... Не было такого разделения: “мое-его”... Мы работали вместе. “Евгений Онегин” оригинален. Все придумывалось здесь и сейчас. Конечно, мы что-то предлагали, что-то отсеивалось, что-то оставалось, что-то дорабатывалось, что-то он “причесывал”, если можно так сказать... Мы себя со стороны не видим. Мы предлагаем, но нас может нести бесконечно. Тут нужен Режиссер. Он тебя притормозит, либо, наоборот, растормошит. Безусловно, Туминаса в “Онегине” больше, чем всех остальных.
• В списке ваших театральных работ одна выбивается из общего ряда - роль Оленьки в булгаковском “Беге” в постановке Юрия Бутусова. Как вам работалось с ним? Насколько я знаю, режиссерский стиль Бутусова во многом отличается от стиля Туминаса, а тем более - Холиной.
• О Бутусове я могу говорить бесконечно. Я Юрия Николаевича очень люблю. Я его полюбила еще на первом курсе института. Я очень много времени проводила в “Сатириконе”, смотрела все спектакли. Самым ярким впечатлением был его “Макбет”. Он мне всю душу “излопатил”, я плакала несколько дней. Я давно мечтала поработать с Юрием Николаевичем. В какой-то момент он вдруг появился у нас в театре. Мы познакомились. Он пригласил меня на репетицию, и мы начали работать. У Юрия Николаевича почти никогда (никогда не говори “никогда”) не бывает распределения ролей. У него такой метод: все пробуют все. Все делают этюды, разбирают сцены, показывают. Он запоминает, что-то убирает, вдруг перед самым выпуском вспоминает, просит повторить. Потом из всех кусочков собирается общая история. У нас были тяжелые репетиции. Все себя познали от ушей до пят. Все кишки свои выворачивали, боль свою осознавали, себя понимали по-новому. Он сколотил из нашего состава такую большую команду... Оленька – это Смерть. Она проходит через весь спектакль. Имя героини он выбрал сам. Оленька есть у Булгакова, но то, что моего персонажа будут звать Оленька, я узнала за пару дней до премьеры. Я играю много ролей в этом спектакле. И Барабанчикову, и Обезьянку, и Вдову (последних двух персонажей нет в пьесе)... Юрий Николаевич – отдельная планета. Талантливейший режиссер, очень интересный, тонкий, чувствительный Человечище. Две планеты – Туминас и Бутусов. Очень разные, но оба прекрасные. Я благодарю судьбу, что у меня такие интересные встречи в жизни.
• Римас Владимирович у вас не жадный, дает возможность ставить другим...
• Это очень мудро, что главный режиссер приглашает в театр своих коллег – режиссеров с разными группами крови. Он прекрасен, талантлив, самобытен, но театр должен дышать не только одним воздухом. Можно задохнуться! Римас Владимирович дает возможность поработать в театре молодым. Он выпустил свой режиссерский курс и приглашает в театр учеников. Надеюсь, что Туминас всегда будет продолжать смотреть по сторонам и не уставать видеть новых людей и давать им возможность проявлять себя! Наш театр живет очень активной жизнью, и я вместе с ним.
• Осенью исполнилось пять лет, как вы работаете в театре. Первая вахтанговская пятилетка позади! Вы счастливы?
• Я думаю, что если ты хочешь быть счастливым, ты им будешь. Мне так кажется.
• Что дальше, Оля? Какие планы на будущее?
• Жить и радоваться жизни!
• Театр дает такую возможность? За пять лет еще не устали от него?
• Я устала от системы. Любая система разрушает искусство. А от театра - нет.

Вот такая она – активная, молодая, энергичная, талантливая Ольга Лерман. Я желаю актрисе удачи и новых ярких ролей!

Nota bene! В “большом” Чикаго спектакль “Анна Каренина” демонстрируется 28 января в 2 часа дня в помещении Josephine Louis Theater поадресу: 20 Arts Circle Drive on the Evanston Campus of Northwestern University, Evanston, IL 60208 (located on the southeast part of the Evanston campus just off Sheridan Road and Campus Drive, the Louis Theater faces the parking structures). Справки - по телефону 847-491-7282. Заказ билетов – на сайте https://web.ovationtix.com/trs/pe.c/10125777. Все новости о проекте “Stage Russia HD” - на сайте http://www.stagerussia.com/.

Фотографии к статье:

Фото 1-2. Ольга Лерман. Фото - Василиса Суханова

Фото 3. Ольга Лерман. Фото - Юлия Силкова-Шлейфер

Фото 4. Ольга Лерман. Фото - Александра Торгушникова

Фото 5. Ольга Лерман – Арлекин в спектакле “Незаученная комедия” (Театральное училище имени Щукина, 2011 год)

Фото 6. Ольга Лерман – Анна Каренина (“Анна Каренина”, театр Вахтангова)

Фото 7. Ольга Лерман – Анна Каренина, Дмитрий Ендальцев – Вронский (“Анна Каренина”, театр Вахтангова)

Фото 8. Ольга Лерман – Татьяна, Алексей Гуськов – Онегин (“Евгений Онегин”, театр Вахтангова)

Фото 9. Ольга Лерман – Дездемона (“Отелло”, театр Вахтангова)

Фото 10. Ольга Лерман – Оленька (“Бег”, театр Вахтангова)

Фото 11. С Анжеликой Холиной перед спектаклем “Берег женщин”

Фото 12. С Римасом Туминасом на гастролях в Израиле

Кливлендский симфонический оркестр: прошлое, настоящее, будущее. Перед встречей в Чикаго

21 января в Чикаго состоится единственный концерт Кливлендского симфонического оркестра (Cleveland Orchestra). В программе - Восьмая симфония Л.ван Бетховена и Вторая симфония Я.Сибелиуса. Оркестром дирижирует его музыкальный руководитель Франц Вельзер-Мест (Franz Welser-Möst).

Кливленд - второй по величине город в штате Огайо. Город был основан в 1796 году. Свое название он получил по имени генерала Мозеса Кливленда (Moses Cleaveland). В результате опечатки в местной газете буква “а” в названии была пропущена, и фамилия Cleaveland превратилась в название города Cleveland.

Население Кливленда - меньше полумиллиона человек (тридцать третье место в списке городов США). В городе находится всемирно известная кардиологическая больница (Cleveland Clinic), несколько университетов и колледжей, четыре успешные спортивные команды. 

Кливленд - город культурный. В нем есть Художественный музей и Институт искусств.

Кливленд - один из музыкальных центров Америки. В нем находится Институт музыки (Cleveland Institute of Music) - консерватория, воспитавшая много замечательных музыкантов. Первым директором консерватории был скрипач Эрнест Блох.

Краса и гордость Кливленда - Симфонический оркестр, один из старейших и уважаемых музыкальных коллективов, по праву входящий в пятерку (“Big Five”) лучших оркестров США.

Кливлендский симфонический оркестр моложе Чикагского на двадцать семь лет. Он был основан в 1918 году. В истории оркестра хорошо заметен “русский след”. Одним из основателей и первым музыкальным руководителем оркестра был американский дирижер российского происхождения Николай Соколов. Он родился в Киеве, а образование скрипача и дирижера получил в Йельском университете. Соколов гастролировал по городам США и Европы, на протяжении двух лет (1916-17 годы) был музыкальным руководителем Филармонического оркестра Сан-Франциско (предшественника Сан-Францисского симфонического оркестра). Запомнился Соколов тем, что настоял на включении женщин в оркестр с такой же оплатой труда, что и у мужчин. В Кливлендском симфоническом оркестре Соколов работал с момента его основания до 1932 года. Именно он заложил фундамент в создание оркестра мирового уровня. В период с 1935 по 1938 годы он возглавлял Американский музыкальный проект (в рамках “Нового курса” Теодора Рузвельта), с 1938 по 1940 годы руководил Симфоническим оркестром Сиэттла.

С 1933 до 1943 года оркестром руководил родившийся во Львове польско-американский дирижер Артур Родзинский. После Кливленда у него был четырехлетний контракт с Нью-Йоркским филармоническим оркестром, а затем дирижер переехал в Чикаго и один год оставался руководителем Чикагского симфонического оркестра. Из-за разногласий с музыкантами и обвинений в диктаторских замашках ему пришлось покинуть этот пост. С 1943 по 1946 годы руководителем Кливлендского оркестра был немецкий дирижер Эрих Ляйнсдорф.

Время наивысшего расцвета Кливлендского оркестра – двадцать четыре года руководства Джорджа Селла, с 1946 до 1970 года. Селл родился в Будапеште в 1897 году, вырос в Вене. Окончил Венскую консерваторию, учился в Лейпцигской консерватории. С десяти лет выступал как пианист. Как дирижер, он дебютировал в 1914 году с “Блютнер-оркестром” в Берлине. В 1919-24 годах работал в Праге, Дармштадте и Дюссельдорфе, с 1924 до 1929 года возглавлял оркестр Немецкой государственной оперы, был профессором Берлинской высшей школы музыки и Немецкой академии музыки в Праге. С 1939 года жил в США. Американское гражданство получил в 1946 году. Селл дирижировал ведущими американскими оркестрами, в 1942-46 годах работал в Метрополитен-опере. С 1946 года дирижер связал свою жизнь с Кливлендским оркестром.

С первого месяца работы Селл принялся менять состав. Кого-то он уволил сам, кто-то отказался с ним работать и ушел, не дожидаясь увольнения. Селл устраивал конкурсы и набирал лучших музыкантов со всего мира. Подобно знаменитому “чикагскому звуку”, о котором стали говорить во время руководства Чикагским оркестром Фрицем Райнером, во времена Селла писали о неповторимом “европейском звуке” Кливлендского оркестра.

С первых лет своего существования оркестр активно гастролировал по городам Америки, участвовал в радиотрансляциях, а с приходом Селла и развитием звукозаписывающей индустрии стал постоянно записываться и играть в Европе. В 1965 году состоялись триумфальные гастроли оркестра по шести городам СССР (Москва, Ленинград, Киев, Тбилиси, Сочи, Ереван). Оркестр регулярно выступал в крупнейших музыкальных столицах Европы. Отсюда – его невероятная популярность в Европе и бывшем СССР.

“Знаете, чего мне хочется, господа? – спросил как-то Герберт фон Караян на репетиции оркестра. - Обвязать вас всех веревкой, облить бензином и поджечь.” Наступила жуткая тишина. Наконец, один из музыкантов проговорил: “Но тогда вы нас лишитесь”. “Ах, да, - ответил Караян. - Об этом я как-то позабыл.” Наверняка подобные чувства не раз посещали Селла. Как почти все великие дирижеры предвоенного поколения (Тосканини, Караян, Мравинский, Фуртвенглер, Райнер...), Селл был диктатором. В своей книге “Маэстро миф” английский музыковед Норман Лебрехт писал: “Джордж Селл, известный за его аналитическое ухо как “химик среди дирижеров”, представлялся оркестрантам страшилой-надсмотрщиком, способным различить, настроен ли инструмент на 420 вибраций в секунду или на 424. “Чего мы боялись больше всего, так это его жуткой компетентности”, - говорит один из его ассистентов. Во время гастролей он заставлял своих кливлендцев носить исключительно костюмы-тройки”. Музыканты ворчали, но понимали уровень личности Селла. Когда после его смерти английский дирижер Роджер Норрингтон пришел на репетицию в футболке и шортах, на следующий день оркестранты облачились в костюмы-тройки, а исторические рассуждения Норрингтона издевательски освистали. “Новейшие исследования показали, - насмешничал один из скрипачей, - что этот господин – полный осел”.

Музыканты были инструментом в руках Селла. Он мог их обидеть, мог уволить за неверно взятую ноту, он не терпел возражений, был категоричен и имел множество других недостатков. Из достоинств у него было только одно – он был великий дирижер. Единственное, что интересовало этого человека, была Ее Величество Музыка. В ней и только в ней он не терпел компромиссов. В ней он стремился и добивался совершенства. Именно Джордж Селл создал тот самый Кливлендский симфонический оркестр, которому рукоплескал весь мир. Он умер в 1970 году в возрасте семидесяти трех лет. По легенде, он купался в океане, и его загрызла акула. Оркестранты недоумевали: Селл был так “зубаст”, что именно он должен был проглотить попавшееся на пути чудовище.

Селл представил Нью-Йорку Пьера Булеза, школу Селла прошел Джеймс Ливайн, влияние дирижера испытали на себе многие более молодые по возрасту европейские коллеги. Замену Селлу Кливлендскому оркестру найти было нелегко. С 1970 до 1972 года советником оркестра выступал Булез (в скобках замечу, что в период между Баренбоймом и Мути французский композитор и дирижер выполнял похожую функцию в Чикагском симфоническом оркестре), после чего оркестр возглавляли известные дирижеры Лорин Маазель (1972-82 годы) и Кристоф фон Донаньи (1984-2002 годы).

С 2002 года музыкальным руководителем оркестра является австрийский дирижер Франц Вельзер-Мест. Он родился в Линце в 1960 году. Его настоящее имя - Франц Леопольд Мария Мест. В 1985 году, через два года после дирижерского дебюта, он поменял свое имя на более короткое Вельзер-Мест в честь города его детства Вельс.

Франц собирался стать скрипачом, но автомобильная авария заставила его обратиться к дирижированию. Он учился в Линце и Высшей музыкальной школе в Мюнхене. С 1990 до 1996 года был руководителем Лондонского филармонического оркестра, с 1995 до 2008 годы – главным дирижером (а последние три года – музыкальным директором) Цюрихского оперного театра, с 2010 до 2014 года – музыкальным руководителем Венской оперы. В 2011 и 2013 годах Вельзер-Мест дирижировал Венским филармоническим оркестром на традиционном Новогоднем концерте в Musikverein.

Вельзер-Мест был европейским дирижером, и поначалу в Америке о нем мало кто знал. Однако администрация Кливлендского оркестра решила не гоняться за громкими именами, и время показало правильность такого подхода. За пятнадцать лет работы в оркестре Вельзер-Мест доказал, что он вполне достоин прославленного коллектива и его назначение было правильным решением для оркестра. Сегодня оркестр продолжает успешно гастролировать, он частый гость Зальцбургского музыкального фестиваля и Музыкального фестиваля в Люцерне.

Записи оркестра под управлением Вельзера-Места получили премии “Граммофон” и две номинации на премию “Грэмми”, диск с оперой “Кавалер розы” Зальцбургского фестиваля завоевал премию Echo Klassik 2015 года за лучшую оперную запись года. Недавно Кливлендский оркестр выпустил DVD с произведениями И.Брамса (солисты - пианист Ефим Бронфман и скрипачка Джулия Фишер).

Недавно Вельзер-Мест продлил контракт с оркестром до конца сезона 2017-18 годов.

С 1931 года оркестр базируется в концертном зале Северенс-холл (Severance Hall), построенном на деньги местного мецената и любителя музыки Джона Северенса. По уровню акустики этот зал на две тысячи мест считается одним из лучших в США.

С 1968 года летней резиденцией оркестра является Музыкальный фестиваль Блоссом (Blossom Music Festival), расположенный в двадцати пяти милях к югу от Кливленда. С конца июня до начала сентября оркестр дает там концерты по выходным дням.

С 2007 года у оркестра появился еще один адрес – Майами. Ежегодно Cleveland Orchestra Miami дает в городе несколько концертов.

Последний раз в Чикаго Кливлендский симфонический оркестр гастролировал в сезоне 2010-11 годов.

Всегда любопытно послушать хорошие оркестры и сравнить их с Чикагским симфоническим, так что, думаю, этот концерт привлечет внимание многих.

Nota bene! Билеты на концерт Кливлендского симфонического оркестра, а также на все концерты Чикагского симфонического центра сезона 2016-17 годов можно приобрести на сайте www.cso.org, по телефону 312-294-3000, по почте или в кассе по адресу: 220 South Michigan Ave., Chicago, Il 60604.

Фотографии к статье:

Фото 1. Франц Вельзер-Мест дирижирует Кливлендским симфоническим оркестром. Фото – Роджер Мастоянни

Фото 2. Франц Вельзер-Мест. Фото – Сатоши Аояги

Ирландский театр Чикаго: “Плотина” (“The Weir”)

В эти дни на сцене Ирландского театра Чикаго (Irish Theatre of Chicago, прежнее название - Seanachaí Theatre Company) идет спектакль “Плотина” по пьесе ирландского драматурга Конора Макферсона.

Загадочная молодая женщина из Дублина оказывается в центре внимания в пабе одного ирландского городка. Четверо мужчин с интересом слушают ее истории, а потом рассказывают свои. Сколько в них правды, сколько – вымысла, понять нелегко, но оторваться от историй невозможно...

Конор Макферсон родился в Дублине в 1971 году. Во время учебы в местном университете стал писать пьесы. Первая – “Ром и водка” – была с огромным успехом поставлена в дублинском театре Fly-by-Night. Среди его наиболее известных пьес – “The Veil” (премьера спектакля по этой пьесе состоялась в Лондонском Национальном театре в октябре 2011 года), “Port Authority”, “St.Nicholas”, “Dublin Carol”, “The Night Alive” (спектакль по этой пьесе недавно шел на сцене Steppenwolf Theatre). Сегодня Макферсон - один из самых успешных современных европейских драматургов. Его каждая новая пьеса притягивает к себе внимание огромного количества театров, а за право первой постановки борятся лучшие из них.

“Плотину” Макферсон написал в возрасте двадцати шести лет. В 1997 году пьеса получила премию Лоуренса Оливье в номинации “Лучшая пьеса года” и Evening Standard Award в номинации “Самый многообещающий драматург”.

В прошлом Ирландский театр уже обращался к драматургии Макферсона. Спектакль по его пьесе “Моряк” (“The Seafarer”) получил премию “Джефф” за лучший ансамбль (сезон 2013-14 годов). В сезоне 2014-15 годов в театре поставили еще одну пьесу Макферсона “Сияющий город” (“Shining City”). В этом сезоне театр продолжает осваивать парадоксальные, эксцентричные и всегда неожиданные пьесы ирландского драматурга.

Режиссер-постановщик чикагского спектакля – Сиири Скотт. В прошлом сезоне она поставила в театре моноспектакль “Мой потрясающий развод” (“My Brilliant Divorce”) по пьесе Джеральдин Арон с Барбарой Фиггинс. Сиири Скотт – руководитель актерского и режиссерского отделений факультета кино, телевидения и театра в University of Notre Dame

В ролях: приглашенный артист Брэд Смит (Брендан) и актеры Ирландского театра Бред Армакост (Джек), Дэн Веллер (Финбар), Джефф Кристиан (Джим), Сара Веллингтон (Валерия).

Nota bene! Спектакль “Плотина” идет до 22 января 2017 года в помещении The Den Theatre по адресу: 1333 North Milwaukee Avenue, Chicago, IL 60622. $26 по четвергам и пятницам, $30 по субботам и воскресеньям. Предоставляются скидки $5 для студентов и пенсионеров. Заказ билетов на этот и другие спектакли сезона 2016-17 годов - на сайте www.irishtheatreofchicago.org. Там же вы найдете подробную информацию об истории создания и сегодняшнем дне театра.

Фотографии к статье:

Фото 1-7. Сцены из спектакля “Плотина”. Фото – Эмили Шворц 

Лучшие спектакли театров Лондона – в кино (National Theatre Live). Зима-весна 2017 года

Объявлена программа серии “National Theatre Live” на зиму-весну 2017 года. С некоторых пор в рамках этой программы демонстрируются не только спектакли Лондонского Королевского национального театра, но и других театров Лондона.

28 февраля, 7.00 pm. “На безлюдье” (в других переводах – “Ничья земля”, оригинальное название - “No Man’s Land”) Гарольда Пинтера

Режиссер – Шон Матиас.

В ролях: Иэн Маккеллен, Патрик Стюарт, Оуэн Тил, Дэмиен Молони.

Спектакль Wyndham’s Theatre.

Пьесы Пинтера – печальные зарисовки, не привязанные ни к какому времени и ни к каким реалиям. Герои Пинтера немногословны, и даже те слова, которые они говорят, зачастую не выражают истинных чувств. При этом после выхода из зрительного зала возникает странное чувство послевкусия.

Пьесы Пинтера не поддаются определению. По искусству слова и паузы, по умению создать атмосферу я бы сравнил драматурга с ранними фильмами Антониони или пьесами Чехова. Пинтеровских героев трудно забыть, о них хочется думать – редкий случай в современном театре!

Театралам Чикаго известен спектакль Белорусского Свободного театра “Быть Гарольдом Пинтером” – политический манифест о насилии и диктатуре, свободе и чувстве человеческого достоинства. В названии, придуманном режиссером Владимиром Щербанем, заключен глубокий смысл. Быть Гарольдом Пинтером – значит быть тонким психологом, исследователем внутреннего мира человека. Быть Гарольдом Пинтером – значит вскрывать социальные пороки общества, бороться с диктатурой, насилием и любой формой несправедливости. Быть Гарольдом Пинтером – значит обращаться и вразумлять сильных мира сего, призывать их отказаться от опасных политических игр и военных авантюр. Пинтер – это не просто фамилия драматурга, пинтер – это явление, единица совести, чести, достоинства. Быть Гарольдом Пинтером – значит оставаться Человеком в нашем бесчеловечном мире.

В Чикаго к драматургии Пинтера чаще всего обращался Steppenwolf Theatre. В первый сезон 1976-1977 годов - сезон образования театра - на его сцене шли сразу две пьесы Пинтера: “Любовник” и “Кухонный лифт”. Автор был уже хорошо известен, и постановка его пьес подняла репутацию театра. В дальнейшем Steppenwolf часто обращался к пинтеровской драматургии. На сцене театра шли его пьесы “Сторож” (сезон 1978-1979 годов), “Возвращение домой” (сезон 1989-1990 годов). Однако с 1992 года имя драматурга исчезает с афиши театра. Его не ставят не только на сцене Steppenwolf. Происходит интересный парадокс: по мере возрастания интереса к Пинтеру со стороны европейского театра американские режиссеры несколько отодвигают драматурга в сторону. В девяностые годы о нем говорят все больше как о правозащитнике. Только в 2007 году в Steppenwolf снова обратили внимание на драматургию Пинтера – в театре поставили его пьесу “Предательство”. В сезоне 2011-12 годов в Writers Theatre шла пьеса Пинтера “Сторож”.

Последний раз в Чикаго пьеса “На безлюдье” ставилась все в том же Steppenwolf Theatre. Было это в сезоне 1980-1981 годов.

Постановка Шона Матиаса получила театральную премию лондонской газеты “Evening Standard” в категории “Лучшее возобновление”.

Продолжительность - 2 часа 30 минут, включая запись беседы с актерами и режиссером после спектакля.

29 марта, 7.00 pm. “Святая Иоанна” (“Saint Joan”) Бернарда Шоу

Режиссер – Джози Рурк.

В главной роли: Джемма Артертон.

Спектакль театра Donmar Warehouse.

“Святая Иоанна” - инсценировка классической пьесы Бернарда Шоу о первой революционерке средневековой Европы Жанне Д’Арк. Ее роль исполнила английская актриса Джемма Артертон, знакомая нам по роли Джеммы Бовари в остроумной пародии французского режиссера Энн Фонтейн “Мадам Бовари” Г.Флобера. Фильм так и называется “Джемма Бовари” (“Gemma Bovery”, 2014).

Режиссер Джози Рурк поставил спектакли “Опасные связи” и “Кориолан”.

Продолжительность - 4 часа.

30 марта, 7.00 pm. “Гедда Габлер” (“Hedda Gabler”) Генриха Ибсена

Режиссер – Иво ван Хове.

В главной роли: Рут Уилсон.

Спектакль Королевского национального театра.

Пьеса “Гедда Габлер” написана и опубликована в 1890 году. Премьера спектакля состоялась 26 февраля 1891 года в Национальном театре Кристиании (ныне – Осло). Поведение и поступки Гедды вызвали у зрителей шок. Шок повторяется и через сто двадцать шесть лет после премьеры. Властная и свободолюбивая, Гедда не признает обыденности и яростно борется с ней. Муж, тетушка мужа, друзья – все персонажи вызывают у нее раздражение. Последней каплей становится самоубийство коллеги мужа и ее бывшего любовника Эйлерта Левборга. Она верила, что он сделает это красиво, а он оказался, как все, и смерть получилась у него такой же нелепой, как и жизнь. Не сумев победить обыденность, не желая ни от кого зависеть, Гедда убивает себя... 

Королевский национальный театр регулярно обращается к драматургии Генриха Ибсена. Голландский режиссер Иво ван Хове предлагает новый взгляд на трагедию Гедды и людей, ее окружающих. За свой предыдущий спектакль “Вид с моста” (2015 год, Young Vic Theatre) ван Хове был награжден премией ”Тони”.

Продолжительность – 3 часа 30 минут.

16 мая, 7.00 pm. “Амадей” (“Amadeus”) Питера Шеффера

Режиссер – Майкл Лонгхерст.

В главных ролях: Адам Гиллен и Лусиан Мсамати.

Еще одна – уже современная – классика Королевского национального театра: спектакль о юном гении, приехавшем покорять Вену.

Перед нами разворачивается известная многим история взаимоотношений Моцарта и Сальери. Идя по пушкинским стопам, Шеффер подает этот сюжет, как историю медленного убийства гения посредственностью. Только если у Пушкина Сальери подсыпает яд в бокал шампанского и Моцарт умирает быстро, то английский драматург показывает медленное и мучительное убийство гения. Убийство длиною в жизнь. Биографы Моцарта давно усомнились в достоверности предложенной Пушкиным версии. Существует масса документов, свидетельствующих о том, что придворный композитор Антонио Сальери был непричастен к смерти Вольфганга Амадея, однако “красивая” версия убийства продолжает привлекать внимание художников.

Премьера пьесы Шеффера состоялась в Национальном театре в 1979 году. Спектакль получил премии Лоуренса Оливье и “Тони”, а фильм Милоша Формана по этой пьесе завоевал восемь “Оскаров”. В новой постановке все произведения Моцарта исполняются вживую оркестром Southbank Sinfonia.

Продолжительность – 3 часа 30 минут.

Nota bene! Все спектакли демонстрируются в помещении Josephine Louis Theater по адресу: 20 Arts Circle Drive, Evanston, IL 60208 (located on the southeast part of the Evanston campus of Northwestern University just off Sheridan Road and Campus Drive, the Louis Theater faces the parking structures). Заказ билетов – на сайте https://web.ovationtix.com/trs/cal/1771/1477972800000. Все новости о проекте “Stage Russia HD” - на сайте http://www.stagerussia.com/. Наиболее полная информация о спектаклях Национального театра – на сайте http://www.nationaltheatre.org.uk/.

Фотографии к статье:

Фото 1-4. Сцены из спектакля “На безлюдье” (Wyndham’s Theatre). Фото - Джоан Перссон

Фото 5. Постер к спектаклю “Святая Иоанна” (Donmar Warehouse)

Фото 6-8. Сцены из спектакля “Гедда Габлер” (Королевский национальный театр). Фото - Ян Версвейвелд

Фото 9-10. Сцена из спектакля “Амадей” (Королевский национальный театр). Фото - Марк Бреннер

The Hypocrites Theatre (Чикаго) отменяет две премьеры

В конце прошлого года неожиданная новость пришла из The Hypocrites Theatre. Запланированные на весну-лето 2017 года две премьеры театра отменены. Постановка спектакля “WIT” по пьесе Маргарет Эдсон (20 января - 19 февраля 2017 года, режиссер - Марти Лайонс) станет последней в юбилейном, двадцатом сезоне. В заявлении для печати говорится, что это произошло из-за “непредвиденного и резкого падения продаж билетов и сбора средств”.

Двадцатый сезон открылся чикагской премьерой спектакля “You on the Moors Now” по пьесе Жаклин Бакхаус в постановке Девона де Майо и продолжился мировой премьерой спектакля “Cinderella at the Theater of Potatoes” по пьесе Андры Велис Саймон (на основе оперы Cendrillon и других сочинений Полины Виардо-Гарсиа) в постановке Шона Грени. Ранее планировалось, что в феврале в театре пройдет спектакль “The House of Martin Guerre” по книге Лесли Арден и Анны Терезы Каско в постановке Джеффа Баттона, а в конце марта состоится чикагская премьера спектакля “Las Meninas” по пьесе Линн Ноттедж в постановке Джесса Маклеода.

Конечно, обидно, что юбилейный, двадцатый сезон театра оказался скомкан. Основатель театра, четырехкратный лауреат премии “Джефф” Шон Грени сказал: “Меня убивает, что приходится сократить сезон и отменить контракты с великолепными артистами и работниками театра. У нас нет денег, чтобы продолжать работать в прежнем объеме. Театр сохранит свой статус некоммерческого. Я буду работать над составлением новой художественной модели будущего и в ближайшие несколько недель поделюсь дополнительной информацией. Я хочу поблагодарить наших артистов, сотрудников, меценатов за понимание и преданность делу театра“. В театре заявили, что они свяжутся с владельцами билетов в индивидуальном порядке.

The Hypocrites Theatre был основан в 1997 году. За прошедшие девятнадцать лет в театре было поставлено свыше шестидесяти спектаклей, удостоенных тридцати девяти премий. С 2015 года “Лицемеры” получили возможность выставлять свои спектакли на соискание крупнейшей театральной премии Чикаго “Джефф” (Jeff Awards Equity Wing Recipients). Театр буквально “пришел, увидел, победил”. Получить в первый год шесть премий “Джефф” не удавалось до них никому! Все награды театр получил за эпическую двенадцатичасовую сагу “Все наши трагедии” (“All Our Tragic”), созданную на основе тридцати двух греческих трагедий. Среди них - премии в номинациях “Лучший спектакль”, “Лучшая режиссура” (Шон Грени), “Лучшая новая адаптация”, “Лучший ансамбль” (категория “Драма, малая форма”).

Что же произошло с одним из лучших театров Чикаго? Что заставило зрителей отвернуться от него? Эти вопросы задают многие театральные деятели города. Задают и не находят ответов. Нет ответов и у меня. Я лишь надеюсь, что театр найдет правильные решения и продолжит жизнь.

Nota bene! Все новости о The Hypocrites Theatre вы найдете на сайте www.the-hypocrites.com. Справки по телефону 773-525-5991 или по электронной почте info@thehypocrites.com.

Фотографии к статье:

Фото 1-2. Сцены из спектакля “Все наши трагедии”. Фото – Иван Хановер

Работы лучших хореографов в Чикаго. Продолжается 61-й сезон The Joffrey Ballet

В разгаре – шестьдесят первый сезон знаменитой чикагской труппы The Joffrey Ballet. В декабре в театре состоялась мировая премьера “Щелкунчика” в хореографии лауреата премии “Тони” Кристофера Уилдона. После успеха нового старого балета нас ждет еще много интересного. Обо всем по порядку.

15-26 февраля 2017 года. Зимняя программа называется “Game Changers”. В ней собраны работы нового поколения балетмейстеров: чикагская премьера балета “Год кролика” (“Year of the Rabbit”) Джастина Пека, балеты Кристофера Уилдона “Рай дураков” (“Fool’s Paradise”) и Уэйна Макгрегора “INFRA”.

Нет сегодня в балетном мире хореографа, о котором говорили бы больше, чем о Джастине Пеке. Газета “The New York Times” прямо назвала Пека самым выдающимся американским хореографом, журнал “The New Yorker” советует идти в Нью-Йоркский городской балет, чтобы увидеть его спектакли. Документальный фильм о хореографе XXI века “Ballet 422” посвящен именно ему. Кто же такой этот мистер Пек?

Он родился в 1989 году в Калифорнии, в городе Сан Диего. Балетом заинтересовался, увидев “Жизель” в Американском балетном театре. И не просто заинтересовался, а решил стать танцовщиком. Сказано – сделано, и наш тринадцатилетний герой из солнечной Калифорнии переехал в Нью-Йорк. Он учился в Школе американского балета при Нью-Йоркском городском балете, где среди педагогов был художественный руководитель театра Петер Мартинс. Сам Мартинс и пригласил Пека в труппу. Сначала - в октябре 2006 года - стажером, потом, в июне 2007 - артистом кордебалета. С этого времени танцовщик выступал в спектаклях Баланчина, Роббинса, Мартинса, Ратманского, Уилдона и Мильпье. С 2009 года (с двадцати лет) Пек занимается хореографией. (Замечу, что среди танцовщиков Нью-Йоркского балета это не редкость. Именно так в хореографы вышли Уилдон и Мильпье.) Среди балетов Пека – “Погружение в чайную чашку” (его дебют в качестве хореографа) и “Квинтет” (оба - 2009), “Радость твоего кролика” (2010), “Сказка китайского зодиака”, “Mise En Place” (2012). Балет Пека “Родео: четыре танцевальных эпизода” получил Bessie Award. В 2014 году Пек стал солистом и резидентом-хореографом Нью-Йоркского балета. Сегодня ему двадцать восемь, и он поставил двадцать восемь балетов, из них десять – для Нью-Йоркского балета! Кроме этого, Пек готовит фотосессии для журналов “Vogue”, “Harpers Bazaar”, “Dujour”, “Nowness”. Отсюда – его слава в мире гламура.

В феврале прошлого года на гастролях Майамского балета в Чикаго мы увидели балет Пека “Heatscape” на музыку Первого фортепианного концерта чешского композитора Богуслава Мартину.

Первые три работы Пека для Нью-Йоркского городского балета датированы 2011 годом. Это “In Creases”, “Paz de La Jolla” и “Год кролика”.

Балет “Год кролика” создан под влиянием китайского зодиака. Пек обратился к творчеству американского певца Суфьяна Стивенса и в качестве музыкальной основы балета взял классическую оркестровку его “электронного” цикла “Enjoy Your Rabbit”.   

Балет был номинирован на самую престижную балетную премию “Benois de la dance” (своеобразный балетный “Оскар”, учрежденный в России в 1991 году).

Дебют Пека с Joffrey Ballet состоялся в апреле 2015 года с балетом “In Creases”.

Английский хореограф Кристофер Уилдон всю жизнь связан с Королевским балетом Ковент-гарден (The Royal Ballet). С одиннадцати до восемнадцати лет он учился в Школе при Ковент-гарден, с 1991 по 1993 годы танцевал в труппе театра, затем неоднократно (с 1996 года) возвращался на эту сцену в качестве балетмейстера, в настоящее время является членом труппы лондонского театра. Последний раз - в 2011 году - Уилдон поставил с труппой Ковент-гарден балет “Приключения Алисы в стране чудес” на музыку английского композитора Джоби Талбота. В прошлом году на Бродвее шел его балет “Американец в Париже” (“An American in Paris”).

На состоявшейся в Москве 26 мая 2016 года церемонии вручения премии “Benois de la Danse” триумфатором стал балет Уилдона “Зимняя сказка” (“The Winter’s Tale”) на музыку Талбота. Уилдон стал лучшим хореографом, Талбот – лучшим композитором, исполнитель главной партии Эдуард Уотсон – лучшим танцовщиком.

После успеха “Лебединого озера” осенью 2015 года связи Уилдона с Joffrey Ballet стали гораздо прочнее. В декабре прошлого года он придумал нового “Щелкунчика”, а в феврале представляет “Рай дураков” - первый балет созданной Уилдоном компании Morphoses. Балет абстрактный, для девяти танцоров. В нем звучит музыка Джоби Талбота. На темную сцену один за другим выходят солисты. Они исполняют сольные танцы, сталкиваются в дуэтах и трио. Тела танцоров образуют серию живых скульптур, а выхваченные из мрака “мерцающие лепестки” тел-душ создают незабываемый визуальный эффект. Мировая премьера балета прошла в Лондоне с большим успехом.

Еще один лидер мировой хореографии, связанный с Королевским балетом Ковент-гарден, – Уэйн Макгрегор. Он ставил балеты в лондонском театре, в 2006 году даже стал штатным хореографом. Макгрегор увлекается компьютерными технологиями и больше всего любит путешествовать, работая с разными балетными труппами. Большую известность принес Макгрегору балет “АтаКсия” (2004), возникший в результате его работы на кафедре экспериментальной психологии Кембриджского университета. Макгрегор участвовал в исследовании взаимодействия тела и мозга. При создании балета “Dyad 1909” (2008) хореограф принял участие в научном исследовании творческого процесса: весь путь постановки балета был отснят на камеру и подробно проанализирован командой специалистов по когнитивным процессам и студентов Университета штата Калифорния (Сан-Диего, США). Исследование продолжилось и во время подготовки балетов “Entity” (2009) и “FAR” (2010).

Балет “INFRA” Макгрегор создал в 2005 году после взрывов в лондонском метро. В балете использована оригинальная музыка Макса Рихтера - нервная, напряженная смесь скорбных струнных и спокойных духовых (“индустриальных”) звуков. Над сценой размещен огромный светодиодный экран, на котором в виде анимационных рисунков отображаются городские пейзажи. Анимация разработана всемирно известным британским художником Джулианом Опи. В балете участвуют двенадцать танцоров. Мировая премьера балета состоялась в лондонском Ковент-гарден, американская - в 2012 году с труппой Joffrey Ballet.

26 апреля – 7 мая 2017 года. Программа трех одноактных балетов называется “Global Visionaries”. Изюминкой программы обещает стать мировая премьера балета шведского хореографа Александра Экмана (название еще не придумано). Также в программе – чикагская премьера балета “Чудесный мандарин” Юрия Посохова и балет “Mammatus” Аннабеллы Лопес Охоа.

Александр Экман начинал свою карьеру в качестве солиста. Он танцевал в Шведском королевском балете, в труппе “Кульберг балет”, в Нидерландском театре танца-2. Большую известность получил его многоактный балет для труппы “Кульберг балет” “Триптих Экмана – обучение увеселению” (2010). С 2009 года он занят производством фильмов, в частности, был одним из авторов картины “40 метров под”. Вместе с известным хореографом Матсом Эком работает над видеопроектом – пьесой Эка “Hall Plats”, создает инсталляции для Музея современного искусства в Стокгольме. В 2014 году Экман сочинил собственную версию “Лебединого озера”. Он использовал шестьсот литров воды и создал на сцене настоящее озеро. Костюмы для балета сделал дизайнер модной одежды Хенрик Вибсков. После премьеры он адаптировал костюмы для показа в Париже и Копенгагене на Неделях моды.

Экман известен балетному миру оригинальностью и юмором. Он работал с ведущими балетными компаниями мира. Во время Чикагского фестиваля танца (Chicago Dancing Festival) в 2013 году мы увидели его балет “Tulle” и ритмическую композицию “Episode 31”.

Юрий Посохов – еще одно громкое имя в современной хореографии. Он родился в Ворошиловграде (теперь – Луганск). После окончания Московского хореографического училища был принят в балетную труппу Большого театра и в течение десяти лет танцевал главные партии на главной балетной сцене России. Среди его наиболее известных работ - главная партия в премьере первого балета Баланчина в Большом театре “Блудный сын” С.Прокофьева. С 1992 года Посохов работает в Европе, с конца девяностых – в качестве хореографа.
В 1993 году Посохов исполнил партию принца Дезире в “Спящей красавице” в Балете Сан-Франциско. С 1994 до 2006 года был премьером калифорнийской труппы, в настоящее время работает резидентом-хореографом.

Летом 2015 года в Большом театре состоялась премьера балета “Герой нашего времени” на музыку молодого композитора Ильи Демуцкого. Режиссером выступил Кирилл Серебренников, хореографом - Юрий Посохов. Сотрудничество Серебренникова и Посохова продолжится в Большом театре в 2017 году. На 11 июля заявлена премьера балета “Нуреев” на музыку Демуцкого.

В хореографии Посохова мы видели композицию “RakU” – выразительную историю японского императора, его жены и сгорающего от любви ревнивого монаха. Музыку к балету написал композитор и многолетний контрабасист оркестра Сан-Францисской оперы (он служит в нем с 1980 года) Шинджи Эшима. Премьера балета состоялась в Сан-Франциско в 2011 году. Премьера в Чикаго прошла в сентябре 2014 года. 

Балет “Чудесный мандарин” на музыку Белы Бартока Посохов создал в компании с Кливлендским симфоническим оркестром. Одноактная пантомима о Девушке, Юноше и Мандарине превращается у Посохова в исследование темных страстей мужчин и женщин. В балете участвуют семь танцоров. Мировая премьера состоится в феврале 2017 года при участии Кливлендского оркестра, следом за ней последует премьера в Чикаго.

Аннабелла Лопес Охоа - живущая в Амстердаме хореограф с колумбийскими и бельгийскими корнями. Выпускница Королевской балетной академии в Антверпене (Бельгия). Танцевала во многих немецких компаниях, была солисткой труппы Djazzex. С 1997 по 2004 годы - солистка труппы Scapino Ballet (Роттердам). Работала в Нью-Йорке над новым проектом для летнего фестиваля “Jacob’s Pillow”. Двадцатиминутный балет “Mammatus” – серия ансамблей и дуэтов, визуальное воплощение струнного секстета американского композитора Майкла Гордона “Weather One”. В балете участвуют двадцать танцоров. Минималистская сцена состоит из украшенных светоизлучающими диодами елочных веток. Танцоры живут в сюрреалистических образах насекомых и птиц. Через корявые, извилистые движения они исследуют нелинейную сущность природы. Мировая премьера балета состоялась в Чикаго в сентябре 2015 года. Лопес Охоа известна своим ярким талантом импровизатора, ее работы везде вызывают повышенный интерес критиков и зрителей.

21 апреля 2017 года. Гала-концерт Joffrey Ballet. Второй год подряд чикагская труппа устраивает специальный часовой концерт для обладателей абонементов. В программе: фрагменты балетов сезона 2016-17 годов.

Художественный руководитель Joffrey Ballet Эшли Уитер настроен оптимистично: “В этом сезоне мы предлагаем зрителям Чикаго балет сегодняшнего дня - яркий, динамичный, современный”.

Все спектакли Joffrey Ballet пройдут под сопровождение оркестра Chicago Philharmonic под управлением музыкального руководителя балетной труппы Joffrey Ballet Скотта Спека.

Nota bene! Все спектакли Joffrey Ballet сезона 2016-17 годов пройдут в помещении Auditorium Theatre по адресу: 50 East Congress, Chicago, IL, 60605. Заказ абонементов – на сайте http://www.joffrey.org/, по почте (Joffrey Ballet Subscriptions, The Joffrey Ballet, Joffrey Tower, 10 EastRandolph Street, Chicago, IL 60601), по телефону 312-386-8905, по факсу 312-739-0119 или по электронной почте subscriptions@joffrey.org. Билеты продаются в кассах Joffrey Ballet (10 East Randolph Street, Chicago, IL 60601) и Auditorium Theatre, в отделениях Ticketmaster TicketCenters, по телефону 800-982-2787 или на сайте www.ticketmaster.com. Для подписчиков дополнительные билеты продаются со скидкой в 50%. Об истории и сегодняшнем дне Joffrey Ballet читайте на сайте компании http://www.joffrey.org/. Там же вы найдете подробную информацию о предстоящих спектаклях.

Фотографии к статье:

Фото 1-7. Сцены из балетов “Рай дураков” и “Mammatus”. Все фото – Шерил Манн

Лучшие спектакли театров Москвы - в кино (Stage Russia HD). Зима 2017

В сентябре 2016 года в Америке, Канаде и некоторых странах Европы стартовал новый проект “Stage Russia HD” (продюсер – Эндрю Аронофф). Теперь для того, чтобы увидеть лучшие спектакли театров Москвы, не нужно отправляться в Россию. Спектакли можно посмотреть в местных кинотеатрах.

Проект открылся спектаклем Московского театра имени Вахтангова “Евгений Онегин”. 28 января в 7.00 pm в кинотеатре в Эванстоне (The Virginia Wadsworth Wirtz Center for the Performing Arts) состоится  показ еще одного спектакля Вахтанговского театра

“Анна Каренина” Л.Толстого.

Режиссер-постановщик – Анжелика Холина.

Сценография - Мариус Яцовскис. Художник по костюмам - Мария Данилова.

В главных ролях: Анна Каренина – Ольга Лерман, Алексей Каренин - Евгений Князев, Алексей Вронский – Дмитрий Соломыкин, Степан Облонский – Валерий Ушаков, Дарья Болконская – Мария Волкова, Екатерина Шербацкая – Екатерина Крамзина, Константин Левин – Федор Воронцов.

В спектакле использована музыка А.Шнитке, Г.Малера, П.Чайковского. Премьера – 28 апреля 2012 года. Продолжительность - 2 часа 30 минут с одним антрактом.

“Анна Каренина” – продолжение эксперимента Анжелики Холиной в эстетике невербального театра, начатого спектаклем “Берег женщин”. Режиссер говорит: “Я ищу эквивалент гармонии слова и смысла в пластике, ведь каждое движение таит в себе смысл, адекватный слову”.

Осенью мне удалось пообщаться с исполнительницей роли Анны Карениной, актрисой Ольгой Лерман. В беседе со мной она рассказала о спектакле и работе в любимом театре. Эксклюзивное интервью с актрисой читайте в следующих выпусках нашей газеты.

В планах на первый сезон у “Stage Russia HD” - показы еще двух московских спектаклей: “Черный монах” А.Чехова Театра юного зрителя (ТЮЗ) в постановке Камы Гинкаса (предполагаемая дата – 2 марта 2017 года), “Три товарища” Э.М.Ремарка театра “Современник” в постановке Галины Волчек (предполагаемая дата - 13 апреля 2017 года). Все спектакли записаны Алексеем Шемятовским на студии “Кинематика” (Москва). Все спектакли идут на русском языке с английскими субтитрами.

Nota bene! Все спектакли демонстрируются в помещении Josephine Louis Theater по адресу: 20 Arts Circle Drive, Evanston, IL 60208 (located on the southeast part of the Evanston campus of Northwestern University just off Sheridan Road and Campus Drive, the Louis Theater faces the parking structures). Заказ билетов – на сайте https://web.ovationtix.com/trs/cal/1771/1483246800000. Все новости о проекте “Stage Russia HD” - на сайте http://www.stagerussia.com/. 

Фотографии к статье:

Фото 1-2. Ольга Лерман – Анна Каренина, Дмитрий Ендальцев – Вронский (“Анна Каренина”, театр Вахтангова)