Лондон. Февраль тринадцатого. Балет. Впечатления

Рассказом о Королевском национальном театре Англии я начал публиковать заметки о лондонских театральных впечатлениях. Сегодня драматический театр уступает место Его Величеству Балету. Я приглашаю вас в Королевский оперный театр Англии (Ковент-гарден), где вот-вот поднимется ярко-красный занавес и начнется вечер одноактных балетов в исполнении артистов Королевского балета (The Royal Ballet).

Часть I. “Аполлон” Джорджа Баланчина

Радиус, диагональ, прямой угол...

О, это был знаменитый балет! Композитор – Игорь Стравинский, балетмейстер – Джордж Баланчин, костюмы созданы по эскизам сначала Андре Бошана, потом – Коко Шанель... Что ни имя, то целая эпоха. Игорь Стравинский закончил балет 9 января 1928 года, и первое исполнение состоялось в библиотеке Конгресса в Вашингтоне. Хореографом и исполнителем главной роли был Адольф Болм. Стравинского на премьере не было. Вместе с Баланчиным он готовился к европейской премьере, состоявшейся в Париже шесть недель спустя в рамках “Русского балета” Сергея Дягилева. Партию Аполлона танцевал Серж Лифарь. Молодой Лифарь учился хореографии Баланчина, и это было как раз то, что нужно для партии Аполлона, который в начале спектакля учится двигаться элегантно, как подобает богу.

Баланчин и Стравинский сочинили “Аполлона” восемьдесят пять лет назад. В конце семидесятых Баланчин создал вторую редакцию балета, убрав из него мать Аполлона. В балете остались четыре главных действующих лица: покровитель муз Аполлон, муза танца Терпсихора, муза эпической поэзии, науки и философии Каллиопа, муза торжественных гимнов и пантомимы Полигимния. Английский Королевский балет показывает первую версию с прологом и финалом, где Аполлон с музами поднимается по лестнице и простирает руки к небу, к богам.

Сергей Дягилев восхищался “Аполлоном”, называл его “шедевром, плодом подлинной художественной зрелости”. Конечно, “Аполлон” – олицетворение классицизма в балете: четкие линии, величественные позы, возвышенные движения. Именно так и танцевали английские солисты. Между тем после премьеры спектакля в 1928 году современники отмечали неуловимую иронию, скрывавшуюся за статичными движениями Аполлона и его помощниц-муз. Это было сделано в точном соответствии с заданием хореографа. В книге Баланчина “Сто один рассказ о большом балете” есть план балета “Аполлон”. Вот лишь несколько цитат из него. Когда Аполлон дарит каждой музе символический предмет, олицетворяющий искусство, которому она покровительствует, музы – внимание! – “с восторгом принимают эти дары, становятся в линию, а затем резво, словно развеселившиеся дети, убегают к боковой части сцены”.

Про сцену Аполлона и Терпсихоры Баланчин писал: “Под мажорную мелодию они разбегаются в игривом танце”. Еще одна цитата: “...Музы демонстрируют Аполлону вновь обретенную радость движений. Молодой бог протягивает двум девушкам руки и кружит их в воздухе. Живость и грацию муз подчеркивает энергичный, изменчивый ритм музыки, который ускоряется по мере приближения финала”. Такое впечатление, что речь идет о комедийном придворном балете XVIII века, не правда ли?! И в этом нет ничего странного. Балет, подобно театру, - “штука веселенькая”. В двадцать четыре года Баланчин еще не думал о Вечности. Он хотел Театра, Игры, Зрелища. При всей серьезности замысла он видел свой балет ироничным, а вот этой иронии, этого “игривого танца”, этой “радости движений” мне не хватило в исполнении солистов Королевского балета. Все было правильно, очень серьезно и... скучно. В лондонском “Аполлоне” не было жизни, а лишь набор холодных, абстрактных движений и геометрических фигур. На сцене исправно крутили радиусы, вычерчивали диагонали, танцевали прямые углы...   

При этом к танцорам претензий нет – скорее это вопросы к тем, кто возобновлял спектакль Баланчина на сцене Королевского балета. (Это было восьмидесятое исполнение.) Партию Аполлона танцевал пластичный итальянец с греческим профилем Федерико Бонелли, солист Королевского балета с 2003 года. До Лондона он выступал в балетах Цюриха и Копенгагена. (В паре с Бонелли Аполлона исполняет кубинский танцор Карлос Акоста.) В партии муз – Мелисса Хамильтон (Терпсихора), Хикару Кобаяши (Каллиопа), Юхи Чое (Полигимния).

 Часть II. “24 прелюдии” Алексея Ратманского

Балет на музыку Шопена-Франсе

Во втором отделении вечера нас ждала двойная премьера – новый балет Алексея Ратманского и его дебют на сцене Ковент-гардена.

Ратманский – нет сегодня в балете имени громче. Все гоняются за Ратманским, все хотят заполучить его к себе, все следят за каждым его шагом. Американский балетный театр (АБТ) сделал невероятное: в 2011 году он продлил контракт с Ратманским на двенадцать (!) лет, и теперь до 2023 года он является хореографом-резидентом американской труппы. По контракту он обязан отработать с АБТ двенадцать недель и выпускать по одному новому балету в год. При этих условиях балетмейстер может работать и с другими коллективами. Признание, слава, независимость... - к своим сорока четырем годам Ратманский добился всего, о чем только может мечтать хореограф. Он находится в расцвете славы, талантлив, и, самое главное, продолжает быть интересным и неожиданным в каждой своей работе. Конечно, я с особым интересом ждал нового спектакля Ратманского, и хореограф не обманул ожидания.

Для знакомства с труппой Ковент-гардена он выбрал одноактный балет “Двадцать четыре прелюдии” на музыку Фредерика Шопена в оркестровке французского композитора Жана Франсе. Ратманский второй раз работает с музыкой Франсе - он уже ставил на его музыку балет в Австралии. А вот с Шопеном работает впервые.

Оркестровка Франсе нравится Ратманскому. Он говорит, что “в ней появляется французский характер”. Может быть, французский характер и появляется, но вместе с ним слишком много бравады в ущерб лирике. Музыка Шопена тончайшая, возвышенная, неземная, что не видно в оркестровке Франсе. Хотя я понимаю, что именно такая музыка хороша для Ратманского и балета – под нее лучше танцевать.

Четыре пары солистов (а в этом балете собрано целое созвездие замечательных исполнителей, которые до этого никогда не выступали вместе: Линн Бенджамин и Валери Христов, Алина Кожокару и Стивен Макрэй, Сара Ламб и Эдвард Уотсон, Зинаида Яновски и Руперт Пеннефазер) под музыку Шопена-Франсе разыгрывают двадцать четыре зарисовки о дружбе, любви, страсти, ревности, предательстве. Романтическая музыка в исполнении струнных инструментов, мощный барабанный бой, духовые перезвоны... – хореограф слышит музыку и строит свой танец в точном соответствии с ней. Камерная идиллия сменяется бурным выяснением отношений, разрыв одной пары перетекает в начало отношений другой... – кажется, вся неисчерпаемая палитра человеческих взаимоотношений спрессована в двадцать четыре короткие истории. При этом почти всегда событие произошло до того, как начинается история. Мы видим уже полный эмоций постскриптум, отклик на случившееся. Вот брошенная дама пытается вернуть кавалера и вернуться в прошлое; вот молодые влюбленные стремительно выбегают на сцену и, станцевав несколько па, быстро удаляются по своим делам; вот парочка продолжает выяснение отношений: она что-то быстро говорит ему, он спорит, она сердится, он обижается... В общем, все, как в хорошем театре, только страсти гиперболизированы, и вместо слов – язык движений.

Одноактный балет с большим количеством солистов – лучший способ поближе познакомиться с труппой. Нечто подобное Ратманский проделывал в других театрах:

Нью-Йоркском городском балете (New York City Ballet), АБТ и Государственном балете Грузии (там балетмейстер появился по личному приглашению Нины Ананиашвили). Что ж, Алексей Осипович должен остаться довольным уровнем труппы. В Королевском балете собраны одни из лучших танцовщиков мира. Все солисты, как на подбор: сильные, атлетичные, с блестящими прыжками. Под стать им женщины: легкие, изящные, воздушные. Ратманский хотел продемонстрировать возможности каждого исполнителя, и это ему удалось. Особенно хороши в своих образах Руперт Пеннефазер, Валери Христов, Алина Кожокару, Сара Ламб. Труппа интернациональная: есть представители Румынии, Австралии, Испании, Болгарии, США, Бразилии, Польши. А вот из бывшего СССР сейчас солистов нет. Бывший пять лет (с 2007 до 2012 года) премьером труппы Сергей Полунин сейчас служит в Московском музыкальном театре имени К.Станиславского и В.Немировича-Данченко.

Огромное значение в “...прелюдиях” имеют костюмы. Перед нами проходит целая коллекция замечательных нарядов (художник по костюмам - Колин Этвуд): серебристые, сиреневые, фиолетовые, яркие и приглушенные тона, миди-юбки дам, парадные костюмы и разные фасоны брюк кавалеров, торжественные, вызывающие, повседневные, наряды на свадьбу и похороны. На каждую историю - свой наряд.

Так же тщательно, как костюмы, выверены световые эффекты (художник по свету – Нил Остин).

Ратманский уважает классические традиции в балете. В “24 прелюдиях” он показал себя весьма традиционным хореографом. Он и не скрывает, что больше всего в балете ценит собственно балет: “Никаких особых костюмов, драмы, только па. И для зрителей, и для критики в балете ядром является хореография”. Языком танца показать сценки из жизни, рассказать истории – такую задачу ставил перед собой хореограф, и получилось, что его классическая хореография созвучна сегодняшнему времени. Нет смысла изобретать нечто несусветное, если можно просто эмоционально, живо, красиво танцевать – Ратманский доказал это своими двадцатью четырьмя прелюдиями.   

Часть III. “Aeternum” Кристофера Уилдона

Бриттен языком танца

В отличие от Алексея Ратманского английский хореограф Кристофер Уилдон всю жизнь связан с Королевским балетом. С одиннадцати до восемнадцати лет он учился в Школе при Ковент-гардене, с 1991 по 1993 годы танцевал в труппе театра, а затем неоднократно (с 1996 года) возвращался на эту сцену в качестве балетмейстера. Последний раз - в 2011 году - Уилдон поставил с труппой Ковент-гардена балет “Приключения Алисы в стране чудес” на музыку Джоби Талбота. На премьере партию Валета Червей исполнял Сергей Полунин. (“Алису” покажут в кинотеатре Вилметта в мае, подробности – ниже.)

Кристофер Уилдон любит латинские названия. В 2007 году в Большом театре он поставил одноактный балет “Misericordes” - “Милосердный” или “Сострадающий”. На этот раз название можно перевести как “Навечно” или “Навсегда”.

Кристофер Уилдон, по его словам, шел от музыки. “Aeternum” начался с “Симфонии-реквиема” Бенджамина Бриттена, столетие со дня рождения которого будет широко отмечаться в Англии и по всему миру. Свое сочинение английский композитор посвятил памяти матери, поэтому музыка симфонии полна печали и скорби. Музыка заставляла работать воображение балетмейстера, музыка рождала у него определенные образы, и уже потом он начинал работать с артистами. Балет получился под стать музыке: напряженный, эмоциональный, нервный. От рождения – сотворения мира в “Аполлоне” через пору человеческой зрелости (”24 прелюдии”) к закату, плачу, реквиему... – такова жизнь, и такова программа одноактных балетов. Там, где у Ратманского правит бал Любовь, у Уилдона царствует Смерть. Люди не властны сопротивляться неизбежному и изменить судьбу – говорит своим балетом Уилдон.

Если “...прелюдии” Ратманского – балет в классическом стиле, то “Aeternum” сделан в стиле  экспрессионизма тридцатых годов XX века. Безумные движения, изломанные тела... -  везде виден декаданс, разрушение. Балет танцевальный, с разнообразной, подчас неожиданной хореографией. Подобно Ратманскому, Уилдон дает каждому возможность проявить себя в соло, а потом принять участие в па-де-де, па-де-труа и па-декатр. Центральная фигура балета – Ангел смерти. В ее партии я видел Клейр Калверт, которая не произвела на меня особого впечатления. (К сожалению, не танцевала одна из ведущих солисток лондонской труппы, аргентинская танцовщица Марианела Нуньес.) Зато понравилась шестерка, танцующая Танец смерти, особенно Эрик Андервуд, Марчелло Самбе и Риочи Хирано. Но в целом команда из “...прелюдий” мне показалась сильнее.

В оформлении сцены художник Жан-Марк Пуссен использовал разрушенные пейзажи и осколки скульптурных композиций, олицетворяющие разбитые жизни. Разбитая монументальность финала – в этом видится полемика с классичной монументальностью “Аполлона”, с которой начался вечер. “Все жизни..., - как говорила одна чеховская героиня (по другому, правда, поводу), – свершив печальный круг, угасли.”

Весь вечер на высоте был оркестр Ковент-гардена под управлением дирижера Барри Вордсворта.

Nota bene! Вечер трех одноактных балетов пройдет 7, 9 и 14 марта 2013 года в Королевском оперном театре Англии (Ковент-гарден) по адресу: Covent Garden, London WC2E 9DD. Заказ билетов по телефону +44 (0)20 7304 4000 и на сайте www.roh.org.uk. Королевский балет выступает на сцене Ковент-гардена до 15 июня 2013 года.

Прекрасная новость для любителей балета в Чикаго: в рамках программы “Балет в кино” кинотеатр The Wilmette Theatre (1122 Central Ave, Wilmette, IL 60091) в мае покажет два спектакля Королевского балета: 5 и 7 мая - “Приключения Алисы в стране чудес” Кристофера Уилдона, 19 и 21 мая - “Жизель” Мариуса Петипа. Заказ билетов по телефону 847-251-7424 и на сайте http://www.wilmettetheatre.com/.

 

Фотографии к статье:

Фото 1. Королевский национальный театр Англии. Фото Роба Мура

Фото 2. Алексей Ратманский. Фото Фабрицио Ферри

Фото 3. Сцена из балета “24 прелюдии”

Фото 4. Кристофер Уилдон

Фото 5. Сцена из балета “Aeternum”. Фото Джоан Перссон

 

 

Лондон. Февраль тринадцатого. Национальный театр. Впечатления.

 

На этих страницах, уважаемые читатели, я обычно предлагаю вашему вниманию материалы, связанные с культурной жизнью Чикаго. Мое недавнее пребывание в Лондоне заставило меня на время “изменить” windy city и поближе познакомиться с театральной жизнью одного из интереснейших культурных центров Европы и мира. Я расскажу о четырех спектаклях, увиденных в трех лондонских театрах, и об одной очень интересной театральной экскурсии. Начнем по порядку.

 

Часть I. Традиция и современность

От сэра Оливье к сэру Хитнеру

Краса и гордость Англии – Королевский национальный театр - занимает почти целый квартал в двух шагах от Темзы, в центральном районе Лондона South Bank.

В Национальном театре – три зала. Малая сцена – Cottesloe studio – рассчитана на четыреста мест и предназначена, в основном, для экспериментальных постановок. При необходимости она раздвигается и превращается в открытую площадку. Спектакли, о которых я расскажу в этой статье, я смотрел в Lyttelton theatre. В зале восемьсот девяносто мест и великолепно технически оснащенная сцена. Большинство спектаклей, показанных в кинотеатрах, сделаны именно с учетом особенностей этой сцены. Главная сцена - Olivier theatre - рассчитана на тысячу сто пятьдесят человек и названа в честь первого директора театра, прославленного английского актера сэра Лоуренса Оливье.

 

Национальный театр открылся в октябре 1963 года “Гамлетом” в постановке Оливье с Питером О’Тулом в главной роли. До марта 1976 года спектакли театра игрались на сцене The Old Vic Theatre. Там Оливье играл Отелло (1964 год, постановка Джона Декстера) и Шейлока (1970 год), Альберт Финни - Дона Педро в “Много шума из ничего” в постановке Ф.Дзефирелли (1965 год) и Гамлета (1975, постановка Питера Холла), Энтони Хопкинс - Одри в “Как вам это понравится” (1967 год) и Макбета (1972), Джон Гилгуд - Просперо в “Буре” (1974 год, поставовка Питера Холла). В 1976 году театр получил, наконец, свое здание в районе South Bank, где и располагается до сих пор. Позднее его соседями стали галерея современного искусства TATE Modern, Британский институт кино, множество пабов и ресторанов. За тридцать два года три сцены театра видели величайших актеров XX века. Большинство шекспировских пьес ставились на сцене Olivier theatre. “Гамлет” (1978) и “Макбет” (1980) с А.Финни, “Отелло” (1980) с П.Скофилдом, “Антоний и Клеопатра” с Э.Хопкинсом и Дж.Денч (все спектакли в постановке П.Холла)... В марте 1989 года новый главный режиссер театра Ричард Эйр поставил свой первый шекспировский спектакль – “Гамлет” с Дэниэлем Дэй-Льюисом в главной роли. 5 сентября того же года нынешний трехкратный оскаровский лауреат Дэй-Льюис после первого акта покинул сцену, чтобы навсегда уйти из Национального театра. На этой сцене оглушительный успех ждал Яна Маккеллена в “Ричарде III” (постановка Ричарда Эйра). В своей скандальной постановке “Сна в летнюю ночь” в 1992 году Робер Лепаж покрыл сцену театра таким количеством грязи, что зрителям первых рядов выдавали специальные пластиковые плащи, чтобы они не запачкались. (Подробнее о канадском режиссере Робере Лепаже и его новом спектакле “Игральные карты: пики” я расскажу в следующих частях моего обозрения.) Тревор Нанн – еще один легендарный режиссер Национального театра - в 1999 году поставил спектакль “Троил и Крессида” с черными актерами в ролях троянцев и белыми – в ролях греков.

Первым спектаклем сэра Николаса Хитнера в качестве художественного руководителя театра стал “Генрих V” (2003 год). Все действующие лица были одеты в современные костюмы. Во время репетиций спектакля Дж.Буш и Т.Блейр объявили о начале войны против Саддама Хуссейна, и аргументы в пользу ведения Генрихом (эту роль играл Адриан Лестер) войны во Франции были прочитаны в совершенно другом, новом, актуальном ключе. Из последних шекспировских спектаклей Хитнера отмечу постановки “Генриха IV” (2005 год) с Майклом Гамбоном в главной роли и “Много шума из ничего” (2007 год) с С.Расселлом Билом и Зое Уэйнамейкер.

В кратком экскурсе в историю театра я намеренно ограничиваюсь только постановками по Шекспиру – в противном случае мне не хватит места, чтобы хотя бы упомянуть наиболее заметные спектакли. История театра, известного как хранителя классического наследия, поражает размахом и широтой тем современных постановок. Оригинальнейшие спектакли последних лет “Франкенштейн” Дэнни Бойла и “Кухня” Николаса Хитнера – лишнее тому подтверждение. В Национальном театре ищут и находят новую драматургию, сочетая лучшие традиции британской сцены и новые веяния мирового театра. Национальный театр является первопроходцем самых смелых художественных и продюсерских идей. Одной из этих идей была инициатива театра по показу лучших спектаклей в кино. Об этом - в эксклюзивном интервью, которое я взял в Лондоне у продюсера Национального театра Эммы Кейт.

Часть II. Эмма Кейт: “Театр в кино – почему бы нет?”

О кинопоказах Национального театра

Краткая биографическая справка. Эмма Кейт закончила Kings College в Лондоне по специальности “Цифровая культура и технология”. С июня 2009 года - ассистент продюсера Национального театра. Стояла у истоков создания проекта “National Theatre Live”. В настоящее время - продюсер театра.

Я спросил у Эммы, что ей больше всего нравится в ее работе.

-        Национальный театр – один из лучших и авторитетнейших театров Великобритании и Европы. Театр предлагает разнообразный репертуар: от классики до современности, в театре ставят самые разные режиссеры и на его сценах можно увидеть лучших актеров планеты. На трех площадках театра одновременно идут самые разные спектакли. Мы выпускаем ежегодно от двадцати двух до двадцати пяти премьер. Никакого возобновления – только новые спектакли. Наш театр давно превратился в крупный международный театральный центр. Мне интересно быть участником этого центра. В моей работе нет рутины. Я общаюсь с режиссерами, актерами, представителями других творческих профессий. Каждый день приходится решать новые проблемы, и каждый день может преподнести сюрпризы. Творческая работа!

-        Вы часто общаетесь с актерами. А у вас самой не возникало желания попробовать свои силы на актерском поприще?

-        (Смеется.) Нет, у меня никогда не было мыслей об актерской карьере. Я работаю в команде, мы вместе с актерами занимаемся одним делом, и мне этого вполне достаточно.

-        Какова главная цель показов спектаклей в кино?

-        Наш театр – Национальный театр Великобритании, поэтому главной целью показов была популяризация театра в английской глубинке. Не все могут лично приехать в Лондон и побывать в театре – вот для них мы и придумали кинопоказы. Привлечь жителей маленьких городков и деревень, заставить их ждать новых спектаклей и ходить на них в кино – такова была наша задача.

-        Повлиял ли на вашу идею успех проекта “Метрополитен-опера в кино”?

-        Кинотрансляции МЕТа начались за два года до начала кинопоказов Национального театра. Конечно, успех нью-йоркского театра послужил еще одним аргументом в пользу этой идеи.

-        Кто впервые озвучил эту идею?

-        Первой эту идею высказали художественный руководитель театра Николас Хитнер и директор отдела кадров Лиза Бергер. У Хитнера был опыт постановки спектакля в Метрополитен-опере, который впоследствии был показан на экранах мира в рамках проекта “Метрополитен-опера в кино”. После одобрения со стороны исполнительного директора театра Ника Старра эта идея стала постепенно воплощаться в жизнь. Театр в кино – почему бы нет? Вскоре проект возглавил Дэвид Себел.

Эмма Кейт работает в связке с исполнительным продюсером проекта (Head of digital), выпускником Northwestern University, бывшим актером Дэвидом Себелом. История прихода Себела в театр достойна отдельного рассказа. Он успел поработать с Джимом Хенсоном на кукольном фестивале в Нью-Йорке, попробовать свои силы помощником повара в Rose Bakery в Париже, получить диплом мастера на факультете бизнеса Кембриджского университета. После всего вышеперечисленного Себел понял, чего он хочет, - он хочет работать в театре. Но в каком качестве? Этого Себел пока не знал, и об этом он спросил у Николаса Хитнера во время их первой встречи. Тот и предложил ему заняться организацией кинотрансляций спектаклей театра. Одной из первых в команде Себела оказалась Эмма Кейт.

-        Мы изменили представление о стандартном кинотеатре, где камера размещается сзади, не всегда хорошие свет и звук. Для наших трансляций такое невозможно. Мы стремимся к тому, чтобы все элементы представления были на самом высоком уровне.

-        Одно дело – играть в обычном зале, и совсем другое – понимать, что тебя в этот момент видят на всех континентах сотни тысяч людей. Как себя чувствуют актеры во время съемки? И меняется ли что-то в спектакле, когда его снимают для кино?

-        Наш подход состоит в том, что актеры ничего не должны делать специально на камеру. Все должно быть точно так же, как в обычный день. На съемке работают одновременно до шести камер, но мы отключаем свет, и актеры не знают, какая камера работает. Мы стараемся донести до зрителя мельчайшие детали постановки. Зритель должен почувствовать, что он не в кино, а в театре. В этом большая разница. Конечно, кое-что приходится изменять. Для съемки в HD мы делаем актерам немного другой, более яркий грим. У актеров есть маленькие микрофоны – это то, что обычно не используется в спектакле. Когда мы записываем спектакль, мы немного меняем свет. Но, опять же, это только помогает зрителям во всем мире понять, что происходит на сцене.

-        Когда вы показываете ваши спектакли по всему миру, вы обеспечиваете трансляции субтитрами на других языках?

-        В прямом эфире мы показываем спектакли с английскими субтитрами. Для перевода на другие языки требуется время, и с субтитрами на русском, испанском, чешском и других языках мы показываем спектакли в записи. Но субтитры делаем не мы, а компании в других странах.

-        Могли ли вы предположить, что кинопоказы окажутся столь успешными?

-        Мы не могли предположить, но мы надеялись. Мы хотели охватить как можно большее количество людей, но не ожидали, что их будет так много. Мы хотели показывать спектакли в других странах, но не думали, что их будет такое количество.

-        Кто определяет, какие спектакли следует показывать в кинотеатрах, а какие – оставить для зрителей Национального театра?

-        В основном, это решение Ника (Художественного руководителя тетра Николаса Хитнера – Прим. автора.). В качестве принципа отбора лежит желание продемонстрировать широту жанров, стилей и направлений театра: от греческой трагедии и шекспировских пьес до актуальной современной драматургии. Мы показываем шесть спектаклей в году и стараемся сохранить баланс классической и новой драматургии.

-        Заядлые театралы говорят, что спектакль нужно смотреть в театре, что живое присутствие в театральном зале несравнимо со зрительным залом в кино. Что бы вы ответили этим людям?

-        Без сомнения, эта точка зрения имеет право на существование. Никто не говорит, что поход на спектакль в кинотеатр заменит обычный театр. Наоборот, возможно, после похода в кино на наши спектакли люди заинтересуются репертуаром местного театра, и, может быть, впервые придут в него. А для людей, посещающих театры часто, наши показы интересны прежде всего открытием новой драматургии. Национальный театр только помогает местным театрам расширить свою аудиторию. Когда мы только начинали, скептиков было значительно больше. Наш успех доказал живучесть этого проекта.

-        Как вы представляете вашу аудиторию?

-        Она различна в зависимости от каждого спектакля. Кто-то приходит на пьесу Шекспира, кто-то выбирает современную постановку. Отличительная черта нашего театра – высочайший уровень актеров. Даже если пьеса неизвестна широкому зрителю, его привлекут громкие актерские имена и он пойдет на спектакль в ожидании открытий.

-        Кинопоказы Национального театра становятся все более популярными среди русскоязычной аудитории Чикаго и пригородов. Единственная жалоба, которую я слышу, - недостаточное количество кинотеатров, участвующих в показах. В Чикаго такой кинотеатр только один - “Music Box”. Планируется ли в будущем увеличение числа кинотеатров?

-        Для США у нас сложился тот же подход, который мы испытали в Великобритании. Мы не показываем наши спектакли в крупных голливудских кинотеатрах - предпочитаем работать с более мелкими, независимыми кинотеатрами, имеющими свою аудиторию. К тому же показ спектаклей Национального театра возможен только в кинотеатрах, оснащенных специальной аппаратурой. Мы не пытаемся покрыть сетью кинотеатров всю карту мира. Пока нам достаточно того, что есть. В Великобритании двести пятьдесят кинотеатров участвуют в показах наших спектаклей, в США – пока только сто. Это все вопрос времени.

-        В каком-то штате и одного кинотеатра будет много, а в каком-то и два – мало. Я убежден, что для “большого” Чикаго одного кинотеатра маловато.

-        Мы работаем в этом направлении, хотя, повторяю, мы не стремимся к большому расширению числа кинотеатров.

-        Собираетесь ли вы увеличить количество кинопоказов?

-        Каждый сезон мы показываем примерно шесть спектаклей. Нам кажется, это количество оптимальным.

После окончания интервью пресс-секретарь Национального театра Мэри Паркер устроила мне небольшую экскурсию по зданию. На главной сцене Olivier theatre шли репетиции нового спектакля, но на несколько мгновений Мэри разрешила мне заглянуть в легендарный зал.

Национальный театр - театр репертуарный, спектакли идут довольно долго. Билеты в партер стоят, конечно, дорого, но театр всегда думает о малоимущих. Есть система скидок, возможность купить билеты подешевле. Еще одна отличительная особенность лондонских театров – экскурсии за кулисы. Globe Theatre проводит их каждые полчаса – я расскажу об экскурсии в этот театр в другой раз. Национальный театр организует экскурсии шесть раз каждый день, а в некоторые субботы в театре устраивается Костюмный тур. За два часа экскурсии любителям театра предоставляется уникальная возможность увидеть костюмы, в которых блистали лучшие актеры британской сцены (многие из них упомянуты в этой статье). В программе тура – посещение монтажной и покрасочной комнат, комнаты париков.

В конце экскурсии Мэри поинтересовалась, что сейчас происходит в Steppenwolf Theatre. Чикагскую труппу в Лондоне знают хорошо. В ноябре 2008 года в помещении Национального театра они гастролировали со спектаклем “Август: графство Осейдж” (“August: Osage County”) по пьесе Трейси Леттса.

Часть III. “Мы были счастливы”

“Палочки для коктейля” в Национальном театре

“Палочки для коктейля” (“Cocktail Sticks”) по пьесе Алана Беннетта в постановке Николаса Хитнера - первый спектакль, увиденный мною в Национальном театре. В основе пьесы – детские воспоминания драматурга. Беннетт любит цитировать американскую писательницу Фланнери О’Коннор, сказавшую в книге эссе “Тайны и обычаи”: “Каждый, кто выжил в годы детства, уже имеет достаточно материала, чтобы использовать его всю оставшуюся жизнь”. Это не первое обращение Беннетта к автобиографической прозе. В 1994 году в Англии была опубликована его книга “Описывая дом” (“Writing Home”), через десять лет – “Нерассказанные истории” (“Untold Stories”). Как говорит мама главного героя в спектакле “Палочки для коктейля”: “Ты сделал из меня неплохой сценарий”.

Беннетт родился в городе Лидс в Западном Йоркшире. В сороковых годах XX века этот город своим провинциализмом напоминал деревни прошлого века. Отец автора был мясником, жизнь дома была скучной, одинаковой. Мальчик рано стал проявлять интерес к книгам. Недостаток образования родителей не был помехой. Мама любила поговорить, а маленький Алан в это время читал, рассеянно отвечая. В погоне за образованием Беннетт покинул родительский дом. Он окончил сначала Sidney Sussex College в Кембридже, а потом, после службы в армии, Eveter College в Оксфорде. Сегодня лауреат премий Лоуренса Оливье и “Тони”, драматург Алан Беннетт – автор около двадцати пьес и нескольких десятков сценариев. Несмотря на свой преклонный возраст (ему семьдесят восемь лет), он продолжает активно работать. Сотрудничество с Беннеттом продолжается у Николаса Хитнера более двадцати лет. Их первой совместной работой стал спектакль “Безумие Георга III” (через несколько лет после премьеры Хитнер сделает фильм “Безумие короля Георга”). Всего за эти годы режиссер поставил четыре пьесы Беннетта. Спектакль “Любители истории” в 2005 году принес режиссеру и драматургу премии Лоуренса Оливье. Впрочем, этих фактов биографии автора в спектакле нет. Зато есть цитаты из писем Беннетта родителям, монолог о тарелке на кухне, о первом телевизоре, домашних ужинах, лекарствах и алкоголе. Родители не пили спиртного, но всегда хотели попробовать загадочные напитки, которые подаются с палочкой. Отсюда – название спектакля “Палочки для коктейля”... Беннетт вспоминает забавные фразы родителей, их привычки, убеждения, образ мысли. Из этих коротких сценок складывается мир автора, а как бы ничего не значащие эпизоды помогают создать настроение, которое пронизывает весь спектакль, – настроение любви. “Мы были счастливы”, - говорят о себе герои пьесы.

Родители у Беннетта были добрыми и хорошими. Под стать им получился и спектакль: теплым, домашним, добрым. Три человека, одна семья. Остальное – детали... Как всегда, в Национальном театре великолепно подобраны актеры. В роли Алана Беннетта – Алекс Дженнингс, известный нам по роли Булгакова в недавнем спектакле Хитнера “Сотрудники” (“Collaborators”). Его фильмография занимает несколько страниц, он очень часто снимается в английских сериалах. Дженнингс играл принца Чарльза в фильме Стивена Фрирза “Королева” (“The Queen”, 2006). В роли родителей автора – известные лондонские театральные актеры Габриэла Ллойд и Джефф Рави. В спектакле звучит музыка композитора Джорджа Фентона. Ее исполняют музыканты, сидящие в глубине сцены. Музыка помогает создать особую, камерную атмосферу происходящего.

Часть IV. Три сестры Алана Беннетта

“Люди” в Национальном театре

Спектакль “Палочки для коктейля” начинается в шесть часов вечера и длится один час. После небольшого перерыва в том же Lyttelton theatre показывают еще один спектакль Николаса Хитнера “Люди” (“People”) по новой пьесе Алана Беннетта. Мировая премьера спектакля состоялась в Лондоне 7 ноября 2012 года.

В гостиной обшарпанного загородного дома пятнадцатого века сидят главные действующие лица спектакля: хозяйка дома, накрытая меховым одеялом и в резиновых сапогах обедневшая аристократка Дороти Стакпул (Фрэнсис Де Ла Тур) и ее “потертая” компаньонка (позже выяснится – сестра) Айрис (Линда Бассетт). Вдруг на авансцену выбегает голый мужчина. Занавес падает. Громко слышно, как в доме занимаются любовью...

Так интригующе начинается этот спектакль. Парочка эксцентричных пожилых англичанок живет в Южном Йоркшире в большом особняке, за который становится все труднее и труднее платить. Содержать дом дорого, а продавать не хочется – уж очень уютно чувствуют себя в нем наши героини. Между тем “на ловца и зверь бежит” – пожилым дамам предлагаются на выбор три соблазнительных варианта. Представитель Национального траста (Николя ле Прево) предлагает перевезти дом в другое место, сохранив его в неприкосновенности. Сестра Джун (Селина Каделл) предлагает Дороти другой план, как разбогатеть с помощью дома. Надо только подписать контракт о передаче дома некоему коммерческому предприятию для превращения его в музей. Как говорят представители этого предприятия: “Люди портят вещи”. А по ходу спектакля мы узнаем, что вещей в доме немало: четки Генриха VIII, горшки Редьярда Киплинга, Томаса Харди... Сестры спорят, какой вариант лучше, но тут на горизонте возникает новый персонаж. В гости к ним приходит режиссер по имени Теодор (Питер Иган) с предложением превратить их дом в киностудию для съемок (позже выяснится – порнофильмов). Режиссер узнает в Дороти знаменитую в прошлом фотомодель, Дороти предается сентиментальным воспоминаниям, и в результате в доме на целую неделю поселяется команда киношников... Вот на этом я закончу пересказ содержания спектакля, потому что на бумаге дальнейшее покажется скучным, а на сцене между тем кипит “пир духа”.

“Люди” – замечательный образец классического, традиционного в лучшем значении этого слова театра. Взаимоотношения трех сестер Беннетта забавны, трогательны, остроумны. Чего стоит только великолепный танец Дороти и Айрис, когда они избавляются от надоедливых посетителей и остаются одни. Дороти говорит: “Сегодня, когда мне восемьдесят, я не обязана делать две вещи: говорить правду и носить панталоны”. А на вопрос Джун “Что является самой большой роскошью?” Айрис отвечает: “Центральное отопление”. Наши герои любят друг друга, и, глядя на них, веришь, что все должно закончиться хорошо. И хоть дом превратится в музей, наши старушки будут все так же жить там, а Дороти даже освоит новую профессию - экскурсовода.

Глядя на уморительно смешную парочку старушек, я вспомнил двухлетней давности спектакль “Мышьяк и старинное кружево” по пьесе Джозефа Кессельринга, который мне довелось посмотреть в театре Гатри (Guthrie Theater) в Миннеаполисе (режисер – Джо Даулинг), и не менее очаровательных тетушек Эбби (Кристине Нильсен) и Марту (Салли Уингерт). “Американские” тетушки были настроены гораздо решительнее и проще, чем их йоркширские “коллеги” по несчастью. Для всех назойливых гостей у них есть простой рецепт рябиновой настойки: “На полкило рябины - чайная ложка мышьяка, полчайной ложки стрихнина и щепотку цианистого калия”. С помощью настойки они делают “благое” дело, помогая одиноким бесприютным скитальцам обрести покой. Йоркширские дамы, может быть, тоже не прочь были бы предложить подобную настойку своим гостям, но воспитание не позволяет.

Алан Беннетт рассказывает, что идея пьесы “Люди” родилась у него после посещения Национального траста. Он считает, что во время правления Маргарет Тэтчер в восьмидесятые годы XX века Великобритания сделала ряд неправильных шагов. “Все продавалось, а то, что не продавалось, не имело значения”. Драматург определяет “Люди” как пьесу об Англии и для Англии, но мне кажется, что она в одинаковой степени может быть интересна зрителям в России и США. Беннетт приводит примеры комплекса Merchant War Memorial, который на несколько дней купили банкиры и устроили в историческом здании обычный пикник, и методистской церкви, которую купила корпорация Tesco и превратила в очередной супермаркет. Действительно, снос исторических зданий превратился в последнее время в Англии, особенно в Лондоне, в серьезную проблему. Но разве таких случаев нет в других странах? К тому же, как мне кажется, “сохранение исторического наследия” – это все-таки не главное в спектакле. Главное – это блистательные диалоги, игра актеров, тот самый “драйв”, без которого невозможен успех спектакля. Так что вполне возможно, что скоро мы увидим эту пьесу на московской или чикагской сценах. Ведь драматургия Беннетта хороша тем, что дает возможность актерам проявить себя, что они успешно делают, а режиссер показывает поистине неисчерпаемое воображение, находя для каждой сцены свою “изюминку”.

Три главные женские роли исполняют ведущие актрисы театра. Как они замечательны, с каким упоением, серьезностью, детской непосредственностью создают милые, трогательные образы своих очаровательных персонажей! В роли Дороти - лауреат премии Оливье, английская актриса французского происхождения Фрэнсис Де Ла Тур. В ее активе – порядка сорока главных ролей в Национальном театре и других ведущих театрах Лондона. Совсем недавно актриса снялась в картинах “Гарри Поттер и Дары смерти” и “Хьюго”. Фрэнсис Де Ла Тур с ее вытянутым мрачным лицом как нельзя лучше подходит к роли своей надменной героини, которая отказывается признавать, что ей грозит одинокая старость. В монологе, названном мной “Тоска по Англии”, она достигает правильного сочетания остроумия и простоты, уходя от привычного в таких случаях пафоса.

Гротескно ведет роль Айрис - многострадального спутника Дороти – острохарактерная Линда Бассетт. Она обладает огромным комическим даром и талантом притягивать к себе зрительское внимание. Остальным актерам очень трудно работать, когда на привычном месте в любимом кресле на авансцене появляется вечно занятая вязанием ее героиня.

В роли Джун - властной младшей сестры Дороти – актриса Селина Каделл. Несмотря на огромную занятость в театре и кино она еще занимается педагогической работой, преподает в школе при Королевском оперном театре.

Под стать великолепному женскому трио мужчины спектакля: Майлс Япп (Беван), Николя ле Прево (Ральф), Энди Де Ла Тур (кардинал), Питер Иган (Мистер Теодор).

Отмечу прекрасную работу художника Боба Кроули и дизайнера по свету Джеймса Фаркомбля.

Мне понравился Национальный театр. Понравился своими прекрасными актерами, интересными спектаклями, уютным залом, доброжелательной атмосферой. В дальнейших планах театра – адаптация австралийским драматургом Эндрю Аптоном пьесы Максима Горького “Дети солнца” (премьера – 9 апреля, Lyttelton theatre) и новая постановка “Отелло” с Адрианом Лестером в главной роли (режиссер – Николас Хитнер, премьера намечена на 16 апреля, Olivier theatre). Эти спектакли в кино демонстрироваться не будут, так что единственная возможность их увидеть – побывать в театре. Уверен, вы не пожалеете!

Nota bene! Спектакль Национального театра “Люди” демонстрируется в кинотеатре “Music Box” (Чикаго) 23 апреля в 7.30 pm и 28 апреля в 2.00 pm по адресу: 3733 North Southport Avenue, Chicago, IL 60613. Заказ билетов по телефону 773-871-6604 и на сайте http://www.musicboxtheatre.com. Наиболее полную информацию о спектаклях вы найдете на сайте Национального театра http://www.nationaltheatre.org.uk/.

Билеты на спектакли Лондонского королевского национального театра можно заказать на сайте театра http://www.nationaltheatre.org.uk/, по телефону 020 7452 3000, а также приобрести в кассе по адресу: National Theatre, South Bank, London SE1 9PX.

Фотографии к статье:

Фото 1. Национальный театр. Фото Пола Гринлифа

Фото 2. Николас Хитнер. Фото Шарлотт Макмиллан

Фото 3. Эмма Кейт

Фото 4. Постер “Национальный театр в кино”

Фото 5. Алан Беннетт. Фото Джона Персон

Фото 6-7. Сцены из спектакля “Палочки для коктейля”. Фото пресс-службы Национального театра

Фото 8-10. Сцены из спектакля “Люди”. Фото  пресс-службы Национального театра

 

Broadway in Chicago представляет: “Приключения Присциллы, королевы пустыни”

С 19 марта в Auditorium Theatre идет мюзикл “Приключения Присциллы, королевы пустыни”. Этот мюзикл сделан по одноименному фильму 1994 года и рассказывает о трех друзьях, путешествующих по австралийской пустыне на автобусе под названием “Присцилла” в поисках дружбы, любви и удачи. Как обычно, такие сюжеты всегда заканчиваются благополучно. Вот и в этом случае, друзья находят то, что искали, и даже больше...

Шоу поражает огромным автобусом, который, несмотря на то, что он по сюжету старый, лихо разъезжает по сцене, как какой-нибудь самокат или велосипед. Внутри автобуса находится сцена, а на крыше - танцевальная площадка, на которой происходит самое интересное.

Мюзикл состоит из огромного количества танцевальных номеров. Среди них – такие хиты, как “It's Raining Men”, “Finally”, “Hot stuff”, “Girls Just wanna have fun”, “Go west”, “Pop music” и “I Will Survive”. Нас ждет попурри из популярных эстрадных мелодий разных лет, мы встретимся с талантливыми пародиями на знаменитых певцов второй половины XX века - от Тины Тернер до группы “АВВА”.

В мюзикле более пятисот ярких, красочных костюмов. В 2011 году их создатели получили премию “Тони”.

Мировая премьера “Присциллы...” состоялась в 2006 году в Сиднее. Продюсер мюзикла Гарри Маккуин рассказывает: “Этот мюзикл впервые был поставлен в Австралии. Я с первых минут думал про мировой рынок, но решил сначала создать наилучшее шоу для Австралии. Мы оставили “свободное место” в либретто для местных шуток. Если мюзикл играется в Чикаго, мы можем повесить указатель с названием чикагской улицы, а если в Лос-Анджелесе - надпись “Голливуд”...”. После Австралии мюзикл с успехом шел в Лондоне и Нью-Йорке. В рецензии на мюзикл газета “The New York Times” отмечает: “Спектакль сыгран с блестящим воодушевлением! Сцена, украшенная блестками, цветными огнями, перьями и бахромой, создает незабываемое ощущение праздника”. “The Hollywood Reporter” назвала мюзикл “невероятно смешным и радостным развлечением со сногсшибательными визуальными эффектами”. Ей вторит “New York Post”: “Присцилла”... - королева Бродвея! Хорошее шоу для любителей острых ощущений!”

В ближайшие месяцы чикагские зрители смогут увидеть еще несколько мюзиклов. Среди них - “Поймай меня, если сможешь” (“Catch Me If You Can”, 2-14 апреля, Cadillac Palace Theatre), “Big Fish” (мировая премьера, 2-5 апреля, Oriental Theatre), “Американский идиот” (“American Idiot”, 16-21 апреля, Cadillac Palace Theatre), “Anything Goes” (23 апреля – 5 мая, Cadillac Palace Theatre), “Вестсайдская история” (“West Side Story”, 11-16 июня, Oriental Theatre).

Мюзикл “Приключения Присциллы, королевы пустыни” идет до 30 марта 2013 года. Auditorium Theatre of Roosevelt University, 50 East Congress Parkway, Chicago, IL 60605.

Билеты на все мюзиклы сезона 2012-2013 годов продаются в театральных кассах компании “Broadway in Chicago” (24 West Randolph Street, 151 West Randolph Street, 18 West Monroe Street and 175 East Chestnut), киоске у здания Water Tower Place (845 North Michigan Avenue). Их также можно заказать по телефону 800-775-2000 или на сайтах www.ticketmaster.com и www.broadwayinchicago.com. Групповые скидки (15+) – по телефону 312-977-1710. Подробная информация – на сайте www.BroadwayInChicago.com.

Фотографии к статье:

Фото 1-7. Сцены из мюзикла “Приключения Присциллы, королевы пустыни”. Фото Broadway In Chicago