“Белоснежка” Анжелена Прельжокажа в Чикаго: секс, Готье и Малер

Со 2 по 4 мая 2014 года в Чикаго впервые выступит труппа известного французского хореографа Анжелена Прельжокажа Ballet Preljocaj. Мы увидим балет “Белоснежка” на музыку Густава Малера. В спектакле заняты двадцать шесть танцовщиков. Декорации изготовлены в Ателье Атенто (Atelier Atento), а костюмы созданы французским модельером и дизайнером Haute Couture Жаном-Полем Готье. Премьера балета состоялась 25 сентября 2008 года в Лионе на Biennale de la dance. Спектакль удостоен премии “Globese Cristal” в 2009 году.

“Белоснежка” - современный взгляд на классическую сказку братьев Гримм. Вот что писали французские критики об этом спектакле.

“Белоснежка”, переосмысленная хореографом Анжеленом Прельжокажем и известным кутюрье Жаном-Полем Готье, - великолепный и очень популярный балет, каких мы не видели со времен Бежара. Прельжокаж создал современный романтический балет. Он пренебрег всеми сказочно-приторными чудесами и погрузился в анализ сказки братьев Гримм сквозь призму изысканий психоаналитика Бруно Беттельхейма. Танцующая между тремя охотниками и семью гномами, полуобнаженная, по замыслу Готье, Белоснежка выгладит настоящей беззастенчивой кокеткой... Стилистически спектакль создает атмосферу сродни ауре черной магии: мрачные декорации, стена, испещренная норами троглодитов, по которой взбегают гномы, гимнасты и танцоры... Очевидно, что основной сюжет развивается вокруг фигуры мачехи: ее строгая хореография притягивает внимание, когда она обращает к зеркалу свой вопрос (“Свет мой, зеркальце, скажи…”) и полностью захватывает в сцене ее истерического отчаяния.” (Николь Дуол, Le Journal du Dimanche)

“Анжелен Прельжокаж придерживался истории так тщательно, как это было возможно, и таким образом сумел передать все богатство символов: вездесущее желание, скоротечность и изменчивость времени, убийственную зависть. Постановка наполнена замечательными сценами: взросление героини, которое происходит всего за несколько секунд благодаря ловкой смене исполнителей, полет мачехи – метафора смерти, акробатика, невероятные движения гномов, чьи вертикальные пируэты сопровождаются блуждающими лучами света, и безысходный танец принца с безжизненным телом своей возлюбленной…Все в этом балете идеально: костюмы Готье (злая мачеха, возвышающаяся на своих высоких каблуках, дьявольски сексуальна), превосходные декорации Тьерри Лепруста, в которых тоже использован язык символов, музыка Малера... “Белоснежка” – сверкающий многогранный бриллиант, балет-торжество примирения современного творения и повествования, эстетики и самого главного – смысла.” (Пол Хиларион, Classica repertoire)

Кто же такой этот возмутитель спокойствия Прельжокаж? Он родился в 1957 году во французском городке Шампини-сюр-Марн (Champigny-sur-Marne) в албанской семье выходцев из Черногории. Его настоящее имя – Ангелин Прелецай. “Прельжокаж” – красивая французская транскрипция его труднопроизносимой албанской фамилии. Будущий хореограф получил классическое балетное образование. После стажировки у Карины Ванер в Школе Канторум в 1982 году он отправился в Нью-Йорк к мэтру современного танца Мерсу Каннингему. Вернувшись во Францию, Прельжокаж поступил в Национальную консерваторию современного танца в Анжере (класс Виолы Фарбер). В 1982 году стал членом труппы Доминика Багуэ, в 1984 - создал свой первый спектакль “Колониальная авантюра”. Следующий балет Прельжокажа “Черный рынок” в 1985 году получил приз Министерства культуры Франции на XVII конкурсе хореографов в Баньоле. В 1993 году в Парижской опере он показывал вечер одноактных балетов “В честь Русских сезонов”, в 1994 году там же поставил балет “Парк” на музыку В.А.Моцарта. В 1995 году в Большом театре за этот спектакль он получил “балетный “Оскар” – приз “Benois de la danse”.

Труппа Анжелена Прельжокажа существует с 1984 года. В 1989 году она получила помещение в Национальном хореографическом центре в Champigny-sur-Marne и Val-de-Marne. С 1996 года постоянное пребывание труппы - Национальный хореографический центр в Экс-ан-Провансе. 20 октября 2006 года в здании Центра открылся Pavillon Noir, впервые специально сконструированный для балетной труппы. Архитектор Руди Риккиотти предусмотрел все: просторные танцклассы, залы для репетиций, кинотеатр, библиотеку, концертный зал. У Прельжокажа появился огромный театр – предмет зависти всех “бездомных” балетмейстеров мира!

Ballet Preljocaj - одна из ведущих балетных компаний мира, сочетающая в своих спектаклях элементы классического и современного танцев. За годы работы с труппой Рыцарь ордена Почетного легиона Прельжокаж поставил сорок семь балетов малой и большой формы. Среди них – новые, радикальные редакции таких балетных шедевров, как “Свадебка”, “Парад”, “Видение розы”, “Весна священная”. Некоторые из них перенесены на сцены Ла Скала, Парижской оперы, Берлинского балета, балета Нанси, Нью-Йоркского городского балета. Ежегодно труппа показывает около ста спектаклей во Франции и по всему миру.

Анжелен Прельжокаж – ключевая фигура современной культуры. Мэтр французского комикса Энки Биляль создает декорации для балета Прельжокажа “Ромео и Джульетта” (в трактовке хореографа вечная история любви разворачивается в лагерной зоне), ультрамодный электронный дуэт “Аir” пишет музыку для постановки “Near Life Experience”, группа “Granular Synthesis” создает саундтрек к балету “N”. Соавтором балета “Времена года” на музыку А.Вивальди стал Фабрис Ибер - современный художник, создавший фабрику по производству прототипов предметов в действии, выворачивающих наизнанку наше представление о реальности. Прельжокаж регулярно сотрудничает с известными художниками Гораном Вейводой и Констансом Гиссе.

Прельжокаж не связывает себя рамками одного жанра. Он является создателем короткометражных и нескольких полнометражных лент, среди которых - “Связующее звено” (“Un trait d’union”, 1992) и “Благовещение” (“Annonciation”, 2003).

Не пропустите встречи с интереснейшим явлением современной культуры - труппой Анжелена Прельжокажа!

Продолжительность спектакля - 1 час 50 минут без антракта.

Кроме Чикаго труппа Прельжокажа выступит в Нью-Йорке (Lincoln Center) и Лос-Анджелесе (Music Center).

Nota bene! Спектакль “Белоснежка” балетной труппы Анжелена Прельжокажа (Ballet Preljocaj) будет показан 2 и 3 мая в 7.30 pm, 4 мая в 2.00 pm в помещении Harris Theater по адресу: 205 East Randolph Drive, Chicago, IL 60601. Заказ билетов - по телефону 312-334-7777, на сайте

www.HarrisTheaterChicago.org или в кассе театра. Пресс-служба театра “Харрис” предупреждает: 2 и 3 мая в одной из сцен артисты балета будут танцевать обнаженными.

Фотографии к статье: сцены из спектакля “Белоснежка”

Международный фестиваль театров кукол в Чикаго

С 16 по 25 января 2015 года в Чикаго пройдет первый Международный фестиваль театров кукол (Chicago International Puppet Theater Festival), первый фестиваль подобного рода в США. На нем будут представлены как труппы из США, так и лучшие кукольные театры мира. В программе фестиваля: театры марионеток, театры теней, театры кукол бунраку, театр крошечных кукол, постановки, сочетающие в себе элементы драматического театра и театра кукол. Кроме спектаклей, в рамках фестиваля пройдут семинары, мастер-классы, специальные презентации об истории кукол и секретах их изготовления. Спектакли фестиваля пройдут на нескольких площадках Чикаго, в том числе – в Арт-институте, Шекспировском театре, Музее естествознания (Field Museum), Музее современного искусства, Чикагском университете.

Основатель и художественный руководитель фестиваля - Блэр Томас, основатель Blair Thomas & Company. Он сказал: “Мне бы хотелось видеть Чикаго в качестве лидера возрождения древнего искусства кукольного театра. Наш город хорошо известен особым интересом публики к театру. Зрители не только посещают спектакли, но и поддерживают новые формы развития театрального искусства. Надеюсь, они не останутся в стороне и от кукольных театров”.

В Америке многие считают Чикаго родиной современного кукольного театра. В самом деле, до 1912 года в английском языке даже не существовало такого термина – “кукловод”. А в 1912 году в историческом здании Fine Arts Building на Мичиган авеню открылся Маленький театр (Little Theater of Chicago). Для спектакля “Сон в летнюю ночь” режиссеру театра Эллен Ван Волкенбург понадобилась сцена из театра марионеток. Тут-то и выяснилось, что никто из актеров не знает, что такое марионетка. Тогда кукольных артистов называли “шоуменами”, их работа была связана, в основном, с цирковыми аттракционами. Именно Ван Волкенбург впервые использовала слово “кукловод” применительно к театру кукол. Сегодня Чикаго может похвастаться разнообразием передовых театральных форм, в том числе в кукольном театре. В Чикаго находится уникальная труппа Redmoon Theatre, театральный язык которой рождается из кукольного театра, и компания Manual Cinema, представляющая в своих постановках элементы театра теней. Спектакли этих трупп получали высшие награды на национальных театральных фестивалях.

Планируется, что Международный фестиваль театров кукол будет проходить в Чикаго раз в два года.

В прошлые годы уже предпринимались попытки создания фестиваля кукольных театров. С 1986 по 1994 годы кукольные спектакли были частью Международного театрального фестиваля. В 2000 году Арт-институт Чикаго провел четырехдневный Международный фестиваль кукольных театров. Наконец, в 2001 году под эгидой департамента по делам культуры мэрии Чикаго состоялся десятидневный фестиваль “Puppetropolis”. К сожалению, все эти фестивали не имели продолжения. Очень бы хотелось, чтобы новая попытка оказалась успешной и на карте Чикаго наконец появился Международный фестиваль кукольных театров!

Все новости о фестивале можно будет узнать на странице в Фейсбуке Facebook.com/ChicagoInternationalPuppetTheaterFestival.

Фотография к статье: Художественный руководитель Фестиваля кукольных театров Блэр Томас с куклой. Фото – Джо Мацца (Bravelux.com)

Мод Ле Пладек представляет: “Демократия” (“Democracy”)

3 и 4 мая в Музее современного искусства Чикаго будет показан спектакль “Демократия” одного из самых интересных молодых французских хореографов Мод Ле Пладек.

В спектакле участвуют пять танцоров. Музыка из альбома “Dark Full Ride” нью-йоркской группы “Bang on a Can” исполняется вживую четырьмя трубачами из TaCTus Ensemble.

Хореограф Мод Ле Пладек закончила Центр хореографии в Монпелье. В качестве танцовщицы участвовала во многих международных проектах Такико Ивабучи (Япония), Гильермо Ботелло (Швейцария), Патрисии Кайперс (Бельгия), Бояны Младенович, Дусана Мурича (Сербия), Жоржа Аппо и Матильды Монье (Франция). Среди балетов Мод Ле Пладек – “Профессор” (2010 год) и “Поэзия” (2011 год); оба – на музыку Фаусто Ромителли.

Премьера спектакля “Демократия” состоялась в ноябре 2013 года. В Северной Америке спектакль демонстрируется впервые.

3 мая, 7.30 pm; 4 мая, 3.00 pm. Edlis Neeson Theater в Музее современного искусства. 220 East Chicago Avenue, Chicago, IL 60611. Справки и заказ билетов по телефону 312-397-4010. $28, ограниченное количество билетов по $10 для студентов. После спектакля 3 мая все желающие смогут задать вопросы его создателям.

Фотографии к статье: Сцены из спектакля “Демократия”. Фото – Константин Липатов

Чикагский симфонический центр представляет... Концерты 17-27 апреля 2014 года

17 и 19 апреля, 8.00 pm; 18 апреля, 1.30 pm, 22 апреля, 7.30 pm. “Гершвин. “Американец в Париже” – таково название программы Чикагского симфонического оркестра (далее – ЧСО) и самого известного сочинения этой программы. Кроме Симфонической поэмы Джорджа Гершвина прозвучат произведения американских композиторов-классиков Сэмюэля Барбера (увертюра “Школа злословия” для большого оркестра), Уильяма Шумана (Шестая симфония) и композитора-резидента ЧСО Мейсона Бейтса (Скрипичный концерт).

Уильям Шуман внес большой вклад в развитие американской симфонической музыки. С 1945 по 1962 годы он был ректором Джульярдской школы, а затем в течение семи лет – с 1962 по 1969 годы – президентом Линкольн-центра.

Что касается композитора-резидента ЧСО, то эта должность была введена музыкальным руководителем оркестра Риккардо Мути в 2010 году. Первыми и пока единственными композиторами-резидентами являются хорошо нам знакомые Анна Кляйн и Мэйсон Бейтс. В 2012 году маэстро Мути продлил контракт с ними до конца нынешнего сезона.

Мэйсон Бейтс родился в 1977 году. Вырос в Ричмонде (штат Вирджиния). Учился в Колумбийском университете и Джульярдской школе, в университете Беркли. С 2010 года работает в Чикаго. Организатор Фестиваля современной электронной музыки “Mercury Soul”. За последние четыре года мы слышали все новые сочинения Бейтса, кроме Скрипичного концерта. Мировая премьера состоялась в декабре 2012 года в Питтсбурге. Первыми исполнителями были американская скрипачка Анне Акико Мейерс и музыкальный руководитель Детройтского симфонического оркестра и Национального оркестра Лиона (Франция) Леонард Слаткин. Они же исполнят этот Концерт в Чикаго.

Анне Акико Мейерс родилась в Сан-Диего (Калифорния). После окончания университета Индианы и Джульярдской школы стала активно гастролировать по всему миру. Мне запомнился дебютный концерт Мейерс в Равинии летом 2011 года, когда она легко “порхала” по всей мировой музыке, исполняя всего понемногу: от Баха до Арве Пярта. (Когда эта статья готовилась к печати, пришло сообщение, что Анне Акико Мейерс примет участие в Четвертом фестивале камерной музыки North Shore Chamber Music Festival. В программе концерта 4 июня - Концерт И.С.Баха для двух скрипок и струнного оркестра. Солисты - Анне Акико Мейерс и художественный руководитель фестиваля Вадим Глузман.)

После окончания концертов 17, 19 и 22 апреля на втором этаже Симфонического центра (Grainger Ballroom) Анне Акико Мейерс будет подписывать всем желающим свой новый CD. А за час до начала концертов там же состоятся тридцатиминутные беседы Мэйсона Бейтса об исполняемых произведениях.

18 апреля, 8.00 pm. Концерт легенды музыки соул и госпел Мэвис Степлс. Ее творческая карьера насчитывает больше пятидесяти лет, и сегодня семидесятичетырехлетняя певица “не снижает оборотов”. Ее альбом “You Are Not Alone” в 2011 году получил премию “Грэмми”, а последний альбом “One True Vine” (он вышел в июне 2013 года) до сих пор остается в списке самых популярных записей последних лет. Боб Дилан так описывал свои ощущения от голоса Степлс: “У меня волосы “встали дыбом” от такого вокала. Мэвис звучала потрясающе...”. В концерте участвует скрипачка Реджина Картер с композициями из ее нового альбома “Southern Comfort”.

24 и 26 апреля, 8.00 pm. Рихард Штраус, Моцарт, Айвз – эти имена объединил в своей программе дирижирующий ЧСО сэр Марк Элдер. Концерты начнутся исполнением Второй симфонии Чарльза Айвза. В ней американский композитор цитирует фрагменты произведений Баха и Брамса, а также популярные американские песни, среди которых – “America the Beautiful” и “Columbia, the Gem of the Ocean”. Двадцать третий фортепианный концерт Моцарта с оркестром исполнит американский пианист Ричард Гуд. В финале концертов прозвучит симфоническая поэма Рихарда Штрауса “Веселые проделки Тиля Уленшпигеля”.

Марк Элдер являлся главным дирижером симфонического оркестра Рочестера и главным приглашенным дирижером Бирмингемского симфонического оркестра, но музыкальный мир знает его в первую очередь как многолетнего главного дирижера Национальной оперы Великобритании – на протяжении двадцати четырех лет (с 1979 по 1993 год) он возглавлял одну из крупнейших оперных компаний мира! С оркестром Национальной оперы дирижер объездил в буквальном смысле слова весь мир. Вот уже шестой год он руководит старейшим симфоническим оркестром Великобритании - оркестром Халле, базирующимся в Манчестере. Одновременно Элдер является главным приглашенным дирижером симфонического оркестра Би-Би-Си. Он регулярно выступает с крупнейшими оркестрами мира и даже стал первым британским дирижером, которому было доверено руководить новой постановкой на музыкальном фестивале в Байрейте. Дирижер являлся музыкальным руководителем телевизионного фильма о жизни и творчестве Джузеппе Верди, снятого в 1994 году по заказу Би-Би-Си, а также аналогичного фильма, посвященного Гаэтано Доницетти, который он сделал для немецкого телевидения. За выдающийся вклад в развитие музыки в 1991 году Марку Элдеру была присуждена премия имени Лоренса Оливье.

Марк Элдер - частый гость Чикаго. Он успешно дирижировал как оперными спектаклями в Лирик-опере, так и Чикагским симфоническим оркестром.

25 апреля, 7.30 pm; 27 апреля, 3.00 pm. “Чарльз Айвз и его Вторая симфония” – такова тема нового “спектакля” серии “Вокруг произведения”. Именно так – “спектаклем и прогулкой по произведению” – назвал эту серию в беседе со мной идеолог, автор и ведущий Джерард Макберни. Он потрясающе рассказывает о музыке и музыкантах: ярко, образно, зажигательно. Его программа всегда позволяет узнать много нового и неожиданного о композиторе и времени, в котором он жил и творил. На сцене будет установлен огромный экран, и мы увидим уникальные кадры из архива композитора. Предстоящая программа вызывает особый интерес, потому что музыку Чарльза Айвза никак не назовешь известной и тем более популярной. Его сочинения редко услышишь в симфонических залах. А между тем критики говорят, что нет другого композитора, чья музыка звучала бы столь оригинально и вместе с тем так по-американски.  

В первом отделении спектакля – рассказ Джерарда Макберни о композиторе и его музыке, во втором – Вторая симфония Ч.Айвза в исполнении ЧСО. Дирижер – сэр Марк Элдер. После концерта 25 апреля состоится встреча с Джерардом Макберни и другими создателями спектакля.

26 апреля, 10.00 и 11.45 am. Среди самых юных любителей музыки (детей от трех до пяти лет) огромной популярностью пользуются концерты серии “Однажды в Симфоническом центре” (“Once Upon a Symphony”). В следующей программе этой серии музыканты Чикагского симфонического оркестра (далее – ЧСО) и актриса Меган Уэллс инсценируют сказку “Три поросенка” (“Three Little Pigs”). Организаторы концертов приглашают зрителей приехать за сорок пять минут до начала. Преподаватели из DePaul University расскажут самым маленьким зрителям о том, что они услышат на концерте.

Фотографии к статье:

Фото 1. Мэйсон Бейтс. Фото – Тодд Розенберг
Фото 2. Марк Элдер. Фото – Саймон Доддс
Фото 3. Джерард Макберни. Фото – Тодд Розенберг

Риккардо Мути: “Между нот”. О Шуберте, Рихтере, Феллини, Рота...

Закончились весенние концерты Чикагского симфонического оркестра (далее – ЧСО) под управлением музыкального руководителя Риккардо Мути. Прославленный маэстро вернулся в Италию. В планах у него – концерты в Толедо и Мадриде, а также гастроли с Римской оперой в Токио. За дирижерским пультом ЧСО следующий раз он появится в середине июня. Мартовские дни Риккардо Мути в Чикаго запомнились поистине выдающимся исполнением Большой, Неоконченной и Второй симфоний Ф.Шуберта, совместным музицированием с замечательной японской пианисткой Митсуко Учида и концертмейстером группы виолончелей ЧСО Джоном Шарпом. На этот раз маэстро нашел время и для вашего корреспондента.

Риккардо Мути – неподражаемый рассказчик. Остроумный, яркий, непредсказуемый. Его интересно слушать. Его ответы – не заученные, не формальные, а подробные, обстоятельные. Общение с ним – даже недолгое - запоминается навсегда.

23 марта 2014 года. Мы беседуем с маэстро в его артистической комнате в Чикагском симфоническом центре. Я пью вкусный итальянский кофе, Риккардо Мути – чай. Наш разговор начался с музыки Франца Шуберта. Говоря о недавних концертах ЧСО, Риккардо Мути вспомнил о своих записях Симфоний Шуберта с оркестром Wiener Philharmoniker.

-        Когда я записывал все Симфонии Шуберта с Wiener Philharmoniker (а я пока - единственный дирижер, который это сделал), я начал с последней, с Большой. Мы записали все Симфонии, кроме Первой и Второй, в концертном зале “Musikverein”. Звук Wiener Philharmoniker – это звук “Musikverein”. Играть там намного легче, чем в Чикагском симфоническом центре. В Вене сам зал поет и играет вместе с вами, а в Чикаго надо бороться с “сухостью” зала. Поэтому я хочу сделать комплимент Чикагскому оркестру. В сухой акустике Симфонического центра он смог создать, как мне кажется, замечательный звук. Когда ЧСО играет в залах с другой акустикой, звук становится более сбалансированным.

-        Что вам удалось изменить в игре ЧСО за последние четыре года?

-        Мы работаем над качеством звука. Мне кажется, сегодня оркестр звучит без выпячивающихся то здесь, то там “углов”, без превосходства то одной, то другой групп инструментов. Звук хорошо отрабатывать на Симфониях Шуберта - ключевого композитора для оркестра. Говорят, что истоки творчества Брамса лежат в музыке Бетховена. На самом деле Брамс “вытекает” из Шуберта. Структура симфоний Шуберта похожа на бетховенскую структуру. Такая же четкая, ясная, правильная. Невероятно, что такую музыку написал столь молодой композитор. Шуберта можно распознать по модуляциям, по манере. Шуберт позволяет заново открыть определенный стиль, который сегодня полностью забыт. Я счастлив, что в этом сезоне мы с ЧСО исполняем все Симфонии Шуберта.

-        Маэстро, у меня к вам накопились сотни вопросов. К сожалению, нельзя объять необъятное, поэтому в нашей сегодняшней беседе я бы хотел затронуть темы, которые вы еще не обсуждали с журналистами в Чикаго. Например, ваша дружба со Святославом Рихтером. В Автобиографии вы описываете вашу первую встречу в Сиене в марте 1968 года. Можно ли назвать ее началом вашей дружбы?

-        Да, это было начало нашего музыкального сотрудничества и дружбы. Когда Рихтер узнал, что дирижером на его концерте будет какой-то молодой, неизвестный Риккардо Мути, он захотел проверить, хороший ли Мути музыкант. А я только что выиграл Международный конкурс дирижеров и преподавал фортепиано в Миланской консерватории (Риккардо Мути говорит о Международном конкурсе дирижеров имени Гвидо Кантелли в Милане в 1967 году, на котором он был удостоен Первой премии. – Прим. автора.) Рихтер высказал желание со мной встретиться, но не сказал, зачем. Он не спросил, играю ли я на фортепиано, но сказал, что ожидает меня с нотами. Будучи неаполитанцем, я подумал, что вряд ли он просто захотел увидеть мое лицо. (Улыбается.) Конечно, он хотел меня проэкзаменовать. Переводчик представил меня Рихтеру в фантастически большом зале Музыкальной академии Киджи в Сиене. В центре зала стояли два рояля – оба “Steinway”. Я тут же подумал, как я был прав. Недалеко от роялей стоял гигант - Рихтер ведь был высокий мужчина. Очень приятный, очень интеллигентный. Он пожал мне руку, сказал “Prego” и указал на рояль. Я сел за один рояль, он – за другой. Мы сыграли от начала до конца Фортепианный концерт Моцарта си бемоль мажор. Во время игры краем глаза я замечал, как он наблюдал за мной. Когда мы закончили, он сказал: “А теперь - Бриттен”. После Моцарта мы должны были играть Фортепианный концерт Бриттена - очень сложный, в пяти частях, с большой оркестровой частью. Мы без перерыва сыграли весь концерт. Закончив, Рихтер подозвал переводчика и сказал мне: “Если вы дирижируете так же, как играете, вы – хороший музыкант. Я согласен играть с вами”. В тот дождливый вечер 1968 года на улицах Сиены никого не было. Я возвращался один, сияя от переполнявшей меня радости...

-        Мне кажется, этот эпизод многое говорит о Рихтере как о музыканте.

-        Конечно! Для Рихтера было естественно, что молодой дирижер владеет искусством фортепианной игры. Это сегодня все только дирижируют. Не играют на фортепиано, не учатся композиции – сразу дирижируют. Дирижирование стало модной профессией. Если ты плохо играешь на флейте или виолончели, значит, ты – плохой музыкант. А дирижировать легко. Чего там – крути дирижерской палочкой, а оркестр сыграет. Так думают сегодня многие, забывая слова Тосканини: “Дирижировать может любой осел, но только немногие могут исполнять музыку”... После экзамена в Сиене у нас был концерт во Флоренции. Был огромный успех... А вот еще один случай. Мы играли в Генуе Фортепианный концерт Равеля для левой руки. Во время выступления Рихтер вдруг на мгновение остановился. Я смог сохранить темп оркестра, а он сумел “вернуться в строй”. После финальных аккордов была овация, мы повторили весь Концерт. Рихтер хотел взять реванш, и у него это получилось. На следующее утро мы встретились на вокзале. Рихтер подошел ко мне и попросил партитуру Концерта. Он стал перелистывать страницы, потом остановился на одной, взял ручку и расписался: “Святослав Рихтер”. Это было то место, которое он забыл. Он протянул мне партитуру со словами: “Я хочу, чтобы каждый раз, когда вы будете дирижировать этим Концертом, вы вспоминали о моей ошибке”. Эта партитура хранится у меня дома. Карандашом я написал небольшой комментарий. Когда меня не будет, люди, к которым попадет моя библиотека, должны знать, почему вдруг внутри партитуры на одной из страниц хранится автограф Рихтера... Моя семья и я – мы все любили Славу. Для меня он был одним из музыкальных “отцов”. Его гигантский талант и этический подход к музыке поражают. Он был всегда честен перед собой, его не удовлетворял результат, ему всегда хотелось большего, он всегда стремился к лучшему. Когда мы репетировали вдвоем, он двадцать минут мог обсуждать вопросы модуляции, переживал, искал абсолютный звук... Каждая модуляция должна появляться не просто так, а неожиданно. Он говорил, что все в жизни должно быть неожиданно. Когда он дарил цветы женщинам, он всегда держал их за спиной до самого последнего момента. Только, подойдя, он доставал букет. Это был сюрприз! Он говорил, что если вы приносите цветы и женщина их видит на расстоянии пятидесяти метров, эффект теряется. Он был Поэтом в жизни и в музыке. Его уход стал огромной потерей в мире культуры.

-        Рихтер был тем человеком, который порекомендовал вам не дирижировать по памяти, а иметь перед собой партитуру. Как вам кажется, это помогает лучше концентрироваться на музыке?

-        Да. Тосканини дирижировал без партитуры. Однажды он сказал: “Все пытаются подражать мне, а на самом деле я дирижирую по памяти, потому что у меня плохое зрение, а не для того, чтобы устроить из этого шоу. Я плохо вижу, и мне приходится запоминать”. (Улыбается.) Мравинский дирижировал все по памяти, хотя, я думаю, он знал Симфонии Чайковского наизусть. Стравинский дирижировал по партитуре свою собственную музыку! В то время - конце шестидесятых – начале семидесятых – было модно дирижировать по памяти. В Зальцбурге в 1974 году Рихтер с Wiener Philharmoniker играл Фортепианный концерт Шумана. Я дирижировал оркестром. Потом Зальцбургский фестиваль выпустил CD с этой записью. Во втором отделении я дирижировал по памяти Реквиемом ре минор Керубини. За ужином Рихтер подошел ко мне и спросил: “РиккардА (все русские говорят РиккардА, маэстрА), почему вы дирижируете по памяти? Не можете прочитать партитуру?” Для меня его слова стали откровением. Каждый раз, когда я дирижировал по памяти, я немного волновался, чтобы не забыть партитуру, и фраза Рихтера заставила меня задуматься. Не так важно иметь перед глазами партитуру – важно ее знать! Но партитура дает тебе уверенность. И потом, ты с ней не расстаешься месяцами. Ноты становятся близкими, они говорят с тобой... С момента нашего разговора я все дирижировал по партитуре. Все, даже увертюры к операм “Севильский цирюльник” и “Сила судьбы”. Иначе это не имеет смысла: что-то - по нотам, что-то – по партитуре.

-        Профессор Андрей Золотов вспоминал, как в 1994 году они с Рихтером слушали в Ла Скала “Валькирии” Вагнера, а после окончания спектакля зашли к вам в кабинет. Сохранилась даже фотография, где вы с Рихтером сидите на белом кожаном диване...

-        Я помню, как он пришел в антракте между вторым и третьим актами, сел за рояль и стал играть музыку Вагнера.

-        Он обожал Вагнера...

-        И очень любил оперу. На моей свадьбе Рихтер был почетным гостем. Они с Нино Рота устроили самое настоящее музыкальное соревнование. Играли до часа ночи: один начинал тему, другой узнавал, откуда она, и продолжал. Гости разошлись, и мы с женой тоже стали собираться. Рихтер и Рота увидели, как мы уходим, и стали в четыре руки играть и петь “Ritorna vincitor” из “Аиды”. (Гости Риккардо Мути исполнили хоровой фрагмент из Первого акта оперы Верди. Дочь фараона Амнерис призывает Радамеса: “Ritorna vincitor”, то есть “С победой возвратись!” – Прим. автора.)

-        На пресс-конференции, посвященной объявлению нового сезона, вы говорили о Скрябине, как о композиторе будущего, и предсказали ему судьбу Малера. Ваша любовь к Скрябину – это тоже влияние Рихтера? Известно ведь, как Святослав Теофилович любил фортепианную музыку Скрябина.

-        Я слушал в его исполнении Скрябина и решил познакомиться с Симфониями композитора. Да, наверно, это тоже влияние Рихтера... Он никогда не шел проторенным путем, любил необычные идеи. После одного или двух совместных концертов он подошел ко мне и сказал: “Риккардо, вы должны продирижировать симфонической поэмой Штрауса “Из Италии”. Тогда я не знал этого произведения. Позднее я исполнил и записал его с оркестром Berliner Philharmoniker. Рихтер попросил меня прислать ему запись. Он очень любил именно “Из Италии” Штрауса.

Мути напевает финальные такты поэмы и продолжает:

-        “Из Италии” Штрауса оказалось одним из тех сочинений, которые определили мою карьеру... Однажды я сказал Рихтеру: “Слава, я хочу исполнить Классическую симфонию Прокофьева”. Он задумался и предложил: “Сделайте Симфониетту!” В моей дискографии есть Симфониетта Прокофьева. Никто ее не исполняет, а Рихтер предпочитал ее Классической симфонии... Кстати, я должен исполнить Симфониетту с ЧСО. Я дирижировал этим произведением только однажды... Таков был Рихтер. Не “Дон Жуан”, а “Из Италии”, не Классическая симфония, а Симфониетта. Он всегда уделял особое внимание той музыке, которую он чувствовал, всегда готов был разделить свою радость со зрителями. Он мог восторгаться несколькими тактами музыки. В “Бале-маскараде” Верди ему очень нравилась одна тема. Опера начинается так...

Маэстро подходит к роялю и начинает наигрывать начало увертюры...

-        А вот вторая тема... Рихтер сходил с ума, когда слышал эти звуки. Для него они всегда звучали по-новому... Иногда мое отношение к музыке может казаться слишком строгим. Но я всегда вспоминаю моих учителей, моих старших коллег. Я несколько раз играл с великим Клаудио Аррау. Каждый раз, выходя на сцену, Аррау, обращаясь ко мне - молодому дирижеру, говорил, как он мечтает сыграть вместе. Таким был и Рихтер. Это - стиль честных, серьезных взаимоотношений, основанный на уважении к коллеге и музыке. Моцарт говорил: “Главное в музыке – не нотные значки. Главное – то, что исполняется между нот”. Великий Слава это понимал и чувствовал, как никто другой!

Одним из учителей Риккардо Мути был прекрасный итальянский композитор, многолетний ректор консерватории в Бари Нино Рота. Маэстро записал альбом с музыкой Рота к моим любимым фильмам Федерико Феллини “Сладкая жизнь”, “Восемь с половиной”, “Амаркорд”. Я спросил дирижера, почему так редко исполняется симфоническая музыка Рота.

-        Нино Рота – великолепный композитор. Он писал не только симфоническую музыку, но и оперы. Например “Il cappello di paglia di Firenze” – одна из лучших комических опер XX века. (Это та самая “Соломенная шляпка” по водевилю Эжена Лабиша о том, как лошадь съела не ту шляпку, и сколько неприятностей из-за этого произошло. Режиссер Леонид Квинихидзе снял по этому водевилю замечательный фильм. Правда, музыка там звучит не Рота, а Исаака Шварца. – Прим. автора.) Оперы Рота ставились в Ла Скала, но так случилось, что в историю музыки он вошел, как кинокомпозитор. Благодаря Феллини он стал таким популярным, что все остальное творчество осталось в тени его киномузыки. То же самое произошло с Пьетро Масканьи. “Сельская честь” была его первой оперой. После этого он написал еще много прекрасной музыки и очень злился, когда, говоря о его творчестве, вспоминали только одну оперу. 

В своей книге Риккардо Мути пишет, что Рота представил его Феллини, и дирижер предложил режиссеру поставить оперу. Режиссер так ответил Риккардо Мути: “Нет, дорогой маэстро. Слова, которые поются, в отличие от слов, которые произносятся, мне неподконтрольны”.

-        Музыка Нино Рота звучит в фильме Феллини “Репетиция оркестра”. Дирижер оркестра – это реальный персонаж или герой выдуманный?

-        Нет, не ищите там реальных персонажей. Феллини написал и поставил эту историю в качестве метафоры, чтобы высказаться по поводу политической ситуации в Италии. Это было политическое заявление режиссера.

Наша встреча подходила к концу. Риккардо Мути подписал мне свою книгу, сфотографировался со мной на память и, к моей величайшей радости, сказал, что подпишет фотографию в следующий раз. Маэстро торопился на сцену – ему предстояла репетиция фрагментов музыки Сергея Прокофьева к балету “Ромео и Джульетта” с Civic Orchestra of Chicago. Выйдя к молодым музыкантам, дирижер начал вечер с рассказа Святослава Рихтера о трагическом дне 5 марта 1953 года. Как известно, в этот день умер не только один из величайших тиранов в истории человечества, но и один из величайших композиторов XX века Сергей Прокофьев. Цветов в Москве не было, и Рихтер пришел попрощаться с Прокофьевым, держа в руках сосновую ветку. Мне почему-то кажется, что наш разговор о Рихтере заинтересовал маэстро и навел его на мысль рассказать эту историю.

В 1955 году после одного из экзаменов Нино Рота сказал молодому Риккардо Мути: “Мы вам ставим пятерку с плюсом не за то, как вы играли сегодня, а за то, как вы будете это делать в будущем”. Сегодня, спустя пятьдесят девять лет, можно сказать, что всем творчеством маэстро Риккардо Мути заслужил высший балл от своего учителя!

P.S.

Выражаю благодарность вице-президенту ЧСО Челесте Вроблевски и менеджеру по связям с прессой Рашель Рое за организацию встречи с маэстро Риккардо Мути.

Фотографии к статье:

Фото 1-5. Риккардо Мути. Все фото – Тодд Розенберг