Клаус Мякеля. Новая встреча. Чикагский симфонический центр, 16-25 февраля

16 февраля, 7.30 pm; 17 февраля, 1.30 pm; 18 февраля, 8.00 pm. Концерты Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО) под управлением маэстро из Финляндии Клауса Мякеля (Mäkelä). В программе: симфоническая поэма “Туонельский лебедь” Я.Сибелиуса, пьеса “Айно” Дж.Лопеса Беллидо, Пятая симфония Г.Малера.

Программу откроет сочинение великого соотечественника Мякеля, композитора Яна Сибелиуса “Туонельский лебедь”. Оно создано на основе легенды из финского народного эпоса “Калевала” о лебеде, плавающем по черным водам реки. Лебедь завлекает людей своим пением и приводит их в царство смерти Туонела.

Логическим продолжением финского народного эпоса станет американская премьера симфонической поэмы “Айно” номинанта на премию “Грэмми”, композитора перуанского происхождения Джимми Лопеса Беллидо. Мы знакомы с его творчеством по опере “Бельканто”, мировая премьера которой состоялась 7 декабря 2015 года в Лирик-опере. Опера стала первым испаноязычным спектаклем в истории Лирик-оперы. В своем новом сочинении композитор рассказывает историю несчастной девушки из четвертой поэмы “Калевала”. Айно отказалась выходить замуж за старика, как того требовала ее мать, покончила с собой, бросившись в море, превратилась в водяного, а потом вернулась в мир живых в обличье рыбы. Лопес Беллидо говорит: “Впервые я узнал о “Калевале” из творчества Сибелиуса, но только когда переехал в Хельсинки, полностью осознал уникальное место, которое этот эпос занимает в национальном самосознании Финляндии. Теперь я понимаю, почему Клаус Мякеля упомянул историю Айно как возможный источник вдохновения для этого произведения”.

Живущий в Хельсинки Джимми Лопес Беллидо - хороший пример композитора “мира”. Он родился в 1978 году в Лиме (Перу). Учился в Национальной консерватории в Лиме и Академии Сибелиуса в Хельсинки. В мае 2012 года защитил кандидатскую диссертацию в университете Беркли. По его словам, он учился в Южной Америке, Европе и США и везде жадно впитывал лучшие достижения музыкальной культуры. Среди духовных учителей композитора - имена от Баха и Моцарта (последнего Лопес называет “идеальным оперным композитором”) до Магнуса Линдберга и Джона Адамса. Музыка Лопеса Беллидо исполняется ведущими европейскими и американскими оркестрами, ее слышали в Карнеги-холл, на музыкальных фестивалях в Танглвуде, Аспене, Грант-парке и даже на Молодежных олимпийских играх в Сингапуре. Газета New York Times называет его “экспертом в оркестровке”, а Chicago Sun-Times - “одним из самых интересных молодых композиторов”.

Мировая премьера поэмы “Aino” состоялась в сентябре 2022 года в Парижской филармонии. Парижским симфоническим оркестром (Orchestre de Paris) дирижировал Клаус Мякеля. Сочинение написано по заказу трех оркестров: Парижского и Чикагского симфонических, а также Оркестра Концертгебау (Амстердам).

Пятая симфония Густава Малера, начинающаяся похоронным маршем и заканчивающаяся бурным, жизнеутверждающим финалом, станет кульминацией программы. Дивное Adagietto (Четвертая часть) - любовное послание Малера жене Альме. Главная тема Adagietto проходит лейтмотивом великого фильма Лукино Висконти “Смерть в Венеции”.

Второй раз в Чикаго один из самых талантливых и востребованных молодых дирижеров, двадцатисемилетний Клаус Мякеля. Он родился в Хельсинки в музыкальной семье: мать - пианистка, отец - виолончелист. Учился на факультетах виолончели и дирижирования в Академии Сибелиуса. В качестве виолончелиста солировал с оркестрами Финляндии, но потом сконцентрировался на дирижировании. Выступает с лучшими оркестрами мира. Постоянные контракты имеет с 2018 года, когда в возрасте двадцати двух лет стал художественным руководителем Музыкального фестиваля в Турку (Финляндия, контракт завершен в 2022 году) и главным приглашенным дирижером Симфонического оркестра Шведского радио. С августа 2020 года Мякеля является главным дирижером Филармонического оркестра Осло, с сентября 2022 года - музыкальным руководителем Парижского симфонического оркестра и артистическим партнером Оркестра Концертгебау (Амстердам). В сезоне 2027-28 годов он станет главным дирижером Концертгебау. Пока - на пять лет. Мякеля - эксклюзивный артист Decca. Его первыми записями стали все симфонии Сибелиуса с Филармоническим оркестром Осло.

Недавно всезнающий музыкальный критик из Лондона Норман Лебрехт сообщил, что у Клауса романтичные отношения с пианисткой Юджи Ванг.

В Чикаго Мякеля впервые выступил в апреле 2022 года. Его концерты с ЧСО произвели огромное впечатление на музыкантов и критиков. Рецензии были абсолютно восторженными. Музыкальный критик Лоуренс Джонсон из Chicago Classical Review назвал концерт 14 апреля “захватывающим представлением с калейдоскопическим блеском и бешеной энергией”. Джонсону вторит альтист ЧСО Макс Рейми, сказавший: “Я никогда не видел двадцатишестилетнего парня с подобным воображением и степенью мастерства”. Норман Лебрехт пошел еще дальше. Он увидел в Мякеле “лидера в гонке за место Риккардо Мути”. Статья Лебрехта на сайте slippedisc.com называлась: “Чикаго находит дирижера-мечту”. Увы, похоже дирижер-мечта достался не Чикаго, а Осло, Парижу и Амстердаму. За 75 минут до начала концертов состоятся тридцатиминутные беседы музыковеда Стива Рингса об исполняемых произведениях.

20 февраля, 7.00 pm. Концерт современной музыки в серии CSO MusicNOW называется “Inspiring Voices with Casarrubios & Golijov”. В программе: “Mariel” для виолончели и маримбы (ударный музыкальный инструмент, похожий на ксилофон), “Bashra’v” и “Tenebrae” Освальдо Голихова, “Afilador” (мировая премьера, сочинение создано по заказу ЧСО) и “Speechless” родившейся в Испании виолончелистки и композитора Андреа Касаррубиос. Исполнители - музыканты ЧСО. Соло на виолончели - Андреа Касаррубиос. Дирижер - Самир Пател. Серии CSO Music NOW в этом сезоне исполняется двадцать пять лет. Куратор всех программ серии - композитор-резидент ЧСО Джесси Монтгомери. Следующий концерт серии состоится 24 апреля.

23 февраля, 7.30 pm; 24 февраля, 1.30 pm; 25 февраля, 8.00 pm. Первые в Чикаго в этом году концерты ЧСО под управлением музыкального руководителя Риккардо Мути. В программе: Скрипичный концерт Р.Шумана (солистка - Джулия Фишер), симфония “Манфред” П.Чайковского.

Музыкой немецкая скрипачка Джулия Фишер стала заниматься в четыре года. Сначала ее педагогом была мама - у нее она взяла первые уроки игры на фортепиано. Потом в ее жизнь пришла скрипка. Фишер закончила Мюнхенскую академию музыки по классу педагога Анны Чумаченко. В активе Фишер - восемь премий международных и национальных скрипичных конкурсов, среди которых Первая премия и специальный приз международного конкурса скрипачей имени Иегуди Менухина в 1995 году и Первая премия Восьмого конкурса “Евровидение” в 1996 году. В Чикаго Джулия выступила впервые в сезоне 2007-08 годов с Симфоническим оркестром Санкт-Петербургской филармонии под управлением Юрия Темирканова. Она солировала в Скрипичном концерте Л.ван Бетховена. В 2016 году Джулия солировала в этом же концерте с ЧСО под управлением маэстро Мути.

Программа будет исполняться на концерте 26 февраля в Канзас-Сити (штат Миссури) в рамках нового тура ЧСО по городам США. За 75 минут до начала концертов состоятся тридцатиминутные беседы музыковеда Даниэля Шлосберга об исполняемых произведениях. После концерта 24 февраля маэстро Мути проведет автограф-сессию.

Nota bene! Билеты на концерты Чикагского симфонического центра - на сайте cso.org или в кассе по адресу: 220 South Michigan Avenue, Chicago, Il 60604. 

Фотографии к статье:

Фото 1. Клаус Мякеля. Фото - Марко Борхреве

Фото 2. Клаус Мякеля и Юджи Ванг. Фото - Instagram

Фото 3. Риккардо Мути дирижирует ЧСО (Чикаго, 29 сентября 2022 года). Фото - Тодд Розенберг

Фото 4. Джулия Фишер

Лера Ауэрбах: “Слезы с улыбкой, улыбка со слезами”. Интервью после премьеры

Лера Ауэрбах - человек фантастической одаренности и разнообразных талантов. Она поэт и писательница, дирижер и пианистка, художник и скульптор, фотограф и композитор... Я встретился с Лерой в декабре, чтобы поговорить об американской премьере ее Концерта для виолончели с оркестром “Записки сумасшедшего”, а получился разговор о музыке, войне, химерах, вдохновении и многом другом. Перед вами - наиболее интересные фрагменты нашей беседы.  

- Лера, в ноябре в Чикаго состоялась американская премьера “Записок сумасшедшего”. Чикагским симфоническим оркестром руководил маэстро Манфред Хенек. Как вам работалось с дирижером?

- Очень хорошо. Мне кажется, Манфред проникся этим сочинением. У нас была, кроме генеральной, всего одна репетиция. Манфред пришел предельно подготовленным, знал партитуру, прослушал запись с мировой премьеры. С ним было очень приятно работать, легко. Я довольна, как все получилось.

- Мне кажется, для дирижера это кайф - дирижировать музыкой композитора-современника. У Бетховена и Малера не спросишь, а с вами можно поговорить...

- Это зависит от дирижера. Манфред был открыт ко всем пожеланиям. Мировая премьера Концерта состоялась в феврале 2022 года в Мюнхене. Я не смогла приехать, работала с оркестром онлайн. В Чикаго я впервые работала с оркестром живьем над этим Концертом и впервые услышала его в зале.

- Каким вы нашли уровень Чикагского симфонического оркестра?

- Чикагский оркестр - замечательный инструмент, который может все. Как скрипка Страдивари. Дальше все зависит от скрипача. Музыканты чикагского оркестра потрясающе читают с листа. В партитуре много тембровых, деликатных балансов. Такую партитуру подготовить за одну репетицию - это впечатляет! Тут требуется высокий профессионализм и творческое отношение к процессу. Не просто сыграть глиссандо, а прочувствовать, что за этим стоит. Например, у меня в партитуре использовались определенные искажения звуков для тромбонов и труб. Я специально просила в каких-то местах менять интонацию, в каких-то - использовать эффект фруллато, чтобы в музыке чувствовался трагизм. Есть мелодия, которая, как в кривом зеркале, искажается и превращается в собственную противоположность... Если дирижер может оркестр “зажечь”, музыканты реагируют моментально. Манфред Хенек смог “зажечь” оркестр.

- Кроме Мюнхена и Чикаго в декабре прошли концерты в Стамбуле, в марте будут выступления в Стокгольме. Солист везде один - французский маэстро Готье Капюсон.

- Готье исполняет Концерт в четырех городах, чьи оркестры его заказали. Я часто работала с Готье. Мы в течение многих лет играли на фестивале Вербье, исполняли вместе камерную музыку.

- Я услышал много всего в вашей музыке: отголоски украинских и еврейских народных мелодий, влияние Шостаковича и Шнитке, а в целом - абсолютно оригинальное, яркое, глубокое произведение. Агрессия России, война, Буча, Мариуполь, трагедия украинского народа - все есть в вашей музыке! Это сегодняшний день, сегодняшняя трагедия. Как в 2021 году вы смогли все предвидеть?

- Музыкальный материал  к Концерту связан с моей оперой “Гоголь”. Для меня тоже поразительно, насколько эта опера актуальна сейчас и насколько она предвосхитила свое время. Все больные струны, конфликт России и Украины, внутренние течения, которые привели к сегодняшней трагедии, - все это отражено в опере.

- Я не слышал оперы, сужу только по музыке Концерта.

- Оперу “Гоголь” почти никто не слышал. Она шла в 2011 году в Вене, в “Theater an der Wien” - том самом театре, который заказал Бетховену “Фиделио”. “Гоголь” стала первой оперой за всю историю Вены с мировой премьерой на русском языке. Есть совершенно потрясающая запись. Театр поставил оперу феноменально, оркестр прекрасный, Владимир Федосеев дирижировал, пресса замечательная... Опера прошла около десяти раз с колоссальным успехом, был аншлаг на каждом выступлении. Но я на то время была еще молодым композитором и не учла понятия “репертуарный театр”. Сейчас я бы не согласилась принять заказ на оперу от театра, который покажет ее только в один сезон, но тогда это была моя первая масштабная опера и очень престижный театр. Я не учла всех деталей. Больше “Гоголь” нигде не шел. Опера существует, но о ней не знают.

- Как обидно! Сейчас ее хорошо бы реанимировать...

- Сейчас она как раз в полной мере дозрела. Либретто было написано по моей пьесе “Гоголь”. Это не биография Гоголя, а, скорее, фантазия на темы его жизни, основанная на реальных событиях и фактах. Надеюсь, ее когда-нибудь поставят как драматическое произведение. В пьесе очень много того, чего нет в опере. Например, в опере нет моей самой любимой сцены - встречи Гоголя с философами в аду и их разговоров о смысле жизни. К сожалению, я не смогла включить эту сцену в оперу, потому что она вся основана на игре слов, а для оперы нужно определенное пространство, заполняемое музыкой.

- В программке опубликован ваш текст - как бы предуведомление к Концерту. Там есть такие слова: “Гоголевские видения и кошмары становятся реальностью, а весь мир превращается в сумасшедший дом. Кто остановит Безумца?” Сегодня этот вопрос задают себе миллионы людей во всем мире. У меня есть только один ответ - украинская армия. Как вы отвечаете на ваш вопрос?

- Моя задача как композитора скорее ставить вопросы, чем выдавать ответы...

- Вы родились и семнадцать лет прожили в Челябинске. С четырех лет начали учиться играть на рояле, в восемь впервые выступили с оркестром, в двенадцать написали оперу, в тринадцать выпустили первый сборник поэзии... Как вы воспринимаете агрессию России против Украины?

- Как все нормальные люди - ужасно. Это колоссальная трагедия. Моя семья из Украины. Я родилась в Челябинске, потому что мои бабушка и дедушка бежали с маленькой мамой на руках, когда подходила немецкая армия. Они не знали, куда, просто бежали в последних поездах и случайно оказались в Челябинске. Какая гоголевская ирония в том, что сейчас беженцы из Украины бегут в диаметрально противоположном направлении от наступающей российской армии!

- Возможно, сегодня те самые мальчики, с которыми вы ходили в музыкальную школу, которые пели волшебную песенку в вашей первой опере, убивают, насилуют, издеваются над мирным украинским населением. Как общаться с этими людьми?

- К счастью, из тех людей, которых я лично знаю, нет ни одного, кто поддерживал бы войну. Все музыканты, с которыми я росла, либо уехали, либо мы перестали поддерживать отношения... Понять то, что происходит сегодня, невозможно. Это -  колоссальная трагедия.

- Ваши родители уехали из Челябинска?

- Да, это заняло десять лет. Они живут в Нью-Йорке. Они пропустили важный отрезок моей жизни с семнадцати до двадцати семи, поэтому для меня всегда огромная радость, когда они могут присутствовать на моих концертах. Я пытаюсь сделать так, чтобы они были в зале, потому что в чем-то для них это даже большая радость, чем для меня.

- Вы называли Сергея Юрского “важной ниточкой”, связывавшей вас с Россией. Это правда, что вы подошли к нему после концерта в Нью-Йорке и показали свои стихи?

- Это не было “представлением” стихов. Мне тогда было восемнадцать лет, мой первый год в Нью-Йорке. Я пришла на выступление Юрского, подошла к нему после концерта и, стесняясь, подарила маленькую книжечку своих стихотворений. Думала, что на этом все закончилось. Мало ли, что ему дарят после концерта. Прошло какое-то время, может быть, несколько лет. Родители звонят из Челябинска в полном шоке: “Лера, мы сейчас были на концерте Юрского. Он читал стихи поэтов русского зарубежья: Цветаеву, Бродского и тебя”. Они к нему подошли, представились. Мне сразу пришла мысль: хорошо бы записать стихи на диск. Юрский согласился, пришел на радио и целую ночь записывал диск с моими стихотворениями. Он записывал каждое стихотворение в пяти разных интерпретациях, хотел предоставить мне возможность выбора. Совершенно потрясающий человек!

- Насколько для вас важна личность исполнителя, солиста?

- Очень важна, особенно личность первого исполнителя. С одной стороны, я всегда пишу для конкретного исполнителя и хорошо знаю его возможности. В то же время я надеюсь, что “Записки сумасшедшего” (как и другие мои произведения) будут исполняться многими солистами. Так что я одновременно пишу для конкретного исполнителя и некоего абстрактного музыканта.

- Среди первых исполнителей ваших произведений - весь цвет современной музыки, в том числе - ваш друг, скрипач Вадим Глузман. Я его тоже хорошо знаю, бываю на концертах Фестиваля камерной музыки, который он с женой Анжелой проводит в пригороде Чикаго. В 2016 году Вадим несколько раз исполнял вашу симфоническую фантазию “Дитя-менестрель и его коллекция странных существ”. В разговоре со мной он сказал интересную вещь: “С Лерой что-то произошло, и она написала совсем другую музыку. Лера вдруг стала улыбаться. Конечно, саркастически, “с иголками”, но улыбаться...”. Вы согласны с его определением: “вдруг стала саркастически улыбаться”? Получается, до “...менестреля” было все без улыбки?

- Мне всегда была близка улыбка: и саркастическая, и без всякого сарказма. Дело в том, что музыка - это сфера, в которой не так часто сталкиваешься с юмором, а “Дитя-менестрель” - тот случай, когда все сочинение искрится юмором. Это моя Третья симфония для скрипки, оркестра и хора. Мне хотелось создать музыкальный аналог “Алисы в стране чудес” - сочинение, которое могло бы привлечь и детей, и взрослых, и при этом детьми и взрослыми воспринималось бы по-разному. Скажем, Алиса ест грибы и после этого у нее случаются очень странные видения. Ребенок это воспринимает по-своему, а взрослый понимает разные уровни подтекста. Так и с музыкой. Дитя-менестрель символизирует вечного ребенка, сохранившего детскость восприятия. С другой стороны, менестрель-музыкант - это бард, который путешествует по разным странам и делится невероятными историями и открытиями. Каждая часть Симфонии посвящена какому-то существу, и с каждым из этих существ что-то не так. Они все какие-то странные. Например, Corpor Ant - корпоративный муравей, который трудится день и ночь, забыв про радости жизни... Дитя-менестрель - наш проводник по чудесному миру фантазий. Кроме этого, мне хотелось прикоснуться к английской традиции абсурдистской поэзии, которая практически полностью отсутствует в поэзии русской. Есть Хармс, но огромного слоя детской литературы, посвященного абсурдным, часто гротескным героям, нет. Мне было очень интересно создать что-то новое в этом жанре.

- Мне кажется, вы пишете очень грустные стихи и сочиняете очень грустную музыку. Внутри нее есть место улыбке, сарказму, радости, надежде, всему на свете, но послевкусие все равно грустное. Легкое ощущение печали...

- Я думаю, это зависит от сочинения. Слезы с улыбкой, улыбка со слезами...

- Из какого сора растут стихи (применительно к вам еще и симфонии, пьесы, оперы, балеты, концерты), не ведая стыда? Как вы сочиняете, откуда черпаете вдохновение? Это как-то возможно объяснить?

- Есть разные варианты ответа. Могу ответить просто, как Бах: “Я очень много работаю”. В этом большая доля правды, без работы ничего бы не было. Я работаю в разных направлениях. Для меня живопись и скульптура стали частью работы над крупными произведениями. Во-первых, я это делаю вместо того, чтобы ходить к психотерапевту. Намного более эффективно. Во-вторых, это возможность посмотреть на работу с другой стороны, то есть сохранить свежесть восприятия. У меня есть картины и скульптуры, связанные с тем же Гоголем, с тем же менестрелем. Вот одна история. У меня есть скульптура, которую я сделала во время работы над оперой “Гоголь”. Она называется “Лунный всадник”. Там животное типа пантеры, на нем сидит некая фигура, напоминающая Месяц. В опере Месяц стал существом, наблюдающим за Гоголем. Он не поет, но появляется, и с ним связана тема скрипки. “Лунный всадник” стоял у меня над кроватью как химера, как существо, охраняющее от кошмаров, но само при этом являющееся кошмаром. Как химеры Нотр-Дама, задача которых - отгонять нечистые силы, но если на них посмотреть, то можно испугаться. Когда я стала работать над “...менестрелем”, я подумала: “Это же то самое странное существо, которое должно стать частью Симфонии”. Поэтому одна из частей Симфонии так и называется - “Лунный всадник”, о существе, которое оберегает тех, кто невинен, а тому, кто сделал что-то плохое, посылает кошмар. Опера “вдохновила” скульптуру, а скульптура - Симфонию. Все связано... Занятия разными видами искусства требуют полной отдачи. Конечно, это постоянная нехватка времени, но в моем случае разные ипостаси творчества необходимы друг другу.

- Что первично для вас в творчестве - голова или сердце? Музыка, поэзия рождается на эмоционально-чувственном уровне или необходимо “поверить алгеброй гармонию”?

- Зависит от того, как этот процесс происходит. Когда возникает первая идея, первый набросок сочинения, тебе самому надо стать инструментом. Это правило работает независимо от того, что рождается: стихотворение или симфония. Произведение использует тебя для своего написания.

- Как у Бродского: “Поэт - инструмент языка”.

- Так и есть. Очень важно самому стать проводником сочинения, не “вставлять ему палки в колеса”. У меня есть ощущение, что произведение уже на каком-то уровне существует, но у него еще нет “тела”. “Тело” - это либо музыкальная материя, либо слова, краски, глина. “Телу” нужно дать форму, структуру. Это верхний уровень пирамиды. Дальше - вопрос профессионализма, труда, деталей. Самое большое время в работе композитора занимает последний этап - редакционная работа.

- Вы себя ничем не ограничиваете, когда сочиняете?

- При заказе музыки у меня полная свобода. Оговариваются только длительность сочинения и используемые инструменты, чтобы знать, нужно ли нанимать дополнительных музыкантов. В случае с “Записками сумесшедшего” был стандартный симфонический оркестр. Мне нравится продолжительность концерта в тридцать пять - сорок минут. Как я заполню это время, зависит от меня.

- Кто ваши духовные учителя в поэзии?

- Для меня в свое время очень большую роль сыграл Бродский. Когда я открыла его поэзию, мне было тринадцать лет. Его стихи стали для меня колоссальным откровением. Когда я приехала в Нью-Йорк, мне очень хотелось с ним встретиться. Я уже тогда писала стихи и хотела узнать его мнение. Мне удалось узнать его адрес, и я послала ему несколько стихотворений. Письмо девочки из Челябинска вполне можно было бы проигнорировать, однако мы встретились, и он серьезно отнесся к моему творчеству. Я навсегда сохранила огромную благодарность ему... Вот такие люди встречались на моем пути - Бродский, Юрский. Невероятно цельные, глубокие и вместе с тем открытые. Огромную роль в моей жизни сыграл Гидон Кремер. Опять-таки, он не прошел мимо. Услышав мои сочинения, Гидон, не задумываясь, пригласил меня в Локенхаус (в 1981 году в этом австрийском городе Кремер организовал Фестиваль камерной музыки. - Прим. автора.). Не просто так, а в качестве композитора-резидента. Я была тогда еще студентка. После этого мы вместе гастролировали.

С Лерой Ауэрбах я не прощаюсь. О ее сотрудничестве с Джоном Ноймайером и балете “Русалочка”, который в апреле покажет в Чикаго Балет Джоффри, читайте во второй части нашей беседы.

Фотографии к статье:

Фото 1. Лера Ауэрбах. Фото - Рафаэль Де Стелла

Фото 2-3. Лера Ауэрбах. Фото - Раньеро Тацци

“Анна Каренина” языком балета. Возвращение спектакля

С 15 по 26 февраля Балет Джоффри (The Joffrey Ballet) повторяет балет Ильи Демуцкого и Юрия Посохова “Анна Каренина”. Мировая премьера спектакля стала не только центральным событием шестьдесят третьего (2018-19 годов) сезона чикагской балетной труппы, но и - шире - событием в культурном мире. В 2019 году Посохов стал лауреатом премии Benois de la Danse (балетным “Оскаром”) за лучшую хореографию. Речь идет как раз о хореографии балета “Анна Каренина”, первой в истории совместной постановке Балета Джоффри и Австралийского балета. Сценический дизайн - лауреат премии “Эмми” Том Пай, дизайнер по свету - Дэвид Финн (он работал с Мартином Скорсезе на фильме “Эпоха невинности”, “The Age of Innocence”, 1993).

Илья Демуцкий знаком нам по музыке к фильму Кирилла Серебренникова “Ученик” (“The Student”), за которую был удостоен премии Европейской киноакадемии и получил звание “Лучший кинокомпозитор Европы 2016 года”. Демуцкий - автор балетов “Герой нашего времени” и “Нуреев” (режиссер обоих балетов - Кирилл Серебренников, хореограф - Юрий Посохов), премьеры состоялись на сцене Большого театра соответственно в 2015 и 2017 годах. За балет “Герой нашего времени” Демуцкий в 2016 году получил премию “Золотая маска”. По заказу Балета Сан-Франциско Демуцкий сочинил балет “Оптимистическая трагедия”. Премьера состоялась в январе 2017 года.

Перед мировой премьерой “Анны Карениной” я встретился с Ильей Демуцким и сделал с ним большое интервью. Ниже я повторяю некоторые выдержки из нашей беседы. Илья Демуцкий рассказывает:

- Балет Джоффри обратился к хореографу Юрию Посохову поставить спектакль по мотивам “Анны Карениной”. Как это обычно бывает, хореографу дали карт-бланш на выбор музыки. Это могла быть музыка уже существующая или музыка, специально написанная. После наших совместных балетов Посохов предложил Джоффри композитора из России Илью Демуцкого.

- Балетных опытов с романом Толстого было немало. Что в этой истории притягивает композиторов, хореографов, режиссеров?

- Спектаклей было много, но с оригинальной музыкой есть только один - балет Щедрина. Все остальное - это, как правило, Чайковский, Рахманинов, так или иначе скомпонованный материал. Я не люблю, когда музыку, написанную для других целей и с другими, вложенными в нее темами, вдруг начинают использовать в совершенно, на мой взгляд, неподходящем контексте. Но это отдельный разговор... Почему “Анна Каренина”? Во-первых, роман очень сценичен. Да, дико сложный для сцены, многослойный и этим интересный. Каждый хореограф или оперный режиссер в этом материале может найти что-то свое. Можно сконцентрировать внимание на истории Анны или истории Левина, можно представить Анну второстепенным персонажем и поговорить о судьбах российского крестьянства... Каждая постановка неповторяема, в каждой есть что-то свое. В этом прелесть романа Толстого. Он до сих пор живет и неисчерпаем для интерпретаций.

- На чем вы сконцентрировали внимание?

- У нас большую роль играет Левин. Мы уделяем ему большее внимание, чем в других балетах. Но без истории Анны мы, конечно, не могли обойтись. Без поезда или, так скажем, интерпретации поезда... Есть и морфий, и бред Анны, ее болезненное состояние. У нас большое внимание уделено сну, дреме и мечте. Мы никогда не знаем, реальность это или нет, - то, что происходит на сцене. Это некая история через призму наркотического опьянения или опьянения любовью. Будет и мистическая составляющая. Там все намешано... В музыке я задействовал практически все стандартные инструменты симфонического оркестра. Музыка, как обычно у меня, очень эмоциональная. Есть мелодии, возможно, запоминающиеся. Очень насыщенный гармонический язык. Это не минимализм и не авангардные вещи, а традиционная и, наверно, кинематографичная музыка. Лейтмотивом через все произведение проходит тема любви. Она варьируется в зависимости от взаимоотношений между героями, состояний Анны, Вронского. Есть темы светского общества и бала, и они тоже звучат по-разному в зависимости от того, что происходит на сцене.

- Когда вы сочиняете балет, вы думаете об исполнителях или пишете универсальную музыку, а вопросы, как это танцевать, - уже не к вам, а к хореографу?

- Иногда я задумываюсь, кто будет исполнять, думаю об уровне оркестра. Я не могу позволить себе написать партитуру, которую учили бы месяцы или полгода. Все связано с бюджетом, количеством репетиций. Их всего несколько. Поэтому это должен быть материал, достаточно легко считываемый и тем не менее достаточно эффектный. Плюс надо ориентироваться на труппу. Если это компания, которая себя позиционирует как традиционный, классический балет, наверно, не совсем правильно пытаться поломать их. Пришел композитор и решил сделать из них некий новый образ. Нет. Но тем не менее можно попробовать в традиционное музыкальное полотно вдруг сделать вкрапление чего-то необычного, чего театр, возможно, никогда раньше не делал. Этим как раз задача интересна мне и хореографу.

- Легко ли вы расстаетесь с музыкой? Если Юрий или кто-то из солистов говорят, что тот или иной фрагмент неудобен для танца, вы идете на компромисс?

- Я всегда иду на компромисс, и компромисс мы находим. Я, пожалуй, еще не сталкивался с тем, чтобы мы просто урезали материал. Наоборот, бывало, расширяли. Один раз Юрий сказал, что его мысль недостаточно высказана, и попросил меня кое-что добавить. В “Герое нашего времени” я вырезал три минуты музыки по собственной инициативе. Я понял, что музыка проваливается, нет развития. Я понял, что эти три минуты вообще не нужны. Все с этим согласились... У нас дружная команда. Мы друг к другу прислушиваемся. С Юрой в этом плане очень комфортно работается.

- Балет Джоффри хорошо знает Посохова. В его хореографии шел балет “Чудесный мандарин” на музыку Бартока. Был большой успех. А как началось ваше сотрудничество с Юрием?

- Сначала я познакомился с Кириллом Серебренниковым. Пригласил меня на постановку “Героя нашего времени” именно он. Он же показал Юрию и Большому театру мои работы. Только после этого я познакомился с Юрой. Мы сразу нашли общий язык. Я приехал в Москву познакомиться, и в тот же вечер мы начали работать над “Героем…”, какие-то идеи обсуждать.

Партию Анны в разных спектаклях исполняют три балерины: Виктория Джаиани (она танцевала на премьере), Кристина Рокас, Аманда Ассучена. Оркестром Лирик-оперы дирижирует музыкальный руководитель Балета Джоффри Скотт Спек.

После февральских спектаклей в Чикаго “Анну Каренину” увидят в Вашингтоне. Гастроли Балета Джоффри в Кеннеди-центре состоятся с 5 по 9 апреля.

Nota bene! Все спектакли Балета Джоффри проходят в помещении Лирик-оперы Чикаго по адресу: 20 North Wacker Drive, Chicago, IL 60606. Билеты - в кассе театра, по телефону 312-386-8905 или на сайте www.joffrey.org/.

Фотографии к статье:

Фото 1-4. Сцены из спектакля “Анна Каренина”. Фото - Шерил Манн

Трокадеро де Монте-Карло в Чикаго. Встреча через двадцать пять лет

Событие в балетной жизни Чикаго - предстоящий 11 февраля концерт труппы Трокадеро де Монте-Карло (Les Ballets Trockadero de Monte Carlo). Впервые за четверть века в Чикаго выступает ведущий мужской балетный театр мира, известный всем любителям балетного искусства под именем The Trocks.  

Вечер начнется со Второго акта “Лебединого озера” П.Чайковского в классической хореографии Л.Иванова. Унесенная в волшебное царство элегическая фантасмагория давно является визитной карточкой театра. Вторая композиция спектакля - “Go for Barocco” на музыку И.С.Баха в хореографии Питера Анастоса. Заключительным аккордом программы станет балет “Пахита” Л.Минкуса в хореографии М.Петипа - превосходный образец классического французского стиля. Премьера балета в хореографии Жозефа Мазилье состоялась в Париже в 1846 году. Спустя год начинающий работу в Санкт-Петербурге Мариус Петипа выбрал “Пахиту” для своего дебюта. Он представил свою редакцию балета и станцевал в нем главную партию. В 1881 году, спустя тридцать четыре года, Петипа уже в качестве Первого хореографа России вернулся к этому балету. Он попросил Минкуса сочинить дополнительную музыку и поставил два самых знаменитых танца - Pas de Trois и Grand Pas de Deux. Режиссер “Пахиты” - Елена Куникова.

Театр Трокадеро де Монте-Карло был основан в Нью-Йорке в 1974 году группой балетных энтузиастов с благородной целью представить игривое, пародийное представление в стиле классического балета, включая танцы на пуантах в традиционных костюмах. С самого первого спектакля правило было одно - все партии танцуют мужчины! Уже к середине 1975 года после нескольких выступлений в театрах офф-Бродвея театр привлек внимание за пределами Нью-Йорка. Увидев, что мужчины могут танцевать на пуантах и не падать при этом лицом вниз, серьезные импресарио стали предлагать выступления в других штатах, а потом и в странах мира. The Trocks зарекомендовали себя как главный танцевальный феномен семидесятых. Спустя почти полвека первоначальная концепция The Trocks не изменилась. Основу театра составляет труппа профессиональных танцоров-мужчин и небинарных танцоров, исполняющих весь спектр классического и современного танцевального репертуара, включая оригинальные произведения в том самом стиле, в котором они были исполнены сто-двести-триста лет назад. Все женские партии исполняются мужчинами в балетных пачках на пуантах. Мужчины абсолютно серьезно танцуют все партии, доказывая, что ничего невозможного для них нет. Деликатно балансирующие на цыпочках лебеди, сильфиды, водяные духи, романтические принцессы с печалью во взоре, светские викторианские дамы... - продолжать сей список можно еще очень долго. Более того, танцуя на пуантах, мужчины тоже могут быть красивыми, грациозными и веселыми. Каждый участник труппы выступает как в мужском, так и в женском образах, у каждого имеется свое имя и выдуманная им история. Так, например, Аня Маркс - владелица единственной в Америке балетной школы по почте, или Минни Ван Драйвер, обладающая сильным чувством движения, или братья Легупские - известные танцоры, продолжатели знаменитой балетной династии. Среди вымышленных имен преобладают русские: Варвара Лаптова, Юрий Смирнов, Евгения Репельская, Надя Думифеева, Эльвира Хабабгалина, Людмила Белемова, Нина Энимениминимова (именно так пишется эта фамилия).

Спектакли театра сочетают в себе элементы сатиры, комедии, пародии. Неизменным остается одно - уважение к классической балетной эстетике.

Театр Трокадеро де Монте-Карло давно занял особое место в мировом современном танце. Давайте посмотрим серьезным взглядом на несерьезный балет!

Все подробности истории создания и сегодняшнего дня театра, а также реальные и вымышленные биографии танцоров - на сайте trockadero.org.

Концерт пройдет в рамках Международной балетной программы (с этого года она называется “Global Dance”) старейшего театра Чикаго The Auditorium Theatre.

В этой программе запланированы выступления еще двух балетных коллективов. Снова в Чикаго выступит Американский театр танца Алвина Эйли (Alvin Ailey American Dance Theater, 8-12 марта). Более шестидесяти лет театр с триумфальным успехом выступает по всему миру, из них пятьдесят лет каждый год гастролирует в Чикаго - вот уж точно постоянство, проверенное временем! Мы увидим несколько программ, объединяющих классические и современные композиции. Каждая программа по традиции завершается визитной карточкой театра - легендарным одноактным балетом “Откровения” (“Revelations”).

Чикагским балетоманам хорошо знаком Американский балетный театр (American Ballet Theatre, 14-16 апреля 2023 года). Последний раз он приезжал в апреле 2019 года со спектаклем “Взбитые сливки” (“Whipped Cream”) на музыку Рихарда Штрауса. На этот раз нас ждет программа одноактных композиций.

Nota bene! Спектакль театра Трокадеро де Монте-Карло состоится 11 февраля в 7.30 pm в помещении Auditorium Theatre по адресу: 50 E. Ida B. Wells Drive, Chicago, IL, 60605. Билеты на этот и другие спектакли и концерты сезона 2022-23 годов - по телефону 312-341-2300, в кассе театра и на сайте auditoriumtheatre.org.

Фотографии к статье:

Фото 1-2. Сцены из спектакля театра Трокадеро де Монте-Карло. Фото - Марчелло Орселли

Фото 3. Сцена из спектакля Трокадеро де Монте-Карло. Фото - Эмма Колдхар

Фото 4. Сцена из спектакля Трокадеро де Монте-Карло. Фото - Марчелло Орселли

Фото 5. Сцена из спектакля Трокадеро де Монте-Карло. Фото - Эмма Колдхар

Lookingglass Theatre: “Городок”. Премьера в чикагском “Зазеркалье”

Мировая премьера в Lookingglass Theatre - спектакль “Городок” (“Villette”) по одноименному роману Шарлотты Бронте. Адаптация - ассоциированный член труппы Сара Гмиттер. Режиссер - член труппы Трейси Уолш. В роли Люси Сноу - Ми Канг. В ролях: Мо Шипли, Хелен Джу Ли, Рене Локетт, Роналд Роман-Мелендес.

Внезапно лишившись семьи, друзей и средств к существованию, юная Люси Сноу отправляется во Францию. Начинается ее новая, полная романтики и приключений, жизнь... “Это история о триумфе духа, - говорит Сара Гмиттер. - “Городок” - подарок всем, кто когда-либо чувствовал себя непонятым.” Художественный руководитель Lookingglass Хайди Стиллман добавляет: “Мы знаем, насколько это смешное, захватывающее, трогательное путешествие Люси найдет отклик у зрителей. Перед нами - совершенно необычная героиня, которую мы не часто видим в рассказах: застенчивая женщина, живущая в “тени”. Публика не сможет не влюбиться в нее - ясноглазую, лукавую и проникновенную Люси Сноу. Ее внутренняя жизнь ярка и полна огня”.

В своей книге “Шарлотта Бронте делает выбор” театральный критик, кандидат филологических наук Нина Агишева называет “Городок” самым недооцененным романом Шарлотты Бронте. Она пишет: “Люси Сноу, подобно Алисе Льюиса Кэрролла, попадает из всамделишной Англии в несуществующий Лабаскур. И пусть слово отдаленно напоминает Les Pays-Bas (название Нидерландов, в состав которых входила Бельгия до революции 1830 года), и мы прекрасно понимаем, что Бельгия-то как раз и имеется в виду, это все равно переход из одного мира в другой. Духовное - прежде всего! - путешествие... Сегодня филологи уже называют роман “Городок” премодернистским и исследуют его связь с “мифологическими” романами Джойса и Кафки. Шарлотта-писательница опередила в нем свое время на целый век. Шарлотта-женщина искала спасение в Фантазии: “Не будь у меня в запасе доброй Фантазии, которой я тайно поклялась в верности, Разум давно довел бы меня до гибели своим жестоким обращением: лишениями, разочарованиями, скудной пищей...”.

Lookingglass Theatre готовился представить эту мировую премьеру еще в 2020 году, но помешала пандемия. 

Сара Гмиттер прошла большой путь от помощника менеджера сцены (ее первым спектаклем в этом качестве стал “Идиот” по Ф.Достоевскому) до драматурга. Она была менеджером сцены на сорока двух спектаклях театра, включая двадцать мировых премьер. В течение долгих лет она была артисткой, сценаристкой и режиссером в молодежной труппе театра. В 2014 году в театре была поставлена ее пьеса “In the Garden: A Darwinian Love Story” (номинация на премию “Джефф” в категории “Лучшее новое произведение для театра”). Другие работы Гмиттер - пьесы “Sizzle: A Global Warming Comedy” (в соавторстве с Джейсоном Баркеттом, New Suit Theatre Company) и “A Long Fatal Love Chase” (Powerhouse Theatre Company). 

Трейси Уолш - еще одно яркое имя в команде чикагского “Зазеркалья”. Актриса, режиссер, хореограф, она участвовала во многих постановках театра. Вот лишь некоторые из них: “The Old Curiosity Shop” (режиссер), “Acts of God”, “Blood Wedding”, “Around the World in 80 Days” (хореограф), “The North China Lover” (актриса/хореограф). Она была постановщиком танцев в последнем хите Lookingglass Theatre - спектакле “Стойкий оловянный солдатик”, играла в спектакле “Ее честь Джейн Берн”, была консультантом по движению в возобновлении спектакля “The Notebooks of Leonardo DaVinci” в Goodman Theatre (в первой постановке она участвовала в качестве актрисы). В числе хореографических работ Уолш - спектакли “Electra” и “Iphigenia in Aulis” в Court Theatre, оперы “Дон Жуан” и “The Jewel Box” в Чикагском оперном театре.

Nota bene! Спектакль “Городок” идет с 8 февраля до 23 апреля 2023 года в помещении Lookingglass Theatre по адресу: Water Tower Water Works, 821 North Michigan Avenue, Chicago, IL 60611. Билеты на этот и другие спектакли сезона 2022-23 годов - по телефону 312-337-0665, на сайте lookingglasstheatre.org или в кассе театра по адресу: 165 East Pearson, Chicago, IL 60611.

Фотографии к статье:

Фото 1. Актеры спектакля “Городок”. Фото - Сандро

Фото 2. Режиссер спектакля Трейси Уолш

Все звезды в гости к нам. Чикагский симфонический центр, 1-14 февраля

1 февраля, 7.30 pm. Концерт Симфонического оркестра университета Рузвельта (Roosevelt University’s Chicago College of Performing Arts (CCPA) Symphony Orchestra). В программе: увертюра к опере “The Song of Hiawatha” С.Кольридж-Тейлора, вступление и Смерть Изольды из оперы “Тристан и Изольда” Р.Вагнера, симфоническая поэма “Фонтаны Рима” О.Респиги, Симфонические танцы из мюзикла “Вестсайдская история” Л.Бернстайна. Дирижер - музыкальный руководитель оркестра Эмануэле Андрицци. Вход свободный.

4 февраля, 8.00 pm. Концерт многократного лауреата премии “Грэмми”, чикагской певицы Мэвис Стэплс, исполняющей композиции в жанрах соул и госпел. Специальный гость вечера - певица, композитор и мультиинструменталист Селисс Хендерсон (Celisse). Программа концерта будет объявлена со сцены.

5 февраля, 3.00 pm. Второй раз в Чикаго - Анне-Софи Муттер и камерный ансамбль “Виртуозы Муттер”. В программе: Концерт для четырех скрипок с оркестром си минор и “Времена года” А.Вивальди, “Gran Cadenza” У.Чин, Скрипичный концерт ля мажор Ж.Болони де Сен-Жоржа.

Дуэт для двух скрипок “Gran Cadenza” - произведение, написанное по заказу Муттер немецким композитором корейского происхождения Унсук Чин.

В шесть лет Муттер услышала игру пианистки Клары Хаскиль. Впечатления девочки были настолько сильными, что она решила посвятить себя музыке. В девять лет Муттер с провинциальным немецким оркестром уже играла Второй скрипичный концерт В.А.Моцарта, в тринадцать - исполняла Моцарта в Зальцбурге с оркестром Герберта фон Караяна, к двадцати - покорила весь мир. Ее международная карьера продолжается больше сорока пяти лет (!), и везде ее ждет грандиозный успех. У Муттер невероятно богатый и разнообразный репертуар: кроме основных классических скрипичных произведений она много и активно играет современную музыку. Самые прославленные композиторы нашего времени - Витольд Лютославский, Вольфганг Рим, Кшиштоф Пендерецкий, Андре Превин, Софья Губайдулина - посвящали ей свои произведения.

В Чикагском симфоническом центре Муттер дебютировала в сезоне 1980-81 годов. За дирижерским пультом Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО) стоял сэр Георг Шолти. После этого мы часто слышали ее выступления с ЧСО, в камерных сольных концертах, в дуэте с виртуозным американским пианистом Ламбертом Оркисом. Последний раз - в январе 2020 года. Записанный Муттер и Оркисом диск с сонатами для скрипки и фортепиано Л.ван Бетховена получил в 2000 году премию “Грэмми” в категории “Лучшее исполнение камерной музыки”.

Камерный ансамбль “Виртуозы Муттер” был создан в 2011 году. В составе ансамбля - четырнадцать стипендиатов базирующегося в Мюнхене Фонда Муттер (Anne-Sophie Mutter Foundation). Фонд был основан в 2008 году, он оказывает всестороннюю поддержку молодым талантливым музыкантам-струнникам. На сегодняшний день стипендиатов Фонда двадцать четыре. Среди них - скрипачи Сергей Хачатрян, Даниэль Мюллер-Шотт, Арабелла Штайнбахер, контрабасист Роман Патколо (ныне - преподаватель Базельской консерватории). Каждый музыкант “Виртуозов Муттер” выбран персонально Анне-Софи.

В 2011 году Фонд Муттер стал присуждать Aida Stucki Award выдающимся молодым музыкантам-струнникам. Премия носит имя легендарной швейцарской скрипачки, педагога Муттер Аиды Штуки. Денежный эквивалент премии - 10000 евро. Среди лауреатов премии - Д.Мюллер-Шотт и Р.Патколо.

Дебютный концерт в Чикаго “Виртуозов Муттер” состоялся в 2014 году. В программе были “Мелодии” С.Кюрье (эту пьесу для контрабаса и струнного ансамбля американский композитор, профессор Колумбийского университета Себастьян Кюрье сочинил специально для “Виртуозов Муттер”, солист - Р.Патколо), Октет Ф.Мендельсона и “Времена года” А.Вивальди.

Выступление “Виртуозов Муттер” проходит в рамках восьмого международного тура камерного ансамбля. Кроме США, запланированы концерты в Исландии и Канаде.

9 февраля, 7.30 pm; 10-11 февраля, 8.00 pm. После тура по городам США и остановки в Торонто (об этом - ниже) ЧСО возвращается на родную сцену Симфонического центра. Первые февральские концерты посвящены стопятидесятилетию со дня рождения Сергея Рахманинова. В программе: Первая (“Классическая”) симфония С.Прокофьева, Рапсодия на тему Паганини (солистка - итальянская пианистка Беатриче Рана) и Симфонические танцы С.Рахманинова. ЧСО руководит главный дирижер Роттердамского филармонического и музыкальный руководитель Израильского филармонического оркестров, тридцатитрехлетний Лахав Шани.

Дебютирующий в Чикаго израильский маэстро родился в Тель-Авиве в 1989 году. Музыка звучала в доме с рождения, отец Лахава - дирижер Михаэль Шани. С шести лет Лахав учился игре на фортепиано, потом пришла очередь контрабаса. Выпускник Берлинской высшей школы музыки. Выступал как пианист и контрабасист. После победы на Международном конкурсе дирижеров имени Г.Малера в 2013 году остановился на дирижировании. Его карьера была стремительна. В июне 2016 года Шани дебютировал с Роттердамским филармоническим оркестром, а спустя два месяца оркестр выбрал его в качестве своего нового главного дирижера. Контракт начался с сезона 2017-18 годов. В марте 2020 года оркестр объявил о продлении контракта до августа 2026 года. С сезона 2020-21 годов, после сорока двух лет правления Зубина Меты, Шани возглавил Израильский филармонический оркестр. При этом выступал в фортепианных дуэтах с Юджи Ванг и Мартой Аргерих, играл в секции контрабасов оркестра “Западно-восточный диван” под управлением Д.Баренбойма. Долгие годы Лахав жил в Берлине, с 2020 года в Тель-Авиве.

Дебютирующая в Чикаго пианистка Беатриче Рана родилась в 1993 году в Италии в семье музыкантов. Занимается фортепиано с четырех лет. В девять впервые выступила с симфоническим оркестром, солировала в Концерте фа минор И.С.Баха. Выпускница консерватории имени Н.Роты в Монополи (юго-восток Италии, регион Апулия), Ганноверской школы музыки и Академии Санта-Чечилия. Лауреат Серебряной медали и Приза зрительских симпатий на Международном конкурсе пианистов имени В.Клиберна в Форт-Уорте (2013 год). Лауреат Gramophone Classical Music Award и Edison Award (обе премии - 2017 год). С 2017 года Рана проводит в своем родном городе Лечче (регион Апулия) камерный фестиваль Classiche Forme, ставший одним из интереснейших летних культурных событий Италии и Европы. С 2020 года - художественный руководитель Orchestra Filarmonica di Benevento. Эксклюзивная артистка Warner Classics. Живет в Риме.

За 75 минут перед началом концертов состоятся тридцатиминутные беседы флейтиста и педагога Кайла Дзапо об исполняемых произведениях.

12 февраля, 2.00 pm; 13 февраля, 8.00 pm. Концерты Civic Orchestra под названием “Parisian Perspectives”. Нас ждут вечера французской музыки. В программе: сюита “Гробница Куперена” М.Равеля, пьеса “Печальный вечер” Л.Буланже, Симфония ре минор С.Франка. Дирижер - Кен-Давид Мазур.

В сюите “Гробница Куперена” Морис Равель увековечил память шести друзей, погибших в Первой мировой войне, и отдал дань уважения французской музыке прошлых столетий.

Центральное произведение программы - пьеса “Печальный вечер” французского композитора Лили Буланже (1893-1918). О ней стоит сказать несколько слов. Лили - младшая сестра педагога и композитора Нади Буланже. Ее мать Раиса Мышецкая - певица из Санкт-Петербурга; отец Эрнест Буланже - композитор, педагог Раисы по Парижской консерватории. Дедушка Фредерик Буланже был известным французским виолончелистом, бабушка Джульетта - певицей. Когда Лили исполнилось два года, друг семьи Буланже, композитор Густав Форе обнаружил у нее абсолютный слух, и родители стали учить девочку музыке. Ноты она научилась читать раньше, чем буквы. До пяти лет посещала классы Парижской консерватории, потом занималась на курсах теории музыки, брала уроки пения и игры на органе, фортепиано, скрипке, виолончели и арфе. (В скобках замечу, что она прекрасно играла на всех этих инструментах!) С детства Лили часто болела, поэтому образованием, в основном, занималась дома. В 1913 году в возрасте девятнадцати лет она получила Большую римскую премию за кантату “Фауст и Елена”, став первой женщиной - лауреатом этой премии. (Спустя год ее успех повторит старшая сестра Надя.) Трагическое восприятие жизни было присуще Лили с детства. Отсюда - темы горя и утрат в ее сочинениях. Последние годы она тяжело болела и умерла от туберкулеза кишечника (теперь это заболевание называется болезнью Крона) в возрасте двадцати четырех лет. Последний раз в Чикаго музыка Буланже звучала летом 2021 года на Grant Park Music Festival. Это был Псалом 24 “La terre appartient à l’Éternel” для тенора, хора, органа и оркестра.

Финальный аккорд программы - Симфония ре минор Сезара Франка. Сочинение, сегодня считающееся одним из лучших симфонических произведений рубежа XIX-XX веков, при жизни композитора успехом не пользовалось. После неудачной премьеры Симфонии жена Франка сказала, что ненавидит музыку мужа.

Концерт 12 февраля состоится в помещении South Shore Cultural Center по адресу: 7059 S. South Shore Dr., Chicago, IL 60649. Билеты бесплатные, требуется резервирование.

14 февраля, 8.00 pm. Впервые в Чикаго - Торонтский симфонический оркестр. В программе: Вторая симфония С.Мусса, Испанская симфония Э.Лало (солистка - Мария Дуэньяс), сюита “Ромео и Джульетта” С.Прокофьева. Дирижер - музыкальный руководитель оркестра Густаво Химено.

Концерт в Чикаго пройдет в рамках американского турне, посвященного столетию со дня образования Торонтского оркестра. Он возник в 1922 году и уже спустя несколько лет стал лучшим симфоническим коллективом Канады. В разные годы оркестр возглавляли Сэйдзи Одзава (1965-1969), многолетний руководитель Лирик-оперы сэр Эндрю Дэвис (1975-1988), Юкка-Пекка Сарасте (1994-2001), Питер Унджян (2004-2018). С 2020 года одиннадцатым музыкальным руководителем Торонтского оркестра стал маэстро из Валенсии Густаво Химено. В феврале 2014 года он заменил Мариса Янсонса за дирижерским пультом оркестра Концертгебау, и на следующий день о нем заговорил весь музыкальный мир. Мы встретились с Химено впервые на музыкальном фестивале Равиния летом 2016 года в концерте с Даниилом Трифоновым. С 2015 года Химено является музыкальным руководителем Люксембургского филармонического оркестра.

В рамках тура Торонтского оркестра в нью-йоркском Карнеги-холл состоится американская премьера Второй симфонии канадского композитора Сэми Мусса.

В Испанской симфонии Эдуара Лало солирует победительница Международного скрипичного конкурса имени И.Менухина Мария Дуэньяс.

Торонтский симфонический оркестр моложе чикагского на тридцать лет. Интересно, что первый международный тур ЧСО в 1892 году, спустя несколько месяцев после образования оркестра, прошел в Канаде. 1 и 2 февраля в Торонто состоятся концерты ЧСО, так что в феврале нас ждет обмен оркестрами.

Прекрасный повод отметить День святого Валентина - сходить на концерт Торонтского оркестра!

Nota bene! Билеты на концерты Чикагского симфонического центра - на сайте cso.org или в кассе по адресу: 220 South Michigan Avenue, Chicago, Il 60604. 

Фотографии к статье:

Фото 1. Ансамбль “Виртуозы Муттер”. Фото - Ансгар Клостерманн

Фото 2. Анне-Софи Муттер. Фото - Тина Тахир

Фото 3. Лахав Шани. Фото - Марко Борхреве

Фото 4. Беатриче Рана. Фото - Саймон Фаулер

Фото 5. Густаво Химено. Фото - Марко Борхреве