27 февр. 2018 г.

Алексей Кремнев: “Балет - это навсегда!” Разговор с танцовщиком и педагогом



С лета прошлого года на театральной карте Чикаго появился новый балетный центр - A & A Ballet. Директора центра - семейная пара Анна Резник и Алексей Кремнев. В эксклюзивном интервью вашему корреспонденту Алексей Кремнев рассказывает об образовании центра и о том, как развивается в США классический балет.


Кто есть кто в современном балете. Алексей Кремнев - солист балета, хореограф, педагог. Выпускник Хореографического училища при Большом театре (сейчас - Московская академия хореографии). Бывший солист Детского музыкального театра имени Н.Сац, Московского фестивального балета, “Ренессанс-балета”. Лауреат Танцевальной премии имени Леонида Мясина. Лауреат Международного фестиваля балетного искусства имени Р.Нуреева. Лауреат Международного конкурса артистов балета и хореографии имени С.Лифаря. Лауреат хореографических (Outstanding Choreographer Award at Youth America Grand Prix, 2006, 2007, 2009 годы) и педагогической премий (Outstanding Teacher Award. 2017 год). С 2003 по 2007 годы - художественный руководитель Evansville Dance Theatre (Индиана), с 2007 по 2009 годы - художественный руководитель Southold Dance Theatre (Индиана). С 2009 по 2016 годы первый художественный руководитель Академии танца Джоффри (The Joffrey Academy of Dance) и студии Джоффри (Joffrey Studio Company). С 2016 года - президент балетного центра “A & A Ballet” (Чикаго).


-          Алексей, я хочу начать нашу беседу с поздравлений. 1 декабря у вас прошла премьера балета “Щелкунчик”. Вы довольны результатом?
-          Да, несомненно. Работа была проделана большая. Наш спектакль прошел четыре раза при переполненных залах. Насколько я слышал, отзывы были только хорошие. Спектакль получился традиционным в плане истории, потому что он рассчитан на детей, предназначен для семейного просмотра, для самых маленьких зрителей и тех, кто первый раз приходит в театр. Такие зрители хотят понять, что происходит на сцене. Их не надо пугать сложностями и длинным либретто в программке, после которого все равно понятней не станет. Я ставил перед собой задачу рассказать всем известный сюжет новыми визуальными средствами. Мы адаптировали “Щелкунчик” для танцоров и студентов “A & A Ballet”, придумали новые костюмы и декорации. Танцы у нас нетрадиционные в плане визуального восприятия. Все не то, к чему мы привыкли, даже снежинки не белые. Снежинки у нас – отражение луны, снега, звезд... Ведущими солистами были солисты Балета Сан-Франциско. Для меня было очень важно не приглашать хорошо известных звезд. Нам нужен был молодой артист балета (примерно двадцать три - двадцать четыре года), чтобы не было возрастного разрыва и картина была органичной. Работая над сценографией, мы искали некий объединяющий фактор, чтобы и взрослые, и дети сказали: “Это действительно красиво”. И такой фактор мы нашли. Мы перенесли действие спектакля в двадцатые годы XX века и поставили его в стиле арт-деко. Это был, как мне кажется, наиболее красивый период в истории архитектуры и моды... Говоря о том времени, мы сразу вспоминаем “Ballets russes”. В нашем спектакле вы найдете какие-то элементы “Русских балетов” Дягилева или реплику позы, что встречалась у Нижинского. Это даже не цитирование, скорее - дух, влияние, которое “Русские балеты” оказали на развитие танца, в том числе – на развитие балета в Америке. Влияние в плане хореографии, костюмов, сценографии, света.
-          Насколько для вас важны эти компоненты?
-          Я никогда не начинаю работу над хореографией без учета света и цвета. Для меня очень важна цветовая гамма. Только после того, как все выстраивается в плане сцен, костюмов и света, я начинаю заниматься шагами и движениями. Многие хореографы говорят, что движения и шаг – основное содержание спектакля. Остальное все нанизывается. Для меня это не так. Я исхожу из характеров персонажей. Шаги служат олицетворением характеров. Разные люди и животные по-разному двигаются. Лепка рисунка роли, цветовая гамма, световое решение - все это зависит от определенного характера и исполнителя. Работа ведется с каждым исполнителем индивидуально.


-          Почему все хореографы постоянно предлагают новые версии классических балетов? Чем плохи старые?
-          Во-первых, в классических балетах всегда гениальная музыка и прекрасная история. “Спящая красавица”, “Лебединое озеро”, “Щелкунчик”... – сказки. Лучше сказок ничего нельзя придумать. Люди приходят в театр, чтобы насладиться историей, чтобы увидеть другой, красивый мир. Балет - искусство вечное, но его нельзя превращать в музей. Постановки Вайнонена (балетмейстер, поставивший “Щелкунчика” в 1934 году в Ленинграде) и Григоровича были актуальны в свое время. Сейчас у молодого поколения уровень внимания абсолютно другой. Они на фейсбуках, ютюбах... В наше время мы наслаждались Винни Пухом, а сейчас все другое. Винни Пух уже не бегает – он летает. Как заинтриговать и привлечь молодое поколение к классической теме? Мне кажется, надо пересмотреть визуальный аспект балетного спектакля. Нельзя все время показывать только старый рисунок. Наш “Щелкунчик” смотрится по-новому. Этим спектаклем мы поднимаем интерес к классическому балету.
-          Алексей, давайте перенесемся на тридцать лет назад и поговорим о том, с чего вы начинали свой творческий путь. Вы закончили Балетное училище при Большом театре...
-          ...и получил распределение в Детский музыкальный театр имени Натальи Сац. Это был 1988 год. С одной стороны, время перестройки; с другой - абсолютный застой в балете. В Большом театре, театре Станиславского, других театрах люди просто пропадали в кордебалете и не выбирались оттуда. Как попал в “Спартак”, как стал с копьем в последней линии, так и стоишь годами. Роста никакого нет. А мне хотелось развиваться, пробовать себя в разных жанрах. В репертуарном театре, чтобы станцевать ведущую роль, надо ждать годы, и все равно это может не случиться. А в маленьких коллективах, на гастролях можно станцевать и “Лебединое...”, и “Жизель”, и “Дон Кихот”, и учиться, и идти вперед... Спасло то, что в те годы открывались новые коллективы. В те пять-шесть лет, пока мы были в России, мы работали и гастролировали с такими коллективами, как Московский фестивальный балет и “Ренессанс-балет” – компанией, которая ставила только русскую классику. Там мы работали с Фадеечевым, Стручковой, Лепешинской - потрясающими профессионалами, знатоками своего дела. Представьте, они проводили два часа в Большом театре, а потом пять - в “Ренессанс-балете”. Нам повезло, что в наши юношеские годы у нас была возможность учиться и насыщаться знаниями. Мы очень много гастролировали: выезжали со звездами Большого, Мариинского театров. Мы “прошли” с ними весь репертуар. А еще мы стали работать с фондом Голейзовского, с его ученицей... Мы получали знания, подход к современной хореографии практически из первых рук. Все время учили что-то новое. Я помню, еще в школе смотрели видеокассеты с Барышниковым, Нуреевым, что-то из Баланчина, что-то из Роббинса... Смотрели и впитывали в себя этот материал.


-          С чем был связан ваш переезд в Америку?
-          Все получилось достаточно случайно. У нас был тур по Америке с Фестивальным балетом. Мы получили хорошие рецензии, в том числе от Анны Киссельгофф из “Нью-Йорк таймс”, от критика из “Лос-Анджелес таймс”. Нам советовали: “Пользуйтесь моментом. Оставайтесь”. Мы вернулись в Москву, а потом приехали в Цинциннати, в летнюю школу. Поинтересовались, есть ли в городе балетная компания. Оказалось, есть, и очень неплохая. Цинциннати был одним из городов, который предложил Баланчину открыть американскую компанию. Он, правда, выбрал Нью-Йорк... Исторические корни и уровень поддержки классического искусства в Цинциннати очень сильны. Мы познакомились, станцевали первое “Лебединое озеро”. Это было 5 октября 1997 года. Вскоре подписали контракт на пять лет. Компания сделала для нас грин-карты. Так двадцать лет назад мы остались в Америке. А приезжали с обратным билетом, собирались вернуться...
-          Из Москвы в Цинциннати – неожиданный поворот биографии...
-          Нам было интересно. Мы окунулись в американскую жизнь. Учили английский, танцевали новую хореографию. Где-то в районе двухтысячного года я стал заниматься хореографией, мы стали создавать свои проекты. Каждый год я ставил новый балет. Конечно, думали, что делать дальше? Как развиваться? Нам не очень нравилась перспектива ездить по городам и просто преподавать. Мы стали искать позиции артистических директоров или директоров школ. Как раз в это время появилась позиция на юге Индианы, в городке Эвансвилл. Культуры никакой: “аппендикс в кукурузе”. Пойти там было некуда, но тем не менее... Это была организация с советом директоров, администрацией. Необходимый опыт. У нас был лозунг: “Если мы сможем создать классический балет в кукурузных полях Индианы, значит, мы сможем создать его везде”. Мы не могли рассказывать о созданиях Мариуса Петипа людям, которые о нем ничего не знали. Зато постепенно, шаг за шагом, мы прошли весь процесс строительства школы, начиная с низшего уровня и поднимаясь каждый год вперед. Это был такой артистически-образовательный бизнес-процесс. После этого нас пригласили в Southold Dance Theatre (Notre Dame/Саут-Бенд). Мы были очень довольны: близко к Чикаго и к озеру Мичиган. Провели там четыре года. Сделали четыре спектакля, много современных композиций, участвовали в конкурсах, преподавали... А потом в нашей жизни появился Балет Джоффри.
-          Тоже случайно?
-          Абсолютно. Балет Джоффри был для меня стопроцентно американской компанией, которая НЕ опирается на русский классический балет. Мы никогда не думали, что станем частью этой компании. Просто каждый раз, когда мы ездили в Чикаго, мы встречали кого-то из руководителей труппы. На улице, в театре... Как-то нам сказали, что компания открывает школу. Мы послали резюме на позиции преподавателей. На директоров мы не претендовали. Встретились, обсудили наше видение развития школы. Поговорили обо всем, кроме должностей. И вдруг дома на факсе я увидел: Associate Artistic Director of Joffrey Ballet. Думал, что опечатка. Переспросил у исполнительного директора. Он подтвердил. Так мы стали работать в Балете Джоффри. Через три месяца нас сделали художественными руководителями школы при балетной компании. Потом мы открыли студию. Мы бурно развивались, приглашали новых хореографов, ставили новые балеты...


-          Почему вы решили уйти в свободное плавание?
-          Это не было нашим решением. Сезон 2015-16 годов был самым успешным из восьми, которые мы провели в компании. Мы станцевали в Линкольн-центре, в июне провели последний спектакль (“Коппелия” Л.Делиба) и стали готовиться к новому сезону. После спектакля нам объявили, что художественный руководитель труппы решил руководить и школой. Он решил руководить всем сам. После восьми лет работы наши должности были упразднены. Мы планировали новый сезон и, конечно, не ожидали ничего подобного, а тут вдруг оказались на улице. Мы решили создавать собственную студию. Первые летние классы мы открыли в августе 2016 года. К нам приехали порядка пятидесяти студентов со всей страны.
-          Как за два месяца вам с нуля удалось собрать новый центр?
-          Все благодаря фейсбуку. Мы сделали первый пост, открыли веб-сайт, пошла реклама... Мы сразу стали набирать классы. На молодежную программу записались порядка двадцати пяти человек. Появилась база, уверенность в собственных силах. Мы выиграли Гран-при Молодежной программы конкурса Youth America Grand Prix, в конце года создали новый вариант балета “Золушка”.
-          Как ведется обучение в вашем центре?
-          Работа ведется по трем направлениям. Первое – молодежная группа. Возраст - от шестнадцати до двадцати одного года. Молодые танцовщики приезжают со всего мира. У нас студенты из Португалии, Китая, Гватемалы, Канады... Это большая международная программа. Второе направление – консерваторская программа. Студенты, которые учатся по этой программе, занимаются шесть дней в неделю: с десяти утра до трех часов дня. Полностью профессиональная программа, предусматривает обучение пять-шесть часов в день по классическому и современному танцам. Третье направление – детская предпрофессиональная подготовка, вечерние классы. Из детей этих классов складываются мышки и ангелы “Щелкунчика”. Таким образом мы детей подключаем к большим спектаклям.
-          Название центра - это ваши имена?
-          Да, два “А” в названии - это я и моя жена Анна Резник. Мы учились в одной школе, но в разных классах, потом вместе танцевали в Детском музыкальном театре. С 1992 года мы вместе. И позиции у нас одинаковые: сначала – ведущие солисты, потом – артистические директора. Работаем вместе в офисе, а потом вместе возвращаемся домой.


-          Кто за что отвечает в вашем дуэте?
-          Распределение ролей у нас достаточно органичное. За бизнес-организацию и рекламу отвечаю я, за процесс преподавания - Анна. Ее опыт, личные качества позволяют ей справляться с этим важнейшим направлением деятельности школы. Мы работаем и дома, а то, что мы вместе, только ускоряет результат. Мы - творческая семья, живем балетом. Хобби нет. Я даже немного завидую людям, которые, например, рисуют. Я не рисую. У меня времени на это нет. Мы работаем с дизайнерами, педагогами, учимся в плане маркетинга и организации бизнеса. Время идет вперед, создаются новые программы для студентов. Чтобы не отстать, важно сохранить энергию и желание учиться. Мы не можем сказать, что у нас двадцать лет опыта и мы уже все знаем. Все равно в каждую новую работу, в каждый новый спектакль мы пытаемся привнести что-то новое, яркое, необычное в технологическом и в артистическом плане... Преподавание – дело серьезное. Мы не в Советском Союзе, не на Кубе и не в Китае, где студенты были обязаны учиться. Америка и Европа другие. Студенты выбирают, что им делать, и студентов нужно заинтересовать. Начальный период, безусловно, сложный, он занимает много энергии и сил. Мы даем нашим студентам путевку в жизнь и профессиональные навыки. А дальше - свободный выбор человека.
-          Что происходит дальше? Ваши студенты остаются в балете или уходят в другие сферы?
-          В прошлом году – это был наш первый сезон – сорок четыре студента центра получили гранты на обучение (scholarship) в школы при Американском балетном театре, Princess Grace Academy of Monte-Carlo, Национальном балете Канады и в другие школы, одиннадцать студентов получили позиции в разных балетных компаниях по всей стране. В будущем году мы планируем открыть профессиональную компанию. Будем предоставлять работу молодым танцовщикам от восемнадати до двадцати четырех лет. Это самое сложное - найти первую работу. Мы начнем с небольшого количества артистов и будем развиваться. Первая работа позволит артистам продолжать учиться и приобретать необходимый опыт. В двадцать четыре года они будут полностью готовы отправиться в свободное плавание. Новая балетная компания разнообразит культурную жизнь города и благотворно скажется на традициях классического балета. Я понимаю, что мы живем в политизированное время. Политика пронизывает все сферы жизни, в том числе балет. Это отражается на каких-то артистических решениях и фактически на судьбах людей. Тем не менее я надеюсь на лучшее. Нас двое. За нами не стоят люди из бизнеса, у нас еще мало спонсоров. Мы занимаемся только творчеством. Я хочу, чтобы на балет приходили потому, что балет – это хорошо и красиво, потому что балет - это навсегда! На сегодняшний момент я могу сказать, что у нас все развивается очень здорово.
-          Вы бы хотели, чтобы ваш сын пошел по вашему пути?
-          Нашему Джорджу будет шесть лет. Он способный. Конечно, если он пойдет по нашему пути, для него это будет проще. Если ему будет нравиться балет, мы ему поможем. С другой стороны, мне бы хотелось, чтобы он не зависел от субъективности нашей профессии.
-          Тогда ему надо в физики или в математики...
-          Все зависит от того, как он будет развиваться. Мы не те родители, которые ему скажут: ты должен быть обязательно в балете, потому что мы там. Сейчас он занимается гимнастикой и плаванием. В балете мы начинали с девяти лет. У него еще три года впереди. Пока – спорт, чтобы улучшить механику тела, научиться работать с мышцами, стать гибким. Что будет дальше – посмотрим.

Nota bene! 17 марта в 7.00 pm в “A & A Ballet” пройдет концерт и “cocktail reception” “Debut: annual celebration of exceptional dance”. В программе: балет “Новые времена” в хореографии Алексея Кремнева, композиции Теренса Марлинга (бывший руководитель студии Hubbard Street 2, ныне – хореограф и педагог “A & A Ballet”) и Марианы Оливейры (артистка балета из Бразилии, бывшая руководительница балетной компании в Лос-Анджелесе, сейчас живет и работает в Чикаго). Исполнители – молодые танцоры “A & A Ballet”. Концерт состоится в помещении Curtiss Hall по адресу: 410 South Michigan Avenue, Chicago, IL 60605. Справки по телефону 312-545-2142.

Фотографии к статье:
Фото 1-2. Алексей Кремнев
Фото 3-7. Анна Резник и Алексей Кремнев
(Все фотографии – из личного архива А.Кремнева)

24 февр. 2018 г.

“Аптека лечебной словесности”. Перед встречей с доктором А.Алексейчиком



В Чикаго приезжает врач-психотерапевт Александр Алексейчик! Уверен, эта новость обрадует всех, кто знает легендарного доктора, ученого, философа, создателя уникального метода лечения психических заболеваний.

Кто есть кто в современной науке. Александр Ефимович Алексейчик - врач-психотерапевт. В 1967 году основал первый в СССР психотерапевтический кабинет, затем - первое стационарное отделение психотерапии, работавшее по принципам терапевтического сообщества. Создатель методов “Интенсивная терапевтическая жизнь” (ИТЖ) и “Экзистенциальная библиотерапия”. С 1977 года ведет Апрельские семинары, на которые съезжаются психотерапевты и психологи со всего мира. Преподаватель Института гуманистической и экзистенциальной психологии (HEPI). Почетный член Восточно-Европейской ассоциации экзистенциальной терапии. Руководитель психотерапевтического отделения Центра психического здоровья в Вильнюсе (Литва).


Признаться, я никогда не слышал о докторе Алексейчике. С ним меня познакомил его ученик, президент Academy NLP, известный в Чикаго и пригородах психотерапевт Вадим Дехтяр (в своей статье я использую материалы из его статей и воспоминаний о докторе).
Метод Алексейчика на первый взгляд выглядит неправдоподобным. На протяжении многих лет для лечения различных психических заболеваний доктор использует библиотерапию, которую он называет “аптекой лечебной, целебной словесности”. Доктор говорит (здесь и далее цитаты приводятся с сокращениями): “Библиотерапия - это лечебное, целебное чтение не только для знания, хотя некоторые знания для больных чрезвычайно важны. Скорее, это чтение для духовности, истины, пути”.
Суть метода Алексейчика - “лечение души душою”. В душе создается пространство для интенсификации жизни страдающего человека, “повышается температура” его душевного и духовного проживания сложных жизненных ситуаций. Трудности и проблемы из плоскости болезни перемещаются в плоскость исцеляющей жизни. Алексейчик говорит: “Cамопознание, встреча с самим собой в психотерапии – это не легкий и приятный процесс поглаживания своего любимого эго, а погружение в собственное несовершенство”.

У доктора Алексейчика есть не только талант врача, но и яркие литературные способности. Вот, например, как ярко и образно он рассказывает о своем методе в книге “Психотерапия жизнью”, глава “Библиотерапия как душевное и духовное чтение”: “Чтение обобщает, единит, исцеляет, создает действенные образы цельного внешнего мира. Одушевляет изнутри и одухотворяет снаружи, извне. Образно это можно себе представить системой афоризмов: буква мертвит - слово живит (потому что слово - уже единство букв, оно уже образ). Книга мертвит - вера живит (книга мертвит, если она на первом месте, впереди человека, если человек становится “книжником”, “фарисеем”, человеком, для которого Книга становится законом). Лучше один раз прочитать, чем сто раз подумать. Лучше один раз прочитать творца, чем сто раз – информатора. Лучше один раз прочитать для дела, чем сто раз – для знания. Лучше один раз прочитать для другого, чем сто раз – для себя. Лучше один раз прочитать для души, с душой, чем сто раз – бездуховно. Лучше один раз написать, чем сто раз – прочитать. Пациенту для исцеления иногда достаточно в БТ (библиотерапии) двух слов, двух строчек, двух текстов, двух книг. Но они должны стать для него больше, чем знанием, информацией. Пациент должен “побыть, пожить на той войне”, у тех сущностей, чтобы они стали жить в нем, обьединяя его с собой, с ним самим. Найти эти две строчки, помочь побыть, пожить с ними, побыть посредником - дело психотерапевта”.

Доктор Алексейчик не только лечит людей, но и придумывает афоризмы. Вот лишь некоторые из них:
Живем один раз. Но каждый день.
Больные живут чаще всего в одной плоскости – или интеллектуальной, или эмоциональной. А жизнь многомерна!
Убийца убивает человека, а самоубийца убивает человечество.
Если вы любите одну собаку, то вы любите всех собак.
Если у вас есть собака, то вы возвращаетесь не в дом, а домой.
Депрессия – печаль не на пользу.
Кто виноват, что делать, и что делать с тем, кто виноват?
Безразличие – без-разных-лиц.
Сознание - со-знание - могу отдать отчет себе в том, что происходит, знание со своим духом, с образами, которые у меня есть, совместное знание с другими.
Не торопитесь избавиться от глупости, не узнав, от чего она вас защищает. Не спешите избавиться от безумия, не узнав, что вас ждет, когда вы будете здоровым.
Дураков тянет к уму. Умных - к глупости. Человечество противоречиво.
Духовные люди душевными болезнями не болеют. Душевные люди болеют только за других.
Настоящий психотерапевт - это врач, человек, с которым больному трудно, но хорошо, полезно болеть.
Лучше быть благодарным, чем умным.
Такой умный, такой умный, что даже дурак.
Некоторые люди в старости впадают в детство, а некоторые возвышаются до него.
Когда переделываем жизнь по-своему, то это своеволие.
Народу – психиатрию, психиатру - коньяк!

Всю жизнь доктор Алексейчик работает в Вильнюсе. Благодаря ему в советские времена город называли психотерапевтической столицей.
Встреча с доктором называется: “Книга как источник исцеления”. Встречу проводит Academy NLP (Чикаго). Доктор Алексейчик расскажет о своей жизни, своем методе, на конкретных примерах продемонстрирует, как выбирать книгу и как работать с текстом в зависимости от проблемы, которую вы хотите решить. Во второй части вечера доктор ответит на ваши вопросы. Приходите - будет интересно!

Подробная информация о методе и семинарах доктора Алексейчика - на сайтах http://alexeychick.ru/ и https://www.alexeychikseminar.com.

Nota bene! Встреча с доктором Алексейчиком состоится 11 марта 2018 года в 4 часа в помещении центра “KRUG” по адресу: 1400 S Wolf Road, Ste 100, Wheeling, IL 60090. Цена билета - $20. Дополнительная информация - по телефону 224-848-0766.

Фотографии к статье:
Фото 1. Александр Алексейчик
Фото 2. Александр Алексейчик со студентами

23 февр. 2018 г.

Лирик-опера Чикаго представляет: “Так поступают все” (“Cosi fan tutte”) В.А.Моцарта



Действующие лица и исполнители:
Фиордилиджи – Анна Мария Мартинес, Феррандо – Эндрю Стенсон,
Дорабелла – Марианна Кребасса, Гульельмо – Джошуа Хопкинс,
Деспина – Елена Цаллагова (дебют на сцене Лирик-оперы),
Дон Альфонсо – Алессандро Корбелли.
Дирижер – Джеймс Гаффиган (дебют на сцене Лирик-оперы).
Режиссер-постановщик – Джон Кокс. Режиссер возобновления - Бруно Равелла.
Постановка Оперы Монте-Карло и Оперы Сан-Франциско.
Продолжительность спектакля - 3 часа 25 минут с одним антрактом.
Опера исполняется на итальянском языке с английскими субтитрами.
17 февраля – 16 марта 2018 года (семь спектаклей).


“Так поступают все” - третья опера, созданная Моцартом с либреттистом Лоренцо Да Понте. До этого были “Свадьба Фигаро’ (1786 год) и “Дон-Жуан” (1787 год). Фабулу для своего либретто Да Понте позаимствовал из оперы Сальери ”Пещера Трофонио”. В этой опере - две пары любовников. Одна – очень серьезная и интеллектуальная: они любят читать книжки и прогуливаться по парку. Другая - довольно фривольная, легкомысленная: любят развлекаться, танцевать, бывать на вечеринках. Но вот как только жены входят вместе в волшебную пещеру Трофонио, происходит чудесное превращение. Легкомысленная жена становится серьезной, серьезная – легкомысленной, и в результате они отвергают своих партнеров, как уже не соответствующих им по характеру. Вот этот сюжет с обменом партнерами и повторяется в “Cosi fan tutte” - именно по этому оригинальному названию знают оперу во всем мире.


На первый взгляд, опера Моцарта - едва ли не анекдот: опытный циник, желая отрезвить неискушенных влюбленных, предлагает им протестировать друг друга на верность и выигрывает пари. Но за этой ширмой скрывается нечто более глубокое. Перед нами - исследование природы любви, как совсем НЕ стихийного, а вполне управляемого чувства. Любовь можно разжечь, любовь можно спланировать, потому что это игра, в которую играют и охотник, и жертва; любовь можно сделать сценическим представлением, доставляющим наслаждение зрителям. Собственно, этим и занимаются шесть героев оперы: тестируя друг друга, наблюдая друг за другом, они незаметно приходят к драматичному финалу: невинность утрачена, счастье разбито, впереди - взрослая трезвость и отсутствие иллюзий.
Мировая премьера оперы состоялась в Бургтеатре Вены 26 января 1790 года. Новая жизнь оперы в XX веке началась с венского спектакля 1900 года, которым дирижировал Густав Малер. Сценический облик героев менялся со временем. Моцартовская игра позволяет режиссерам усомниться в счастливом финале: герои то в растерянности, то образуют новые супружеские пары. В Ла Скала в 1983 году зрители увидели живописно-традиционные стилизации, во Фрайбурге в 1985 году царил хаос свободной любви. Как только не ставили эту оперу!..
В Лирик-опере шедевр Моцарта идет седьмой раз. Впервые опера прозвучала в Чикаго в 1959 году, последний раз ставилась в юбилейный для Моцарта 2006 год. В этом году театр предложил нам возобновление той самой постановки Джона Кокса – традиционной, костюмной, очень удобной для певцов.


В спектакле мы встретимся с целым созвездием молодых талантливых солистов. В партии Фиордилиджи - любимица Лирик-оперы, певица из Пуэрто-Рико Анна Мария Мартинес. Она блестяще дебютировала в 2007 году в Равинии, составив достойную компанию Пласидо Доминго. За прошедшие десять лет певица спела множество самых разных партий на сцене театра, в том числе - Недды (“Паяцы” Р.Леонкавалло, сезон 2008-09 годов), Маргариты (“Фауст” Ш.Гуно, сезон 2009-10 годов), Мими (“Богема” Дж.Пуччини, сезон 2012-13 годов), Русалки в одноименной опере А.Дворжака (сезон 2013-14 годов), Дездемоны (“Отелло“ Дж.Верди, сезон 2013-14 годов), Татьяны (“Евгений Онегин“ П.Чайковского, сезон 2016-17 годов). Мартинес - выпускница Джульярдской школы музыки и студии при Хьюстонской опере.
Французская певица Марианна Кребасса исполняет партию Дорабеллы. После окончания консерватории в Монпелье в 2008 году она дебютировала на сцене местного театра, а через короткое время заключила двухлетний контракт с Парижской оперой. Певица одинаково свободно чувствует себя в барочном репертуаре (на Зальцбургском фестивале 2012 года дебютировала в опере Генделя “Тамерлан“), в операх Моцарта (“Луций Сулла“) и Верди (“Риголетто“), в репертуаре XX века (“Лулу“ Берга) и в современных операх (“Шарлотта Саломон“ Марка-Андре Дальбави на Зальцбургском фестивале 2014 года).
Солистка Немецкой оперы, любимица Берлина Елена Цаллагова дебютирует в Чикаго в партии Деспины. Она родилась во Владикавказе, окончила Владикавказское училище искусств, Академию молодых певцов при Мариинском театре. Стажировалась в  Оперной студии при Парижской опере. После Музыкального фестиваля Россини (Пезаро) певицу пригласили в Немецкую оперу Берлина. Исполняет главные партии в операх Моцарта, Пуччини, Доницетти, Верди.
Итальянский баритон Алессандро Корбелли возвращается в Лирик-оперу с партией Дона Альфонса. Его конек - комические партии в итальянском репертуаре, его визитная карточка - Бартоло в Севильском цирюльнике Россиини. Он пел ее в сезоне 2013-14 годов. Музыкальный руководитель театра сэр Эндрю Дэвис метко заметил, что Корбелли “удается рассмешить всех, оставаясь при этом абсолютно серьезным, – качество, достойное восхищения”.
Маэстро Джеймс Гаффиган - новое имя за дирижерским пультом оркестра Лирик-оперы. Он родился в Нью-Йорке в 1979 году. Учился в консерватории Новой Англии (Бостон) и Высшей школе музыки Шепарда в университете Райса (Хьюстон). Его карьера пошла вверх после победы на Международном конкурсе дирижеров имени Г.Шолти (2004 год). С 2003 до 2006 года Гаффиган работал дирижером-ассистентом Кливлендского симфонического оркестра, с 2006 до 2009 годов был на аналогичной позиции в Симфоническом оркестре Сан-Франциско. После шести лет ассистирования Ф.Вельзеру-Месту и М.Тилсону Томасу Гаффиган ушел в свободное плавание. С 2010 года возглавляет Люцернский симфонический оркестр. Мы слышали этот оркестр под управлением Гаффигана прошлым летом в Равинии, и, как мне кажется, два концерта оркестра стали одними из главных событий фестиваля.

Nota bene! Билеты на оперу ”Так поступают все” и другие спектакли сезона 2017-18 годов, а также абонементы на спектакли сезона 2018-19 годов Лирик-оперы Чикаго можно заказать по телефону 312-827-5600, на сайте https://www.lyricopera.org/, а также приобрести в кассе театра по адресу: 20 North Wacker Drive, Chicago, IL 60606.

Фотографии к статье:
Фото 1Елена Цаллагова. Фото – Аллан Ричард Тобис
Фото 2. Сцена из спектакля “Так поступают все”. Опера Сан-Франциско. Фото – Кори Вейвер
Фото 3. Анна Мария Мартинес
Фото 4. Джеймс Гаффиган

20 февр. 2018 г.

Театральный уик-энд в театре-студии “By the Way”



Театр-студия Вячеслава КагановичаBy the Way устраивает театральный УИК-ЭНД! В течение трех дней (23-25 февраля) театр покажет три спектакля. Все показы для зрителей – спасибо спонсорам! – абсолютно БЕСПЛАТНЫЕ! Обо всем по порядку.

23 февраля, 7.00 pm. “Айдонт андерстенд” по пьесе Виктора Шендеровича “Потерпевший Гольдинер”. Режиссер-постановщик - Сергей Коковкин. В ролях: Вячеслав Каганович и Марина Карманова.
Премьера спектакля состоялась 22 октября 2011 года.
Спектакль “Айдонт андерстенд” семь лет с успехом играется в Чикаго, ему аплодировали зрители Нью-Йорка и Москвы. По следам московских гастролей пьесой Шендеровича заинтересовалась “тяжелая артиллерия”. В “Школе современной пьесы” “Гольдинера...” в постановке Иосифа Райхельгауза играл Альберт Филозов. Спектакль назывался “Последний ацтек”. Премьера состоялась в феврале 2014 года. Роль Гольдинера оказалась последней в жизни актера. К юбилею Владимира Этуша был выпущен антрепризный вариант “Гольдинера...” с мэтром в главной роли.
Вначале была пьеса Виктора Шендеровича “Потерпевший Гольдинер”. На мой вопрос “Кто такой Гольдинер?” автор ответил так: “Гольдинер – персонаж вымышленный, у него нет одного прототипа. Мой Гольдинер состоит из четырех совершенно разных людей, живущих в разных странах за пределами России. Четыре человека, из которых я собирал своего Гольдинера. Собирал психологически, биографически...”. Режиссеру Сергею Коковкину в пьесе Шендеровича показался интересным диалог двух поколений. Он рассказывает: “Она - молодая, он - пожилой, она - американка, он – человек, выросший в Советском Союзе, продукт прежней жизни с упрямой упертостью сознания. Гольдинер двадцать лет живет в Америке, не пытаясь интегрироваться в новое для него пространство. Он остается в замкнутой клетке своего мирка. Он пропустил эти двадцать лет. Мне интересно его столкновение с женщиной, вызывающей у него неприязнь, даже – отторжение, но именно она заставляет его иначе взглянуть на мир и свое предназначение в нем. В пьесе три героя: Он, Она и Время...”. Об этом же - конфликте двух миров, двух мировоззрений – говорит Виктор Шендерович: “Главный герой пьесы – старик, человек из анекдота, если говорить о типаже. “Как вам Америка?” – “Не знаю, мы туда не ходим.” Этот человек эмигрировал и “окуклился” в небольшом эмигрантском, брайтонском мире. Героиня пьесы живет в Америке с шести лет. Она ощущает себя американкой, для нее Брайтон – “зоопарк”. Вынужденная встреча и взаимное узнавание людей разных поколений, разных культур, для одного из которых “зоопарк” – Америка, а для другого – эмиграция, мне показались очень любопытными. Когда Слава Каганович прочел пьесу и захотел ее поставить, я пошел на это с удовольствием”.


24 февраля, 7.00 pm. “Селфи со Склерозом” по одноименной пьесе Александра Володарского. Режиссер-постановщик – Иосиф Шац. В ролях: Марина Смолина, Вячеслав Каганович, Борис Борушек.
Премьера спектакля состоялась 18 ноября 2017 года.
Самый молодой спектакль театра-студии By the Way”. Режиссер Иосиф Шац так объясняет выбор пьесы:Пьеса Володарского похожа на исповедь человека о жизни, “что произошла”, о любви, времени, одиночестве, способности оставаться собой. Главная героиня пьесы Майя Михайловна утверждает: “Любовь - самое ценное, что есть в человеке”. И другие герои пьесы, несмотря на превратности судьбы и сложности жизненных обстоятельств, верны не только этому утверждению, но еще дружбе, привязанности, долгу и чести, сохраняя в себе те качества, которых сегодня многим не хватает. Они - не какие-то вымышленные, придуманные герои, а настоящие, искренние, со своими страстями, представлениями о счастье и судьбе. Майя Михайловна - реальная женщина. Ей сегодня девяносто лет, она бодра духом, живет в Киеве. Была женой отца Володарского. После смерти отца Александр не оставил ее, помогал, заботился, опекал, иногда записывал ее воспоминания, рассуждения и даже анекдоты, ставшие впоследствии, как я понимаю, материалом пьесы. В нынешние преклонные годы у Майи Михайловны память уже не столь крепка. Она часто повторяет: “Я не помню, что было только что, но прекрасно помню, что было пятьдесят лет назад”. В один из визитов Майя Михайловна спросила, какое сегодня число? “1 декабря”, - ответил Александр. Майя Михайловна тут же выдала: “Сегодня - день убийства Кирова”... В ее эмоционально окрашенных, наполненных драматизмом и юмором монологах возникает образ ушедшего времени”. 


25 февраля, 7.00 pm. “Шагал. Цвет любви” по пьесе Зиновия Сагалова “Полеты с ангелом”. Режиссер-постановщик – Арнольд Швецов. В ролях: Вячеслав Каганович, Марина Смолина, Михаил Клейнерман.
Премьера спектакля состоялась 15 мая 2015 года.
“Шагал. Цвет любви” - рассказ о жизни и творчестве Марка Шагала. Озаренные цветом любви, мы становимся свидетелями наиболее заметных эпизодов из жизни великого Художника. Детство и юность в Витебске, мама, жена и муза Белла, голод, революция, годы в Петрограде, фашизм, Париж, далее везде... От рыбной лавки к Лувру – “дистанция огромного размера”. Мало кто выдерживал испытание такой славой. Шагал выдержал и остался таким же, каким и был: наивным, смешливым ребенком...
Вячеслав Каганович признается: его сразу “зацепила” пьеса Сагалова: “В Шагале я увидел персонажа масштаба Короля Лира. Он говорит: “Да, грешник, грешник я. Разве закрыл глаза я родителям своим иль помолился на их заброшенных могилах? Нет, я посмел в своей гордыне перевернуть твою Вселенную, о Боже!”. Потрясающе! Я там увидел столько слоев и столько возможностей! Один актер может исполнить девять мужских персонажей, одна актриса - шесть женских. Мы с режиссером сразу решили, что для изменения внешнего вида необязательно полностью переодеваться. Нужна одна деталь. Завязанный шарф – уже другой персонаж... Конечно, привлек язык пьесы - верлибр. Это сразу позволяет посмотреть на эту историю в необычном ракурсе... Автор четко определил жанр пьесы - “романтическая притча”. В нашем названии есть указание на конкретного художника и тот самый “цвет любви”, который выводит спектакль на метафорические обобщения. Некоторые события, описанные в пьесе, на самом деле с Шагалом не происходили. Автор взял на себя право и ответственность наделить биографию Шагала многими обобщающими чертами других человеческих судеб. Шагал никогда не восходил на Голгофу. Это - метафора. Шагала никто не распинал. Он счастливо отделался: вовремя уехал от большевиков, вовремя покинул Берлин. И портрет Беллы на самом деле не сжигали. Он остался. А в пьесе сказано: “Меня сожгли на площади”. Наш спектакль – это обобщенная история великого Художника”.

Nota bene! Все спектакли пройдут в помещении Northbrook Theatre по адресу: 3323 Walters Avenue, Northbrook, IL 60062. Вход на все спектакли свободный. Билеты не требуются.

Фотографии к статье:
Фото 1. Сцена из спектакля “Айдонт андерстенд”. Фото - Борис Яновский
Фото 3. На репетиции спектакля “Селфи со Склерозом”. Фото - Борис Яновский
Фото 2. Сцена из спектакля “Шагал. Цвет любви”. Фото - Борис Яновский