31 мар. 2017 г.

“Пустое пространство” Мастера. Перед премьерой в Чикаго нового спектакля Питера Брука

В течение пяти дней в Чикаго будет гастролировать труппа парижского театра “Буфф дю Нор” (Théâtre des Bouffes du Nord). Играют спектакль “Поле битвы“ (“Battlefield“) одного из величайших режиссеров современности Питера Брука. Рассказ об этом спектакле впереди, а пока о том, что ему предшествовало.
...Все началось в начале восьмидесятых, когда Питер Брук с актерами начал работу над спектаклем “Махабхарата“. В начале действия индийский мальчик спрашивает, как возникло человечество. Ответом ему служит история борьбы за власть двух враждующих семейств: Пандавы (олицетворение сил добра) и Кауравы (сил зла). Стоящий над схваткой бог Кришна призывает обе стороны прекратить кровавое противостояние и жить в мире. Однако увещевания бога не работают. Борьба продолжается...
Премьера “Махабхараты“ состоялась в 1985 году на Авиньонском театральном фестивале. Представление длилось девять часов. В 1989 году режиссер выпустил телевизионную версию. На протяжении многих лет Брук с актерами ездили в Индию, чтобы поглубже погрузиться в историю и культуру этой страны. В книге “Две лекции о Шекспире“ режиссер писал: “Оптимизм в условиях реальности - ложь, пессимизм - мастурбация и любование своими страданиями. Однако третий путь отношения к действительности чрезвычайно труден, ибо он призывает открыть себя одновременно для всего, что невыносимо в человеческом существовании, и к тому, что озаряет человеческое существование... “Махабхарата“ о войне, о насилии. Глубинный смысл конфликта модели человеческого общества исследуется здесь совсем по-другому, нежели в фильмах об ужасах войны. Чувство здесь наполнено больше жизнью, чем смертью. С таким качеством мы встречаемся в греческой трагедии, где чем ужаснее события, тем больше правды мы узнаем о них. И вместе с тем чем больше правды вы узнаете об этих событиях, тем больше вы понимаете их неотвратимость и тем меньше ощущаете в реакции публики самодовольства или мысли о гибели человечества. Как ни странно, такой трезвый взгляд на реальность обостряет вашу способность жить“.
Стивен Холден из New York Times писал после премьеры: “Махабхарата“ - аллегория с сильным утопическим оттенком сталкивающихся мировых культур и политических философий, в которых цивилизация поднимается, падает и рождается заново“.
Спустя тридцать лет после “Махабхараты“ Питер Брук решил вновь обратиться к индийскому эпосу и создал спектакль “Поле битвы“. В нем основное внимание уделяется последствиям войны, описанным в древнем тексте на санскрите. На одной стороне - пять братьев семьи Пандавы, на другой - их двоюродные братья из семьи Кауравы, сто сыновей слепого короля Дритараштра. В ходе страшной битвы Пандавы побеждают. Старший из семьи Пандавы - принц Юдиштира - должен стать Королем. Тысячи жертв, мертвые тела на земле, “горький вкус поражения у победителей“ (это выражение самого Брука). И Юдиштира, и Дритараштра испытывают угрызения совести, подвергая сомнению их прошлые поступки, чувствуя ответственность за катастрофу. Как после ужасной резни, потеряв своих сыновей, их семьи, союзников, обрести покой новому Королю?.. Спектакль ставит перед зрителями вопросы о семье, войне и смерти - вечные, “проклятые“ вопросы бытия, провоцирующие нас на размышления о конфликтах сегодняшнего дня.
Автор пьесы - давний соавтор Брука Жан-Клод Каррьер. Инсценировка и постановка сделана Питером Бруком совместно с Мари-Элен Этьенн. Они работают вместе с 1974 года.
Не ждите в этом спектакле больших форм и даже небольших декораций. Питер Брук предпочитает “пустое пространство”, как назвал он свою книгу, и “голый текст”. Так было и в его знаменитом “Гамлете”, и в спектакле “Фрагменты” - собрании пяти коротких сценок, поставленных по пьесам Сэмюэля Беккета.
В аскетических спектаклях Брука актерам не за что спрятаться, играют они “до полной гибели, всерьез”. Каждый из участников берет на себя “роль первой скрипки”, чтобы в следующей сцене передать ее другому.
Брук любит работать с небольшим количеством актеров. “Фрагменты” разыгрывали трое, “Поле битвы” покажут нам четверо: Кароль Каремера, Джаред Макнилл, Эри Нзарамба, Шон О’Каллахан. Пятый участник - японский композитор и актер Тоси Цукитори, единомышленник и со-творец бруковских спектаклей. Вся музыка в этом и многих других спектаклях Брука (в том числе, в “Гамлете”) - его, и он, как правило, сам является ее исполнителем. Единственный в этом составе, Цукитори участвовал в первом составе “Махабхараты”.
21 марта 2017 года Питеру Бруку исполнилось девяносто два года. За свою долгую творческую жизнь он поставил более пятидесяти пяти спектаклей и более десяти фильмов. Брук родился в Лондоне. Там же в 1943 году состоялся его режиссерский дебют. Он работал на прославленной сцене Королевского шекспировского театра, ставил сложные философские шекспировские спектакли (“Король Лир”, “Гамлет”, “Макбет”), но в какой-то момент академическая сцена оказалась для него скучна. Он переехал в Париж и в 1971 году создал Международный центр театральных исследований. С тех пор Брук постоянно экспериментирует со словом, образами, светом. Из костюмного театра он переходит к театру площадному, театру улицы; декларируя неприятие политического театра, в разгар вьетнамской войны показывает яркую антивоенную пьесу (спектакль “Мы”); устав от парижской сцены, отправляется в Африку и готовит спектакли на открытом воздухе; устав от Африки, возвращается в Европу и ставит изысканные итальянские классические оперы в Ковент-Гарден; экспериментирует с классикой, жадно бросается к современной драматургии и возвращается в театр абсурда... Питеру Бруку интересны разные актеры – он работал с европейскими, азиатскими, африканскими актерами, с актерами разных рас, вероисповеданий, культур, театральных школ.
С 1974 года длится сотрудничество Питера Брука с парижским театром “Буфф-дю-Нор“. Это была любовь с первого взгляда. Брук проработал в театре тридцать четыре года, создав в нем выдающиеся спектакли. Кроме “Махабхараты“, это “Вишневый сад“, “Буря“, “Гамлет“, “Смерть Кришны“ и многие другие. В 2008 году Брук передал руководство театром режиссерам Оливье Мантею и Оливье Пубелю, тем не менее он периодически возвращается в родной коллектив с новыми проектами.
Два года назад Брук потерял жену Наташу Перри. На протяжении шести десятилетий они были неразлучной парой. Она была замечательной актрисой и преданным другом режиссера.
Брук – само олицетворение театра: открытого космополитичного мира, единственным критерием которого служит талант и преданность делу.
С Чикаго режиссера связывают особые отношения. В 2001 году он привез в город новую интерпретацию “Гамлета”, сделанную им специально для театра “Буфф дю Нор”. В 2002 году режиссер показал экспериментальную работу “Костюм” с участием актеров из Южной Африки, в 2008 году – спектакль “Фрагменты”. Чикаго был единственным американским городом, в котором Брук представил этот спектакль. И вот новая, четвертая работа великого режиссера, которую увидят чикагские зрители.
Кто-то скажет, что спектакли Брука слишком просты. Да, наверно. Но мне кажется, что это та самая “неслыханная простота” Мастера, которая сродни гениальности. Ведь все гениальное просто! Питер Брук всю жизнь находится в поиске, он строит театр, который называет “живым”, - театр, очищенный от фальши, штампов, неискренности. “Поле битвы” – еще один шаг в этом направлении. Не пропустите!
Премьера спектакля “Поле битвы” состоялась осенью 2015 году в театре “Буфф дю Нор”. После этого прошли показы в Сингапуре, Токио, Мумбае, Гонконге, Риме, Мадриде и Лондоне (театра Young Vic). Американская премьера состоялась в сентябре 2016 года в Нью-Йорке. Показ спектакля в Чикаго организован совместно Музеем современного искусства и Чикагским шекспировским театром (Chicago Shakespeare Theater).
Nota bene! Спектакль “Поле битвы” идет с 5 по 8 апреля в помещении The Museum of Contemporary Art Chicago по адресу: 220 E Chicago Ave, Chicago, IL 60611$40. Билеты - на сайте https://mcachicago.org/Home или по телефону 312-397-4010.
Фотографии к статье:
Фото 1-11. Сцены из спектакля “Поле битвы”. Фото – Каролин Моро и Паскаля Виктора 

29 мар. 2017 г.

Чикагский симфонический центр представляет... Концерты 29 марта – 5 апреля 2017 года

29 марта, 8.00 pm. Камерный концерт скрипачки Анны-Софии Муттер и пианиста Ламберта Оркиса. В программе: пьеса Заводной механизм для скрипки и фортепиано современного американского композитора Себастьяна Курье, Соната для скрипки ля мажор В.А.Моцарта, Соната для скрипки си минор О.Респиги, Интродукция и рондо каприччиозо ля минор для скрипки и фортепиано К.Сен-Санса.
Анна-София Муттер вспоминает: “С детских лет Моцарт присутствовал в моей жизни, я росла с его именем на устах”. Произведения Моцарта Муттер впервые услышала в шесть лет в исполнении Клары Хаскиль, и на всю жизнь ее манера игры стала для скрипачки образцом для подражания. В девять лет Муттер с провинциальным немецким оркестром уже играла Второй скрипичный концерт Моцарта, в тринадцать - исполняла Моцарта в Зальцбурге с оркестром Герберта фон Караяна, к двадцати она покорила весь мир. У Муттер невероятно богатый и разнообразный репертуар – кроме основных классических скрипичных произведений она много и активно играет современную музыку. Муттер - одна из самых ярких интерпретаторов современной музыки. Самые прославленные композиторы нашего времени – Витольд Лютославский, Вольфганг Рим, Кшиштоф Пендерецкий, Андре Превин – сочиняли специально для Муттер и посвящали ей свои произведения. С 1988 года Анна-София Муттер выступает в камерных концертах вместе с виртуозным американским пианистом Ламбертом Оркисом, который к тому времени уже был всемирно известен как аккомпаниатор Мстислава Ростроповича. Оркис завоевал признание именно как камерный музыкант. Он любит играть в ансамбле и объясняет свою любовь так: “Я не выпячиваю себя и умею слушать моих друзей”. Ничего сложного, правда?..
С Муттер у Оркиса сложились особые взаимоотношения – они одинаково мыслят, идеально понимают и подходят друг другу. Записанный Муттер и Оркисом диск со скрипичными и фортепианными сонатами Бетховена получил премию “Грэмми” в категории “Лучшая камерная запись года”. В сезоне 2002-03 годов Муттер и Оркис исполняли в Чикаго произведения Форе, Гершвина, Брамса, Превина, в сезоне 2006-07 годов - Скрипичные сонаты Моцарта. И вот – новая встреча с прекрасным дуэтом в Симфоническом центре.
30 и 31 марта, 1 апреля, 8.00 pm. Чикагским симфоническим оркестром (далее - ЧСО) дирижирует наш старый знакомый, бывший музыкальный руководитель Музыкального фестиваля в Равинии Джеймс Конлон. На этот раз он выбрал немецкую программу: одно из величайших симфонических произведений всех времен и народов - Восьмая (Неоконченная) симфония Ф.Шуберта - и Песнь о Земле Г.Малера для двух солистов и оркестра. Солисты: Сара Коннолли, меццо-сопрано; Стивен Гулд, тенор.
За час перед началом концертов на втором этаже Симфонического центра (30 марта, Armour Stage; 31 марта и 1 апреля, Grainger Ballroom) состоятся тридцатиминутные беседы профессора отделения музыкальной теории и композиции Western Illinois University Пола Паччионе об исполняемых произведениях.
2 апреля, 3.00 pm. Камерный концерт Trio Calico в составе музыкантов ЧСО Джины Дибелло (скрипка, руководитель трио), Йоминга Чена (альт), Кеннета Олсена (виолончель).
В программе: струнное трио Grosse Tugenden современного американского композитора Джадда Гринстейна и Гольдберг-вариации И.С.Баха в переложении для струнного трио (аранжировка Дмитрия Ситковецкого).
Обратите внимание. Концерт состоится в помещении Kenwood Academy по адресу: 5015 South Blackstone Avenue, Chicago, IL 60615. Вход свободный.
3 апреля, 7.00 pm. Музыкальный критик газеты The Chicago Tribune Джон фон Райн однажды сказал: Современная музыка в Чикаго убрана в отдельное гетто. Ее можно услышать только в театре Харрис. На очередном из таких концертов серии MusicNOW можно будет услышать целых две мировые премьеры: пьесы shadows of listening“ нью-йоркского композитора Маркоса Балтера и “Для двух или трех инструментов“ умершего в ноябре прошлого года американского композитора Паулин Оливерос. Концерт называется Ослепительный Пьер Булез и посвящен памяти великого музыкального реформатора XX века. В программе вечера - три произведения композитора: Dérive 1“ (1984), “12 Notations“ (1945), “Memoriale“ (1985).  
Исполнители - музыканты ЧСО Стефан Рагнар Хескулдссон (флейта), Катинка Кляйн (виолончель), Конор Ханик (фортепиано). Дирижер - многолетний руководитель Civic Orchestra of Chicago Клифф Колнот.
Обратите внимание. Концерт состоится в помещении Harris Theater for Music and Dance по адресу: 205 East Randolph Drive, Chicago, IL 60601.
апреля, 8.00 pm. Концерт Civic Orchestra of Chicago. В программе: Тридцать четвертая симфония В.А.Моцарта, Весна священная И.Стравинского. Дирижер - Эрина Яшима. По итогам Международного конкурса дирижеров имени Георга Шолти Яшима получила право на двухлетнюю стажировку в Чикаго (Chicago Symphony Orchestra Association’s International Sir Georg Solti Conducting Apprenticeship). Яшима ассистирует музыкальному руководителю ЧСО Риккардо Мути и работает с Civic Orchestra of Chicago. Яшима родилась в Германии, училась в Ганновере, Фрайбурге, Вене и Берлине. Вход на концерт свободный, по билетам.
Nota bene! Билеты на все концерты Чикагского симфонического центра сезона 2016-17 годов, а также абонементы на концерты сезона 2017-18 годов можно приобрести на сайте www.cso.org, по телефонам 312-294-3000 и 800-223-7114, по почте или в кассе по адресу: 220 South Michigan Ave., ChicagoIl 60604.
Фотографии к статье:
Фото 1. ЛОГО ЧСО
Фото 2. Анна-София Муттер. Фото – Тина Тахир
Фото 3. Джеймс Конлон. Фото – Ravinia Festival
Фото 4. Кеннет Олсен. Фото - Тодд Розенберг
Фото 5. Катинка Кляйн. Фото - Тодд Розенберг
Фото 6. Эрина Яшима 

27 мар. 2017 г.

“Нужный порядок святых слов”. О спектакле Court Theatre “Трудная задача” и новом сезоне театре

Человек, разговаривающий сам с собой,
но со смыслом, не более безумен,
чем человек, разговаривающий
с другими, но несущий околесицу.
Том Стоппард
Шестьдесят второй сезон Court Theatre продолжается чикагской премьерой спектакля
Трудная задача” (“The Hard Problem) по пьесе Тома Стоппарда. Режиссер-постановщик – художественный руководитель театра Чарльз Ньюэлл.
Крупнейший драматург современности, Стоппард молчал десять лет. Два года назад он вернулся, чтобы сказать нам что-то важное. Попробуем разобраться...
Главная героиня спектакля - психолог Хиллари. Она работает в институте мозга, изучает связь материи и сознания и пытается понять, как одно связано с другим. Хиллари пугает рационализм и прагматизм современного общества. Она уходит мыслями в прошлое, и здесь ее работа как психолога вступает в противоречие с личными воспоминаниями. В пятнадцать лет она родила девочку. Оставить у себя не смогла - отдала в другую семью. Какую, она не знает. Знает только имя девочки, которое сохранили приемные родители, - Кэти. Если все вопросы можно задать компьютеру, то заменит ли он людей, и есть ли в новой вселенной место если не Чуду, то хотя бы Добру?.. Задача, прямо по названию, трудная как для зрителей, так и для режиссера.
Снова мы наслаждаемся глубиной и изяществом диалогов и решаем интеллектуальный ребус-детектив прославленного драматурга-философа. Стоппард - романтик. Он верит в нравственность науки, в этические принципы, на которых построена наша вселенная, верит в людей, в Добро. Он говорит: “Я не хожу в церковь, но постоянно нахожусь в состоянии разговора с чем-то, что не является материальным”. И еще из интервью Стоппарда: Я стараюсь писать так, как мастерят крикетные биты: чтобы слова пружинили и мысль не увязала. Из слов, если обращаться с ними бережно, можно как из кирпичиков выстроить мост через бездну непонимания и хаоса... Я не считаю писателя святым, но слова для меня - святы. Отберите нужные, расставьте в нужном порядке – и в мире что-то изменится.
Разговорные пьесы Стоппарда полны аллюзий и символов, в них нет сюжета, а жонглирование “святыми” словами на сцене красиво не поставишь. Отсюда – идея Ньюэлла сделать спектакль подчеркнуто минималистским. Пустая, почти квадратная сцена, ярко подсвеченная по периметру. Белые стены - шкафчики, откуда главная героиня достает нехитрый реквизит: одежда, компьютер, компьютерная сумка... Смена сцен происходит на наших глазах. Плед и халат – мы находимся в спальне Хиллари; пиджак, туфли на каблуках и рабочий халат – и спальня превращается в отдел Института Крола по изучению мозга... Сцены меняются динамично, за героями интересно наблюдать, и, несмотря на отсутствие действия, спектакль смотрится на одном дыхании.
Среди современных драматургов Том Стоппард является рекордсменом по числу постановок в Court Theatre. “Трудная задача” – его девятая пьеса на сцене театра. Тут знают, как ставить Стоппарда, и любят работать с его драматургией. Среди чикагских режиссеров Чарльз Ньюэлл считается специалистом по Стоппарду. Он шестой раз обращается к творчеству драматурга.
Довольно любопытна история постановки спектакля. В 2014 году в театре отмечался двадцатилетний юбилей Ньюэлла на посту художественного руководителя. Совет директоров Court Theatre преподнес режиссеру и его жене Кейт подарок – недельный тур в Лондон. В начале 2015 года чета отправилась за новыми впечатлениями. Так совпало, что в это время Национальный театр как раз показывал премьеру “Трудной задачи” (режиссер - тогдашний художественный руководитель театра Николас Хайтнер). По приглашению Стоппарда Ньюэлл посмотрел спектакль и вернулся в Чикаго с твердым намерением поставить пьесу на сцене родного театра. От замысла до воплощения прошло два года.
Украшением спектакля стала исполнительница роли Хиллари, актриса Чаон Кросс. Я впервые увидел ее в роли Грушеньки в инсценировке Хайди Стиллман романа “Братья Карамазовы” (сезон 2008-09 годов). За последние несколько лет актриса сыграла немало интересных ролей на сценах Steppenwolf Theatre, Court Theatre, Chicago Shakespeare Theater, Redmoon Theater, Northlight Theatre, а также в Milwaukee Repertory Theater и Cleveland Play House. Кросс играла в сериалах “The Exorcist” (FOX), Chicago Fire (NBC), “Boss” (Starz), “Detroit 1-8-7” (ABC) и картине “My Dog Skip” (Warner Bros).
В ролях: Юрген Хупер (Спайк), Оваис Ахмед (Амаль), Селесте Купер (Джулия), Кейт Фрай (Урсула), Эмджой Гавино (Бо), Натан Хоснер (Джерри), Брайан Маккаскилл (Лео), Софи Татчер (Кэти).
В ближайших планах Court Theatre – спектакль Харви (Harvey”) по пьесе Мэри Чейз в постановке Девона де Майо (11 мая – 11 июня).
Недавно стали известны подробности нового, шестьдесят третьего сезона. В нем – пять спектаклей:
мюзикл Five Guys Named Moe по пьесе Кларк Питерса в постановке резидента театра Рона О Джей Парсона и Фелисии Филдс - музыкальное посвящение саксофонисту и композитору Луи Джордану (7 сентября - 8 октября 2017 года);
“Красавица Амхерста“ (“The Belle of Amherst“) - исследование непростой жизни и творческого пути Эмили Дикинсон. Спектакль поставлен по пьесе Уильяма Люса в постановке Шона Грени с Кейт Фрай в роли знаменитого американского поэта (2 ноября - 3 декабря 2017 года);
“Все мои сыновья“ (“All My Sons“) по ранней пьесе классика драматургии XX века Артура Миллера в постановке Чарльза Ньюэлла с Тимоти Эдвардом Кейном и Джоном Джаддом (11 января - 11 февраля 2018 года);
семейная драма “Угадай, кто придет к обеду?“ (“Guess Who’s Coming to Dinner“) по пьесе Тодда Крайдлера (созданного на основе сценария Уильяма Роз) в постановке Марти Лайонса с Жаклин Уильямс в главной роли (15 марта - 15 апреля 2018 года);
спектакль об известном американском юристе, члене Верховного суда США  с 1986 по 2016 годы Антонине Скалиа “Олицетворение“ (“The Originalist“) по пьесе Джона Странда (премьера в Чикаго, 10 мая - 10 июня 2018 года).
Спектакль Court Theatre сезона 2014-15 годов Ифигения в Авлиде (Iphigenia in Aulis) будет реконструирован в помещении музея древнегреческого искусства Getty Villa в Калифорнии. Перевод на английский язык сделан основателем Court Theatre Николасом Рудаллом. Режиссер - Чарльз Ньюэлл. В спектакле заняты актеры, участвовавшие в премьерных показах в Чикаго.
От мюзикла до биографической истории ведущего американского поэта, от трагедии Артура Миллера до сценической версии популярного фильма и политического портрета печально известной фигуры американской юриспруденции, - Court Theаtre приглашает всех на разнообразные по тематике спектакли нового сезона, - говорит художественный руководитель театра Чарльз Ньюэлл.
Nota bene! Спектакль “Трудная задача” идет до 9 апреля 2017 года в помещении Court Theatre по адресу: 5535 South Ellis Avenue, Chicago, IL 60637. $48-$68. Билеты на этот и другие спектакли сезона 2016-17 годов, а также абонементы на спектакли сезона 2017-18 годов - по телефону 773-753-4472 и на сайте www.courttheatre.org. Там же вы найдете информацию об истории создания и сегодняшнем дне театра.Для групп в десять человек и больше (Group Tickets) предусмотрены скидки. 
Фотографии к статье:
Фото 1-8. Сцены из спектакля “Трудная задача”. Фото – Майкл Бросилоу 

22 мар. 2017 г.

Чикагский симфонический центр представляет... Концерты 24-26 марта 2017 года

24 марта, 7.30 pm; 25 марта, 1.30 pm. Чикагский симфонический оркестр (далее - ЧСО) исполнит произведения Джорджа Гершвина. В программе: увертюра к мюзиклу Играй, оркестр (Strike Up The Band), песня Туманный день (A Foggy Day), симфоническая поэма Catfish Row (на темы из оперы Порги и Бесс), Рапсодия в стиле блюз, симфоническая поэма Американец в Париже.
Пианист и дирижер - Брамвелл Тови. С 2000 года он является музыкальным руководителем Ванкуверского симфонического оркестра (Канада). В 2018 году (год столетия оркестра) он станет его почетным руководителем.
25 марта, 8.00 pm. Сольный концерт индийского мастера игры на ситаре Анушки Шанкар, дочери легендарного музыканта Рави Шанкара.
26 марта, 3.00 pm. Блистательный Даниил Трифонов снова в Чикаго! В новой сольной программе пианиста - Детские сценыТокката и Крейслериана Р.Шумана, фрагменты из Двадцати четырех прелюдий и фуг Д.Шостаковича, Три фрагмента из Петрушки И.Стравинского.
Даниил Трифонов родился в 1991 году в музыкальной семье. Бабушка – дирижер хора, мама – теоретик, папа – композитор. В беседе со мной Даниил сказал: “Пианино было дома всегда. До пяти лет я не проявлял никакого интереса к этому инструменту, а потом вдруг стал сочинять. Родители обнаружили у меня абсолютный слух и решили отдать в музыкальную школу”. С тех пор жизнь Даниила была предопределена...
  • Вы помните ваши первые музыкальные впечатления?
  • Помню свое любопытство и отсутствие прагматической направленности. Самым ярким впечатлением детства было выступление с Нижегородским академическим симфоническим оркестром. Мне было восемь лет, я играл первую часть Семнадцатого концерта Моцарта, и во время выступления у меня выпал молочный зуб.
Трифонов учился в Детской музыкальной школе №18 Нижнего Новгорода (педагог - Татьяна Рябчикова). Когда родители увидели прогресс в игре сына на фортепиано, семья тронулась с места и отправилась в Москву. Даниил продолжил обучение в Гнесинской музыкальной школе в классе Татьяны Абрамовны Зеликман.
  • Мы хотели попасть только к ней. До переезда в Москву я несколько раз приезжал к Татьяне Абрамовне, играл свой репертуар.
  • Какие “особые приметы” выделяют ее среди педагогов?
  • Огромное внимание к мельчайшим деталям, фактуре, фразировке исполняемого произведения, вдумчивое, серьезное отношение к музыке.
  • И никакой конкурсной муштры?
  • Татьяна Абрамовна меня берегла от частого выступления на конкурсах. Единственный конкурс, в котором я участвовал в то время, был телевизионный конкурс “Щелкунчик” канала “Культура”. Потом, в шестнадцать лет, я победил на конкурсе республики Сан-Марино, и с этого времени началась моя концертная деятельность.
У Татьяны Абрамовны Даниил Трифонов проучился девять лет. Потом в его жизни появился Кливлендский институт музыки. По совету Татьяны Абрамовны Трифонов учился в классе Сергея Бабаяна.
  • Я ценю Сергея Бабаяна как музыканта и педагога. И Зеликман, и Бабаян – представители разных ветвей одной фортепианной школы Нейгауза, только от разных учеников. Зеликман – ученица Теодора Гутмана, Бабаян – Льва Наумова и Веры Горностаевой. Учебу я начал с классической программы (бакалавриат), учил теорию музыки, историю музыки, другие предметы. Но эта программа требует постоянного присутствия, а с моими разъездами такое невозможно. После конкурса Шопена и месяца гастролей я перешел на специальную программу “Artist Certificate” для концертирующих артистов.
  • Неужели после Гнесинской школы вам еще было чему учиться?
  • Сольфеджио (гармония) преподается в Гнесинской школе на высочайшем уровне. После приезда в Кливленд я за полгода сдал курс, рассчитанный на два-три года... Зато были сложности, связанные с языком. У меня не было опыта общения. Пришлось брать английские курсы, сдавать TOEFL. Всегда есть чему учиться... 
Трифонов - стипендиат фонда Наума Гузика (Nahum Guzik Foundation), лауреат Третьей премии и Специального приза за лучшее исполнение мазурки на международном конкурсе пианистов имени Ф.Шопена в Варшаве (2010 год), лауреат Первого приза, приза зрительских симпатий, приза за лучшее исполнение камерной музыки и приза за лучшее исполнение произведения Шопена на Международном конкурсе пианистов имени А.Рубинштейна в Тель-Авиве (2011 год), обладатель Гран-при, приза за лучшее выступление с камерным оркестром и приза зрительских симпатий на XIV международном конкурсе пианистов имени П.Чайковского в Москве (2011 год). В финале конкурса трое из пяти участников исполняли Третий фортепианный концерт С.Рахманинова, а педагог Трифонова Сергей Бабаян посоветовал ему сыграть Шопена. Он сказал: “Докажи, что можно сыграть Шопена и победить. Стань первым, кому это удалось”. Трифонову это удалось.
Вот еще несколько фрагментов моего интервью с пианистом.
  • Кто повлиял на ваше музыкальное развитие?
  • Мои родители и педагоги. Я особенно ценю в них бескомпромиссность в музыкальных решениях и честность.
  • Какие пианисты служат для вас кумирами в фортепианном искусстве?
  • На уроках Татьяны Абрамовны я часто слушал записи великих пианистов прошлого: Игнаца Фридмана, Сергея Рахманинова, Владимира Горовица, Альфреда Корто, Артура Шнабеля. Все они являются моими кумирами.
  • Слушая произведения в их исполнении, вы заимствуете их манеру?
  • Копировать других не стоит. Имитация никогда не заменит интерпретацию. Все равно любой материал должен быть пропущен через себя. Мы исполняем не просто ноты – мы выражаем образы и эмоции композитора. И вот здесь проявляется индивидуальность. Все равно сыграть так, как бы хотел композитор, не представляется возможным. Многие композиторы как раз были известны свободой к новым трактовкам. Необходимо доверяться естественному музыкальному течению и иметь почти детскую непосредственность в реакции на музыкальный материал.
  • Выходя на сцену, вы думаете о том, какое впечатление произведете на публику, или это уходит на второй план?
  • И не на второй, и не на третий, а куда-то глубже. Нужно научиться полностью абстрагироваться от всего того, что выставляет вперед исполнителя, а не композитора. Прежде всего важна концентрация на музыке. Нужно быть честным с музыкой. Не продавать душу дьяволу – это, конечно, очень громко звучит, но только так можно добиться определенного уровня в искусстве.
  • Какой вид музицирования вам ближе: сольный концерт, концерт с оркестром или камерное выступление?
  • Интересен любой вид музицирования. Если рядом замечательный оркестр, дирижер или камерные исполнители, то совместное музицирование обогащает и приносит дополнительные эмоции. Сольное выступление имеет немного другую специфику, основанную на сосредоточенности на музыке.
  • Где вам комфортнее выступать: в России, Америке или Европе?
  • В России большое количество зрителей с “чуткими ушами”, в Германии всегда чувствуется атмосфера абсолютного погружения в музыку. Это необычайно культурная страна. Вот уж где никогда не зазвонит телефон! Я очень люблю американскую публику – эмоциональную и позитивно расположенную к артисту. Очень необычным опытом было для меня выступление в Рио-де-Жанейро. Я был поражен теплотой, открытостью, коммуникативностью публики.
  • Не только футболом интересуются!
  • Нет, у них столько хороших пианистов...
Несмотря на максимальную погруженность в музыку, Даниил Трифонов не выглядит затворником. Он любит заниматься спортом, предпочитает плавание и бег. Любит футбол. Увлекается живописью.
В беседе со мной педагог Трифонова Сергей Бабаян назвал его “очень редким талантом“. Бабаян сказал: Серьезность отношения к деталям, скорость запоминания, хорошая школа - в нем сошлось все. Счастливое сочетание! Со мной у него сложился хороший контакт. Он меня понимает с полуслова. Через две недели занятий я почувствовал, что он у меня взял больше, чем те, которые занимаются у меня годами.
19 августа 2012 года Трифонов дебютировал на Музыкальном фестивале в Равинии и сразу буквально потряс публику высочайшим уровнем исполнительского мастерства. Дебют с ЧСО у Трифонова состоялся в сезоне 2012-13 годов. С тех пор каждый год он непременно выступает в Чикаго. Официальный сайт пианиста - http://www.daniiltrifonov.ru/.
Nota bene! Билеты на все концерты Чикагского симфонического центра сезона 2016-17 годов, а также абонементы на концерты сезона 2017-18 годов можно приобрести на сайте www.cso.org, по телефонам 312-294-3000 и 800-223-7114, по почте или в кассе по адресу: 220 South Michigan Ave., ChicagoIl 60604.
Фотографии к статье:
Фото 1. ЛОГО ЧСО
Фото 2. Анушка Шанкар. Фото – Одри Сел
Фото 3-5. Даниил Трифонов. Фотографии предоставлены агентством “Opus 3” 

19 мар. 2017 г.

О лошадях и людях. Шоу “Одиссея”: все готово к премьере

На территории чикагского стадиона Soldier Field со 2 марта воздвигнут самый большой в мире передвижной шатер. Его размеры поражают воображение: высота – тридцать восемь метров (сто двадцать пять футов), сцена величиной в два хоккейных поля, зрительный зал более чем на две тысячи мест и общая площадь, равная размерам футбольного стадиона! При этом команда “Чикагские медведи” (Chicago Bears), выступающая на этом стадионе, не имеет к шатру никакого отношения. Скоро шатер превратится в театр под открытым небом и в нем состоится премьера шоу “Одиссея” (“Odysseo“). О шоу и его создателях - в этой статье.
Шоу “Одиссея” создано театральной труппой Cavalia. Уникальность коллектива состоит в том, что главные роли в нем исполняют лошади. Идея создания труппы Cavalia принадлежит одному из основателей Cirque du Soleil Норманду Латуреллю. Добившись в цирке всего возможного и невозможного, он пошел дальше и придумал конное шоу. Название сохранили то же самое, что и название труппы, - Cavalia. После десяти лет подготовки премьера шоу состоялась в 2003 году в Торонто. С 2004 года шоу гастролирует по всему миру.
“Одиссея” – второе шоу труппы Cavalia. Премьера состоялась осенью 2011 года. В спектакле участвуют шестьдесят пять лошадей, сорок восемь наездников, акробатов, танцоров и музыкантов.
В этом шоу возможно все! Вот лишь три примера. За несколько минут театральная сцена превращается в озеро - для этого надо “всего лишь“ сорок тысяч литров воды. Спустя несколько минут вместо озера мы уже видим огромный холм - для этого понадобится семнадцать с половиной тысяч квадратных футов пространства и около десяти тысяч тонн земли и песка в грузовиках. В течение представления используются восемнадцать панорамных экранов, каждый из которых размером в восемь тысяч четыреста квадратных футов в три раза превышает размер самых больших экранов в кинотеатрах. И так далее... Самое захватывающее в шоу состоит в том, что технические новшества и высокотехнологичные спецэффекты не отменяют и не заменяют главное - характеры действующих лиц: лошадей и людей. И тут уже все эффекты отходят на задний план, а на авансцене остается поэзия чистого искусства и гармония взаимоотношений человека и лошади. “Одиссея“ - доброе шоу, а это большая редкость в нашем жестоком мире. Кстати, наездники сами ухаживают за своими подопечными - четвероногими актерами. После спектакля - обязательный душ, потом ужин, свободное время. На следующий день - утренняя репетиция, тихий час, вечернее представление, далее по кругу...
Потрясающие спецэффекты в сочетании с искусством верховой езды, цирка и пантомимы никого не оставят равнодушными! Торопитесь, билеты уже в продаже!
Nota bene! Шоу “Одиссея” идет с 1 до 23 апреля по адресу: White Big Top, Soldier Field * South Lot, 1410 Museum Campus Drive, Chicago, IL 60605. Entrance at parking gates on East 18th DriveБилеты - $34.50 и выше. Заказ - на сайте www.cavalia.com или по телефону 1-866-999-8111.
Фотографии к статье:
Фото 1. Шатер в Чикаго. Фото – Трэвис Шенинг
Фото 2-4. Сцены из шоу “Одиссея”. Фото Джек Вондерли
Фото 5. Сцена из шоу “Одиссея”. Фото – Паскаль Ретте
Фото 6. Сцена из шоу “Одиссея”. Фото – Крис Уэйтс
Фото 7. Сцена из шоу “Одиссея”. Фото – Эндрю Миллер

18 мар. 2017 г.

Кама Гинкас: “Театр дает ощущение возвращения к корням“. Разговор с режиссером перед кинопремьерой

В рамках проекта Stage Russia HD (продюсер - Эдди Аронофф) 1 апреля в Эванстоне (пригород Чикаго) состоится кинопоказ спектакля Московского Театра юного зрителя “Черный монах” в постановке Камы Гинкаса. В главных ролях: Сергей Маковецкий и Игорь Ясулович. В беседе с вашим корреспондентом Кама Миронович Гинкас рассказывает о том, почему он решил обратиться к этой небольшой повести Антона Павловича Чехова.
  • Во-первых, потому что это Чехов – один из самых гениальных писателей всех времен и народов. Чехов выражает проблемы и психологию XX и XXI веков, хотя писал он в конце века XIX. Что касается рассказа “Черный монах”, то на первый взгляд он кажется не похожим на другие чеховские рассказы. Чехов никогда не прибегал ни к какой инфернальности и мистике. Он на самом деле несколько посмеивался над всякими подобными вещами и несколько с юмором относился, скажем, к Достоевскому, у которого всегда огромное количество невротиков, психически ненормальных, много видений, и так далее... Тем не менее Чехов написал небольшую повесть о Черном монахе, то есть о мистическом существе, которое является к очень талантливому ученому. Как он сам говорил: “Пишу медицинский рассказ”. Вроде бы его интересовала медицинская сторона вопроса: как человек сходит с ума. Но надо относиться к высказыванию Антона Павловича с юмором, потому что сам он именно так всегда относился к себе и своим высказываниям. На самом деле Чехова интересовало то, как сквозь будни и косность повседневности человек пытается прорваться к чему-то большему. Писатель прекрасно знал, что это стоит очень многого. Иногда – краха социального, иногда – личного, интимного, иногда это психическое заболевание, как в случае с главным героем Ковриным. “Черный монах” - рассказ о том, как человек захотел быть значительнее, чем он есть, прорваться в миры, которые нам недоступны, за что и был наказан психическим заболеванием. Чехов писал о людях, которые превращаются в ничем неприметные, невнятные существа, о том, как жизнь превращается в существование, и о том, почему мы сначала пытаемся чего-то добиться, а потом отказываемся и примиряемся с косностью повседневности. Это и “Дядя Ваня”, и “Три сестры”, и большое количество других замечательных произведений писателя. Меня заинтересовал “Черный монах”, потому что в данном случае это непривычное для Чехова заострение темы. Правильно ли человеку продираться и пытаться познать больше, чем ему дано судьбою, биологией, Господом Богом, или надо оставаться тихим и незаметным?

  • Вы отвечаете на этот вопрос в спектакле или оставляете его для нас, зрителей? Лучше оригинальность безумия или посредственность в толпе?
  • Конечно, этот вопрос остается для вас, зрителей. Чехов всегда считал, что человек должен пытаться быть выше себя, но только он всегда будет за это наказан. И это нормально. Я, вослед Чехову, уже рассуждал иначе. Мы стали “человеками”, когда Адам и Ева, которым было запрещено отведать яблоко с древа познания, переступили черту, сделали больше, чем им было разрешено. Они были такие же двуногие скоты, как и другие парные животные, которые ходили по райскому саду. Но когда они отведали запретный плод, то есть когда познали друг друга и себя гораздо больше, чем было им дано, они стали “человеками”. В результате родились мы с вами. Но Адам и Ева были наказаны Богом изгнанием из рая. С тех пор “человеки” рождаются в муках, рожают в муках и мучаются, став смертными, в течение своей жизни. Тем не менее мы “человеки” до тех пор, пока переступаем дозволенную нам черту. Так думаю я. Так, мне кажется, думал Чехов.
  • Чехова ставят много и по всему миру, но это, в основном, пьесы. Реже ставят Палату N6, еще реже – Даму с собачкой. Сценической истории “Черного монаха” нет. Такое впечатление, что режиссеры как-то побаиваются обращаться к этому материалу. Может быть, из-за инфернальности темы?
  • Не знаю. “Даму с собачкой” тоже ставят очень редко, а если ставят, то как любовную историю. В “Палате N6” находят некий социальный протест. Я сам ставил “Палату...” в Финляндии в свое время... Не знаю, почему не ставят. Я знаю, почему ставлю я. Я ставлю всегда то, что интересовало Чехова в большей или меньшей остроте. Острота есть всегда, просто иногда она выражена нежно и мягко, иногда – предельно. Например, в “Скрипке Ротшильда“ мы читаем очень резкое высказывание о человеке, который продал жизнь, по существу не родившись как человек. В семьдесят лет он начинает постигать, что прожил жизнь бессмысленную, бесцельную, пустую. Рождается он буквально перед смертью. Чехов говорит, что можно родиться перед смертью и стать человеком, а можно прожить всю жизнь, так и не став человеком...

  • Обычно в программке к спектаклю пишут фамилии режиссера и художника. У вас написано – “Пространство - Сергей Бархин”. Мне очень понравилось это слово. Расскажите, пожалуйста, о вашей совместной работе с создателем пространства Сергеем Бархиным.
  • Сергей Бархин – художник, с которым я и главный режиссер Московского Театра юного зрителя Генриетта Яновская работаем последние тридцать с лишним лет. Он давно стал членом нашей семьи. Можно говорить о человеке, который принадлежит твоей семье, как о гении? А он таков и есть - гениальный абсолютно мастер и человек, один из лучших театральных художников. Естественно, то, что он делает, - не декорация и даже не сценография. Это именно пространство, в котором существуют наши герои. Пространство очень необычное. Об этом надо отдельно сказать. Спектакль мы играем на балконе. Внизу находится партер. Зайдя на маленькую площадку, которая нависает над партером, Коврин (Сергей Маковецкий) смотрит на зрителя и в ту же секунду прыгает в партер, как минимум с пяти метров вниз. Это первая попытка сделать шаг в неизвестное, первая попытка поэкспериментировать над собой. Конечно, это театральная шутка. Коврин вылезает живым и здоровым, и спектакль продолжается. Вдалеке, сквозь павлиньи перья в саду Песоцкого (место действия происходит в поместье Песоцкого), видна маленькая фигурка Черного монаха. В таком далеке, который в театре невозможно изобразить, но благодаря перспективе, очень близко, прямо перед носом у зрителя находящимся перьям, получается эффект пятидесятиметровой глубины, на которой якобы находится Черный монах. Он появляется и становится большим, огромным, завладевает той маленькой площадкой, на которой разбросаны перья и живет Коврин. Дальше Коврин общается с абсолютно непонятным, далеким, черным, манящим и одновременно пугающим пространством, откуда может появиться Черный монах. В финале это пространство забивается досками, чтобы Коврин не видел больше Черного монаха. Но, проламывая доски, монах приходит к умирающему Коврину. Он говорит, что надо было верить в него и тогда бы Коврин стал гениальным и замечательным человеком, служил бы человечеству, и т.д...

  • Вы на словах замечательно передали пространство сцены. Надеюсь, мы в полном объеме увидим это в кино...
  • Спектакль был по-новому записан специально для показа в США. Я видел эту запись. Это профессиональная попытка телевизионными средствами передать театральную постановку. Спектакль “Черный монах“ еще и интерактивен. Маковецкий общается напрямую со зрителями. Немного, но тем не менее. Все происходит не только буквально на расстоянии протянутой руки, но иногда почти касаясь зрителя. В кино это передается настолько, насколько телевидение или кино могут передать театр. Визуальная сторона видна, актерская игра и острота происходящего несомненно чувствуются, юмор понятен. А ощущения непосредственного присутствия вряд ли возможны. Как говорил Мейерхольд: “Шутки, свойственные театру, вряд ли будут почувствованы зрителем в кино”.
  • Почему для вас было важно пригласить на роль Коврина именно Сергея Маковецкого? Что есть уникального в этом актере?
  • Во-первых, Маковецкий - чрезвычайно талантливый артист. Это самое главное. Второе – это артист, который соединяет в себе, с одной стороны, большую нервную эмоциональную подвижность, что важно для этого персонажа, чувство юмора и ум. Мало таких артистов, которые могут быть эмоциональны, умны и смешны.

  • Как вам работалось с ним?
  • Весело, нежно, напряженно, профессионально и всегда с удовольствием. Спектаклю “Черный монах” семнадцать лет. Мы объездили с ним многие страны. Играли в Сеуле, где ему приходилось якобы прыгать с пятнадцатиметровой высоты третьего яруса. Маковецкий всегда был на высоте. Сейчас он, как никогда, очень занят, много снимается, играет у себя в театре, приходит, бывает, усталый, но тут же включается в дело. Приведу такой пример. Мы еще не выпустили “Черного монаха”, как он сразу стал спрашивать: “Кама Миронович, что мы будем делать дальше?” Я отвечаю: “Давайте сначала выпустим этот спектакль”- “Нет, что мы будем делать дальше?” К сожалению, новый проект не случился в силу организационных обстоятельств. Сейчас он снова ко мне подходит и спрашивает: ”Кама Миронович, вы не забыли? Вы говорили о следующем спектакле”.

  • Что вы думаете об идее показа в Америке русских драматических спектаклей?
  • Я считаю, что это замечательная идея. Русские театры – великое достояние мировой культуры! Это абсолютно специфический грандиозный театр, отличающийся от французского, английского, даже польского. Американские зрители, приученные либо к мюзиклам, либо к кино, настоящий драматический театр знают очень мало, но они интересуются, смотрят с интересом, хотят узнать больше. Я работал в Америке. Выпускал “Скрипку Ротшильда” в Йельском репертуарном театре в Нью-Хейвене (мы там играли три месяца), поставил “Даму с собачкой” в Американском репертуарном театре в Кембридже (под Бостоном) и в театре “Гатри“ в Миннеаполисе. В Нью-Йорке на Бродвее мы играли “К.И. из “Преступления“ по Достоевскому. На “Скрипку Ротшильда“ приходили, в основном, американцы. Приезжали из разных городов, спрашивали: “Когда вы привезете этот спектакль к нам?” Прекрасно, что теперь жители многих городов Америки смогут на месте увидеть русский театр. А что касается русскоязычных зрителей, то их интерес - явление само собой разумеющееся. Люди ностальгируют по русскому языку, культуре, литературе. Это проверено тысячу раз. Как бы человек не проклинал свою прежнюю советскую жизнь, тем не менее это его корни, и без них он никуда! Театр дает ощущение возвращения к корням!
Nota bene! В “большом” Чикаго спектакль “Черный монах” будет демонстрироваться апреля в 2.00 pm в помещении Josephine Louis Theater по адресу: 20 Arts Circle Drive, Evanston, IL 60208 (located on the southeast part of the Evanston campus of Northwestern University just off Sheridan Road and Campus Drive, the Louis Theater faces the parking structures)Заказ билетов – на сайте https://web.ovationtix.com/trs/pe.c/10134391. Все новости о проекте Stage Russia HD - на сайте http://www.stagerussia.com/. 
Фотографии к статье:
Фото 1-2. Кама Гинкас. Фото – Stage Russia
Фото 3-7. Сцены из спектакля “Черный монах”. Фото – Stage Russia

15 мар. 2017 г.

Равиния-2017: все звезды в гости к нам. Объявлен новый сезон Музыкального фестиваля

Сегодня объявлена программа Музыкального фестиваля в Равинии (пригород Чикаго Хайленд-парк, 3 июня - 17 сентября). Вкратце о самом важном. Президент фестиваля Уэлц Кауфман объявил о продлении на восемь лет контракта с Чикагским симфоническим оркестром (ЧСО). Контракт истекал летом 2018 года, и некоторые говорили о том, что ЧСО может предпочесть уйти из северного пригорода поближе к центру города. Но к радости многих этого не произошло. Равиния служит летней резиденцией ЧСО с 1936 года, и уже можно сказать, что беспрецедентное по времени сотрудничество одного оркестра с одним фестивалем продолжится как минимум до 2026 года!

Пост музыкального руководителя Равинии по-прежнему остается вакантным, но, кажется, руководство фестиваля это не сильно тревожит. С ЧСО каждое лето работают лучшие дирижеры со всего мира, и этот сезон – не исключение.
В Равинии снова выступит Джеймс Ливайн. После прошлогоднего триумфа со Второй симфонией Малера в программе нового концерта – оратория Й.Гайдна “Сотворение мира” с солистами: сопрано Надин Сиерра, тенор Мэтью Поленцани и бас Джон Релайа.
Среди звездных имен – Кристоф Эшенбах, Сусанна Мялкки, Джанандреа Носеда, музыкальный руководитель Симфонического оркестра Индианаполиса и главный приглашенный дирижер Токийского симфонического оркестра Кшиштоф Урбаньский и “виртуальные” Эса-Пекка Салонен с Лондонским оркестром “Филармония“. Благодаря новейшим компьютерным технологиям с 11 по 23 июля в специальной палатке на лужайке (Ravinia Tent on the North Lawn) все желающие смогут посидеть в оркестре с музыкантами и поучиться дирижированию у маэстро Салонена.  
Пять дирижеров дебютируют в Равинии: музыкальный руководитель Монреальского симфонического оркестра и Гамбургской оперы Кент Нагано, главный дирижер Бергенского симфонического оркестра Эдвард Гарднер, главный дирижер цюрихского оркестра Тонхалле тридцатилетний французский дирижер Лионель Брингье, художественный руководитель фестиваля Сибелиуса Дима Слободенюк, музыкальный руководитель Дюссельдорфского симфонического оркестра и Национального оркестра Бельгии украинский маэстро Андрей Борейко.
В Равинию впервые приедут Симфонический оркестр Люцерна под управлением музыкального руководителя Джеймса Гаффигана, Кливлендский барочный оркестр Apollo’s Fire под управлением Джанетт Соррелл и Национальный юношеский оркестр Венесуэлы под управлением, наверно, самого популярного дирижера мира Густава Дудамеля. (Дирижер Родриго де Суза из сериала “Моцарт в джунглях” в исполнении Гаэля Гарсиа Берналя писался именно с него.)
Среди солистов внимание привлекут Вадим Репин, Кирилл Герштейн, Николай Луганский, Джошуа Белл, Ланг Ланг, сэр Джеймс Галвей, Пинхас Цукерман, Денис Мацуев, Гаррик Олссон, Джонатан Бисс.
Французский пианист Пьер-Лорен Омар исполнит Каталог птиц О.Мессиана, а его американский коллега Джонатан Бисс продолжит цикл "Все фортепианные сонаты Бетховена".
Второй раз в Равинии выступает талантливый узбекский пианист Бехзод Абдураимов. Среди дебютантов – пятьдесят восемь музыкантов, из них тридцать представляют мир классической музыки. Интересен дебют тридцатилетней китайской пианистки Юджи Ванг. Среди дебютантов также выделяются двадцативосьмилетний тайванско-австралийский скрипач Рей Чен, сопрано Марисол Монталво.
Пианисты Даниэль Шлосберг и Инна Фаликс исполнят транскрипцию для двух фортепиано Шестой симфонии Г.Малера.
Впервые в Равинии выступят Датский струнный квартет, Струнный квартет Симона Боливара и Calidore String Quartet. Остальные квартеты нам хорошо знакомы - The Emerson String Quartet и Pacifica Quartet.
Несколькими концертами в Равинии отметят семидесятилетие американского композитора Джона Адамса. Прозвучат его “Учение о гармонии“ (1985 год), “Камерная симфония“ (1992), пьеса “Роуд-муви“ (1995), сочинения для двух фортепиано “Перекресток Алиллуйя“ (1996) и “Roll Over Beethoven“ (2016 год, премьера на Среднем Западе), другие произведения.
Из мира популярной музыки выделю концерты Сантаны, Джона Ледженда, Уилли Нелсона, Ареты Франклин, Дианы Кролл, Тони Беннетта, Шерил Кроу, Франки Валли и группы The Four Seasons, групп One Republic, The Beach Boys, The Temptations, The Gipsy Kings.
А еще в Равинии, как это было все последние годы, покажут кино: трилогию “Властелин колец” и тот самый “Ла Ла Лэнд”, который не посмотрел только ленивый.
Всего ЧСО исполнит семнадцать концертов в период с 11 июля по 20 августа.
Как и в прошлые годы, цены на большинство концертов классической музыки в павильоне - $25, на лужайке - $10 (для детей и студентов – вход свободный). Цена за концерт в Беннетт Гордон холле – всего $10 (меньше, чем билет в кино).
Всего на фестивале пройдут более ста сорока концертов.
Итак, нас ждет много музыки и много интересных событий. Постараюсь рассказать обо всем в летних выпусках Музыкального обозрения. А пока - читайте, изучайте, составляйте свои списки концертов, которые пропустить нельзя. Полное расписание – на сайте www.ravinia.org. Встретимся на фестивале!  
Nota bene! Билеты на все концерты Музыкального фестиваля в Равинии появятся в продаже с 5 часов утра 9 мая на сайте http://ravinia.org/ и с 10 мая по телефону 847-266-5100. Музыкальный фестиваль пройдет на территории парка Равиния по адресу: 200 Ravinia Park Rd, HighlandPark, IL 60035.
Фотографии к статье:
Фото 1-4. Равиния. Все фото – Ravinia Festival

14 мар. 2017 г.

Trap Door Theatre (Чикаго): “Карьера Артуро Уи” (“The Resistible Rise of Arturo Ui”)

Чикагская “Ловушка“ (Trap Door Theatre) не первый раз в своей истории возвращается к драматургии Бертольта Брехта и представляет спектакль “Карьера Артуро Уи” (полное название - Карьера Артуро Уи, которой могло не бытьThe Resistible Rise of Arturo Ui“, перевод - Джордж Табори и Алистер Битон).
10 марта 1941 года Бертольт Брехт написал в своем дневнике: “Мне снова пришла в голову та мысль, которая родилась в свое время в Нью-Йорке, - написать пьесу о гангстерах, которая бы напомнила некоторые всем известные события. Быстро набрасываю план - 11-12 сцен. Конечно, все должно быть написано в высоком стиле“. Так началась работа над “Карьерой Артуро Уи“ - политическим памфлетом на актуальные темы. Местом действия был выбран город Чикаго - столица гангстерского мира тридцатых годов XX века. За гангстерскими масками скрывались вполне узнаваемые исторические персонажи. В “высоком стиле“, используя сцены из “Ричарда II“, “Ричарда III“, “Макбета“ Шекспира и “Фауста“ Гете, Брехт создал памфлет на Гитлера и его окружение. Но если в вышеперечисленных пьесах злодеи были великие, то здесь - жалкий и ничтожный Артуро Уи: истерик, трус, мелкий авантюрист, шантажист, под маской которого явно просвечивают черты не только Гитлера, но и всех диктаторов прошлого и настоящего.
В вводной заметке к пьесе Брехт пояснил: “Карьера Артуро Уи, которой могло не быть“, написанная в 1941 году в Финляндии, представляет собой попытку объяснить капиталистическому миру возвышение Гитлера, в связи с чем он и помещен в привычную для этого мира среду. Стихотворная форма позволяет дать масштаб героизма действующих лиц“. В примечаниях автор добавил: “В настоящее время широко распространено мнение, будто выставлять  на посмеяние великих политических преступников - живых или мертвых - неуместно, да и нецелесообразно. Говорят, что на это болезненно реагирует даже простой народ, и не только потому, что он невольно причастен к преступлениям, но и потому, что уцелевшие посреди развалин не могут над этим смеяться. Стоит ли к тому же ломиться в открытые двери - таковых в  развалинах слишком много; утверждают, что люди усвоили урок, - зачем еще и еще раз напоминать о нем этим несчастным?.. Этим, однако, вовсе еще не сказано, что сатире не подобает вмешиваться в серьезные вопросы. Именно серьезные вопросы ее и занимают. Великих политических преступников непременно следует выставлять на всеобщее обозрение, и прежде всего на посмеяние. Ведь они вовсе не великие политические преступники - просто их руками творятся великие политические преступления, а это далеко не одно и то же. Не надо бояться плоской истины, если только она истинна!.. Необходимо разрушить почтение к убийцам. Повседневная логика не должна отступать в тень, имея дело со столетиями; все то, что верно относительно малых обстоятельств, должно сохранять свою правоту и касательно крупных событий. Если сильные мира сего дают возможность мелкому мерзавцу стать крупным мерзавцем, это не значит, что мы должны позволить ему занять исключительное положение не только в свойственной ему мерзости, но и в нашем представлении об истории. “...Уи“ - пьеса-притча, написанная с намерением разрушить обычное опасно почтительное отношение к великим убийцам“.
Брехт был поразительно прозорлив. Звериный оскал фашизма он увидел уже тогда, когда многие его коллеги по перу пытались оправдать Гитлера и его свиту, пытались найти в этих персонажах что-то хорошее и нужное для страны. Брехт тогда остался в меньшинстве, но это не помешало ему писать и говорить правду о немецком режиме, предупреждая мир о его опасности. Сегодня, как мне кажется, мы присутствуем при ренессансе идей и актуальности наследия великого немецкого драматурга.
Автор оставил режиссерам достаточно четкие указания, как ставить пьесу: “Чтобы события приобрели то значение, которое они, к сожалению, имеют, пьеса должна быть поставлена в высоком стиле; лучше всего - с отчетливыми реминисценциями из елизаветинского театра, то есть с занавесками и помостами. Можно, например, играть перед спущенными сверху занавесками, забрызганными краской цвета бычьей крови. Можно использовать и задники, расписанные перспективными панорамами, допустимы также звуковые эффекты - орган, трубы, барабан. Необходимо пластическое представление в стремительном темпе с легко обозримыми мизансценами во вкусе ярмарочных представлений. Следует использовать маски, интонации, жесты, напоминающие о прототипах, но чистой пародии следует избегать, и комическое начало непременно должно звучать до известной степени жутко“.
Пьеса “Карьера Артуро Уи“ была впервые поставлена почти через восемнадцать лет после ее создания. Премьера прошла 19 ноября 1958 года в театре Штутгарта учеником Брехта Петером Паличем. На следующий год созданный Брехтом “Берлинский ансамбль“ (Berliner Ensemble) сделал спектакль, ставший манифестом нового театра. Роль Артуро Уи стала визитной карточкой выдающегося немецкого актера Эккехарда Шалля. В СССР наиболее известной постановкой является спектакль Ленинградского БДТ 1963 года (режиссер - Эрвин Аксер) с Евгением Лебедевым в главной роли.
Режиссер-постановщик чикагского спектакля - французский режиссер Виктор Квезада-Перес (Victor Quezada-Perez). Сын чилийских эмигрантов, он хорошо знает о таких понятиях, как право человека на свободу творчества. Он - основатель (с 1998 года) и бессменный художественный руководитель парижской театральной компании Cie Umbral (“Рассвет“), сочетающей в себе элементы театра, цирка и клоунады. В каждом его спектакле актеры используют метод физического театра и так называемую “европейскую клоунскую технику“. Режиссерские работы Квезада-Переса демонстрировались на Авиньонском театральном фестивале. На фестивале 2010 года успехом пользовался его спектакль “Требуется старый клоун“ по пьесе Матея Вишнека. В качестве актера Виктор участвовал в пятнадцати постановках в разных театральных проектах во Франции. А еще Виктор - пианист и обладатель диплома мастера по специальности “История и политические науки“. В 2012 году он ставил в Trap Door Theatre спектакль “Поджигатели“ (“The Arsonists“) по пьесе Макса Фриша. С актерами театра Виктор работал во Франции в 2014 году.
В ролях: Деннис Бисто, Эбби Бланкеншип, Антонио Брунетти, Кейси Чапмен, Билл Гордон, Дерек Джек, Линдси Роуз-Кейн, Майк Стил, Дэвид Стигер, Кевин Вебб.
С нетерпением жду премьеры “...Артуро Уи“. Уж очень близок брехтовский стиль со стилем Trap Door Theatre. Надеюсь, что нас ждет запоминающийся спектакль!
А вообще, читайте Брехта, дамы и господа! Сегодня он звучит на редкость актуально.
Nota bene! Спектакль “Карьера Артуро Уи” идет с 16 марта до 22 апреля 2017 года в помещении The Trap Door Theatre по адресу: 1655 WestCortland Avenue, Chicago, IL 60622. Билеты - $20 в четверг и пятницу, $25 – в субботу. В пятницу два билета продаются по цене одного. Справки и заказ билетов - по телефону 773-384-0494 или на сайте театра www.trapdoortheatre.com. Там же вы найдете информацию об истории создания и сегодняшнем дне театра.
Фотографии к статье:
Фото 1. Билл Гордон, Кейси Чапмен, Антонио Брунетти и Кевин Вебб в спектакле “Карьера Артуро Уи”. Фото – Михал Яники
Фото 2. Постер к спектаклю
Фото 3. Майк Стил в спектакле “Карьера Артуро Уи”. Фото – Михал Яники
Фото 4. Виктор Квезада-Перес