22 мая 2017 г.

Анжелика Холина: “Я – счастливый человек!” Интервью с режиссером и хореографом

3 июня в кинотеатре Чикаго “Music Box” состоится показ спектакля Московского театра имени Вахтангова “Анна Каренина” (серия StageRussia HD, продюсер – Эдди Аронофф). Хореограф-постановщик спектакля – Анжелика Холина. В эксклюзивном интервью вашему корреспонденту она рассказывает о том, как ей работалось с вахтанговскими актерами, что ей больше всего хочется поставить и почему нужно смотреть все ее спектакли.
Краткая биографическая справка. Анжелика Холина. Хореограф-постановщик. Родилась в Вильнюсе. Училась в Вильнюсской школе балета и Российском институте театрального искусства (ГИТИС). Основатель Театра танца А|CH. Доцент Литовской академии музыки и театра. В репертуаре Театра имени Вахтангова идут четыре спектакля Холиной: “Берег женщин” (2008), “Анна Каренина” (2012), “Отелло” (2013), “Мужчины и женщины, или Сценарии, по которым живут люди” (2015). Как режиссер-хореограф принимала участие в создании спектаклей Римаса Туминаса “Евгений Онегин“ (2013), “Минетти“ (2015) и “Царь Эдип“ (2016).
  • Как в вашей жизни появился театр Вахтангова? С чего все началось?
  • Началось все с того, что восемь лет назад театр Вахтангова возглавил литовский режиссер Римас Туминас. Для меня эта новость была очень приятной. Мы с сестрой как раз приехали в Москву, где я училась. Я решила зайти к нему и попросить показать на вахтанговской сцене спектакли моего литовского Театра танца. Хотела в первую очередь, чтобы их увидели мои педагоги, у которых я училась в ГИТИСе. Я рассказала ему про мою идею, а он сказал: “Да, гастроли возможны, но сначала поставьте у нас спектакль”. Так возник “Берег женщин” на песни Марлен Дитрих – первый танцевальный спектакль на сцене театра Вахтангова, сделанный силами драматических актеров, и первый спектакль, поставленный при Туминасе. После успеха Туминас предложил “Анну Каренину”. Этот спектакль я поставила впервые в 2010 году в Вильнюсе. Туминас приходил на премьеру. Там танцевали актеры его Малого театра, женские роли исполняли балерины, мужские – драматические актеры. Туминас предложил перенести этот спектакль на сцену театра Вахтангова, попросив сделать его “более развернутым”. Я придумала более масштабный и академический вариант.
  • В какой степени этот “масштабный и академический вариант” повторяет ваш вильнюсский спектакль семилетней давности?
  • Структура спектакля неизменна, только некоторые движения и комбинации внутри другие, потому что кроме образов героев я всегда отталкиваюсь от артистов, с которыми работаю. Своей “физикой“, своими возможностями они диктуют мне варианты выразительных средств. Мне интересно лепить образы, помогать драматическим актерам превращаться в танцоров. В моих спектаклях они делают сложнейшие па, не имея при этом школы, но в итоге танцуют, как будто являются профессиональными танцорами. На роль Анны я взяла Ольгу Лерман и вытащила из нее все, что она может и не может.
  • Да, но Ольга все-таки училась в Хореографическом училище. А как вы работали с вахтанговскими актерами, которые никогда в жизни не танцевали? Например, с Князевым – драматическим актером, никогда не работавшим в такой стилистике?
  • Ольга училась хореографии, но пять лет после окончания училища она не танцевала и никогда не думала, что когда-нибудь ей придется это делать. Навыков у нее больше, чем у других, но пришлось немало поработать. Рост у нее небольшой, надо было сделать высокую, выразительную фигуру, придумать все переходы, которые очень важны в танце... Русские актеры имеют две хорошие черты – они любопытные и смелые. Я понимала, что Князев не хотел оказаться в каком-то неловком положении. Ему надо было проверить, что я ему предложу. Я не ждала от него пируэтов и поддержек. У него есть другие выразительные средства: фигура, стать, руки, взгляд. Все это я использовала, и родился Каренин, которого он принял.
  • Принял и сам увлекся...
  • Еще как! Он до сих пор эту роль играет с большим удовольствием и никому не отдает. Она его держит в форме, в тонусе. Как говорила прекрасная Ирина Купченко, мой жанр хореографического спектакля гораздо выразительнее драматического театра. Этот жанр близок к кино. Актеры должны передавать все эмоции, всю палитру чувств без слов, а только глазами, позами, движениями. Поэтому у актеров, которые успешны в кино, особенно хорошо получаются роли в моих спектаклях.
  • В одном из интервью вы сказали, что “Анна Каренина” - спектакль о тоске по любви. Как вам кажется, возможен ли был другой финал романа?
  • Все мои спектакли – о тоске по любви. Я снова и снова обращаюсь и препарирую это сложное чувство сама для себя... Мне кажется, исход мог быть только один. Трагедия была предопределена - жаль, но невозможно сопротивляться разрушительной силе человеческого эгоизма...
  • Одной из самых удачных находок в спектакле стала музыка Шнитке. Как у вас возникла идея совместить, казалось бы, несовместимое: Шнитке и Толстого?
  • Я сама до сих пор не понимаю, как это получилось. Музыка пришла ко мне сама. Я послушала фрагмент из Кончерто гроссо Шнитке, представила себе дуэтную сцену, и музыка стала “плыть” ко мне. Большая удача, что я смогла из произведений одного композитора найти все сцены в музыке, которые нужны мне по сюжету. Музыка Шнитке - музыка гения... Меня спрашивают, как рождается спектакль? Не знаю. Все приходит само собой. Так и с музыкой. Я ее собрала за полторы недели.
  • Вы не можете объяснить, как рождается спектакль. А как рождается хореография? Приходя на сцену, у вас в голове уже есть какие-то движения или вы идете методом проб и ошибок, работая на сцене с исполнителями?
  • По-разному. Я никогда не готовлюсь к репетициям, но знаю, о чем хочу поговорить в сцене, которую мы должны репетировать. Когда я беру конкретный материал, я стараюсь раскрыть автора, а не себя, пытаюсь донести его взгляды и идеи.
  • От замысла до воплощения – дистанция какого размера? Первые наброски сильно отличаются от окончательного варианта?
  • Нет. Я все делаю сразу, без экспериментов. Актерам нужно очень точно и хорошо показать. Если буду менять, искать, то они растеряются и вообще не зафиксируют комбинации. Я знаю эту специфику и поэтому ставлю сразу. И сама я не люблю долгих поисков. Ты должен очень хорошо знать, чего хочешь. Я всегда это знаю.
  • После премьеры вы вносите какие-то изменения в спектакль, или он все время идет в первоначальном варианте?
  • Редко... Бывает, я вношу минимальные изменения, которые могут принести что-то существенное в готовый вариант. Дорабатываю то, что уже поставлено. Я дожидаюсь того момента, когда актеры обживают полностью спектакль. Где-то год еще надо быть рядом и репетировать, пока они не почувствуют спектакль своим. Тогда я уже могу их оставить.
  • Премьера Анны Карениной состоялась в 2012 году. Сейчас, глядя на спектакль из 2017 года, вы бы что-нибудь изменили в нем?
  • Нет, он спокойно живет в форме, в какой был поставлен, и ничего не просит.
  • Хореография имеет границы? Все ли произведения литературы можно поставить этим языком?
  • Нет, мне кажется, все поставить этим языком нельзя. Не все произведения поддаются именно этому жанру. Сложно прыгать через время. История должна быть рассказана, как сказка: “жили-были“, “произошло это“, “случилось то“...
  • Вы ставите хореографические спектакли, балеты, оперы, мюзиклы. Какой жанр вы считаете наиболее комфортным для себя?
  • Все жанры, кроме тех, в которых я себя еще не пробовала. На будущее я оставляю постановку драматического спектакля.
  • Правда, что при создании вашего Театра танца за основу вы взяли образец Вуппертальского театра танца Пины Бауш?
  • Нет, конечно. Зачем мне другие примеры, если у меня свой мир? Я никогда не создавала себе кумиров. Мой отец всегда говорил мне: “Никогда не смотри на других. Делай все сама”. Я так и делала. Я есть я. И все. Точка. Я отвечаю за каждое движение, дыхание, каждую сцену, за все, что создано в моих спектаклях. Мне не нужно никаких вдохновений со стороны. Я работала так всю жизнь. У меня нет одного стиля. Мои спектакли стилистически все очень разные. Стиль спектаклю диктует тема. Если бы вы посмотрели мои другие спектакли, вам бы показалось, что их ставил другой человек.
  • Вы приглашаете балетмейстеров со стороны или работаете только сами?
  • Я пробовала приглашать других хореографов, но столкнулась с тем, что мой авторский театр интересней литовской публике, нежели спектакли приглашенных режиссеров. Наверное, в своем театре я должна ставить сама.
  • Это только танцевальный театр?
  • Я свой театр создала в 2000 году, после пяти лет работы приглашенным хореографом в других театрах. Я соединяла в своих спектаклях людей разных профессий. Этого раньше в Литве не было никогда. Тогда я свой театр назвала Театром танца, хотя, говоря о моих спектаклях, лучше не искать названия. Я люблю живой театр и стараюсь, чтобы мой театр был именно таким – ЖИВЫМ! Я хочу, чтобы человек пришел в зрительный зал, сел на свое место и его бы захватила магия театра, чтобы он чувствовал правду о жизни со сцены и чтобы эта правда его волновала. Я хочу своими постановками попасть в душу человека.
  • Когда у вас появился интерес к балету?
  • Сколько я себя помню, я всегда была уверена в профессии хореографа. В четыре года отец отвел меня в балетный кружок. Все, чему я там училась, я переносила в детский сад. В пять-шесть лет ставила на елке танцы гномиков и снежинок. Учась в балетной школе, я тоже ставила балетные номера. В девятнадцать лет меня приняли в ГИТИС, хотя по правилам я должна была иметь пять лет стажа артистки балета... Я все время была в профессии. Профессия выбрала меня. Я считаю, что мне очень повезло. Я живу, как на каком-то курорте, в гармонии с собой, миром и тем, что я делаю.
  • Если бы вам дали идеальные условия, кучу денег, площадку и сказали поставить все, что вы пожелаете, каким был бы ваш спектакль? По какому произведению?
  • Я бы сделала открытие Олимпиады.
  • Неожиданный ответ!
  • Да. Сама. Одна... Я просто люблю масштаб! Наверное, поэтому мне очень нравится ставить оперы, потому что в них можно соединять грандиозность музыки и огромные составы артистов. Опера предполагает большие пространства. Поэтому, если вы спрашиваете про что-то особенное, то это церемония открытия Олимпиады.
  • Вы видели киноверсию Анны Карениной?
  • Пока нет, но очень бы хотела посмотреть. Мне говорили, что все очень хорошо, красиво и драматургически точно снято.
  • Я могу это подтвердить. Как вам кажется, насколько киноверсии отражают замысел художника, или все-таки многое теряется при переносе спектакля со сцены на экран?
  • Конечно, спектакль имеет драматургию. Если он выразительный, умный, глубокий, то с какого ракурса не снимай, все равно проявится то самое зерно, которое в нем заложено. Я никогда не боюсь отдавать спектакли на запись для кино или телевидения.
  • Если продюсер проекта Stage Russia Эдди Аронофф скажет, что хочет еще какой-нибудь ваш спектакль показать в кино, какой будет ваш ответ?
  • Пожалуйста. Подходят все! Они все “полнометражные”, можно снимать все.
  • В настоящее время в репертуаре Вахтанговского театра идут четыре ваших спектакля. А с Римасом Туминасом вы работаете и на стороне. В прошлом году поставили с ним “Катерину Измайлову“ в Большом театре. То есть на своем театре не замыкаетесь? Открыты к сотрудничеству?
  • Да, конечно, мне интересно все, и я могу все. Мой график расписан надолго, но я люблю оставлять в нем “окна“ для того, что может “упасть с неба“, то есть для какой-то неожиданной и интересной работы.
  • 3 июня в Чикаго будет показ “Анны Карениной“. Представьте, что вы выходите к зрителям и представляете спектакль. Что вы скажете перед открытием занавеса?
  • Ничего. Не люблю отнимать у людей их собственные впечатления. Не люблю настраивать, объяснять. Ничего не скажу... Кстати, в следующем году в Чикаго планируются гастроли моего мюзикла “Легенда о любви Барбары Радвилайте и Сигизмунда Августа”.
  • Отличная новость. Жду с нетерпением!.. Хорошо, до спектакля вы ничего не скажете. А после? Если после спектакля к вам подойдут зрители, чтобы обсудить увиденное?
  • Я не против, но чаще всего зрители пребывают в шоке. Настоящее обсуждение происходит примерно через час... Почему-то так бывает.
  • В конце интервью я обычно спрашиваю у своих героев, не хотят ли они что-нибудь добавить из того, о чем я не спросил. Спрошу об этом и у вас.
  • Напишите, что я очень счастливый человек. И все. Больше ничего не надо.
Nota bene! Спектакль “Анна Каренина” демонстрируется 3 июня в 11.30 am в помещении Music Box Theatre по адресу: 3733 North SouthportAvenueChicagoIL 60613Справки - по телефону 773-871-6604. Заказ билетов – на сайте https://www.musicboxtheatre.com/order/add-tickets/10463. Все новости о проекте “Stage Russia HD - на сайте http://www.stagerussia.com/.
Фотографии к статье:
Фото 1-2. Анжелика Холина. Фото – Паулюс Гасюнас
Фото 3. Анжелика Холина. Фото из личного архива А.Холиной
Фото 4. Анжелика Холина – Кармен. Фото из личного архива А.Холиной

21 мая 2017 г.

VII Международный фестиваль камерной музыки (2017 North Shore Chamber Music Festival)

С 7 по 10 июня в Норсбруке (Northbrook, пригород Чикаго) состоится Седьмой международный фестиваль камерной музыки (North Shore Chamber Music Festival). Фестиваль был создан в 2011 году по инициативе скрипача-виртуоза Вадима Глузмана (он является художественным руководителем фестиваля) и его жены, пианистки Анжелы Иоффе (она занимает пост исполнительного директора). За прошедшие годы фестиваль превратился в крупное культурное событие не только для Чикаго и пригородов, но и для всего Среднего Запада.
Газета Chicago Tribune назвала фестиваль “большим международным событием”, а Chicago Classical Review - “событием, которое нельзя пропустить”. В течение первых пяти лет концерты фестиваля посетили более шести тысяч пятисот человек из Чикаго и пригородов.
На V фестивале в 2015 году был основан Фонд имени Аркадия Фомина (Arkady Fomin Scholarship Fund) - замечательного музыканта, художественного руководителя Новой консерватории в Далласе и Conservatory Music в Дуранго (Колорадо), основателя проходящего в Колорадо Горного фестиваля (Mountains Festival). Фомин был педагогом Вадима Глузмана. Вадим отзывается о нем с неизменной теплотой и уважением. Задача фонда – поддержка молодых дарований. Вадим говорит: “Мы предоставляем юным музыкантам стипендии, они получают возможность поработать с опытными солистами”. В фестивале 2015 года приняли участие тринадцатилетние скрипачки Маша Лакисова и Элли Чой (Haag/Galvin Young Artists). С более старшими коллегами-музыкантами они с блеском исполнили “Времена года” и Концерт для четырех скрипок Антонио Вивальди. Лауреат Фонда 2016 года - виолончелист Даниэль Калер. Он родился в Вилметте, закончил New Trier High School. В 2006 году участвовал в программе “America's Got Talent” на канале NBC. В настоящее время учится в Институте музыки в Кливленде.
Лауреат Фонда имени Фомина 2017 года - семнадцатилетний скрипач Джошуа Браун. Он завоевал уже несколько международных премий, в том числе Приз зрительских симпатий на IX Международном конкурсе Чайковского для молодых музыкантов. В настоящее время Джошуа учится в Музыкальном институте Чикаго у педагогов Алмиты и Роландо Вамос.
В этом году на фестивале дебютируют Струнный квартет ”Escher” (Нью-Йорк) и Камерный оркестр ProMusica (Колумбус, Огайо) под управлением музыкального руководителя, австрийского маэстро Давида Данцмайра. Недавно он занял пост главного дирижера Загребского филармонического оркестра. В Чикаго дирижера хорошо знают: он дирижировал Civic Orchestra, несколько лет был музыкальным руководителем Иллинойского филармонического оркестра.
В концертах фестиваля участвуют музыканты Чикагского симфонического оркестра, концертмейстеры секций контрабасов и фаготов Александр Ханна и Кайт Банке.
От признанных классических шедевров Моцарта, Бетховена, Брамса до музыки Стравинского, редко исполняемого произведения чешского композитора Вилема Тауски и мировой премьеры трио Адама Неймана - первого произведения, написанного по заказу фестиваля, - предстоящий фестиваль будет интересен как знающим меломанам, так и неискушенным любителям музыки. Перед вами – некоторые подробности предстоящих концертов.
7 июня, 7.30 pm. Концерт открытия фестиваля называется “История солдата”. В программе: Первый струнный квартет Л.ван Бетховена (исполнители: Струнный квартет ”Escher” в составе: Адам Барнетт-Харт, скрипка; Аарон Бойд, скрипка; Пьер Лапойнт, альт; Брук Спелтц, виолончель), “История солдата” И.Стравинского (исполнители: Вадим Глузман, скрипка; Александр Ханна, контрабас; Илья Штеренберг, кларнет; Кайт Банке, фагот; Калеб Хадсон, труба; Шахар Исраэль, тромбон; Синтия Йе, перкуссин; Генри Фогель, ведущий; Рей Фривен, Черт; Давид Данцмайр, дирижер).
“История солдата” Игоря Стравинского - “сказка о беглом солдате и черте, читаемая, играемая и танцуемая, в двух частях, для чтеца, двух артистов (Солдат и Черт), мимической роли (Принцесса), кларнета, фагота, тромбона, ударных, скрипки и контрабаса”. В основе произведения - русская народная сказка из сборника Афанасьева, переложенная либреттистом Шарлем Рамю. В “Диалогах” Стравинского читаем: “Сюжет я обнаружил в одной из сказок Афанасьева о солдате и черте... Афанасьев собрал свои рассказы среди крестьян-рекрутов русско-турецкой войны. Однако мой замысел состоял в том, чтобы отнести нашу пьесу к любой эпохе, ко многим национальностям и ни к одной в отдельности... Названия местности также были вымышлены, они должны были меняться в зависимости от места, где давался спектакль. Я по-прежнему поощряю постановщиков в придании спектаклю локального колорита...”
Стравинский сочинил “Историю солдата” в 1918 году, обозначив переход от балетной к театральной фазе своего творчества. Этот переход композитору пришлось сделать не по своей воле. Как говорится, не было бы счастья, да несчастье помогло. Спасаясь от большевиков, Стравинский приехал в Швейцарию, где и воплотил свой замысел. Он рассчитывал ездить с представлением по деревням и показать его по всей Швейцарии, однако вскоре после премьеры в Европе вспыхнула эпидемия испанского гриппа. Стравинский заболел, и гастроли по стране отменились.
На репетициях “Истории солдата” Стравинский вновь встретился со швейцарским дирижером Эрнестом Ансерме. Именно по рекомендации композитора в 1915 году Ансерме стал главным дирижером Русского балета Дягилева и гастролировал с ним во многих странах мира. В будущем он часто оказывался первым исполнителем произведений Стравинского. Премьера “Истории солдата” состоялась в Лозанне 28 сентября 1918 года.
Замечательна музыка Игоря Стравинского! Обыгрывание русских народных песен и мелодий объединяется в “Истории...” с маршем, вальсом, танго, фокстротом, регтаймом и... джазом. Стравинский был под впечатлением новой необычной музыки. Он писал: “Джаз означал совершенно новое звучание моей музыки, и “История солдата” отмечает окончательный разрыв с русской оркестровой школой, на которой я был воспитан...”
В Чикаго “История солдата” исполнялась на фестивале в Равинии в 2009 году вместе с пьесой Курта Вайля и Бертольта Брехта “Зонгшпиль Махагони”. Мы увидели настоящий драматический спектакль, в котором “солировал” камерный ансамбль Чикагского симфонического оркестра под управлением тогдашнего музыкального руководителя фестиваля Джеймса Конлона. Уверен, новое исполнение “Истории солдата” будет не менее захватывающим.

9 июня, 6.00 pm. “Новое поколение” представляет... Концерт музыкантов Betty Haag Academy of Music, Roosevelt University и лауреата Фонда Фомина 2017 года Джошуа Брауна. Вход свободный для обладателей билетов на концерт в 7.30 pm.
июня, 7.30 pm. Концерт называется “Brahms - the Philosopher, the Gypsy”. В программе: Квинтет си минор И.Брамса для кларнета (Илья Штеренберг, кларнет; Струнный квартет “Escher”), мировая премьера Трио для скрипки, кларнета и фортепиано Адама Неймана (Вадим Глузман, скрипка; Илья Штеренберг, кларнет; Анжела Иоффе, фортепиано), Фортепианный квартет соль минор И.Брамса (Адам Нейман, фортепиано; Вадим Глузман, скрипка; Пол Нойбауэр, альт; Брук Спелц, виолончель). Финал этого квартета “Rondo alla Zingara“ - Цыганское рондо - никого не оставит равнодушным. Вечер завершится исполнением традиционной цыганской музыки.
10 июня, 6.00 pm. Беседа со зрителями “Мир музыки - вчера и сегодня”. В беседе принимают участие бывший президент ЧСО (он занимал этот пост на протяжении восемнадцати лет) и Лиги американских оркестров, декан, профессор Roosevelt University Генри Фогель, художественный руководитель фестиваля Вадим Глузман и Director of Artistic Planning, Orpheus Chamber Orchestra (Нью-Йорк) Майкл Волперт. Вход свободный для обладателей билетов на концерт в 7.30 pm.
10 июня, 7.30 pm. Финальный концерт фестиваля “A Mostly Mozart Gala”. В программе: Рондо для скрипки и оркестра до мажор В.А.Моцарта (Джошуа Браун, скрипка; камерный оркестр ProMusica, Давид Данцмайр, дирижер), Двадцать девятая симфония В.А.Моцарта ля мажор (камерный оркестр ProMusica, Давид Данцмайр, дирижер), “Ковентри: медитация для струнных” Вилема Тауски (камерный оркестр ProMusica, Давид Данцмайр, дирижер), Концертная симфония ми бемоль мажор В.А.Моцарта (Вадим Глузман, скрипка; Пол Нойбауэр, альт; камерный оркестр ProMusica, Давид Данцмайр, дирижер).
Как это было и в прошлые годы, фестиваль заново открывает забытые имена и произведения. “Изюминкой” этого концерта станет пьеса “Ковентри: медитация для струнных” чешского композитора Вилема Тауски (1910-2004). Ковентри - город в Великобритании, в 1940 году переживший серию бомбардировок со стороны фашистской Германии. Погибли сотни горожан, тысячи семей остались без крова. Разрушения оказались настолько огромными, что немецкий язык вскоре пополнился глаголом “кoventrieren“ - “сравнять с землей“, а черная страница в истории города вошла в историю под названием “Ковентри-блиц“.
Вилем Тауски лично пережил последствия блицкрига в Ковентри. Он родился и вырос в Чехии, работал в Опере Брно и в возрасте девятнадцати лет уже дирижировал “Турандот“. Спасаясь от нацистов, композитор бежал в 1939 году сначала в Париж, а затем в Великобританию, где записался добровольцем в Армию Чехии в изгнании. На следующий день после воздушного налета на Ковентри он с отрядом солдат прибыл в этот город, чтобы расчистить завалы и помочь выжившим. Мужество людей вдохновили Тауски написать “Медитацию...“. Позднее он скажет: “Нас послали в Ковентри, но города не было. Мы увидели только стоящую на ночном небе башню старого собора. С лежащими телами и пылающим огнем башня высилась, как символ надежды“.
Произведение “Ковентри: медитация для струнных” было написано Тауски в 1941 году для струнного квартета и впервые исполнено во время традиционных дневных концертов в Национальной галерее Лондона. В Ковентри премьера сочинения состоялась 11 ноября 2000 года на концерте в честь Дня памяти павших в исполнении Квартета Мартину (Martinu Quartet). Позже Тауски аранжировал это сочинение для струнного оркестра. Премьера новой версии прозвучала в исполнении Камерного оркестра Северной Богемии в чешском городе Усти-над-Лабем. Именно эту версию мы услышим на фестивале.
Nota bene! Концерты VII Международного музыкального фестиваля камерной музыки пройдут 7, 9 и 10 июня в помещении Village PresbyterianChurch по адресу: 1300 Shermer RoadNorthbrookIL 60062. $30-$50/$15 для студентов, скидка 20% для пожилых людей. Билеты можно приобрести по телефону 847-370-3984, электронной почте office@nscmf.org, почте (North Shore Chamber Music FestivalP.OBox 85, NorthbrookIL 60065) и на сайте www.nscmf.org, на котором вы также найдете подробную информацию об истории создания фестиваля и предстоящих концертах. Встретимся на фестивале!
Фотографии к статье:
Фото 1. ЛОГО фестиваля
Фото 2-6. Вадим Глузман. Фото – Марко Борггрев
Фото 7. Вадим Глузман и Анжела Иоффе. Фото – Леонард Бельский 
Фото 8. Анжела Иоффе. Фото - Леонард Бельский
Фото 9. На концерте фестиваля. Фото - Леонард Бельский

20 мая 2017 г.

Новая сцена, новые трактовки Шекспира и Беккета в новом сезоне Чикагского шекспировского театра

В прошлом выпуске Театрального обозрения я рассказал о спектаклях юбилейного, тридцатого сезона Чикагского шекспировского театра. Сегодня поговорим о новом, тридцать первом сезоне. По словам художественного руководителя театра Барбары Гейнс и исполнительного директора Криса Хендерсона, сезон пройдет под знаком запланированного на сентябрь открытия третьей сцены (The Yard at Chicago Shakespeare). Это - достижение, которым не может похвастаться ни один другой театр в Чикаго. Теперь на трех сценах театра могут одновременно показываться представления разной формы: от широкомасштабных до камерных. Новая сцена строится с учетом новейших достижений технической мысли: все крутится, поворачивается, все напичкано электроникой. Как сказал на пресс-конференции Хендерсон: “Единственная в своем роде сцена с точки зрения гибкости”. Зал может вместить от ста пятидесяти до восьмисот пятидесяти (!) зрителей. Размеры варьируются с учетом требований режиссера и размеров сцены. Как ожидается, новая сцена позволит театру показывать множество международных постановок со всего мира. На фотографиях все выглядит очень привлекательно. Осталось подождать открытия.
Первым спектаклем на новой сцене (19-23 сентября 2017 года, The Yard at Chicago Shakespeare) станет представление The Toad Knew“ компании La Compagnie du Hanneton“ (Франция) по пьесе и в постановке актера, акробата, внука Чарли Чаплина Джеймса Тьерре. В 2005 году он гастролировал на сцене Шекспировского театра со спектаклем “Сияющая пропасть” (“Bright Abyss), в 2007 году в Чикаго прошла американская премьера его представления “Прощай, зонтик” (“Farewell Umbrella“). Спустя десять лет мы в третий раз встретимся с Тьерре. Премьера спектакля “The Toad Knew“ состоялась на Эдинбургском театральном фестивале в 2016 году. Спектакль идет в рамках серии Мировая сцена (World’s Stage series).
Вот какие постановки мы увидим в сезоне 2017-18 годов:
“Ромео и Джульетта“ (“Romeo and Juliet“) У.Шекспира - семидесятипятиминутный спектакль в ставшей уже традиционной летней серии “ChicagoShakespeare in the Parks”. В июле-августе постановку увидят в более чем тридцати парках Чикаго. Вход свободный. Автор адаптации и режиссер-постановщик - Марти Лайонс;
“Укрощение строптивой“ (“The Taming of the Shrew“) У.Шекспира (дополнительные диалоги - Рон Вест) в постановке Барбары Гейнс (16 сентября - 12 ноября 2017 года, Courtyard Theater). Все роли в спектакле исполняют женщины. Шекспировский сюжет Гейнс описывает как выступление группы суфражисток в 1919 году, накануне принятия девятнадцатой поправки к Конституции США;
“Красный бархат“ (“Red Velvet“) по пьесе Лолиты Чакрабарти в постановке Гэри Гриффина (1 декабря 2017 года - 21 января 2018 года, CourtyardTheater). Спектакль рассказывает реальную историю афроамериканского актера Айры Олдриджа. В 1833 году он вышел на театральную сцену Лондона в роли Отелло, став первым в истории черным исполнителем этой роли;
Сон в летнюю ночь (“A Midsummer Night's Dream“) - короткая адаптированная версия комедии У.Шекспира в ежегодной серии Short Shakespeare! (24 января - 10 марта 2018 года, The Yard at Chicago Shakespeare);
“Мария Стюарт“ (“Mary Stuart“) по пьесе Ф.Шиллера (новая версия Питера Освальда) в постановке бывшего художественного руководителя The Actors Company Theater Дженн Томпсон (21 февраля - 15 апреля 2018 года, Courtyard Theater);
“Макбет“ (“Macbeth“) по пьесе У.Шекспира в адаптации и постановке Аарона Познера и Теллера (25 апреля - 24 июня 2018 года, The Yard at ChicagoShakespeare). Этот дуэт знаком театралам по спектаклю Буря в Шекспировском театре в сезоне 2015-16 годов.
Еще один спектакль в рамках серии Мировая сцена (World’s Stage series) - В ожидании Годо по пьесе С.Беккета в постановке Гарри Хайнса из ирландского Druid Theatre (23 мая - 3 июня 2018 года, Courtyard Theater). Подобно Джеймсу Тьерре, мы третий раз встречаемся с этим театром. До этого в Чикаго труппа гастролировала со спектаклями “The Walworth Farce“ (сезон 2009-10 годов) и “The Cripple of Inishmaan“ (сезон 2011-12 годов).
Осенью 2017 года в Чикаго состоится Международный латиноамериканский театральный фестиваль (International Latino Theater Festival). Чикагский шекспировский театр проводит его в сотрудничестве с Chicago Latino Theater Alliance (CLATA), National Museum of Mexican Art, Puerto Rican Arts Alliance и International Cultural CenterСпектакли пройдут на малой сцене театра (Upstairs at Chicago Shakespeare). Участники фестиваля будут объявлены позднее.
Nota bene! Все спектакли идут в помещении Чикагского шекспировского театра (Chicago Shakespeare Theater) по адресу: 800 East GrandAvenueChicagoIL 60611.  Билеты на спектакли сезона 2016-17 годов, а также абонементы на спектакли сезона 2017-18 годов - на сайте http://www.chicagoshakes.com/, по телефону 312-595-5600 или в кассе театра. На групповые заказы предусмотрены скидки. Не забудьте в кассе театра поставить штамп на билете паркинга на “Navy Pier”. В этом случае вы получите сорокапроцентную скидку.
Фотографии к статье:
Фото 1-2. The Yard at Chicago Shakespeare. Фото - Chicago Shakespeare Theatre
Фото 3. Постер к спектаклю “Мадагаскар”

17 мая 2017 г.

Goodman Theatre представляет: “Памплона” (“Pamplona“)

Мировой премьерой спектакля Памплона (Pamplona“) по одноименной пьесе Джима Макграта старейший театр Чикаго GoodmanTheatre завершает девяносто первый сезон, а режиссер Роберт Фоллс этой постановкой заканчивает свой тридцатый сезон в должности художественного руководителя.
Спектакль рассказывает о нескольких эпизодах из жизни Эрнеста Хемингуэя после получения писателем своих главных наград: Пулитцеровской (1953 год) и Нобелевской (1954 год) премий. Казалось, к нему пришли слава и всемирное признание. Однако сам Хемингуэй непременно говорил, что его лучшее произведение еще впереди. Пять лет спустя после получения Нобелевской премии, запертый в отеле Памплоны (название пьесы - город в Испании, столица автономной области Наварра), он пишет историю о соперничающих матадорах, пишет новый вариант своей “Фиесты“. Но его настоящие битвы лежат вне арены для боя быков. Измученный ухудшающимся состоянием здоровья, четвертым браком и призраком прошлой славы, он должен победить своих главных врагов - отчаяние и депрессию...
В роли Эрнеста Хемингуэя - блестящий американский актер Стейси Кич, знаменитый король Лир из постановки Фоллса десятилетней давности. Кроме “Короля Лира“ (сезон 2006-07 годов), Кич играл в спектакле Фоллса “Заканчивая картину“ по последней пьесе А.Миллера (сезон 2004-05 годов).
Роберт Фоллс говорит: “Для меня большая честь снова работать со Стейси в спектакле об одном из наших самых харизматичных и сложных литературных титанов в родном для писателя Чикаго. Стейси - ненасытный читатель, и Хемингуэй увлек его надолго. Актер получил возможность глубоко погрузиться в характер писателя и показать все линии поведения этого беспокойного художника и удивительного человека - отца, мужа, любовника, военного корреспондента, авантюриста...“.
Кич второй раз обращается к образу Хемингуэя. За роль писателя в телевизионном минисериале в 1988 году актер был удостоен премий “Золотой глобус“ и “Эмми“. Актре признается: “Мое увлечение Хемингуэем началось, когда я был студентом Калифорнийского университета в Беркли. Я прочел первый сборник рассказов писателя “В наше время“. Мне казалось, что автор находится в моей голове, выражает себя словами и настроениями, которые отражают мои чувства. Я стал читать все, что он написал. Когда я играл его в восьмидесятых, я был несколько напуган. Я чувствовал себя слишком молодым, чтобы в полной мере оценить эмоциональную составляющую писателя. Вот почему я так взволнован перед тем, как вернуться к образу этого литературного гиганта сейчас, в “правильном возрасте“. Меня радует возможность снова поработать с Бобом, с которым я сотрудничал дважды, и сыграть в Goodman Theatre - так близко к тому месту, где родился и вырос Хемингуэй“.
Напомню, что Эрнест Хемингуэй родился и вырос в пригороде Чикаго Оук-Парк (Oak Park). Он учился в Oak Park and River Forest High School, после окончания которой переехал в Канзас-Сити (штат Миссури).
Недавно были объявлены подробности нового, девяносто второго сезона театра. В нем восемь спектаклей:
“Вид с моста“ (“View from the Bridge“) по пьесе А.Миллера 1955 года в постановке голландского режиссера Иво ван Хове (9 сентября - 15 октября 2017 года, Albert Theatre, премьера в Чикаго). Постановка театра Young Vic (Лондон) получила две премии “Тони”: за лучшие режиссуру и возобновление. После аншлагов на Вест-энде и Бродвее спектакль, прошедший в серии “National Theatre Live”, приходит в Чикаго. Совсем недавно мы видели новую работу ван Хове – спектакль Королевского национального театра (Лондон) “Гедда Габлер” по пьесе Г.Ибсена. О режиссере Иво ван Хове заговорили после Авиньонского театрального фестиваля 2008 года в связи с премьерой его “Римских трагедий” - шестичасовой инсценировки трех шекспировских пьес: “Кориолан”, “Юлий Цезарь”, “Антоний и Клеопатра”. А я впервые познакомился с творчеством режиссера на Фестивале драматургии Юджина О’Нила в театре “Гудман” в январе-феврале 2009 года. Труппа из Амстердама “Toneelgroep” представляла его спектакль “Траур – участь Электры”. Режиссер приезжал в Чикаго и вместе с Робертом Фоллсом участвовал в дискуссии о творчестве Юджина О’Нила;
Yasminas Necklace по пьесе Рохины Малик в постановке Энн Филмер (20 октября - 19 ноября 2017 года, Owen Theatre). История о беженцах из Ирака, религиозной идентификации и любви, сметающей все на своем пути;
Blind Date по пьесе Роджелио Мартинес в постановке Роберта Фоллса (20 января - 25 февраля 2018 года, Albert Theatre, мировая премьера). Новый взгляд на историческую встречу Рейгана и Горбачева, положившую начало переменам в отношениях между США и СССР;
The Wolves по пьесе Сары Делаппе в постановке Ванессы Сталлинг (9 февраля – 11 марта 2018 года, Owen Theatre, премьера в Чикаго). Девять девочек-подростков – членов футбольной команды “Волки” – вместе тренируются, дружат, спорят, обсуждают актуальные проблемы;
Враг народа (“An Enemy of the People”) по пьесе Г.Ибсена 1882 года в постановке Роберта Фоллса (10 марта - 15 апреля 2018 года, Albert Theatre). Современная трактовка одного из лучших образцов классической драматургии;
Having Our SayThe Delany Sisters’ First 100 Years по пьесе Эмили Манн (театральная инсценировка книги Сары и Элизабет Делани при участии Эми Хилл Херт) в постановке Чака Смита (5 мая - 10 июня 2018 года, Albert Theatre). История сестер, каждая из которых готовится отметить столетний юбилей и вспоминает свою жизнь;
Father Comes Home From the Wars (Parts 1, 2 & 3) по пьесе лауреата Пулитцеровской премии Сюзан-Лори Паркс в постановке художественного руководителя нью-йоркского Flea Theater Нигел Смит (25 мая – 24 июня 2018 года, Owen Theatre, премьера в Чикаго). Историческая драма времен войны Севера и Юга кажется сегодня снова актуальной;
Support Group for Men по пьесе Эллен Фейри в постановке Кимберли Синьор (23 июня - 29 июля 2018 года, Albert Theatre, мировая премьера). Злободневная комедия с “чикагским привкусом”.
Кроме этого, с 20 сентября до 8 октября в театре пройдет XIV Фестиваль современной драматургии (New Stages Festival), на котором будут представлены шесть новых пьес (три постановки в развитии и три читки).
Два спектакля пройдут вне рамок основного сезона.
Спектакль Until the Flood” по пьесе Дейла Орландерсмита в постановке Нила Келлера (27 апреля - 13 мая 2018 года, Owen Theatre, премьера в Чикаго) - рассказ о трагедии, случившейся в 2014 году в городе Фергюсон (штат Миссури). Напомню, тогда полицейский открыл стрельбу по безоружному подростку-афроамериканцу Майклу Брауну. Этот случай привлек международное внимание к актуальной до сих пор проблеме расовых взаимоотношений в Америке. Опираясь на десятки интервью с жителями Фергюсона, автор возвращает нас к этой истории и ее последствиям с точки зрения таких разных участников, как учитель-афроамериканец средних лет, пожилой владелец парикмахерской, белый полицейский...
В сороковой раз подряд театр ставит полюбившуюся уже несколькими поколениями “Рождественскую сказку” (“A Christmas Carol”) в постановке Генри Вишкампера (18 ноября – 31 декабря 2018 года, Albert Theatre). Адаптация романа Ч.Диккенса сделана Томом Кримером. Десятый раз один из лучших американских актеров Ларри Яндо возвращается к роли Эбенезера Скруджа.
Nota bene! Спектакль “Памплона” идет с 19 мая до 18 июня на малой сцене (Owen TheatreGoodman Theatre по адресу: 170 North DearbornStreetChicagoIL 60601. Билеты на этот и другие спектакли сезона 2016-17 годов, а также абонементы на сезон 2017-18 годов - по телефону 312-443-3800, по факсу 312-443-3800, в кассе театра и на сайте www.goodmantheatre.org/. Каждый день в 10.00 am на сайте театра возможна продажа билетов на вечерний спектакль на балкон со скидкой в 50% (Half-price day-of-performance mezzanine tickets, промо-код - MEZZTIX). Для студентов цена билета - $10 (максимальное количество билетов в одни руки - 4, промо-код 10TIX, требуется студенческое удостоверение). Скидки на групповые заказы (10+) - по телефону 312-443-3820 или по электронной почте Groups@GoodmanTheatre.org. В кассе и на сайте театра продаются подарочные сертификаты.
Фотографии к статье:
Фото 1. Роберт Фоллс. Фото – Лиз Лоурен
Фото 2-3. На репетициях спектакля “Памплона”. Фото – Лиз Лоурен 

15 мая 2017 г.

Хибла Герзмава: “Музыка спасет мир”. Интервью с певицей

Со 2 по 11 июня в городах США и Канады состоятся концерты замечательной российской певицы Хиблы Герзмава и камерного оркестра “Виртуозы Москвы” под управлением Владимира Спивакова. Концерты пройдут в рамках V Международного фестиваля искусств “Вишневый сад”. Концерт в Чикаго пройдет 4 июня. В эксклюзивном интервью вашему корреспонденту Хибла Герзмава рассказывает о предстоящих выступлениях, работе над оперными партиями и о том, что она больше всего не любит в оперном театре.
Беседа с певицей началась с моих поздравлений. 31 марта Хибла Герзмава дебютировала в миланском театре Ла Скала. Она с триумфальным успехом исполнила главную партию в опере Г.Доницетти “Анна Болейн”. Я попросил певицу поделиться впечатлениями о работе в театре.
  • Для меня было великой честью выступить в Ла Скала - самом трудном из моих театров. Мне очень приятно, что меня приняли и приняли прекрасно. Тем более, что у “Анны Болейн” есть своя история. В Ла Скала оперу ставили лишь дважды: в 1957 году с Марией Каллас и в 1982 году с Монсеррат Кабалье. И вот в 2017 году со мной. Было трудно, но мы легких путей не ищем. Я была единственной русской певицей в составе. Нужно было показать все, на что я способна. Я довольна результатом. Счастлива, что в моей карьере появилось и будет в дальнейшем отдельное государство по имени Ла Скала. В Москву приехала уставшей, выжатой, но счастливой и наполненной впечатлениями. А впереди - Америка и Канада, тур с маэстро Владимиром Спиваковым и его оркестром.

“Мы вместе дышим”

В концертах североамериканского турне оркестра “Виртуозы Москвы” прозвучат Дивертисмент N1 ре мажор для струнного оркестра В.А.Моцарта, Камерная симфония для струнных до минор Д.Шостаковича (аранжировка Р.Баршая Восьмого квартета с посвящением “Памяти жертв фашизма и войны“), пьеса “Kol Nidrei” для виолончели и оркестра М.Бруха (солистка - пятнадцатилетняя израильская виолончелистка Даниэль Акта), Концертный полонез для виолончели и оркестра Д.Поппера (солистка - Даниэль Акта), Две элегические мелодии Э.Грига, “Гимн красоте” Ф.Гулда.
Хибла Герзмава исполнит арии “Casta Diva” из оперы В.Беллини “Норма”, “Stretto” Амалии из оперы Дж.Верди “Разбойники”, “Ecco...Io son l'umile ancella” из оперы Ф.Чилеа “Адриана Лекуврер”, песни “Les Chemins de l'amour” Ф.Пуленка, “Ti voglio tanto bene” Э.де Куртиса.
Я спросил у певицы, в какой мере выбор репертуара зависит от дирижера.
  • Когда мы готовим концерты с маэстро Спиваковым, мы все решаем вместе. Выбор репертуара - наш общий выбор.
  • Вы начнете свое выступление с признанного хита - арии “Casta Diva”. А вот чудесная ария Амалии из “Разбойников” Верди далеко не так известна. К сожалению, эта опера почти не исполняется сегодня. Почему, как вы думаете?
  • Трудно сказать. Может быть потому, что она очень трудная. Театры не хотят рисковать, любят обращаться к более раскрученным сочинениям Верди. Для меня “Разбойники” - отдельная история. В финале конкурса Чайковского я как раз пела эту изумительную арию Амалии и победила с ней. Я первой стала петь арии из “Разбойников”. Скоро в Римской опере я буду петь в новой постановке.
  • Рядом с Беллини и Верди – камерная музыка: песни Пуленка и де Куртиса...
  • Очень красивая музыка. Мы хотели познакомить публику не только с популярными ариями Беллини и Чилеа, но и с редко исполняемыми произведениями, такими, как “Разбойники” или музыка Пуленка. Любая оперная певица в своем репертуаре должна иметь камерные произведения. Нам хотелось, чтобы программа получилась изысканная. Надеюсь, что так и будет... Я счастлива, что столько лет сотрудничаю с маэстро Спиваковым и его прекрасным оркестром. Наша многолетняя дружба делает наши выступления все лучше и лучше. Когда Спиваков рядом, это счастье. Для меня этот человек очень много сделал. Я счастлива, что в первом туре по Америке я выступаю с ним и его оркестром. Он - великий скрипач, потрясающий дирижер, Музыкант с большой буквы. Мне всегда с ним интересно на сцене. Мы вместе дышим. Я очень дорожу дружбой с ним. Он – настоящий друг, который никогда не предаст и всегда будет рядом. Это правда. Таких сейчас нет.
  • Всем памятен ваш триумф в нью-йоркском Карнеги-холл в октябре 2015 года. Это была одновременно презентация ваших CD и пластинки. Критики писали, что такое в стенах Метрополитен-оперы случилось впервые. Что вы вспоминаете о том концерте?
  • К моему юбилею фирма “Мелодия” сделала мне подарок – винил с концерта со Спиваковым и диск с русскими романсами. У меня была отдельная автограф-сессия. В музыкальном магазине при Метрополитен-опере я встретилась с людьми, которые знают меня много лет (у меня там есть уже отдельная публика) и специально приходят на мои спектакли. Это был мой первый сольный концерт в Карнеги-холл. В первом отделении прозвучали изумительные романсы Чайковского и Рахманинова, второе отделение состояло из арий. Был очень изысканный, теплый концерт. Мой успех в полной мере разделила концертмейстер Екатерина Ганелина, с которой мы двадцать пять лет выступаем вместе. Я очень люблю Карнеги-холл и надеюсь, что еще не раз выступлю в этом зале.
  • Концерт в Карнеги-холл проходил в рамках фестиваля “Вишневый сад”, который проводят в Нью-Йорке Мария Шкловер и Ирина Шабшис. В рамках фестиваля пройдет и ваше будущее турне по городам США и Канады. Что вас привлекает в этом фестивале?
  • Прежде всего, его потрясающие организаторы. Пользуясь случаем, я хочу поблагодарить Марию и Ирину. Они проводят прекрасные концерты классической музыки, устраивают гастроли драматических театров, готовят изумительные проекты. Они – настоящие, и делают они настоящее дело. В них столько энергии, добра, тепла... Поверьте, не с каждыми людьми можно работать. С ними - можно. Им можно доверять. Они в любой ситуации остаются рядом. Мы много лет дружим. Они - близкие мне люди. Я думаю, таких людей больше в Америке нет. Они – единственные. Я счастлива работать с ними, желаю успеха и процветания им и их семьям. Горжусь нашей дружбой и надеюсь, что она будет продолжаться.

“Служила и служу Театру”

  • Я читал, что в детстве вы мечтали стать органисткой. Как получилось, что вы пошли по пути вокального искусства?
  • Я родилась и выросла в Пицунде. Начинала органисткой, потому что в Пицунде находится изумительный концертный зал с замечательным немецким органом IX века. Важно, когда певица играет на каком-нибудь инструменте. А потом, когда мне надо было выбрать свою дорогу, я выбрала вокальный путь. Я не думаю, что была бы прекрасной органисткой. А какая я певица - судить публике.
  • Настоящий успех пришел к вам после победы на X Международном конкурсе Чайковского в 1994 году. Вы ведь единственная вокалистка за всю историю конкурса, завоевавшая Гран-при! Есть такое выражение: “На следующий день она проснулась знаменитой”. Это про вас?
  • Конкурс Чайковского был для меня хорошим трамплином, но он не дал мне контрактов по Европе и Америке. Я подписала контракт с Japan Art. Мы записывали диски, я очень часто выступала в Японии, у меня было там много концертов и спектаклей. Я очень поздно начала международную карьеру. Много лет оставалась в России и, как губка, впитывала все лучшее в мировой музыке. А сегодня я готова к любому театру мира. Я попросила своих импресарио рассматривать только первые театры и главные партии. Начала с Ковент-Гарден, потом появились Метрополитен-опера, Венская опера, Баварская опера, Парижская опера, Ла Скала - главные театры в карьере любой певицы. В планах - Римская опера, Опера Бастиль, я будут петь на открытии сезона Ла Скала в 2018 году, будут оперные театры Цюриха и Дрездена...
  • В 2015 году исполнилось двадцать лет, как вы стали солисткой Московского музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко. В чем секрет вашего долголетнего сотрудничества с художественным руководителем и главным режиссером театра Александром Тителем? Что вас притягивает в нем и в театре, почему вы храните им верность столь долгий срок?
  • У каждой певицы должен быть свой дом и свой режиссер. Мой дом – театр Станиславского и Немировича-Данченко, мой режиссер – Александр Борисович Титель. Он - мастер, он меня вырастил. С ним всегда можно посоветоваться, и не только по поводу наших спектаклей. Я могу позвонить ему из любой точки мира, если вдруг мне что-то нужно или я в чем-то сомневаюсь. Он всегда даст веский, хороший совет. Я счастлива, что у меня есть Дом, куда всегда можно вернуться. Это важно. Я считаю, что я это заслужила своим трудом. Служила и служу Театру.
  • Можно ли сказать, что в вашем театре вы опробовали те партии, которые в дальнейшем исполняли по всему миру?
  • Не все, но многие. “Травиату”, “Богему” я начинала петь в Музыкальном театре и дальше пела везде. Я люблю дома подготовиться. К сожалению, не со всеми партиями так можно сделать.

“Я слушаю свой голос”

  • Как меняется ваш голос?
  • Я была лирико-колоратурным сопрано. После рождения ребенка голос округлился, что ли. Конечно, сейчас он немного спускается, становится более массивным. У женщин-певиц вокальный век короче, чем у мужчин. Самое главное – иметь школу и обязательно следить за репертуаром. Я очень аккуратно отношусь к репертуару.
  • Если бы вам предложили на визитной карточке написать одну коронную партию, какую вы бы выбрали?
  • Мне очень сложно выбрать. Сейчас у меня в репертуаре Анна Болейн, Дездемона, Елизавета Валуа. Эти три партии для меня сейчас коронные. А вообще я люблю все свои партии. Если сказать, что одну я люблю больше, то другие обидятся. Я очень тактична по отношению к ним.
  • Есть ли партии, за которые вы боитесь браться?
  • Я пока не буду браться за “крепкий” репертуар. Это все-таки не мое. Я слушаю свой голос, доверяю и следую за ним. Я пою только свой репертуар. Расширяю его, конечно. Скоро буду петь Елену на французском языке – пятиактный французский вариант “Сицилийской вечерни”. Это мне не очень близко – я бы с удовольствием пела все на итальянском, но тем не менее... Впереди меня ждут Амалия в “Разбойниках”, Норма... Будем пробовать, будем стараться.
  • В вашем репертуаре нет музыки XX века. Луизу в “Обручении в монастыре“ Прокофьева вы уже давно не поете?
  • Конечно, это было много лет назад. Я из нее уже выросла. Точно так же, как я выросла из Мюзетты, например. Я ее могу петь в концертах, но в спектаклях не буду. Луиза была моей первой ролью, с которой я начинала в театре. Такие партии, как Луиза, Мюзетта или Адина в “Любовном напитке“, остались в прошлом. А сейчас – Лючия ди Ламмермур, Анна Болейн... Это уже немного другой опыт.
  • Почему вы не поете современные оперы? Не интересно, или вы не считаете, что ваш голос подходит для современной музыки?
  • Мой голос подходит для всего. Я могу много, но мне кажется, это не так интересно, как потрясающие белькантовые и другие классические оперы. Есть певцы, которые поют современную музыку, и они делают это прекрасно. Каждый должен петь то, что он любит и у него получается. Я пою другую музыку.

“Любовь правит миром”

  • Несмотря на занятость, вы регулярно проводите в Абхазии фестиваль “Хибла Герзмава приглашает...”. Что заставило вас открыть его?
  • Когда-то в Абхазии Лиана Исакадзе проводила фестиваль “Ночные серенады”. Я на этом выросла. Я была маленькой девочкой, и для меня фестивальные концерты были великим праздником. Я готова была бесконечно “пить” эту музыку. Мне хотелось, чтобы музыкальные праздники продолжались. Я – чистокровная абхазка, коренная жительница Абхазии. В знак признательности моей родине, в память о родителях я решила именно туда приглашать своих друзей. Так возникло название “Хибла Герзмава приглашает...”. У нас изумительный фестиваль. Он постоянно расширяет свои географические границы. Мы музицировали в венском зале Музикферайн и швейцарском Санкт-Морице, в Карнеги-холл и Москве в Большом зале консерватории, в моем театре на главной сцене...
  • То есть фестиваль в Абхазии превратился в фестиваль без границ!
  • Мне кажется, это прекрасно, когда в разных точках мира под эгидой фестиваля собираются друзья – замечательные музыканты. Каждый год люди ждут этого праздника. В прошлом году фестивалю исполнилось пятнадцать лет. В честь юбилея мы привезли оперу Керубини “Медея”, постановку нашего театра. Привезли Колхидскую царевну к себе домой, на побережье Черного моря... Мы устраиваем исторические концерты, которые не делает никто и никогда. В этом году был прекрасный оперный концерт в нашем театре и джазовый вечер в Санкт-Морице. Готовимся к третьему концерту. Обещаю: будет интересно!
  • Ваш последний диск называется “Опера. Джаз. Блюз”. В чем, по-вашему, сходятся эти музыкальные жанры?
  • Я люблю хорошую и разную музыку. Джаз люблю с детства, давно хотела иметь несколько джазовых программ. С моим другом, великолепным музыкантом Яковом Окунем, мы сейчас делаем новую программу. Мы записали пластинку с Даниилом Крамером и его Трио и почти десять лет выступали с этой программой. Это то, что во всем мире называется “кроссовер”. Мне кажется интересным, когда оперная певица может петь разными голосами и джаз, и блюз, и оперу. Можно от оперы немного отдохнуть и поработать с другим репертуаром. Певица должна быть разноплановой.
  • Насколько важно для вас доверять партнерам по сцене?
  • Очень важно. Конечно, когда нас приглашают в другие театры, бывает трудно. Все люди разные, все по-разному работают. Надо делать так, чтобы было комфортно на сцене. На моем пути всегда были прекрасные музыканты. Из дирижеров я бы отметила Лорина Маазеля, с которым исполнила много “Травиат” по всему миру, Владимира Спивакова, моих дорогих маэстро, стоящих за пультом Метрополитен-оперы... Я стараюсь любить всех коллег по сцене. Музыка спасет мир точно так же, как красота. А без любви не будет музыки. Чтобы создать хороший спектакль, надо любить. Любовь правит миром. Голос - любовь, звук – любовь, пение – любовь. Все идет через любовь.
  • Есть вещи, которые вас не  устраивают в оперном театре?
  • Я надеюсь, у меня никогда не будет каких-то ужасающих постановок, которые идут сейчас в мире и которые для меня неприемлемы. Надеюсь, что в такие постановки меня не будут приглашать. За этим следит мое агентство: Алан Грин и Брюс Земски (Zemsky/Green Artists Management, Inc.). Я им очень благодарна, они мне делают изумительную карьеру. Слава тебе Господи, пока все постановки были красивые. Я не боюсь трудностей. Если певица может петь, она может петь в любом состоянии. Конечно, когда подвешивают за ноги, петь неудобно, но можно всегда договориться с режиссером. Сегодня у нас игровой театр. Не играть, а просто петь уже не так интересно. Нужно быть драматической актрисой, которая на сцене умеет все. Но есть вещи, которые для меня неприемлемы. Я все-таки выбираю классические постановки.

“Самое важное – здоровье и звучание голоса”

  • Ваше имя переводится с абхазского как “златоглазая”, а фамилия – “волк”. Волк – животное одинокое, есть даже такое выражение - волк-одиночка. Но мне кажется, это не про вас. Вы ведь любите шумные компании, правда?
  • Я люблю шумные компании, обожаю друзей, но я по натуре одиночка. Я очень много времени провожу в театрах, на сцене, много отдаю, общаясь с друзьями. Я – открытый и теплый человек. Но для того, чтобы “перегрузиться”, “наполниться”, начать по-новому дышать, мне нужно свое пространство, нужно побыть немного одной. Мне очень важно, чтобы в это время меня никто не трогал. Так что я все-таки волчица-одиночка. Фамилия у меня правильная. Я ее никогда ни на что не променяю.
  • Вы волнуетесь перед выходом на сцену?
  • Очень. До дрожи в коленях. Но мне кажется, если это пройдет, то закончится певица Хибла Герзмава. Это не дрожь, а трепет перед сценой. Как только я выхожу к зрителям, все нормализуется. Я нахожусь в божественном потоке: отдаю тепло зрителям и принимаю любовь от них. Мы же как сосуды - наполняемся зрительской любовью и отдаем сполна.
  • Возвращаясь к предстоящим концертам. Американская публика всегда ждет от Спивакова сюрпризов. Кроме основного “меню” все знают, что обязательно будет бис–сюрприз, а то и не один...
  • Обязательно. Так будет во всех наших концертах, но на то и сюрпризы, чтобы их не раскрывать. Могу только сказать, что сюрпризы будут с участием оркестра и солистов. Мы будем с маэстро исполнять одну очень красивую “вещицу”... Я очень люблю, когда Спиваков играет на скрипке. Я иначе пою, иначе настраиваюсь. Иногда могу прибежать к нему в кабинет и попросить, чтобы он меня настроил. Он играет на скрипке, а я настраиваюсь... Я с нетерпением жду нашего североамериканского тура и новой встречи со зрителями.
  • Что дальше, Хибла? После Карнеги-холл и Ла Скала непокоренных вершин больше нет?
  • У меня еще очень много неспетого. Мне очень многое нужно сделать. Поэтому еще все впереди! Самое главное – здоровье и звучание голоса.
  • Я желаю вам и того, и другого. До встречи!
Nota bene! Концерт Хиблы Герзмава и камерного оркестра “Виртуозы Москвы” под управлением Владимира Спивакова состоится 4 июня в 7 часов вечера в Чикагском симфоническом центре по адресу: 220 South Michigan Ave., ChicagoIl 60604. Билеты - на сайте http://cso.org/, по телефону 312-294-3000, по почте или в кассе Симфонического центра.
Фотографии к статье:
Фото 1-5. Хибла Герзмава. Фото – Владислав Локтев
Фото 6. Владимир Спиваков
Фото 7. Камерный оркестр “Виртуозы Москвы”

14 мая 2017 г.

После Шекспировского фестиваля - “Влюбленный Шекспир“ (“Shakespeare In Love“)

Юбилейный, тридцатый сезон Чикагского шекспировского театра заканчивается спектаклем “Влюбленный Шекспир“ (“Shakespeare in Love“).
...Все началось с кино. В 1998 году на экраны мира вышел английский фильм режиссера Джона Мэддена “Влюбленный Шекспир“ (“Shakespeare in Love“). История запретной любви начинающего драматурга Шекспира (Джозеф Файнс) и красавицы Виолы де Лессепс (Гвинет Пэлтроу) растопила сердца зрителей и критиков. Лента триумфально прошла по экранам мира, получила около шестидесяти наград, включая семь “Оскаров“: за лучшие фильм, главную женскую роль (Пэлтроу), второстепенную женскую роль (Джуди Денч), работу художника, дизайн костюмов, музыку и лучший оригинальный сценарий (Марк Норман и Том Стоппард). Первый вариант сценария написал Норман, но студия вернула сценарий на доработку. Второй вариант также не устроил продюсеров, и они обратились к сэру Стоппарду.
Спустя шестнадцать лет после кинопремьеры лауреат премий “Тони“ и Лоуренса Оливье драматург Ли Холл создала театральную инсценировку сценария Нормана и Стоппарда.
Когда мы имеем дело с драматургией Стоппарда, мы всегда говорим о сложности и многослойности его языка. Как заметила критик Алена Злобина: “Тонкая, ироничная литературная игра позволяет превратить патетику в художественный материал. Влюбленный Шекспир сочиняет “Ромео и Джульетту” по горячим следам собственного романа, шаг за шагом поэтизируя его форму и содержание. Потаскушка Розалина оборачивается ледяной девой; сцена в саду, закончившаяся комическим бегством (на балкон вышла няня, на ее крик поспешили слуги), становится безупречно лирическим дуэтом... Да и про смертельную угрозу речи не было: просто надо писать очередной эпизод, и возлюбленная, которая любит пьесы Уилла не меньше, чем самого Уилла, в итоге сбрасывает его с кровати. Самоубийства тем более не было: героиня “жизненной” драмы хоть и плачет, а выходит замуж... Ну и так далее. Конечно, все это “преображение действительности” не имеет ничего общего с действительностью: как известно, Шекспир вовсе не проживал сюжет, а просто позаимствовал его из итальянской новеллы. Но что за беда, если фактические вольности, которых у Стоппарда предостаточно, воспринимаются как чистая правда - и что характерно, не только художественная. Потому что герой фильма очень похож на Шекспира, каким он предстает в ранних пьесах, - пылкого, страстного, полного самых сумасбродных мечтаний, безудержно идеализирующего Человека. И любимая стоппардовская тема - соотношения поэзии и жизни, фантазии и реальности - приобретает в этой связи новое наполнение. “Возвышающий обман”, которым на протяжении всего действия занят влюбленный Уилл, вроде бы контрастирует с “демаскирующей” игрой, которую последовательно ведет сценарист; но на деле этот ход работает не на ироническое снижение, а на возвышение сюжета, и художественный результат оказывается тем парадоксальней, что “правда жизни” сама нескрываемо, беззастенчиво обманна: двойная ложь складывается в живой, достоверный и очень светлый образ. И искусство как бы утверждается в своей прежней роли, когда вымысел и идеал не были противопоставлены правде”.
Премьера театральной инсценировки Ли Холл состоялась в июле 2014 года в Noel Coward Theatre (Вест-Энд, Лондон). К инсценировке проявил интерес режиссер Деклан Доннеллан, известный нам по спектаклю “Зимняя сказка“, - мы видели его на закрытии Шекспировского фестиваля в декабре прошлого года. В 2016 году Доннеллан (со своим постоянным партнером Ником Ормеродом) поставил спектакль “Влюбленный Шекспир“ для Стратфордского театрального фестиваля (Онтарио, Канада).
Режиссер чикагского спектакля - многократный лауреат премии “Джефф” Рейчел Рокуэлл. Она получала эту премию два года подряд. Мюзикл “Бригадон” (“Brigadoon”) в Goodman Theatre в 2015 году получил премии “Джефф” за лучшие мюзикл и хореографию года. Оба раза премию получала Рокуэлл, поскольку она была режиссером и хореографом спектакля. В 2016 году лучшим режиссером в категории “Мюзикл, большая форма” снова была признана Рокуэлл. На этот раз - за мюзикл Джейкоба Ричмонда и Брука Максвелла “Поездка на Циклон” (“Ride the Cyclone”) в Шекспировском театре. Всего в этом театре Рокуэлл поставила десять спектаклей. Спектакль “Поездка на Циклон” показывался на Бродвее и вошел в список лучших постановок 2016 года.
В роли Шекспира на сцене театра дебютирует Ник Ребергер. Актер только что приехал из Нью-Йорка. Он играл солдата Федьку в мюзикле “Скрипач на крыше“.
В роли харизматичной Виолы де Лессепс - Кейт Макгонигл. Она играла на Бродвее в спектакле “What I Did Last Summer“ (Signature Theatre) и снималась вместе с Эммой Стоун в фильме Вуди Аллена Иррациональный человек (Irrational Man“, 2015).
В ролях: Ларри Яндо (Филип Хенслоу), Майкл Перез (Кристофер Марлоу), Линда Ритер (Елизавета I), Тимоти Стикни (Ричард Бербедж), Луиджи Соттиле (Нед Аллен).
Композитор и музыкальный руководитель спектакля - Нил Бартрам.
Спектакль “Влюбленный Шекспир“ идет до 18 июня на большой сцене театра (Courtyard Theater).
Еще одну театральную инсценировку кинохита мы увидим летом. С экранов на театральную сцену приходят герои фильма “Мадагаскар“. Мюзикл, основанный на одноименной анимационной картине (“Madagascar”, 2005) студии DreamWorks Animation Motion Picture, называется “Madagascar - AMusical Adventure“. Автор книги - Кевин Дел Агила, авторы мюзикла - Джордж Норьега и Джоэл Сомиллан.
Мюзикл рассказывает о четырех обитателях зоопарка в Центральном парке Нью-Йорка: льве Алексе, зебре Марти, жирафе Мелмане и гиппопотамихе Глории. Зверюшки мирно живут в неволе: дружат, играют, развлекают восторженную публику. Но даже сытая тюрьма не заменит свободы. Ничто не в силах заглушить для них голос дикой природы. Главным зачинщиком побега становится не в меру любознательная Марти. Сначала она при помощи пингвинов сбежала из зоопарка, а вскоре ее примеру последовали трое друзей. Потом были невероятные приключения зверей на свободе со всеми элементами этого жанра: погоня, плен, кораблекрушение, снова погоня, джунгли... Кстати, спустя три года та же студия DreamWorks Animation Motion Picture выпустила продолжение - ленту “Мадагаскар-2. Побег из Африки” (“Madagascar: Escape 2 Africa”, 2008). Первый фильм заканчивался на том, что друзья встречались на Мадагаскаре. Во второй части “Мадагаскара” решительная четверка покинула остров и оказалась в дикой Африке. Алекс там встретил своих родственников, но общего языка с ними не нашел: о чем говорить нью-йоркскому льву с африканскими провинциалами?.. Наконец, в третьей части картины зверюшки осваивают Европу - фильм называется “Мадагаскар-3. Требуются в Европе” (“Madagascar 3: Europe's Most Wanted”, 2012).
Режиссер и хореограф чикагского спектакля - Матт Рафтери.
Спектакль “Мадагаскар” идет с 13 июля до 27 августа на большой сцене театра (Courtyard Theater).
Недавно художественный руководитель Барбара Гейнс и исполнительный директор Крис Хендерсон объявили подробности нового, тридцать первого сезона Шекспировского театра. Об этом – в следующем выпуске Театрального обозрения.
Nota bene! Все спектакли идут в помещении Чикагского шекспировского театра (Chicago Shakespeare Theater) по адресу: 800 East Grand Avenue, Chicago, IL 60611.  Билеты на спектакли сезона 2016-17 годов, а также абонементы на спектакли сезона 2017-18 годов - на сайте http://www.chicagoshakes.com/, по телефону 312-595-5600 или в кассе театра. На групповые заказы предусмотрены скидки. Не забудьте в кассе театра поставить штамп на билете паркинга на “Navy Pier”. В этом случае вы получите сорокапроцентную скидку.
Фотографии к статье:
Фото 1-6. Сцены из спектакля “Влюбленный Шекспир”. Фото – Лиз Лоурен 

11 мая 2017 г.

Новая “Красная Жизель” (“Giselle Rouge”). Перед гастролями в Чикаго Театра балета Бориса Эйфмана

Санкт-Петербургский государственный академический театр балета Бориса Эйфмана снова приезжает в Чикаго. На этот раз – с новой редакцией старого балета.
“Красная Жизель” на музыку Чайковского, Бизе и Шнитке - спектакль знаменитый. Один из самых популярных балетов Эйфмана, он триумфально прошел по лучшим сценам мира и создал славу хореографу и его театру. Говорят, именно после “...Жизели” могущественный балетный критик Анна Кисельгоф из “Нью-Йорк таймс” стала называть Эйфмана балетмейстером номер один в мире.
“Красная Жизель” - балет о трагической судьбе знаменитой русской балерины Ольги Спесивцевой. Борис Эйфман рассказывает: “Я был потрясен, узнав детали жизни Спесивцевой. Одна из величайших балерин XX века, уникальная актриса, обласканная славой, боготворимая поклонниками и критиками, двадцать лет провела в клинике для душевнобольных под Нью-Йорком, оказавшись абсолютно одинокой и бесправной! Трагические эмоции, которые я испытал, стали импульсом для создания спектакля. Это не иллюстрация биографии Спесивцевой, а попытка обобщить ее судьбу и судьбы многих талантов, вынужденных покинуть Россию, переживших трагический исход... Спесивцева была гениальной Жизелью. Балерина настолько глубоко погрузилась в мир своей героини, что ей уже не хватило сил вернуться обратно, в реальную жизнь: судьба Жизели стала и ее судьбой. Но роковую роль в жизни Спесивцевой сыграло и то, что она оказалась вовлечена в кровавые события революционного Петрограда. Этот красный знак, как знак судьбы, преследовал и мучил ее. Эмиграция принесла не только разочарования – как творческие, так и личные, – но и наполнила жизнь Спесивцевой еще большими трагедиями, что привело в конечном итоге к катастрофе... Создавая спектакль, мы хотели, чтобы балетный театр отдал дань памяти великой балерине с трагической судьбой”.
Дополним рассказ хореографа несколькими подробностями из жизни Ольги Спесивцевой. Она родилась 6 июля 1895 году в Ростове-на-Дону. Училась в Санкт-Петербургском театральном училище. С 1913 года стала выступать на сцене Мариинского театра, с 1918 года – в качестве ведущей солистки, вскоре стала примой-балериной. Занималась с Вагановой, танцевала с Нижинским и “Русским балетом” Дягилева. В годы Первой мировой войны, Октябрьского переворота, бунтов, грабежей и восстаний Спесивцева исполнила почти все свои главные партии. Современники писали о ее Жизели, как о чуде, повторить которое невозможно, а сегодня театральные критики говорят, что именно Спесивцева осталась в истории балета непревзойденной исполнительницей партии Жизели.
В своей книге “История культуры Санкт-Петербурга” культуролог Соломон Волков пишет о том, что “Спесивцева уже в начале двадцатых годов была в Петербурге легендарной фигурой. “Видел я в ложе Спесивцеву и поражен ее внешностью. Знаешь, кого она мне напомнила? Шали из Мопассана”, - писал своему другу, композитору (и будущему критику) Валериану Богданову-Березовскому юный Шостакович. Богданов-Березовский вспоминал: “Шостакович, конечно, был влюблен в Спесивцеву. Я тоже, да еще как! Иногда мне казалось, что в нее влюблен весь Петроград. Как же ее описать? Изумительно прекрасное лицо, темные волосы, большие печальные глаза. Это был ахматовский тип. Кто знает, может быть поэтому Спесивцева и была так неслыханно загадочна и притягательна. Сама Ахматова была от нее без ума. Спесивцева танцевала трагические роли, делая их еще более трагическими... Она была молчалива, ходила в черном закрытом платье, как монашка. Все это тоже напоминало о героине ахматовских стихов...”.
В 1923 году Спесивцева с матерью эмигрировала во Францию. Ее карьера продолжалась в Европе. Она танцевала в Парижской опере, для нее ставили балеты Баланчин, Фокин и Лифарь. Еще одна цитата из книги Волкова: “Александра Данилова в разговоре со мной вспоминала об отношении Баланчина к Спесивцевой с оттенком легкой ревности: “Жорж ее обожал. Спесивцева была богиня: чудная фигура, чудные ножки. Но со странностями...”.
В 1939 году Спесивцева переехала в США. В начале сороковых стала стремительно терять память. Была вынуждена уйти со сцены. С 1943 по 1963 годы находилась в психиатрической лечебнице. Последние годы провела в доме престарелых Толстовского фонда под Нью-Йорком. Там ее посетил Марис Лиепа. В его воспоминаниях читаем: “Маленькая комнатка с почти спартанской обстановкой: кушетка, стол, шкаф и умывальник составляли все ее убранство. К нам вышла очень изящная, с классической, то есть гладкой балетной прической женщина, с широко раскрытыми возбужденными глазами. Она поздоровалась, расцеловала нас всех по очереди, сказала, что все утро ужасно волновалась, когда узнала, что в гости к ней едут Уланова и Долин... Сказала, что неважно себя чувствует... Когда мы преподнесли ей розы, растрогалась и расплакалась, и мы невольно почувствовали себя так, словно совершили бестактность... Мы уехали, полные жалости и сострадания к судьбе известной в свое время балерины. Дело было даже не в болезни, дело было в безысходности и одиночестве, которыми веяло от ее пристанища и маленькой, сохранившей изящество фигурки”. 
Спесивцева умерла 16 сентября 1991 года. Ей было девяносто шесть лет. Она похоронена на Русском кладбище в Ново-Дивееве (городок Нануэт, штат Нью-Йорк). До премьеры балета Эйфмана оставалось меньше шести лет...
Премьера балета “Красная Жизель” состоялась 28 января 1997 года в Александринском театре в Санкт-Петербурге. Спустя восемнадцать лет Борис Эйфман решил вернуться к “...Жизели” и сделать новую редакцию. Эйфман говорит: “Я увидел, что старый балет не соответствует сегодняшнему техническому уровню наших артистов и технологическому уровню сцены. Мы ушли далеко вперед”. В результате маэстро поменял почти все. Солист Олег Габышев признался, что ему приходилось долго привыкать к неожиданным идеям хореографа: “Сначала были даже попытки сопротивления – предложить старые переходы, поддержки. Борис Яковлевич это на корню пресекал и всегда говорил: “Давайте делать что-то новое”. В результате появился новый балет с новыми мизансценами, декорациями и даже костюмами.
Тема безумия художника является лейтмотивом многих балетов Бориса Эйфмана. Безумием страдали Дон Кихот и Анна Каренина, Камилла Клодель из “Родена” и психиатр из балета “Up & Down”. Безумием охвачена и Ольга Спесивцева. В магическом лабиринте зеркал отражаются искусство и жизнь, великое искусство Балета и страшные события в России, современницей которых ей довелось быть. Ранимая, одинокая, беззащитная перед жизненными коллизиями артистка обречена на трагедию, и трагедия случается. Спесивцева успела вдоволь насладиться славой, признанием, успехом, но за все это заплатила слишком высокую цену.
Премьера новой “Красной Жизели” состоялась 21 сентября 2015 года. Как обычно, Борис Эйфман сам написал либретто, создал, кроме хореографии, музыкальную, световую и цветовую партитуры спектакля. Он и драматург, и режиссер-постановщик, и хореограф, он – подлинный Автор спектакля.
В беседе со мной Борис Эйфман сказал: “Всякий раз, создавая новый спектакль, я думаю о том, чтобы не разочаровать моего зрителя, а вновь и вновь очаровать его. Моя жизнь – короткие передышки в моменты успеха и длинные погружения в бездну страдания, самопожертвования во имя того, чтобы создать то, что должно снова соединить нас со зрителем в счастливом мгновении катарсиса”.
Каким бы великим не был хореограф, в одиночку он ничего не сможет создать. У Эйфмана – прекрасный коллектив единомышленников и высокопрофессиональных танцоров. Придя к нему, даже очень способные артисты сталкиваются с другими принципами владения телом и координации движений: другой ритм работы, другой темп движений, кажется, что и другие мышцы задействованы. Новичкам надо перестроить себя в течение одного сезона. Пройдя эту своеобразную стажировку, они по-новому ощущают свое тело. Они даже классику танцуют иначе. Артисты Эйфмана стоят аплодисментов: их беззаветная преданность своему лидеру стала легендой в балетном мире. Сложнейшие партии, требующие адской выносливости и моментальных пластических трансформаций, незаурядной техники и актерской гибкости, исполняются ими с подкупающей легкостью. Артисты Эйфмана - идеальные интерпретаторы его идей!
В спектакле “Красная Жизель” участвуют ведущие артисты труппы Мария Абашова, Дмитрий Фишер, Олег Габышев, Дмитрий Крылов, Лилия Лищук, Олег Марков.
Эйфман регулярно радует нас своими работами. Давайте вспомним некоторые из его балетов, увиденных в Чикаго, и послушаем, что о них говорит автор.
2009 год. Балет “Онегинъ. Online по мотивам романа Пушкина. Этим спектаклем Эйфман завершил хореографическую трилогию, созданную на основе шедевров русской литературы, – “Анна Каренина” Толстого, “Чайка” Чехова и “Евгений Онегин” Пушкина. Если в “Анне Карениной” Эйфман сохранил время действия романа и оставил нетронутым социальный статус героев, то уже в “Чайке” он увел героев драмы в мир балета. Тригорин и Треплев по воле постановщика предстали хореографами старого и нового поколений. По признанию Эйфмана, сам он чувствует себя одновременно Тригориным и Треплевым - оба этих героя при всей их кажущейся несовместимости одинаково близки ему. В “Онегине” Эйфман пошел еще дальше и предложил увидеть сюжет бессмертного романа глазами наших современников. Он говорит: “Я поместил пушкинских героев в новые обстоятельства, когда старый мир рушится и жизнь диктует новые правила, чтобы ответить на волнующий меня вопрос: что есть русская душа? Сохранила ли она свою самобытность, свою тайну, свою притягательность, и как распорядились бы сегодня своей судьбой герои романа?”
О соединении двух эпох говорит и музыкальное оформление спектакля, в котором наряду с музыкой Чайковского из “Времен года”, симфонических поэм и двух квартетов звучат композиции популярной в начале девяностых годов XX века группы “Автограф”. Чайковский и Ситковецкий? “Почему бы и нет”, - говорит своим спектаклем Борис Эйфман.
2011 год. Балет “Дон Кихот” на музыку Л.Минкуса. Действие балета происходит в сумасшедшем доме, и многие аллегории взяты из нашей жизни. Среди заключенных больницы - фантазер, который, начитавшись романа Сервантеса, воображает себя Дон Кихотом. Эйфман говорит: “Мы живем под обломками своих иллюзий. Человек в мечтах творит сюжет своей жизни, но фантазии и реальность, соприкасаясь, дают трагический эффект... Я взялся за этот балет, потому что увидел в нем возможность сочетания вечной, неистребимой красоты, так необходимой людям, и действительности сегодняшнего дня... Дон Кихот - настоящий герой, который, хотя и борется с ветряными мельницами, но пытается изменить мир к лучшему с помощью добра и любви”.
2013 год. Балет “Роден”, посвященный судьбе гениального французского скульптора Огюста Родена и его ученицы, возлюбленной и музы Камиллы Клодель. Пятнадцать счастливых лет отпустила им судьба, а потом был разрыв и сумасшествие Камиллы длиной в тридцать лет. Используя реальные события из жизни Родена и Клодель, Эйфман создал грандиозную сагу о любви, страсти и всепобеждающей силе искусства. Вот что говорит хореограф: “Жизнь и любовь Родена и Клодель – удивительная история двух художников, в невероятно драматичном союзе которых сплелись воедино страсть, ненависть, творческая ревность... Духовный и энергетический обмен, происходивший между скульпторами, уникален: находясь рядом с Роденом, Камилла не только дарила ему вдохновение, помогала обретать новый стиль и создавать шедевры, но и переживала стремительное взросление собственного таланта. После расставания с Роденом Клодель погрузилась в мрак безумия... В балете использована музыка из произведений М.Равеля, К.Сен-Санса, Ж.Массне.
2015 год. Балет Up & Down по роману Ф.С.Фицджеральда “Ночь нежна”. Эйфман говорит о балете так: “Этот спектакль - трагическая и одновременно ослепительно яркая хроника духовной гибели человека. История о том, как извечная мечта о счастье оборачивается крушением, а внешне красивая и беззаботная жизнь, протекающая под ритмы джаза, -  кошмаром”. В балете использована музыка из произведений Дж.Гершвина, Ф.Шуберта, А.Берга.
Борис Эйфман. От этого выдающегося балетмейстера каждый раз ждешь смелых находок и провокационных сценических решений, и каждый раз он оправдывает наши ожидания. Уверен, так будет и на этот раз!
Nota bene! Гастроли Санкт-Петербургского театра балета Бориса Эйфмана со спектаклем “Красная Жизель” пройдут с 19 по 21 мая 2017 года в помещении Auditorium Theatre по адресу: 50 East CongressChicagoIL, 60605. Заказ билетов - по телефону 312-341-2300, на сайте http://auditoriumtheatre.org или в кассе театра. Об истории и сегодняшнем дне Театра балета Эйфмана читайте на сайте http://www.eifmanballet.ru/. Там же вы найдете подробную информацию о предстоящем спектакле.
Фотографии к статье:
Фото 1. Борис Эйфман. Фото – Нина Аловерт
Фото 2-5. Сцены из спектакля “Красная Жизель”. Фото - Евгений Матвеев